西方音乐史

读者在认识到一众举足轻重的音乐家之余，更能了解到产生不同音乐风格与流派的社会背景和该历史时期的人文精神、审美特征，从而提升对音乐的鉴赏能力。本篇思维导图是一堂深入浅出的音乐历史课，对所有学习音乐的学生和音乐爱好者也甚具参考价值。

西方音乐史

• 古希腊和古罗马音乐（公元前8-公元5世纪） 起：荷马时代（史诗时代、黑暗时代） 止：西罗马帝国灭亡（公元476年）
  • 概述 古希腊文明史发源于爱琴文明。公元前6到4世纪，古希腊音乐实践活动与音乐理论取得重大成就。公元前5世纪是希腊文明黄金时期，但显示出衰落前兆：简朴庄重注重心智教育→复杂炫技注重愉悦的享乐音乐。社会功能？守旧革新？ 公元前146年，文化中心希腊→罗马，实用化、娱乐化。基督教产生。娱乐享乐→虔诚肃静、禁欲主义。主导（中世纪） 《荷马史诗》分为伊利亚特和奥德赛（特洛伊战争）
  • 第一节 古希腊音乐 约从公元前8世纪城邦制开始，至公元前4世纪古希腊被马其顿侵占而止。
    • 一、音乐形式
      • 古希腊音乐与诗歌、戏剧有着紧密联系。古希腊是单声部音乐时期，旋律通常由自然音或自然音与变化音混合构成。音乐常以诗与乐、舞与乐或诗舞乐三位一体的综合艺术形式出现。歌唱有时带伴奏、字母记谱。
        • 音乐出现场合
          • 祭神仪式：古奥林匹克运动会的节庆中，人们为表达对宙斯的崇敬，举行盛大的载歌载舞的祭祀活动。
          • 诗歌吟诵：《荷马史诗》中的《奥德赛》和《伊利亚特》
          • 悲剧表演：埃斯库罗斯《被缚的普罗米修斯》、索福克勒斯《俄狄浦斯王》、欧里庇得斯《美狄亚》
      • 1.戏剧 “古典时期”是古希腊的全盛时期，各城邦的政治和经济发展日益繁荣，每年都要举行盛大的戏剧比赛，由此也迎来了古希腊戏剧的黄金时代。
        • （1）悲剧（tragedy） 在古希腊艺术中，悲剧是一种重要的艺术体裁。悲剧一词在希腊文中译为山羊之歌，与酒神相关。公元前6世纪左右，希腊人开始崇拜酒神狄俄尼索斯——一位象征着放纵、狂野、享受的神，悲剧的起源就是从对这位酒神的敬仰开始的。相传在酒神的身边有一位半人半羊的随从，因此，在祭祀活动中，人们身披羊皮，戴着羊角和羊胡须，扮成酒神的随从唱酒神颂歌，载歌载舞。后来，这种祭祀活动逐步转变为悲剧的演出，演员取代了祭司，叙述的故事也逐渐从对酒神的赞美，扩展到古希腊其他神话题材、英雄传说和史诗等。 悲剧主要由诗歌、舞蹈和音乐构成，其中音乐部分包含了合唱、独唱，由阿夫洛斯管和基萨拉琴伴奏。悲剧演出通常包括开场白、进场曲、戏剧场面、退场四部分。这一时期成就最高的悲剧作家有：
          • 埃斯库罗斯：《被缚的普罗米修斯》《俄瑞斯忒亚》对西方戏剧艺术发展产生了深远影响。
          • 索福克勒斯：《俄狄浦斯王》《安提戈涅》个人意志与命运冲突的 “命运悲剧”。
          • 欧里庇得斯：《特洛伊妇女》《美狄亚》西方文学史中第一位以女性形象塑造角色的作家。对希腊化时期的新戏剧、罗马文学和后世欧洲文学都有很大影响。
        • （2）喜剧 起源于祭祀酒神的狂欢歌舞和民间滑稽戏。主要是政治讽刺剧和社会讽刺剧，产生于言论比较自由的民主政治繁荣时期，具有较强的批判性，尤其擅长讽刺当权人物。文学领域发展较突出的是新喜剧和田园诗。新喜剧相对阿里斯托芬的“旧喜剧”而言，其特征是不谈政治，话题严肃，表现社会风俗，用曲折的情节和诙谐雅致的风格取悦观众。
          • 阿里斯托芬：《鸟》（古希腊现存结构最完整的寓言喜剧）欧洲喜剧之父，形成了西方文学中以滑稽形式表现严肃主题的喜剧传统。
          • 米南德：《恨世者》《萨摩斯女子》古希腊新喜剧的先驱和代表人物。
      • 2.琴歌 公元前8-公元前6世纪是古希腊历史的“大移民时代”，人们从过去对神、英雄的歌颂，转而表现自身的情感和意志。 这样的转变集中体现在抒情诗和寓言的创作中。 古希腊抒情诗主要分为双行体诗、讽刺诗、琴歌、牧歌，其中成就最高的是琴歌。这是一种与音乐结合的歌曲类诗体，可分为独唱体、合唱体，里拉伴奏
        • 萨福（女）：独唱体琴歌代表女诗人。爱情抒情诗，建立音乐学校。柏拉图称之为“第十位缪斯”
        • 品达：合唱体琴歌成就最高的诗人。节庆仪式，崇高颂歌的典范。
    • 二、音乐理论
      • 1.毕达哥拉斯“和谐论”： “和谐论”由古希腊时期伟大的哲学家和数学家毕达哥拉斯提出，他是第一个以数理方式解释音乐现象的人。古希腊人崇尚宇宙，对天文关注较多，毕达哥拉斯认为音乐与天体运动存在相似性，在此基础上提出“和谐论”，该理论对西方后来的音乐观念产生了重要影响。
        • 音阶中的音程关系以弦长为基础产生
        • 弦长2:1八度 3:2纯五度 4:3纯四度
        • 458度为协和音程，其余都是不协和音程，最简单的数量比例关系
      • 2.四音音列：公元前4世纪古希腊著名音乐理论家阿里斯多塞诺斯提出的。他所著的《和谐的要素》一书是古希腊音乐理论的重要文献之一，其中核心内容是四音音列，旋律、音阶、调式等相关理论都建立在这个四音音列的基础之上。 四音音列由构成四度框架的两个音以及在这个框架内灵活变动的另两个音组成 若干四音音列可构成一个音列体系↓
        • 自然音列（部落名）
          • 多利亚
          • 弗里几亚
          • 利第亚
          • 混合利第亚
        • 变化音列
        • 微分音列
      • 完整音列体系
        • 大完整体系（15）：四个相同结构四音音列 相交相隔 最下方加A附加音（四音音列三种类别都可以）
        • 小完整体系（11）：三组四音音列构成 省去最高一组 相交 保证内部结构一致 一个变音记号降b
      • 调式：氏族部落命名 多利亚 弗里几亚 利第亚及变体 大完整音列去掉附加音A
        • 高度不同：首调
        • 高度相同：固定调
      • 记谱法：音高 长短 休止
        • 声乐：字母
        • 器乐：符号
      • 社会功能：巫术→教化功效 驱邪防病→使人向善。古希腊人认为不同的调式与不同的情感相联系，调式概念不仅是音阶形式，还有旋律结构 音乐风格。 特殊社会文化背景。 器乐发展 基萨拉琴→12 阿夫洛斯管→15 新式作曲 激烈争论 主流：好音乐使人向善 怀音乐诗人品行不端，庄重简朴，符合规则（政治 音乐） 柏拉图：音乐为社会教育服务，而不是享受娱乐
        • 多利亚：阿波罗 基萨拉琴 希腊正宗 最高评价。亚里士多德：调式质朴 男子气 安静力量
        • 弗里几亚：狄俄尼索斯 阿夫洛斯管 东方部落。亚里士多德：调式狂放 酒神精神 热情 →多利亚 坏脾气变好 副弗里几亚 享乐 丧失意志 柏拉图要求公民拒绝接受
    • 三、音乐思想
      • 柏拉图《理想国》《法律篇》：音乐的功能体现在社会教育方面。他认为，体育训练体质，音乐训练心智，然而体育太多，人就变得愚昧，音乐太多，人就变得柔弱，好的音乐应该庄重、简朴，应该符合规则。因此，音乐应对人起到道德规范的作用，而不是以享受或娱乐为目的，须警惕不适度的音乐对人的“腐蚀”。
      • 亚里士多德《政治学》：音乐的道德作用和教育作用尤为重要，音乐的教育作用比它产生的愉悦作用更重要。他主张：音乐应该学习，并不是只有一个目的，而应同时围着几个目的——1.教育 2.净化 3.精神享受
      • 在古希腊人的心目中，音乐具有教化功能，能净化心灵、使人向善。在古希腊理论家看来，音乐具有伦理价值的取向，这充分反映在他们对调式作用的认识上。他们认为，不同的调式联系着不同的情感。例如多利亚调式考研使人安静并具有力量；弗里几亚调式则会使人狂放，激发人的热情；而下弗里几亚调式容易使人丧失意志。 需要注意的是，该时期对调式的评价并非由纯粹的审美体验所得，而是在特定社会历史文化背景中提出的。西方音乐美学问题最早可以追溯到古希腊时期。
    • 四、乐器
      • 1.弦乐：历史早 希腊本土 正统 音乐的象征标志
        • 里拉（Lyre）：里拉为弦乐器，手指拨弦而发声，最早由乌龟壳制成，有四根弦，后来在发展中形成很多样式，弦也增多，但以七弦为主，其中较重要的有基萨拉琴。它音色柔和，是为歌唱伴奏的乐器。里拉的使用常与颂扬阿波罗有关。
          • 基萨拉琴（kithara）：由里拉发展而来 较大 响亮 专业演奏者
          • 普通里拉：轻柔 伴奏吟唱 业余音乐家
      • 2.管乐：时间较晚 亚洲传入地位上升 皮底亚阿波罗战胜蛇神阿夫洛斯管独奏
        • 阿夫洛斯管（Aulos）：也称竖笛，音色近似于现代双簧管，由两根管子组成，一长一短，各有数孔，可以同时发两个音。声音有穿透力，洪亮坚硬，具有狂放野性的力量，是在敬奉酒神的狂欢中使用的乐器。
    • 五、音乐作品
      • 《塞基洛斯墓志铭》约产生于公元前200年至公元100年之间，是希腊化时代伊奥尼亚地区诗人塞基洛斯为悼念亡妻所写的，在土耳其的艾登被发掘出土，是现存最早、保留最完整的西方音乐考古实物。这首音乐纯净而空灵，表达了对逝者的缅怀和对美好生活的期待。
    • 古希腊音乐的主要特点(音乐美学思想) *1、音乐是追求真理和美的活动。 *2、音乐有一种神奇强大的力量，它能够纯净人的思想和灵魂，治疗人们的身体。 *3、音乐与其它艺术不分离，与自然科学如天文、几何、算数紧密相关。 *4、音乐是单音音乐，音域不宽。(以歌唱为主) *5、存在多样的音乐体裁和音阶调式。 *6、有了字母记谱法。
    • *古希腊音乐总体特征：音乐是净化心灵，教化品性的重要手段，好的音乐应该庄重简朴，应该符合规则。 *音乐功能：认知，教育，审美，治疗，净化心灵，使人向善。
  • 第二节 古罗马音乐 公元前146年古罗马征服希腊，文化中心西移到罗马，至公元476年罗马帝国消亡为止，历经600余年。
    • 一、古希腊音乐财富的继承和发展
      • 1.古罗马是古希腊音乐财富的继承者：古罗马人崇尚武力，征服古希腊，又沉迷于古希腊艺术，将古希腊音乐传统继承下来。
      • 2.古罗马是古希腊音乐财富的发展者
        • 实用性：由于征战需要，军乐得到了发展。在军乐中，大音量的铜管乐器使用普遍，如大号（tuba)
        • 享乐性：观看角斗，使用水压风琴（hydraulis）（最早的管风琴）伴奏→音量大，增加角斗气氛
    • 二、基督教音乐兴起
      • 产生于中东以色列和巴勒斯坦地区，最初在古罗马秘密传入。公元313年罗马皇帝颁布《米兰赦令》， 基督教成为合法宗教，在罗马和米兰迅速发展壮大。 随着基督教的发展，教堂中的精髓——赞美诗和圣歌，对人们的观念产生了影响。基督教要求人们以一种虔诚、肃穆的方式基督教新的音乐观：排斥世俗娱乐性音乐，庆典节日销声匿迹，音乐集中于教堂修道院，精神拯救的工具，凝重庄严肃穆的宗教音乐成为主体。许多方面继承了东方宗教音乐的特征。 古罗马灭亡，基督教成为在中世纪欧洲唯一从古代世界继承下来的文化遗产，教会礼拜音乐活动主宰着中世纪的大部分时期。
  • 小结
    • 1.音乐源头：古希腊音乐是孕育西方音乐的源头。
    • 2.三位一体艺术：古希腊艺术中所提倡的诗歌、舞蹈、音乐三位一体的综合艺术形式，为后世歌剧、舞剧等综合艺术的产生和发展提供了蓝本。
    • 3.音乐理论：古希腊时期创立的音乐理论成为后世音乐发展的基础，西方音乐的主体正是在“和谐论”的影响下形成的，四音音列基础上构成的古希腊调式为中世纪教会调式的形成奠定了基础。
    • 4.音乐思想：柏拉图与亚里士多德等哲学家的音乐思想开启了音乐美学的研究。
    • 5.基督教：公元313年罗马皇帝颁布《米兰赦令》，使基督教成为合法宗教，从此西方基督教音乐文化拉开了历史的帷幕，西方音乐也开始了漫长的发展道路。
• 中世纪音乐（公元5-公元15世纪）黑暗的1000年 起：西罗马帝国灭亡 止：东罗马帝国（拜占庭帝国）灭亡（或以文艺复兴运动的开始或地理大发现为结束）
  • 概述 公元5古罗马消亡-14、15世纪之交=中世纪 基督教世界取代古罗马社会必然性 迎合人们超脱凡俗获得永生。 七艺=三艺：语法修辞逻辑+四艺：算术几何天文音乐 教化人使人弃恶向善 -13世纪大多是基督教教会音乐=古代音乐遗产筛选+世俗音乐限制 相对稳定发展环境 为西方音乐独立发展提供重要基础。 古罗马享乐主义→基督教禁欲主义=要求感性 个人主观 西方音乐后来的独特发展包含着中世纪音乐家在理论实践方面的重大成就
    • 5-10世纪
      • 开初 停滞落后 -8、9世纪教会力量分散 各地区各自特征的教会礼仪 即兴口头传诵 发展缓慢
      • 8世纪下半叶 加洛林文艺复兴 法兰克帝国 文化的复苏和政治的统一为基督教教会礼仪的统一创造条件
      • 9世纪 格里高利圣咏确立了作为统一的罗马教会礼拜音乐的权威地位 理论：教会调式理论 记谱方式 教会音乐实践：弥撒 日课→继叙咏 附加段→复调音乐
    • 11-13世纪：中世纪音乐盛期 西方社会历史独立发展倾向 东西方基督教会分离加速趋势 世俗音乐发展
      • 11世纪 经济发展 文化发展 教会调式理论发展成熟 规多四线谱
      • 12、13世纪 基督教礼拜音乐达到全盛 复调音乐发展
      • 13世纪 经文歌产生 中世纪复调音乐推向高峰 弗朗科《有量音乐艺术》有量记谱
    • 14-15世纪：新艺术时期 法国意大利 革新 新旧音乐观念冲突替换 世俗音乐达到高峰 马肖 兰迪尼 教会音乐复调技巧+单声世俗音乐语汇 =追求音乐体裁多样性+艺术情感表现性+旋律 节奏 对位技术 音乐组织逻辑技巧性
  • 第一节 教会音乐的发展
    • 一、初期基督教音乐
      • 拜占庭圣咏
      • 安布罗斯圣咏
      • 法国圣咏
      • 摩差拉比圣咏
      • 塞尔特圣咏
    • 二、格里高利圣咏（Gregorian Chant）：公元六世纪，以罗马教皇格里高利一世命名，因表情肃穆风格朴素，称为平歌或素歌。西方中世纪教会音乐的历史是围绕着建立、修饰、扩展格里高利圣咏而展开的。
      • （一）形成与功用
        • 1.形成：4世纪 基督教传播 不同地区基督教会形成各自特色的礼拜方式和圣咏歌曲：古罗马圣咏 安布罗斯圣咏 莫扎拉比克圣咏 凯尔特圣咏 高卢圣咏 格里高利圣咏形成于8、9世纪罗马融合高卢 成为罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。格里高利圣咏在格里高利一世后一百多年的加洛林时代开始广泛传播，有复杂的社会历史原因：丕平废除高卢圣咏，引进罗马教仪 查理大帝取缔地方圣咏，推广罗马化礼拜仪式。格里高利圣咏是罗马教会和世俗王权相互利用的结果，它不过是政教联姻在音乐上的一个产物。 查理大帝要求阿尔昆管理全国教会学校。高卢当地礼仪音乐被融合于外来的罗马圣咏，产生了格里高利圣咏。
        • 2.功用
          • 日课：教会规定每位僧人每日不同时辰必做的“功课”，主要包括祈祷、诵经、唱赞美诗等。
          • 弥撒：天主教会在星期日和其他重要宗教节日里举行的仪式。弥撒仪式为纪念耶稣受难而设立，产生于6世纪，9世纪发展成一套较完整的礼拜仪式。
            • 专用弥撒
            • 常规弥撒
      • （二）基本特征
        • 基本功能：服从宗教礼拜活动 肃穆节制 排除世俗的感性
        • 一般特征：无伴奏纯人声（男声）单声部音乐形式，拉丁文歌词，即兴式无明显节拍特征，建立在教会调式基础上，纽姆谱记谱
        • 歌词旋律：圣经和诗篇 音乐服从于唱词。宗教性质 旋律音调平缓 级进三度为主 偶尔上行四五度跳进后反向缓慢下移，音域狭窄
        • 歌唱方式
          • 独唱
          • 齐唱
          • 交替唱
          • 应答唱
        • 咏唱内容
          • 诵经祈祷：平调 半唱半念 旋律性差
          • 礼仪歌唱：庄重神圣 旋律特征强 风格类型可分为
            • 音节式：一个旋律音对应歌词一个音节 音域较窄
            • 圣咏式：在同一音高上唱出一定数量的歌词
            • 音团式或纽姆式：若干音与歌词一个音节对应 在旋律上流动
            • 花唱式：一个花唱片段（十几-五六十个音）对应歌词一个音节 华丽装饰特征，常见于欢呼歌中
        • 音乐形式
          • 诗篇歌调：最古老的圣咏 圣经中的诗篇 一般由一个短小旋律引入，歌调主体建立在一个静止的吟诵音上，最后通常有一个作为过渡的连接引入后面紧跟的交替圣歌
          • 交替圣歌：最早是咏唱诗篇时前后加的叠句，交替歌唱得名。叠句与诗篇脱离，独立的歌唱段落，弥撒 日课
          • 应答圣歌：独唱者咏唱，唱诗班重复，精细修饰的礼仪
          • 赞美诗：古老的圣咏歌唱形式，圣安布罗斯从拜占庭引进，歌词为有格律的诗体 音节式 日课
      • （三）教会调式的构成
        • 音乐美学：波埃修斯 最后一位罗马人 《音乐的体制》继承了古人的观点，强调音乐道德影响力和音乐的教育作用，把音乐主要看成是一种认识规律、法则、原理的理性活动，而不是感性生活中的情感表达，他认为音乐注重的不是听觉愉悦，而是心灵的和谐。 对中世纪音乐观产生深远影响
          • 宇宙音乐：最好的 天乐 数字和秩序 最高的宇宙的和谐
          • 人的音乐：人的身体和心灵的和谐 歌唱的和谐
          • 乐器的音乐：最低等 远不如对心灵的感召
        • 教会调式：按照圣咏的结束音（D、E、F、G）、 音域以及吟诵音等主要因素，对旋律分类而构成的。跟这些因素排列出四种调式音阶，以此作为正调式，以每个正调式结束音下方四度音作为始音构成四种副调式。在11世纪确定了8种教会调式。
          • 正调式
            • 多利亚
            • 弗里吉亚
            • 利第亚
            • 混合利第亚
          • 副调式
            • 副多利亚
            • 副弗里吉亚
            • 副利第亚
            • 副混合利第亚
        • 1547年格拉瑞努斯提出爱奥利亚和伊奥尼亚调式，各配以副调式，与前8种调式合为12种调式。这两种调式为后世大小调式的雏形。
      • （四）延伸与演变：9世纪时罗马教会对礼拜仪式进行统一，格里高利圣咏被确立为规范的礼拜音乐，并出现对礼拜圣咏进行扩展的趋势。这种扩展一方面体现了人们对原圣咏的进一步修饰和雕琢，另一方面反映了他们追求变化的渴望。9世纪后，对礼拜圣咏的扩展主要表现为两个方向：一是横向扩展，二是纵向多声部的发展。其中，横向扩展形式有三种：
        • 附加段（trope）：在原有的格里高利圣咏基础上附加或插入新的材料，形成一种扩展。附加新的歌词或旋律或兼有。圣加尔修道院是创作附加段的重要中心。
        • 继叙咏（sequence）：最初作为哈利路亚的附加段出现，在哈利路亚花唱旋律上附加歌词，后脱离哈利路亚，成为独立的圣咏形式。 中世纪后期（包括文艺复兴）重要影响 与同时期半圣半俗音乐或世俗音乐相互影响，危害礼拜音乐权威，取缔在圣咏中附加，禁用于罗马天主教礼拜仪式。
        • 宗教剧（latin drama）：10世纪末，由格里高利圣咏的戏剧性附加段演变而来，它将圣经故事中的对话改成圣咏，在复活节等重要节日的弥撒之前，由神父在教堂的讲经台上进行表演。 表演者最初是神父 传播普及宗教知识 教堂讲经台→教堂庭院→城镇广场 世俗化 拉丁语→地方语 加入对白 表演者也有民间艺人 有损教会权威 禁止神父公共场合演戏
          • 奇迹剧：基督教重要圣人事迹
          • 神秘剧：圣经故事中的传说 10-12世纪圣诞节复活节常见
          • 道德剧：说教道德故事为基础
    • 三、记谱法：指用符号、文字、数字或图表等将用于记录下来的方法。记谱法因国家、民族、时代的不同有很大差异。在欧洲，伴随着音乐文化的传播与发展，最初产生了字母记谱法，其后中世纪教会音乐家们又发明了纽姆谱，相继确立了四线谱、五线谱等记录音乐的方式。 从8世纪至15世纪，记谱法经历了一个漫长的发展过程。最早圣加尔修道院，中世纪传播教会音乐著名中心，主要由教会音乐家完成。之后，五线谱应用逐渐从教会扩展到民间。18世纪，五线谱已获得大量实践积累，形成一定的理论规范，并随着欧洲音乐的传播走向世界。20世纪以来，五线谱成为全世界通用的音乐文字，在音乐教学和创作表演实践中普遍运用，也在一定程度上推动了世界音乐文化发展的进程。
      • （一）纽姆谱（neumes）：产生于8世纪，9世纪普遍应用。 当时人们为了便于记忆圣咏，在歌词上方写一些简单的记号，以指示旋律的上下走向，这种简单的符号谱被称为“纽姆谱”。缺点：只能为演唱者提示旋律的大致走向，不能起到精确读谱的作用。
      • （二）线谱：约10世纪，为更准确的记录音高，僧侣们在纽姆谱的基础上开始用线条来表示具体音高。最初只用一根红线，代表F音。后来又在上方加入黄线，代表C音。约11世纪，中世纪杰出的音乐理论家、作曲家、僧侣圭多（Guido d'Arezzo)在前人基础上将线加之四根，发明了四线谱F-A-C-E（红-黑-黄-黑），为后来五线谱的诞生奠定了基础。 在四线谱的基础上，圭多还创立了六声音阶，为每个音设置一个唱名。六声音阶主要是为学唱圣咏而设计的。全全半全全 ur re mi fa sol la 圭多将六声音阶在不同音域上扩展，不同起始音的六声音阶都采用固定的唱名，实际上这就是现代首调唱名法的由来。 15世纪，五线谱产生并逐步定型，16世纪，五线谱在记谱法中的主体地位得以确立。
      • （三）有量记谱法(mensural notation)：12世纪下半叶，德国音乐理论家弗兰克在《有量歌曲艺术》中，提出了标明音的长短的设想，促成了“有量乐谱”的产生，使记谱法的发展向前迈出了一大步。出现了长短不同的音符，小节记谱因节奏节拍划分需要而产生。 在宗教观念中，“3”被视为完美的数字，因此只有三分法被接受，14世纪中期，二分法才在记谱法和音乐理论中大量出现。
  • 第二节 复调音乐的兴起 复调（polyphony）指的是各声部具有独立旋律的多声部音乐。9-14世纪，欧洲音乐发生翻天覆地的变化，从单声部的格里高利圣咏发展到奥尔加农，中世纪教会圣咏中出现了最早的复调音乐，僧侣们在吟唱圣咏时依循着各自声部演唱不同的旋律。 水平：附加段 继叙咏 垂直：复调音乐 互补 多声部复调音乐的产生对西方历史具有划时代意义：促成声部协和的对位准则的确立 推动节奏和记谱理论的发展 唤起理性的作曲意识 12世纪后 单声音乐衰落 复调音乐兴起 13世纪复调音乐产生两个音乐后果：一是多声部音乐终止式的形成 三六度被接受为不完全协和音程 解决意味的反向进行到五八度 是13=15世纪典型特征的终止模式 二是记谱法 复调带来节奏复杂化 节奏记谱新要求 弗朗科《有量音乐艺术》提出有量记谱法 对西方音乐历史产生重要影响 经文歌进一步促进理性作曲意识的发展 13、14世纪成为复调音乐新技术试验地
    • 一、奥尔加农（organum）：中世纪，单声部音乐一直处于主导地位，而复调音乐在13世纪之前仅是小众化的音乐形式，早期的复调音乐如奥尔加农，只能作为装饰和丰富宗教仪式的附加手段而存在。 9世纪后，格里高利圣咏出现了附加段和继叙咏等形式，它们的意义不在于单纯地对圣咏进行修饰和扩展，而在于打破了圣咏音乐固有的模式。为了进一步追求和谐的声音，在法国北部的教会学校里，人们把格里高利圣咏作为定旋律，在它的上方或下方依附一条与之形成平行四度、五度或八度的旋律，由此多声部音乐就产生了，最早的复调音乐被称为“奥尔加农”。 奥尔加农是西方记载最早复调音乐，9-14世纪，奥尔加农在发展过程中产生了五种形式。 规多《辨及微芒》复调音乐风格特征：平行进行仍然重要，但严格平行常被破坏，自由的反向斜向增多，加强声部独立 下方奥尔加农常超越圣咏声部，声部交错或超越 最早用于礼仪实践复调手稿 保存在温彻斯特大教堂《温彻斯特附加段圣咏集》 11世纪复调局部使用于礼仪活动 八度四五度协和音程为主 两个独唱者
      • 1.平行奥尔加农：这种形式在圣咏旋律下方附加一个与之完全平行的声部，通常相距四五度，这个附加声部被称为奥尔加农声部，这种形式被称为平行奥尔加农。
      • 2.平行奥尔加农变体：11世纪出现了平行奥尔加农变体，同样也是以圣咏旋律为基础，不同的是，附加声部与圣咏从同音开始，斜向运动，达到四度后进行平行运动，最后又通过斜向运动结束汇合于同音。
      • 3.自由或反向的奥尔加农：盛行于11世纪，以圣咏旋律作为定旋律，在低声部运行，上方的附加声部与低声部构成平行或斜向进行，形式较之前的奥尔加农更加灵活。
      • 4.花唱式奥尔加农（melismatic organum）：12世纪，奥尔加农出现新的变化，低声部的圣咏旋律被拉长，音乐进行缓慢，减弱旋律感，成为衬托上方旋律的低音进行，这个声部被称为“持续声部”(tenor）；而上方的附加声部则成为奥尔加农旋律声部，与低声部形成多音对一音的关系。上方附加声部华丽而具有跳跃性、即兴性，与下方庄重、肃穆的圣咏声部形成鲜明的对比。 具有花唱式风格的华丽奥尔加农便形成了。
      • 5.狄斯康特（discant）：华丽奥尔加农产生后，上方声部音符成倍增长，圣咏定旋律每个音符的持续时间越来越长，圣咏歌词被肢解，拉丁文原有节奏感荡然无存。为应对这种情况，教士们尝试用扬抑格的6种节奏模式，来组织华丽奥尔加农的上方声部，以增强旋律的律动感。后来在此基础上，定旋律声部也用节奏模式进行组织，声部间构成音对音的对位织体形态，这样的织体写作方式被称为狄斯康特。
    • 二、复调音乐体裁：13世纪后，欧洲文化趋于繁荣，经济复苏、宗教革新等为音乐发展提供养分。复调音乐兴起，多种体裁随之出现。
      • 1.孔杜克图斯（conductus）：11-12世纪孔杜克图斯是单声部抒情歌曲，促进中世纪世俗音乐的发展。复调形式 复调孔杜克图斯不再依赖于圣咏 自创旋律为基础 一般二到四声部 常见三声部 织体特点类似第斯康特 更规整 各个声部节拍基本相同 每个声部都唱歌词 且歌词一样（可能上方声部乐器演奏） 拉丁歌词 规整的格律诗体 影响了音乐的旋律结构 音乐表现出有规律反复的分节歌曲形式 歌词自由 复调孔杜克图斯盛行于12、13世纪 13世纪下半叶被经文歌取代
        • 单声部：11-12世纪，孔杜克图斯是单声部抒情歌曲，促进中世纪世俗音乐的发展。特点：音乐可以自行创作，旋律与歌词的关系是音节式的，旋律因反复而具有分节歌的特点。
        • 多声部：12-13世纪，圣母院乐派中出现了复调形式的孔杜克图斯，特点：
          • 1.放弃圣咏定旋律，以自创旋律为基础
          • 2.包括二至四个声部，常为三声部，采用狄斯康特的节奏型
          • 3.每个声部都采用拉丁文演唱
          • 4.诗歌体的歌词内容较自由，包括宗教、道德、政治、历史等
      • 2.经文歌（motet）：13世纪后期盛行的无伴奏合唱复调音乐，在二声部克劳苏拉基础上发展而来。孔杜克图斯消失，经文歌成为中世纪晚期乃至文艺复兴时期重要的复调体裁 ，13世纪以巴黎为中心影响到整个欧洲，三声部经文歌成为复调的标准样式。
        • 克劳苏拉（clausula）： 原意为句子、段落，它是礼拜仪式中的一个音乐片段。克劳苏拉被创造的最初目的是用来替换圣咏的某个单声或多声片段，因此也有“替换克劳苏拉”之称。它的最低声部通常以格里高利圣咏为持续声部，包括二声部至四声部的形式，其中大多二声部复调，在创作风格写作上属于采用狄斯康特写法的圣母院复调样式。原本二声部克劳苏拉的上方声部没有歌词，后来人们填入了拉丁文歌词甚至法文歌词，这种上方声部具有独立歌词的克劳苏拉后来独立为新的体裁——经文歌。
        • 经文歌发展：13世纪最典型的经文歌是三声部，且有“复歌词”的现象出现，即持续声部采用拉丁文歌词，而上方两个声部采用法文歌词，通常情况下各声部歌词表达的内容也不一样。 早期的经文歌以格里高利圣咏作为持续声部，上方两个声部节奏型基本相同。到13世纪下半叶，经文歌的定旋律逐渐拉宽，上方第三声部的节奏更加紧密，中间第二声部介于二者之间，形成上密下疏的状况，声部之间形成明显的对比，这类经文歌被称为“弗朗科经文歌”，以当时的作曲家理论家弗朗科命名。13世纪末，弗朗科经文歌推向极限，即上声部更活跃，像快速朗诵，速度极快。这种经文歌以其代表人物彼特罗命名，被称为“彼特罗经文歌”。 经文歌的出现促进了作曲家理性作曲意识的发展，这种体裁一直流行到16世纪。 克劳苏拉→经文歌有必然性：通过填词来发展音乐 “整个中世纪的趋势就是利用一切机会进行修饰，尤其是对礼拜音乐的修饰”
      • 3.卡农（canon）：卡农是一种复调音乐体裁，以连续模仿为基础，当一个声部还未结束时，另一个声部就以模仿的形式开始。在卡农中，最先出现的声部称为“主句”，模仿的声部称为“答句”。卡农通常由二至四个声部组成，模仿的声部以各种音程、各种顺序进入。早期的卡农体裁有罗塔舞曲、狩猎曲和追赶曲等，14-17世纪发展为赋格。
    • 三、圣母院乐派：12世纪下半叶，伴随着政治、经济、文化的发展，欧洲第一所大学——巴黎大学诞生，哥特式风格的代表性建筑——巴黎圣母院拔地而起，各类学术和艺术活动以巴黎为中心逐渐繁盛起来，复调音乐也在巴黎圣母院中精心孕育并得到高度发展，形成了圣母院乐派。
      • 1.代表人物及作品：莱奥南佩罗坦——中世纪最重要的人物 所知姓名最早的作曲家 圣母院乐派
        • 莱奥南：诗人作曲家 ，积极参与圣母院事务。以擅长华丽奥尔加农著称，代表作《奥尔加农大全》，包含了为宗教仪式（弥撒日课）创作的二声部圣咏。中世纪最重要复调文献之一，华丽奥尔加农体裁在他手中发展到顶峰，既丰富了教会音乐的复调创作手法，也为后世作曲家留下了宝贵的范本。
        • 佩罗坦：作曲家，对莱奥南的《奥尔加农大全》润色修订，创作了大量优秀的克劳苏拉，以替代圣咏原先的奥尔加农片段。其成就主要体现在狄斯康特方面，创作了很多三声部和四声部复调作品，在发展对位技术方面做出了重要贡献。
      • 2.艺术成就
        • （1）巴黎圣母院是中世纪晚期最有活力的音乐中心，在这里复调音乐得到充分发展，不仅数量最多，而且最精致。
        • （2）复调体裁的节奏记谱发展得最完善，并有所创新，节奏模式得到了丰富的运用。
        • （3）在奥尔加农基础上，充分发挥华丽奥尔加农和狄斯康特的特点，使复调音乐变得更加丰富和立体化，塑造出神秘的形象感。下方持续声部厚实的支撑与上方声部灵活的旋律相结合，形成了音响上的空间感，与精巧唯美的哥特式建筑交相呼应。
  • 第三节 世俗音乐和器乐的发展
    • 拉丁歌曲：11世纪流行 以拉丁诗歌作为歌词 宗教→世俗
      • 孔杜克图斯：拉丁歌曲一种 复调或单声 conductus引导指示 最初用于礼拜活动中行进游行（包括宗教剧）11世纪 拉丁诗歌盛行 孔杜克图斯→拉丁诗歌谱曲的音乐 12、13世纪兴盛 单声歌曲的孔杜克图斯特征：音乐自创 不借自圣咏（受到圣咏风格影响） 旋律歌词音节式 歌词类似于继叙咏 押韵 有规律的节奏重音变化 旋律重复 具有分节歌式的歌曲特点 歌词内容严肃诗歌 可能具有宗教性质可能涉及世俗 孔杜克图斯非正式礼拜活动有联系→与礼拜活动无关的宗教或世俗歌曲 在中世纪音乐发展中具有重要意义 宗教世俗相互促进吸收 文献存于圣玛蒂亚修道院 巴黎圣母院
      • 戈利亚德歌曲：自称”戈利亚德“的游荡诗人所作 不规矩的学生 逃避枯燥修道院云游的僧侣 歌词：酒 女人 讽刺 放肆 不拘礼节 为正统人士蔑视 但歌曲风格清新动听 受人喜爱 手抄成册 广为流传 《剑桥歌曲》拉丁歌曲手稿集 最著名的手稿《卡米纳·布拉纳》13世纪晚期 慕尼黑本笃修道院 流浪歌 酒歌 爱情歌曲 严肃歌曲 12、13世纪早期盛期 随13世纪中世纪大学兴起而衰落
    • 一、中世纪世俗音乐的发展：中世纪歌曲中更具重要意义的是地方语的方言歌曲，各国方言文学和诗歌盛行，为世俗音乐崛起提供了契机。世俗音乐为中世纪音乐的发展带来了新的活力，流行区域从法国南部传播至法国北部、德国、意大利等地。
      • 1.法国：游吟诗人（Troubadours或Trouveres）中世纪方言歌曲更重要成就体现在法国游吟诗人的歌曲 十字军东征促成游吟诗人诗歌音乐的产生 涌现歌颂骑士战争冒险和英雄气概的文学作品 西欧封建领主骑士努力冲破宗教禁欲主义 要求自由多样表达现实生活 歌唱人间爱情 游吟诗人包括宫廷贵族 骑士阶层 一些帝王 有才华的下层诗人音乐家依附于宫廷的职业诗人 游吟诗人作诗歌曲调并演唱 或作词曲请社会地位低的流浪艺人演唱 口传或手抄本 游吟诗人歌曲以单声音乐为主，即兴弹唱时常配以伴奏 以爱情题材为主 宫廷之恋：某一游吟诗人对仰慕爱恋的已婚贵妇人感情吐露 中世纪被认为有规范骑士典雅品性的作用 把宗教般的纯真圣洁感情与凡俗的人间男女之爱混合 诗人在苦恋着可望而不可即的异性偶像过程中实现自身典雅品性的完善 随着骑士阶级衰落 世俗歌手作者骑士阶层→市民阶层 标志着中世纪单声歌曲进入最后阶段
        • 法国南北部
          • 法国南部：特罗巴多（Troubadours） 11世纪末，游吟诗人最先出现在南部普罗旺斯地区，12世纪下半叶，进入创作盛期 歌曲分句不明确 旋律细腻精美 节奏处理复杂自由 贝纳特《我看见云雀扑打着翅膀》贵妇人单相思苦恋心情 每节八行诗每行诗八个音节
          • 法国北部：特罗维尔（Trouveres）12世纪末 北方游吟诗人开始发展 13世纪初 北方对南方发动战争 普罗旺斯抒情诗衰落 游吟诗人中心转向北方 歌曲朴实直率 与民间歌曲接近 旋律段落轮廓分明规整 加叠歌：反复歌唱时加上固定歌唱部分 嘎什：最早北方游吟诗人 受南方影响较大 亚当：北方最重要最后的游吟诗人 北方体裁：
            • 传奇：长篇叙事诗 类似英雄业绩歌 骑士征战与爱情结合
            • 叙事歌曲：一段故事 一个妇人靠着窗台思恋爱人
            • 莱歌：重要意义 受教会音乐影响 与继叙咏有相似结构特征 歌词二重短句（两节歌词配相同旋律）有时三四重
        • 游吟诗人歌曲题材
          • 爱情题材
            • 康佐：宫廷之恋
            • 晨歌：恋人幽会 清晨依依惜别 骑士与守夜人对话“天将黎明”
            • 田园歌：民间因素 骑士与牧羊女 有时加入二三人 发展成音乐剧
          • 向国王表忠心的歌曲
          • 哀悼的悲歌
          • 辩论歌：两个诗人 就不同学术观点展开争论
          • 叙事体方言歌曲：北方游吟诗人歌曲特征 继续英雄史诗传统 擅长传奇故事的长篇叙事诗 受南方抒情诗歌影响 融入爱情题材
      • 2.德国
        • 恋诗歌手（Minnesinger）：12-13世纪下半叶，德国出现一种被称为“恋歌”（minnesang）的方言抒情歌曲，唱此类歌曲的歌手即为恋诗歌手。很多是贵族骑士，以演唱爱情歌曲为主，也进行歌曲创作。 创作的多为二拍子或四拍子，采用爱奥尼亚调式、分节歌式，特色歌曲形式：“巴体”（bar form）的分节歌，旋律发展的基本结构为aab 即前两句歌词采用同一旋律（aa），新的旋律（b）配上新的歌词，类似副歌。
        • 名歌手（Meistersinger）：15-16世纪，恋诗歌手之后，骑士阶层衰落、市民阶层崛起，逐渐替代了恋诗歌手。名歌手大多是中产阶级或具备某种手艺的诗人，他们隶属于有组织的行会。每个人在行会中的地位通过歌唱比赛，按照严格标准评定，由低到高为艺徒、学友、歌手、诗人、名家。瓦格纳的乐剧《纽伦堡的名歌手》描述了这段史实。
      • 3.意大利：受法国特罗巴多游吟诗人和当地传统舞蹈歌曲影响
        • 巴拉塔（ballata）：13世纪流行于意大利的单声部舞蹈歌曲，14世纪发展成三声部复调歌曲形式。歌词多为爱情、道德。
        • 劳达赞歌（lauda）：近似于巴拉塔，歌词内容多为宗教赞颂，流行于13世纪下半叶，在教堂之外演唱的歌曲。
      • 4.西班牙：13世纪坎蒂加
        • 爱情歌曲 一个妇人遥望大海 思念爱人
        • 宗教歌曲 赞美圣母玛利亚
      • 5.其他世俗音乐传播者
        • 中世纪欧洲出现流浪艺人（minstrel），靠演奏、演唱、演杂技等方式谋生，演唱的歌曲主要包括英雄赞歌、游吟诗人创作的歌曲和民间舞蹈歌曲等，对传播当时流行的世俗音乐起到重要的作用。
    • 二、世俗音乐与宗教音乐的区别：世俗音乐发展，但宗教音乐仍处于主流
      • 1.表演场所和场合：教堂和宗教活动&其他场合
      • 2.声乐演唱：单声部格里高利圣咏和多声部奥尔加农，拉丁文歌词&单声部音乐，方言演唱，即兴成分居多
      • 3.调式运用：教会调式&伊奥尼亚和爱奥利亚调式
      • 4.乐器使用：开始是纯人声，无伴奏，13世纪后管风琴成为教堂唯一许可使用的乐器&民间流行的一切乐器
    • 三、中世纪的器乐与乐器：宗教音乐历来以声乐为主，而器乐主要在世俗音乐中得以发展。器乐与歌唱、舞蹈紧密结合在一起，与此同时，各种伴奏乐器的形制也不断演变。
      • 1.器乐
        • 即兴演奏的音乐
        • 声乐作品的伴奏音乐
        • 舞蹈伴奏音乐
      • 2.乐器
        • 宗教音乐中的乐器：管风琴 大型管风琴能发出洪大声音，形成威严恢弘的气势，受到教会偏爱
        • 世俗音乐中的乐器
          • 弦乐器
            • 拨弦乐器
              • 里拉
              • 竖琴
              • 琉特琴
              • 索尔特里琴
            • 弓弦乐器
              • 维埃尔：文艺复兴时期维奥尔琴和现代小提琴的前身
          • 管乐器
            • 横笛
            • 竖笛
            • 肖姆管
            • 短号：流行最广，多为木质，能演奏半音阶
  • 第四节 “新艺术”时期 14世纪初，世俗音乐在音乐生活中占据更重要的地位。法国诗人和作曲家维特里在“Ars Nova”（新艺术）一文中提出了对记谱法、作曲手法等方面的改革设想，另一些理论家坚决捍卫“古艺术”，反对“新艺术”的革新。最早反映“新艺术”特征的乐谱见于法国的《福维尔传奇》，长篇讽刺诗剧手抄本收录了不同时期各地产生的宗教音乐、世俗音乐，单声音乐、复调音乐，传统音乐、流行音乐等。
    • 一、“新艺术”音乐的特征：音乐史上把1300-1450这150年称为“新艺术”时期。主要在法国意大利等国展开，与以往的艺术——“古艺术”产生对峙，反映当时人们在音乐上寻求新的发展途径，用新的手段表达音乐内容的需要。将世俗音乐的活力注入宗教题材，崇尚以方言写作世俗歌曲，呈现新现象。
      • 1.记谱法：出现新的节奏记谱原则，增加更小的音符时值，强调不完整拍（二拍子）的使用，使之逐渐取代完整拍（三拍子）的地位。
      • 2.节奏节拍：节拍、时值的结构日趋规律化，力求节奏的简明与匀称。
      • 3.旋律：兰迪尼终止式
      • 4.和声理论：三度六度作为协和音程处理，平行五度和平行八度的连续进行禁止使用。
      • 5调式运用：古代调式由于导音的引入而发生变化，并逐步向现在的大小调过渡（最终16世纪完成）
      • 6.创作：作曲家较少运用定旋律方式，多采用自由创作形式。
    • 二、重要音乐体裁
      • 1.等节奏经文歌（isorhythmic motet）14世纪，由于经文歌定旋律的每个音拖得很长，法国作曲家把定旋律分成数段，每段使用相同的节奏型，以强调音乐的结构。于是，由“克勒”（Color，一个固定音列）和“塔利亚”（Talea，一种固定节奏型）构成持续声部的经文歌成为等节奏经文歌，两者在周期性反复中相结合。克勒与塔利亚的长度可以相同也可以不同，长度不同的情况，单个旋律和节奏型因不同步而无法同时结束，从而继续运行时形成彼此交错的现象。
      • 2.牧歌（madrigal）：14世纪初意大利重要的音乐体裁，与13世纪的孔杜克图斯有一定联系。该时期的牧歌多为二声部，偶尔也有三声部形式。内容上，牧歌以田园诗和爱情诗为主，也涉及政治讽刺和道德寓意的揭示。音乐形式上，作曲家多采用模仿手法，高声部旋律性较强，低声部多为类似于和声进行的长时值音符。语言上，牧歌使用方言，而非拉丁语。
      • 3.猎歌（caccia）： 14世纪初出现在法国，14世纪中期流行于意大利。它是一种标题性的世俗多声部音乐，一般为二至三声部。在三声部猎歌中，上方两声部采用卡农式轮唱，低声部自由发展，常由一件乐器演奏。猎歌具有描绘性，常与狩猎场景相联系，有时也用来描绘集市等地热闹、动感的场面。
      • 4.巴拉塔（ballata）：巴拉塔原指舞蹈伴唱歌曲，13世纪成为带有合唱叠句的单声部歌曲，14世纪才出现复调形式，晚于牧歌和猎歌，通常为二至三声部，由一至两件乐器伴奏。它是意大利“新艺术”时代较成熟的音乐体裁，具有抒情风格。
    • 三、代表人物及主要贡献
      • 1.马肖：法国新艺术时期一位重要的代表人物，是西方音乐史上第一位作品保存最为完整的音乐家，也是中世纪晚期法国音乐的集大成者
        • （1）经文歌的创作：马肖创作了23首经文歌，以三声部为主，持续声部常由乐器担任，上方两声部为人声。马肖采用法文歌词，用法国歌谣曲调代替圣咏旋律，重视等节奏经文歌技术的运用。
        • （2）弥撒曲的创作：马肖的《圣母弥撒》是当时完整的常规弥撒套曲的先例，根据常规弥撒的歌词谱写而成。这部弥撒曲同样具有礼拜功能，但我们更需关注的是它对于大型弥撒曲体裁形成的重要意义：他第一次将常规弥撒（慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经、羔羊经）的五个段落作为一个整体来看待，各部分之间有明显的对比，而且出现了当时少见的四声部织体。
        • （3）世俗歌曲的创作：世俗歌曲是马肖创作的重心，其中最有影响的是世俗复调歌曲，主要包括维勒莱、回旋曲、叙事歌等，他主张音乐应传达人们的情感体验，重视对歌曲表现力的挖掘。
      • 2.兰迪尼：14世纪意大利最有影响力的盲人音乐家，他在音乐理论、天文以及哲学上的造诣都很深。他精通管风琴的制造、演奏及调律，在音乐创作方面成就卓著。 他的作品全部是世俗音乐，占意大利留存下来的新艺术时期作品的四分之一。他的大部分作品都是巴拉塔，创作风格以甜美、抒情见长，不追求复杂的技巧。 为纪念他的功绩，当时流行的一种旋律终止格式被赋以“兰迪尼终止式”的名称。兰迪尼终止式也被称为si-la-do终止，即在高声部从导音进入到主音前，先下行至调式六级音再回到主音。
  • 小结
    • 1.教会音乐是中世纪音乐发展的主流，对后世音乐的传播和存世起到了至关重要的作用。
    • 2.在教会音乐的来源方面，欧洲音乐除了起源于古希腊、古罗马外，还受到犹太教（希伯来）的影响，有东方拜占庭音乐文化的因素，因此西方音乐的源头不是单一的，它怀揣着东方音乐文化的种子。
    • 3.复调音乐的诞生改变了音乐的发展方向，对后世音乐的创作思维、音乐构成甚至人们的听觉习惯都产生了巨大的影响。
    • 4.记谱法的出现和完善，结束了“无名氏”的时代，产生了一个重要的音乐现象，即作曲家的身份诞生了。
• 文艺复兴时期音乐（1450-1600）150年 起：十四世纪（有学者认为新艺术时期以及与文艺复兴接轨，当时作曲家受到彼得拉克诗的影响） 止：16世纪中世纪教权时代向资本主义时代过渡完成，人文主义思想深入人心
  • “文艺复兴”一词的含义及时间划分是怎样的？ 1、含义：“文艺复兴”源于法文“Renaissance”，原指“复活”“再生”，表达复兴古希腊艺术之意。当时的文人希望借此含义，在思想上摆脱封建宗教的束缚，要求尊重人，一切以人为中心，给予人性自由。这种思想倡导的是以人为中心的“人文主义”，即“文艺复兴”的思想实质。 2、时间：“文艺复兴”是一次重大的新文化运动和一场文化思想的变革，通常西方音乐史把1430-1600年这一百七十年间称为文艺复兴时期。
  • 第一节 复调音乐的进一步发展： 简述文艺复兴时期复调音乐的发展? 文艺复兴时期，法国北部、比利时、荷兰一带被称为尼德兰区域，史学家常把尼德兰第一乐派成为勃艮第乐派，把尼德兰第二乐派、第三乐派称为佛兰德斯乐派，即狭义上的尼德兰乐派。 复调音乐始于9世纪的奥尔加农，12世纪出现了装饰奥尔加农和狄斯康特，13世纪产生了经文歌和卡农曲等，直到14世纪出现了对位法，复调音乐才进入规范化时期，这一时期与法国“新艺术”相对应，可以在马肖的作品和意大利牧歌中看到三声部复调的形态；15--16世纪复调音乐进入声乐复调的盛期。 第一阶段（15世纪初）：勃艮第乐派，杜费、班舒瓦 第二阶段（15世纪中后期）：佛兰德斯乐派，奥克冈、若斯坎、拉索 第三阶段（16世纪中叶）：罗马乐派，帕勒斯特里那 第四阶段（16世纪下半叶）：威尼斯乐派，维拉尔特、A·加布里埃利、G·加布里埃利
    • 勃艮第乐派的形成过程、创作风格特点及代表人物？ 一、勃艮第乐派（Burgundian School）：1400-1450年，勃艮第乐派形成于法国北部、比利时、荷兰、卢森堡一带。当时勃艮第公国的王侯们热爱音乐，使一批优秀音乐家献身宫廷，形成欧洲大陆最早的乐派。常用的音乐体裁是尚松，重要成就是确立了大型宗教体裁弥撒曲五部分的常规写作形式，代表作曲家杜费和班舒瓦。
      • （一）风格特点
        • 1.作品以三声部复调音乐为主，即由固定低声部、中间对应声部和高声部组成。弥撒曲均为四声部复调作品，四声部自下而上为：低音对应声部、固定声部、高音对应声部和旋律声部。
        • 2.旋律和节奏的发展集中在高声部，假低音的技巧常被采用，即三度和六度平行进行。
        • 3.兰迪尼终止式普遍出现。
        • 4.世俗风格的尚松、宗教性的经文歌和弥撒曲等体裁较受欢迎。
      • （二）代表人物
        • 1.杜费
          • （1）人物简介： 天主教神父，勃艮第乐派重要作曲家。
          • （2）艺术成就：涉及各种世俗和宗教音乐体裁。他的经文歌被称为“来自天堂的乐声”。他的弥撒曲在音乐史上有重要意义：第一次将世俗曲调运用到弥撒曲中；第一次将经文歌四声部织体运用到弥撒曲中；第一次将在定旋律的下方加一个对位低声部的做法运用在弥撒曲中。
          • （3）作品欣赏：弥撒曲《假使我的脸苍白》
        • 2.班舒瓦
          • （1）人物简介：天主教神父，与杜费同时期的勃艮第乐派重要作曲家。
          • （2）艺术成就：音乐风格较为简朴。作品以世俗音乐为主，以三声部的尚松为代表，大多数是回旋歌，善于表现淡淡的忧伤。其高声部用人声，下面两声部为器乐伴奏，旋律简单，没有复杂的结构，呈现出三和弦的轮廓，作品具有较强的感染力。除了世俗的尚松外，他的一些经文歌、赞美诗和圣母颂歌都是为特定的宗教仪式而作，较少装饰，以三个声部形成的和声式织体。 班舒瓦的尚松作品，如《越来越》，经常被其他作曲家引用，作为弥撒曲的主题。
    • 佛兰德斯乐派的含义、贡献和代表人物？ 二、佛兰德斯乐派（Franco-Flemish School）：尼德兰第二乐派、第三乐派，即佛兰德斯乐派。佛兰德斯乐派是指1450-1600年在法国北部、比利时及荷兰南部地区形成的一个音乐流派。佛兰德斯乐派使复调对位音乐发展到盛期。在人文主义的影响下，作曲家把世俗曲调作为弥撒曲和经文歌的定旋律，并且常采用尚松、牧歌、维勒莱等世俗声乐体裁进行写作。
      • （一）风格特点
        • 1.作品强调复调中各声部地位平等，每个声部都具有呈现主题的功能。
        • 2.作曲家喜好较为丰满的音响和简单的和声结构（三和弦形式）完整出现，假低音技巧和兰迪尼终止式被正格终止和变格终止取代。
        • 3.弥撒曲以四个声部为主，有时甚至为五、六个声部，作曲家也常把四声部拆为二重声部，形成一种对比强烈的二重风格。
      • （二）代表人物
        • 1.早期——奥克冈
          • （1）人物简介：佛兰德斯乐派第一代作曲家，他历经法国三代君王，长期在皇家小教堂供职。
          • （2）代表作品
            • 宗教作品：14首弥撒曲（其中《从深处弥撒曲》是现存最古老的安魂曲），12首经文歌
            • 世俗作品：20多首尚松
          • （3）艺术成就：他的音乐深受勃艮第乐派的影响，创作的弥撒曲庄严恢弘，旋律宽广，音响丰富，很多弥撒曲用已有宗教作品或世俗作品的旋律为基础进行创作，弥撒曲的四个声部风格基本类似，且各个声部在对位织体中相互作用。奥克冈还在模仿复调上有较高的造诣，创有“迷你卡农”，他的代表作品《感恩上帝》是36个声部的复调，由9个四声部组成，充分体现了对复调的精细设计。他的世俗作品主要包括20多首尚松，在他大部分尚松中，高声部占主要地位，固定声部和高声部形成对位，他运用模仿手法，既丰富了织体又不失简洁的传统。
        • 2.中期——若斯坎
          • （1）人物简介：佛兰德斯乐派第二代作曲家，奥克冈的学生，文艺复兴时期最重要的作曲家之一。他的作品既体现了传统性，又展现了创新性，被尊称为“音乐家之父”。
          • （2）代表作品
            • 宗教作品：18首弥撒曲，100首经文歌
            • 世俗作品：70首尚松
          • （3）艺术成就：若斯坎一生致力于复调技术的革新，其中最典型、最突出的成就体现在经文歌创作方面。他的创作强调各声部旋律的同等作用，注重通过音乐的手法来表现歌词，使作品在描绘歌词的意境，表情达意方面都达到一个新的高度。除了经文歌外，他的弥撒曲创作还促成了一些新类型的发展，比如模仿弥撒曲等。他的尚松所选用的歌词非常丰富，既有修辞水平较高的诗歌又有当时流行的通俗诗歌，写作方法较为自由，充分体现了他在音乐创作上的创新性。
        • 3.晚期——拉索
          • （1）人物简介：佛兰德斯乐派第三代作曲家，是继若斯坎后佛兰德斯乐派的又一位重要作曲家。他精通文艺复兴时期的各种音乐体裁，作品涉猎弥撒曲、经文歌、意大利牧歌、法国尚松和德国利德，以无伴奏合唱《回声》等为代表。如果我们把文艺复兴时期看成是中世纪以来声乐复调艺术发展的鼎盛时期，那么拉索就是该领域的集大成者。
          • （2）艺术成就
            • ①初步建立了T-D、D-T的和声功能圈
            • ②在弥撒曲写作中，定旋律声部的圣咏旋律被世俗曲调取代
            • ③他奠定了复调艺术的两种写作类型
              • 对位化写作，以模仿原则为主，各声部连绵不断地独立发展，少用终止式，前后一气呵成、浑然一体，代表形式是卡农曲与双重卡农曲
              • 对位和声化写作，在复调织体中使用和弦进行，多用终止式，段落分明，有明显的收束感。
    • 何谓罗马乐派？代表人物有哪些？ 三、罗马乐派（Roman School）：16世纪中叶，宗教音乐日益世俗化，天主教认为过于华丽繁复的音响破坏了人们虔诚的信仰，因此，规定举行弥撒时必须忠实的配以清晰的音乐，禁用一切世俗曲调。当时以罗马圣彼得教堂为中心，聚集了一批从事声乐复调创作的作曲家，他们形成了一个乐派，创作出一种受佛兰德斯乐派影响，同时又具有安详性格的声乐复调音乐，这个乐派被称为“罗马乐派”。
      • 1.风格特点
        • （1）这一乐派的作品各声部清晰，歌词不被复杂的声部掩盖，一般采用一字对一音的音节式处理。
        • （2）作曲家较少使用半音，不协和音的运用大都有准备，和弦运用以三和弦及其第一转位为主，低音多为四五度跳进，终止式中五度跳进尤为明显，音乐具有清澈宁静的特质。
        • （3）整体而言，这一时期的音乐虽较保守，但是其冷静、清新与朴素，避免不协和音的戏剧性碰撞和追求理性崇高境界的特点却成为罗马乐派的典范风格。帕勒斯特里那的弥撒曲《马尔切利斯教皇弥撒曲》有力的证明了复调音乐能清楚唱出人们对上帝虔诚的爱，也因此奠定了他的大师地位。
      • 2.代表人物：帕勒斯特拉利那是一位宗教音乐天才，他把法国佛兰德斯乐派的复调音乐发展到顶峰，并以他的去世结束了这个辉煌的时代。 帕勒斯特里那一生钟爱弥撒曲，他的弥撒曲既有四声部形式，也有六、八、九声部形式。经文歌也是他喜爱的一种音乐体裁，他作有四、五、六、八、九和十二声部的经文歌，但以五声部居多。其贡献主要在合唱领域。
      • 3.代表作品
        • 宗教作品：105首弥撒曲（其中有著名的《马尔切利斯教皇弥撒曲》），250首经文歌，35首圣母赞主曲
        • 世俗作品：83首牧歌
    • 何谓威尼斯乐派？代表人物有哪些？ 四、威尼斯乐派（Venetian School）：15世纪后半叶，威尼斯出现了由著名音乐出版家彼得鲁奇创立的出版社，他出版了欧洲许多作曲家的音乐作品。16世纪中叶，威尼斯已成为欧洲音乐出版的中心，音乐文化发展较为自由。在这样的环境中，威尼斯乐派诞生，代表人物有维拉尔特、A·加布里埃利、G·加布里埃利。
      • 1.音乐风格
        • （1）这一乐派首创复合唱形式。以圣马可大教堂为中心，作曲家创作了双重合唱的复调音乐。圣马可大教堂空间庞大，有对应的两架管风琴，两侧各有一支合唱队，常以八至十二或更多声部的形式随两架管风琴齐鸣，形成气势恢宏、呼应交替的双重合唱复调圣歌。它有别于以往的复调音乐，其辉煌的效果成为文艺复兴时期复调发展的又一范例，这种风格后来传入德国，成为巴洛克时期大协奏曲的先声。
        • （2）作曲家运用大量乐器组合为合唱伴奏，并对各种乐器组合进行实验，加强器乐与合唱队之间的音色对比。这推动了器乐曲体裁的独立发展，如托卡塔、坎佐纳、前奏曲。
      • 2.代表人物及其贡献
        • 维拉尔特：首创复合唱形式，创立了威尼斯乐派
        • A·加布里埃利：按声区对合唱队进行分组，获得音色变化；推动管风琴技巧的发展，形成托卡塔、坎佐纳、前奏曲等纯器乐体裁
        • G·加布里埃利：大量运用乐器组合为合唱伴奏，并对各种乐器组合进行实验，加强器乐与合唱队之间的音色对比，开巴洛克协奏风格之先声。他推动了器乐曲体裁的独立发展，被称为“近代配器法之父”。
    • 简述弥撒曲的发展？ 五、弥撒曲：最早的弥撒曲是天主教的圣餐仪式曲。8世纪时，罗马天主教把弥撒曲定为礼拜、祭祀时使用的一种基本音乐形式。11-13世纪，教会音乐家开始在专用的弥撒圣咏（定旋律）上写复调弥撒曲，代表人物是马肖。 文艺复兴时期开始，1450年左右，复调的常规弥撒曲成为欧洲最大、最重要的音乐形式，从杜费到若斯坎，我们看到了弥撒曲的一些变化，出现了最常用的两种作曲技法，一是定旋律（cantus firmus）方式；二是模仿（parody）方式。 若斯坎去世后，弥撒曲体裁的形式基本形成，即五个乐章的形成，帕勒斯特里那使这种形式和技巧更具稳定性和完美性。威尼斯乐派的兴盛，使弥撒曲向双重复调的形式发展，其中器乐伴奏的加入也为以后弥撒曲的发展开拓了更广阔的天地。
      • 1.定旋律弥撒曲：定旋律几乎都来自素歌，这是15世纪后期-16世纪弥撒曲作品的典型手法，其中最有名的弥撒定旋律是杜费的《武士歌》，当时几乎所有的音乐家都曾用此曲作为弥撒曲的定旋律。
      • 2. 模仿的弥撒曲：在若斯坎手中兴起。16世纪中叶，音乐家不再只用定旋律来处理音乐，而是更大规模地使用“借用”方式，即模仿手法。模仿手法千变万化，有的是在原先声部的对位线条上加入另一个模仿的声部，而使原有的主题更鲜明；有的则扩大原有的乐曲结构，重新组织、整合其中的音乐素材。后来，这种模仿复调逐渐取代了原有的定旋律技法，成为16世纪弥撒曲创作的主体风格。
  • 马丁·路德宗教改革后，产生了哪些新的音乐形式？它们的特点是什么？ 第二节 宗教改革对音乐发展的影响：宗教改革始于1517年10月31日的德国，随后波及整个欧洲，改革运动的领袖是马丁·路德。他以“赎罪券”之事撰写了《95条论纲》，并用《圣经》的理据“因信称义”与罗马教皇使徒辩论，最终导致宗教改革，产生了新教。与新教改革相对应的便是罗马天主教会自身的改革运动（又称反宗教改革运动），改革双方对音乐创作提出了不同的主张，宗教改革与反宗教改革对于欧洲音乐的发展影响深远。
    • 一、宗教改革后的新教音乐：新教音乐与以往天主教音乐的差异，主要反映在用母语唱圣歌上，这些圣歌在不同国家被冠以不同的名称：德国-众赞歌，法国、瑞士-格律诗篇，英国-礼拜乐、赞美歌 综观德国的众赞歌、法国的格律诗篇、英国的礼拜乐和赞美歌，三者具有共同的特点： 其一，改复杂奢华的弥撒仪式为简朴庄重的礼拜仪式； 其二，改拉丁文歌词为母语歌词，人人皆懂； 其三，采用一些新创作的宗教音乐和俗乐； 其四，重视对位法中和声因素的使用。这些特点也是新教改革的核心，它们促使教义得到广泛的传播，也使得新教音乐更接近大众、深入人心。
      • （一）德国 众赞歌（choral；Kirchenlied）：德国宗教改革在音乐上最重要的成果就是众赞歌，这类作品形式多样、手法多变。改革领袖路德强调音乐的教化作用，他亲自写下许多众赞歌的歌词，其中《上帝是坚固堡垒》成为德国新教代表作品。虽然路德把音乐改革作为宗教改革的重要组成部分，但是仍保留了宗教音乐创作的原有框架，只在细节上做出改动。
        • 1.音乐特点
          • （1）歌词用德语代替拉丁语
          • （2）曲调来源于格里高利圣咏、新填词的俗乐和新创作的音乐
          • （3）演唱形式为管风琴伴奏的众人合唱形式
          • （4）德国众赞歌开始为单声部形式，后来发展成四声部合唱，主旋律在高声部
        • 2.代表人物：改革期间出现许多作曲家，以音乐家约翰·瓦尔特为代表，他出版了《瓦尔特歌集》。他的作品采用多声部众赞歌的形式和风格，作品中佛兰德斯的音乐风格与德国众赞歌互相渗透、融合。这些作曲家创作的众赞歌中的重要组成部分——换词歌，指的是以宗教歌词取代世俗歌曲中的歌词。这一时期另外一位具有代表性的作曲家是哈斯勒，他的众赞歌《我的平静心情被打乱》中的旋律，后来被巴赫灵活运用在《马太受难曲》中。
        • 3.作品欣赏：马丁·路德《上帝是坚固堡垒》被恩格斯誉为16世纪的《马赛曲》，是最为人称道的一首众赞歌。作为罗马教皇的对立面，马丁·路德领导的新教在宗教音乐创作中更多地体现了文艺复兴的人本主义精神。新教音乐以母语唱圣歌，采用世俗音乐曲调，提升了世俗音乐在宗教音乐中的影响力。 世俗音乐因素加入，使众赞歌曲调丰富、节奏多样，不再拘泥于固定的创作形态。整首众赞歌铿锵有力、积极向上，在诗歌和音乐中振奋精神，去除恶念，升华情感，在潜移默化中提高会众的宗教信仰境界。
      • （二）法国和瑞士 格律诗篇（metrical psalter）：宗教改革运动在各个国家的开展情况不甚相同，这主要取决于改革者对于教义、音乐的不同认识。让·卡尔文作为法国、瑞士改革派的领导者，对天主教礼仪的改革采取极为激进的做法。他禁止教会采用复调音乐和世俗歌曲，只提倡使用以格律诗篇为核心的圣乐。其特点为：
        • 1.作品用《圣经·诗篇》中的格律诗作为礼拜音乐歌词的核心
        • 2.歌词用法语演唱
        • 3.曲调多为格里高利圣咏，新创作的音乐占少数
        • 4.演唱方式开始为单旋律的无伴奏齐唱，后来为供家庭礼拜吟唱，配有一些四声部或四声部以上的音乐，主旋律在高声部。
        • 5.音乐风格温和、含蓄，不及众赞歌活跃、有力。（此风格因卡尔文反对音乐上精雕细琢的复杂形式而形成。
      • （三）英国 礼拜乐（service）、赞美歌（anthem）：受法国格律诗篇的影响，英国新教音乐的特点体现为：
        • 1.歌词用英语代替拉丁语演唱
        • 2.礼拜乐是早祷、晚祷和领圣餐时使用的音乐
        • 3.赞美歌是以《圣经》或其他宗教题材为歌词的内容，用管风琴伴奏的独唱、合唱。独唱与合唱交替的音乐。
    • 反宗教改革对音乐的影响有哪些？ 二、反宗教改革的音乐：迫于天主教内部的改革呼声和新教产生的压力，天主教自身也开始了一场改革运动，被称为“反宗教改革”。针对新教的改革，罗马天主教教会在意大利特兰托从1545-1563年开了18年之久的特兰托会议。 特兰托会议对音乐提出两个针对性方案：一是世俗因素的渗入破坏了教义的纯洁性，宗教音乐要排除不虔诚的内容；二是复杂的复调音乐使歌词含混不清，因此会议反对圣咏复调中无节制的花唱，提倡单声的格里高利圣咏。 特兰托会议的决议促成了罗马乐派的形成，以帕勒斯特里那为代表的音乐家用严肃清晰的复调圣咏作品，平息了教会的复调圣咏之争，也使复调圣咏在教仪中得以继续存在和稳步发展。
  • 第三节 世俗声乐体裁：16世纪20年代后，由于人文主义思潮的影响，文学领域大量使用本土方言，在音乐领域也得到反映，各国的本土音乐、民族风格开始兴起，一系列代表性的世俗音乐体裁得到发展。世俗音乐的发展，彻底打破了欧洲音乐以宗教音乐为主的单一局面，意义深远。
    • 一、意大利世俗音乐的发展
      • 1.弗罗托拉（frottola）：15世纪末产生在意大利北部，它是一种与当时佛兰德斯乐派的复调音乐不同的世俗音乐体裁，其特点为：
        • 音乐上，采用分节歌形式，词曲按音节处理，节奏鲜明
        • 织体上，采用非对位式织体，通常作四个声部的和弦式处理，其中高声部由人声演唱，另外三个声部由乐器演奏
        • 内容上，以表现爱情和具有讽刺意味的世俗内容为主
      • 2.劳达赞歌（lauda）：单声的劳达赞歌早在13世纪就在意大利出现，这种体裁在15世纪末得到了新的发展。其特征为：
        • 演唱地点在教堂以外，内容通俗，表达一种心灵的奉献
        • 歌词以意大利文为主，有的作品也采用拉丁文
        • 作品采用主调音乐织体，通常表现为两种形式，即四个声部的无伴奏合唱，或者高声部由人声演唱，另外三个声部由乐器演奏
      • 3.维拉内拉（villanella）：16世纪40年代出现在意大利那不勒斯的一种声乐体裁。其特点表现为：
        • 音乐上，采用分节歌形式，风格幽默、生动、明快，与精致的牧歌形成对比
        • 织体上，体现出三声部的主调音乐风格，常出现平行五度
        • 语言上，采用方言，常以讽刺意味的世俗内容为主
      • 简述意大利牧歌（madrigal）的发展？ 4.牧歌（madrigal）：大约产生在1530年，是文艺复兴时期意大利最有代表性的多声部世俗音乐体裁（也存在少量的宗教性牧歌）。16世纪的牧歌与14世纪的牧歌风格上无直接的联系，前者为分节歌形式，后者为通谱体形式。牧歌最初只为受过高等教育的人士娱乐而作，歌词的文学性很高，内容常常描写爱情或表达对大自然的热爱，表演形式一般为三四个声部 的合唱，表演范围局限在小场合，如家庭聚会等。 16世纪下半叶，牧歌创作进入繁荣时期，它在玛林秋、杰苏阿尔多等人手中渐趋成熟，17世纪在蒙特威尔第的影响下发展到顶峰，成为教堂音乐之外最重要的音乐体裁。牧歌常以世俗爱情、讽刺寓言为内容，表现手法丰富，在发展过程中逐渐由复调对位形式转为主调音乐形式，合唱通常为五六个声部，有时还会加入独唱。牧歌发展到后期开始运用戏剧的手法，这使得当时的音乐渐渐接近人文主义者理想的古希腊式音乐。之后，意大利牧歌又在英国得到进一步发展。
        • 早期（1520-1550）
          • 牧歌性质与弗罗托拉相似，采用自由创作手法，以主调音乐为主，多作四声部和弦式处理
          • 维拉尔特 韦尔德洛 阿卡代尔
        • 中期（1550-1580）
          • 牧歌着重于诗文感性的内容，对每个重要的字都加以强调，较多使用半音法，作曲手法以对位为主，大都是五声部的配置
          • 罗勒 蒙特
        • 晚期（1580-1620）
          • 牧歌发展到高度精致的形式，而且回到和弦式的主调音乐风格，出现了单声部独唱形式，半音法广泛使用，音乐的表现具戏剧化，五声部至六声部作品较多
          • 马伦齐奥 杰苏阿尔多 蒙特威尔第
    • 二、法国世俗音乐的发展:16世纪20年代发展起来的法国尚松（chanson）与意大利牧歌一样，备受作曲家关注的世俗歌曲体裁，它改变了以往15世纪的佛兰德斯风格，是一种在词曲上具有典型法国民族风格的声乐作品。代表人物有雅内坎、贡贝尔、克莱门斯。具体特征：
      • 1.音乐上，旋律轻快优美，节奏强烈，音符常常反复，具有朗诵性
      • 2.内容上，歌词多表现生活中的爱情，法语生动的模仿和对情景的描绘，使其描摹的对象显得惟妙惟肖
      • 3.形式上，作品多为模仿对位的歌谣曲形式。16世纪后，法国尚松发展成一种被称为“格律音乐”的五声部复调歌曲形式
    • 三、英国世俗音乐的发展
      • 1.康索尔特（consort）：开始是英国本土的一种室内乐形式的小型器乐合奏曲体裁。16世纪人们以这种器乐形式为伴奏，加上了人声的独唱或重唱，采用格律诗歌作歌词，从而产生了世俗歌曲形式的康索尔特。代表人物是威廉·伯德。
      • 简述英国牧歌的发展？ 2.牧歌（madrigal）：英国牧歌是在意大利牧歌的形式上发展而来的。与意大利牧歌相比，英国牧歌大概只发展到第二阶段，重要的代表作曲家是托马斯·莫利。英国牧歌大体上与当时的教会音乐没有差别，其特点表现为：
        • 1.织体风格上，英国牧歌属于对位风格，声部从二声部到六声部不等，以五声部为主
        • 2.内容上，唱词多为田园性或抒情性的诗，常常具有幻想性质，使用英文
        • 3.音乐上，音乐创作尽量贴切地诠释歌词内容，和弦式的段落与对位式的段落交替出现，节奏性强，常变换拍子
    • 四、德国世俗音乐的发展
      • 利德（lied）：德国在文艺复兴时期产生的一种独唱歌曲，它是16世纪结合佛兰德斯乐派的复调手法与德国中世纪以来独唱歌曲的创作手法而形成的四声部世俗声乐体裁。在四个声部中，一个声部为定旋律，其他三个声部围绕它构成复调。此外，利德中也有严格和声织体形式的作品。代表人物是路德维希·森夫尔。
    • 五、西班牙世俗音乐的发展
      • 比良西科（villancico）：文艺复兴时期西班牙的世俗歌曲体裁，产生于16世纪。代表人物是莫拉莱斯。特点表现在：
        • 1.内容上，唱词既涉及世俗内容，又涉及宗教内容
        • 2.织体风格上，作品以三或四声部为主，与意大利的弗罗托拉类似，主旋律在高声部，其他声部以乐器伴奏形式出现，忽悠纯朴的民歌风格
        • 3.这类歌曲的价值不在于歌唱声部，而在于它的伴奏部分。它的伴奏常常是一连串固定的和弦进行，这种形式后来演变成帕萨梅佐等器乐体裁形式中的低音主题
  • 第四节 器乐与乐器：声乐体裁的丰富带动器乐体裁的增加，继而促进了乐器制造业的发展。
    • 文艺复兴时期产生了哪些具有独立意义的器乐体裁？ 一、器乐体裁：随着依附于声乐和舞曲伴奏的器乐形式的发展，具有独立意义的器乐体裁脱颖而出。 第一，从舞曲中脱颖而出的器乐体裁。16世纪，为键盘乐器和琉特琴而作的器乐体裁有帕凡舞曲、加亚尔德舞曲、帕萨梅佐舞曲和萨尔塔雷洛舞曲等。其后不久，又出现两种重要的舞曲：阿勒曼德舞曲和克朗特舞曲。 第二，从声乐中脱颖而出的器乐体裁。16世纪初由经文歌演变而来的利切卡尔，16世纪20年代由尚松演变而成的坎佐纳。 第三，技巧性的器乐体裁。这类体裁有幻想曲、前奏曲、托卡塔。这三种体裁都具有即兴风格，一直沿用至今。
      • 利切卡尔（ricercare）与幻想曲(fantasia)的关系？ 1.利切卡尔（ricercare）、幻想曲（fantasia）：利切卡尔是复调管风琴作品，赋格的前身，源于经文歌的器乐曲形式，始于16世纪，盛行于17世纪。利切卡尔与幻想曲在脱离声乐和舞蹈而成为独立的器乐体裁后，彼此区别不大，常交替使用。它们作为琉特琴或键盘乐器的独奏曲体裁，在产生初期均具有即兴特征，后来采用主题模仿的方式，渐渐削弱即兴手法，形成对称的形式。
      • 2.坎佐纳（canzona）：产生于16世纪20年代，稍晚于利切卡尔。受法国尚松影响，16世纪70年代，重奏形式的坎佐纳逐渐形成。在发展中坎佐纳形成了三种类型：
        • 1.保持尚松风格的四声部类型
        • 2.带有利切卡尔特点的类型
        • 3.在结构上更为自由，采用多种形式的对比，运用重复和再现手法的类型
    • 二、乐器种类
      • 1.弦乐器
        • 拨弦乐器：琉特琴（lute）族是当时最流行的乐器，它可作为独奏乐器或伴奏乐器，许多乐曲流传下来
        • 弓弦乐器：古提琴家族的维奥尔琴（viol）
      • 2.管乐器
        • 短号（cornetto）
        • 小号（tromba）
        • 笛（flauto）
        • 双簧管（oboe）
        • 低音管（fagotto）
      • 3.键盘乐器
        • 管风琴（organ）：教堂音乐中运用较为普遍
        • 击弦古钢琴
        • 拨弦古钢琴
  • 小结（文艺复兴时期有哪些音乐观念的更替？ ）
    • 1.文艺复兴时期是声乐复调的黄金时代。
    • 2.文艺复兴时期出现了具有独立意义的器乐体裁。
    • 3.马丁·路德的宗教改革，使宗教音乐产生了新的变化。
    • 4.世俗音乐得到发展，并逐步渗透到宗教音乐之中，宗教与世俗音乐的分野开始模糊。
• 巴洛克时期音乐（1600-1750）150年 起：第一部歌剧的诞生（歌剧诞生的三个第一：第一部未保存，第一部保存，第一部真正意义上的歌剧） 止：1750年巴赫逝世（巴赫将复调音乐发展到顶峰，此后音乐开始循迹于主调发展）
  • 概述 巴洛克（Baroque）源自葡萄牙文，意为不规则的珍珠，最初用于艺术批评，泛指各种不合常规、离经叛道的事物。到18/19世纪仍用作贬义。随着时间变化，“巴洛克”一词开始被用来形容17-18世纪建筑物中装饰性的风格，遂成为一个时代风格的代名词。
  • 巴洛克音乐的主要特点
    • 1.通奏低音（thoroughbass，basso continuo，又称数字低音） 作曲家在创作时只写旋律和低音，在低音旁用数字标出该音在和弦中的位置，然后演奏者根据这些标示，即兴地把和声填上去(例如：低音旁标记数字6，表示在该音上方形成三和弦的第一转位)。一般低音用大提琴、低音提琴或大管等乐器演奏，而键盘乐器、琉特琴则填充和声。此外.由于演奏者对乐曲的理解和所作装饰的不同，对乐曲的具体处理也会相异。通奏低音流行了100余年，因此巴洛克时期也被称为通奏低音时代。通奏低音是巴洛克音乐的标志性特征，它的运用导致了和声学的诞生，和声体系的完善又促使大小调体系形成，从而结束了教会调式时代。
    • 2.协奏风格（Stile concertato） “协奏”原指独唱与合唱团之间的对比效果，后来它被运用到器乐作品中，是指一个乐器与一组乐器、一组乐器与乐队时而独立演奏，时而共同演奏，形成的对比效果。这种风格是巴洛克时期管弦乐作品的常见特征。
    • 3.即兴处理 巴洛克时期音乐的鲜明特点体现在它的即兴风格上，主要表现在和弦的填充性处理、装饰处理、主题变化和终止式运用等方面。
    • 4.情感因素 17世纪的作曲家希望在音乐中更多地注入情感，因此，他们从音乐的各种素材着手，进行探索和试验，寻求音乐表现各种情绪和情感的方式和手段，于是音乐史上首次出现了标示作品速度、力度和情感的记号， 如：adagio、allegro、piano、forte等。不过， 当时的这种情感与后来浪漫派音乐家表达的情感是不同的，它是一种普遍意义的情感因素，一种整体意义的情感表达。
  • 第一节 歌剧的起源与早期发展
    • 一、歌剧（opera）的含义和来源： 含义：歌剧是一种集戏剧脚本、音乐、舞蹈、建筑和美术等为一体的舞台艺术形式，其中戏剧和音乐是最重要的元素。音乐形式包括咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、管弦乐（主导动机、序曲、幕间曲以及舞蹈音乐）等。 来源：歌剧最早可追溯至古希腊时期的悲剧，它是歌剧艺术产生的根源，中世纪的宗教剧和田园剧也为歌剧的产生奠定了基础，文艺复兴时期的幕歌剧预示着歌剧的诞生，歌剧最直接的起源是15世纪末的幕间剧。 歌剧产生于16世纪的佛罗伦萨，当时，一群文化艺术界的名人经常在贵族巴尔第和科尔西家中聚会、成立了名为“卡梅拉塔”的研究会，他们热衷于恢复古希腊的戏剧，力图创造出一种诗歌与音乐相结合的生动艺术。他们认为复调艺术破坏歌词意义的表达，主张采用单声部旋律，并且他们在实践中发现，在和声伴奏下自由吟唱的音调不但可以用在一首诗歌中，还可用在整部戏剧中。随后，最早的歌剧诞生，当时称为田园剧。 早期的歌剧主要盛行在意大利、法国、德国、英国等地，在此期间，出现了第一部歌剧、清唱剧和第一座歌剧院以及其他歌剧样式（如法国的抒情歌剧、德国的歌唱剧、英国的假面剧），在歌剧史上写下浓重的一笔。
    • 意大利早期歌剧的发展及特征？ 二、意大利早期歌剧的发展：歌剧兴起于意大利，社会人士、艺术名流在佛罗伦萨、罗马、威尼斯、那不勒斯等城市相继展开歌剧创作和演出活动，不同城市、不同文化之间的差异，衍生了不同的艺术表现形式。
      • （一）佛罗伦萨歌剧
        • 形成与特征
          • 由利努契尼写剧本、佩里作曲的《达芙尼》于1597年上演，虽然《达芙尼》是以独唱为主加少量乐器伴奏的戏剧作品，有当时田园剧的成分，但它在歌剧史上还是具有开山的意义。遗憾的是，由于该作品的乐谱只留下残篇，所以人们通常把1600年上演保存完整的歌剧《尤丽狄茜》作为最早的第一部歌剧。这部歌剧由利努契尼写脚本，佩里和卡契尼作曲。
          • 早期佛罗伦萨歌剧的特征是：脚本都以希腊神话为基础（后来加入历史题材）；音乐采用通奏低音形式，以宣叙调为主，音域不宽，节奏自由，有少量的乐器伴奏，也使用合唱。
      • （二）罗马歌剧
        • 形成与特征：罗马一直以来是教皇的居住地，世俗性音乐在这里通常很难发展，音乐体裁的产生和发展必须适应这里的环境，歌剧也一样罗马歌剧的发展首先必须与宗教产生联系，为宗教服务。为适应宗教利益的需要，以合唱为主要表现手法的歌剧得到了重视。1600年2月由罗马作曲家卡瓦莱里创作的《灵魂与肉体的体现》就是这样一部作品，内容涉及道德方面，是歌剧的雏形。它为罗马歌剧的发展奠定了基础。《灵魂与肉体的体现》实际上被史学界视为第一部清唱剧。随后建造的大型歌剧院，大力推动了罗马歌剧的发展，使罗马成为歌剧重要的发源地。 罗马早期歌剧的特征是：注重歌剧场面的壮观给人带来的愉悦，加入了华丽的舞台设计、机关布景和芭蕾场面，每幕都以合唱和舞蹈结束。
      • （三）威尼斯歌剧
        • 1.形成与特征
          • 1637年歌剧史翻开了重要的一页，威尼斯建立了有史以来的第一座歌剧院——圣卡西亚诺歌剧院，从而使歌剧从贵族沙龙和宫廷走向了市民阶层，作曲家和表演艺术家可以在这里上演自己的作品，观众可以购票观赏演出，贵族有自己的包厢，富人有自己长期的固定座位，平民也可以欣赏歌剧。威尼斯歌剧在17世纪的重要地位，不仅与圣卡西亚诺歌剧院有关，同时，伟大的音乐家蒙特威尔第也为此做出了重要贡献。他创作的歌剧点亮了威尼斯这座古老的城市，成为巴洛克早期歌耀眼的明珠。
          • 威尼斯早期歌剧的特征是：声乐方面，作曲家大量采用咏叹调和二重唱，注重情感抒发，对美声唱法加以重视、很少用合唱形式；器乐方面，弦乐器家族首次占有重要地位，音乐的表现力增强。
        • 2.蒙特威尔第及其艺术成就：蒙特威尔第在音乐史上的地位可以与莎士比亚在文学史中的地位相媲美。他横跨两个世纪，是一位承前启后的伟人，其艺术成就可概括为三个方面：
          • ①在巴洛克时期，他凭借在牧歌和宗教音乐创作方面的丰富经验，充分利用音乐和戏剧的表现手段，结合16世纪音乐宝库中的各种形式，创作了多部歌剧，虽然大部分已失传，但留下来的作品足以证明他是伟大的歌剧作曲家，如1607年创作的歌剧《奥菲欧》，从整体结构布局以及首次用完整的乐队形式为歌剧伴奏来看，他的创作理念与现代歌剧相似，因此，这部歌剧被视为音乐史上第一部真正意义上的歌剧，它使歌剧艺术从此进入一个成熟的发展期。
          • ②蒙特威尔第是意大利牧歌的奠基者和集大成者，创作了八册牧歌，前四册的创作手法属于文艺复兴时期的风格，后四册则具有巴洛克时期的音乐风格，为意大利牧歌艺术做出了重要贡献。
          • ③他在牧歌创作中先后提出了“两种常规”的思想，即和声是歌词的主人(形式第一、内容第二)和歌词是和声的主人(内容第一，形式第二)。他自身的创作实践体现了从第一常规向第二常规的转变。进人巴洛克时期，他摆脱了宗教的束缚，提倡写作有情感的旋律，是当时新音乐的倡导者。
        • 3.代表作品
          • 歌剧：《奥菲欧》(1607)、《尤里西斯返国》(1640)、《波佩亚的加冕》(1642)
          • 牧歌：第1一4册(文艺复兴时期风格）第5一8册(巴洛克音乐风格)
      • （四）那不勒斯歌剧
        • 1.形成与特征
          • 17世纪末，歌剧的中心已由威尼斯转人到那不勒斯，这是意大利早期歌剧发展的最辰一座城市。自蒙特威尔第1643年去世后，威尼斯歌剧逐渐衰落。那不勒斯歌剧因作曲家A·斯卡拉蒂而崛起，他带领那不勒斯乐派，对歌剧体裁进行了改良，1680年后逐渐将歌剧定型为正歌剧(Opera seria) ， 这种歌剧的影响力一直延伸到19世纪。正歌剧常以虚构的历史或英雄事迹为题材，由于人们对美声的追求，使那些既具有男性强有力的肺活量又带有女性柔美明亮音色的“阉人”歌手盛行起来。
          • 那不勒斯正歌剧的特征
            • (1)在内容上，歌剧多取材于古代神话和英雄传说，内容严肃，与喜剧相对。
            • (2)在结构上，作品由原先的五幕结构变为紧凑的三幕结构，每幕分数场，每场包含说明故事情节和表现人物内心活动的两部分， 常在幕与幕之间穿插喜剧性的幕间剧(在舞台口表演)。
            • (3)在形式上，歌剧由个性的序曲(快一慢一快的三段形式)开场，宣叙调和返始咏叹调交替进行，重要角色常由阉人歌唱家担任，少用重唱和合唱，也不用舞蹈，用意大利语演唱。
            • (4)作品常采用两种宣叙调：一种是干念式宣叙调，用于较长的对白或独白，独唱声部只用通奏低音伴奏；另一种是带伴奏的宣叙调，它善于表达复杂情感，也可表现紧张的戏剧性情节。
            • (5) 作曲家创用返始咏叹调， 这种咏叹调为ABA三段体结构， 作曲家通常不再把再现的A段写出， 而只在Ｂ段的结尾处标记da capo， 意为从头反复， 故作“返始”之意， 并在结尾处标记Fine(意为结束) 。
        • 2.A·斯卡拉蒂及其艺术成就：歌剧发展史上的重要作曲家，那不勒斯乐派的创始人，一生创作了115首歌剧，尚存64部。 他的主要艺术成就体现在正歌剧领域，是正歌剧的缔造者。在正歌剧的创作中，他除了运用干念式宣叙调之外，在歌剧《奥林匹亚竞技报复》(1685)中提倡使用带伴奏的宣叙调，后又在歌剧《泰奥多拉》(1692)中首创了返始咏叹调，从而赋予美声唱法以充分的施展空间，发挥了歌剧作为音乐戏剧的表现力。在1696年《善善恶恶》歌剧中，他确立了序曲快一慢一快的三段形式，为交响曲的产生奠定了基础。同时，他还对巴洛克晚期典型的管弦乐编制进行了整合，呈现为弦乐四声部加上双簧管、大管、小号和圆号等。
        • 3.A·斯卡拉蒂代表作
          • 正歌剧：《奥林匹亚竞技报复》(1685)、《泰奥多拉》(1692)、《善善恶恶》(1696)、《米特里达特·尤帕托雷》(1707)、《格里赛尔达》(1721)
          • 喜歌剧：《光荣的凯旋》(1718)
    • 三、法国早期歌剧
      • （一）形成与特征
        • 法国歌剧无论在语言或乐曲的表现上均有别于意大利歌剧。当时法国已有自己的舞台艺术形式—-古典悲剧和芭蕾，作曲家一方面深受法国古典戏剧的影响，另一方面又尝试结合意大利歌剧的形式进行创作，最终于1659年诞生了法国的第一部歌剧《波莫纳》由R.康贝尔(创作并在巴黎上演。这部歌剧实际上是由一系列歌曲组成并具有喜剧风味的田园剧。17世纪，受意大利歌剧的影响，法国逐渐形成了具有自身特征的歌剧， 这与当时的音乐家吕利的贡献是分不开的， 他把这种集宣叙、歌唱、芭蕾于一体的法国歌剧“抒情悲剧”(Tragedie Lyrique) 展现在世人面前。吕利的后继者是法国本土的伟大音乐家拉莫。
        • 法国抒情悲剧的特征
          • ①歌剧题材一般选自历史、神话。
          • ②序曲由意大利歌剧序曲“快一慢一快”的风格改为慢一快一慢”的法国式序曲形式。
          • ③宣叙调带有歌唱性，而咏叹调则带有朗诵性，不突出宣叙调与咏叹调的对比。
          • ④歌剧中插入芭蕾舞场面，使歌唱与芭蕾艺术融为一体，歌剧旋律由于受到舞曲的影响，音域窄，乐句方整， 音响华丽。
          • ⑤重视合唱及管弦乐的作用，不用阉人歌手。
      • （二）代表人物
        • 1.吕利及其艺术成就：法国歌剧的创始者，1672年，他创办皇家音乐学院(后来的巴黎歌剧院)，1673年上演了他创作的法国歌剧史上第一部抒情悲剧《卡德摩斯与赫耳弥俄涅》。他创作歌剧，取悦国王，崇尚骑士精神，迎合法国人奢华的场景与芭蕾的传统。吕利一生共创作了19部歌剧，尽管舆论对他有许多负面评论，但是，他对普及法国歌剧的贡献无人取代。 他的艺术成就体现在：创造出了被称为“抒情悲剧”的歌剧形式，并为此创作了以《卡德摩斯与赫耳弥俄涅》为代表的19部作品，这些作品在序曲形式、演唱方式和芭蕾传统上，有别于意大利歌剧的样式，具有法国特征。
        • 2.吕利代表作
          • 抒情悲剧《卡德摩斯与赫耳弥俄涅》、《阿尔希斯特》、《忒修斯》
          • 喜剧芭蕾舞剧《贵人迷》
          • 合唱《感恩赞》
        • 3.拉莫及其艺术成就：法国著名作曲家，管风琴家，音乐理论家。继吕利后法国歌剧的重要继承者。 艺术成就体现在： (1)他的歌剧继承了吕利歌剧音乐的特征，并把法国戏剧首乐固有的装饰性和娱乐性发展到顶峰。 (2)他掀起了“喜歌剧之争”的大讨论，与佩戈莱西的追随者进行针锋相对的辩论。 (3)他于1722年发表《和声学教程》以及一系列和声学理论著作，奠定了欧洲近代和声学理论基础。
        • 4.拉莫代表作
          • 歌剧《伊波利特与埃里艾》(1733)、《卡斯托与波吕克斯》(1737)、《达尔达尼歌乌斯》(1739)
          • 著作《和声学》(1737）、《和声原理论证》(1750)、《和声的产生》(1737)
    • 四、德国早期歌剧
      • （一）德国歌唱剧的形成：德国早期歌剧的发展，更多地夹杂着从意大利舶来的因素。许茨是最早将意大利歌剧引入德国的人，1627年，他完成了利努契尼歌剧《达芙妮》的德语译本。 1644年由哈斯多夫撰写脚本，斯塔登作曲的《西勒维希》被史学家认为是德国现存最早的德国式歌剧。由于这部歌剧采用对白与分节歌形式，所以也被称为歌唱剧(Singspiel) ，这是德国本土最早的歌剧形式。另有学者认为，这种歌剧是对意大利歌剧进行的本土化改良，即将宣叙调换成念白形式。后来，莫扎特、贝多芬的歌唱剧也是在此基础上发展起来的。 自1678年汉堡建立第一座歌剧院后，德国的歌剧艺术事业才以汉堡为中心展开，凯塞尔 就是在这里推动了德国歌剧的发展。在凯塞尔之后，亨德尔、泰勒曼等作曲家的作品相继演出，轰动一时，其中成就最大的是亨德尔。
      • （二）凯塞尔及其歌剧特点：凯塞尔从1695年起担任汉堡歌剧院的首席作曲家，创作了一百多部歌剧，被认为是德国最伟大的天才，1695年因创作歌剧《穆罕默德二世》一举成名，他的歌剧受到法国和意大利歌剧的影响。 他的歌剧总体特点是：歌剧题材包括神话故事、历史传说和喜剧性内容等。歌剧大部分形式为意大利风格，咏叹调绚丽多彩，配器华美宏伟；宣叙调用德语演唱，咏叹调用意大利语演唱；旋律常常与德国民歌相联系，一些大众性质的歌曲被融人到歌剧音乐中；不用阉人歌手。
    • 五、英国早期歌剧
      • （一）形成与特点：假面剧流行于16世纪的英国，是宫廷内一种娱乐性的话剧，因演出时敷假面具而得名，综合了歌唱、说白、舞蹈、合唱、器乐和朗诵调等形式，舞蹈是剧中最重要的成分，其次是布景，最后才是脚本与音乐，剧情常用对白形式，题材多具神秘性和寓言性。1656年，类似于意大利歌剧的作品才在英国产生，英国歌剧作品不多，大多参照意大利歌剧和法国歌剧而作。英国的第一部歌剧通常被认为是《围攻罗斯特》，它是1656年由五位作曲家共同谱写完成的，其中的对话完全写成宣叙调式的段落，但是音乐部分已经遗失，仅留下脚本。
      • （二）代表人物及特点：普赛尔广泛吸收法国与意大利的音乐特点，创作出英国本土的巴洛克音乐风格。1689年他创作的《迪多与伊尼阿斯》 受到法国和意大利歌剧的极大影响。 他的作品总体特征表现为：声乐方面与意大利歌剧有许多共同的特点，但用英语演唱；器乐方面和法国歌剧有相似之处，用通奏低音形式，但旋律与英国的民歌紧密相连，没有炫人耳目的华丽音响，音乐细致地刻画剧中人物的心理和情感。
  • 第二节 大型声乐套曲 文艺复兴时期是声乐复调的黄金时代。在巴洛克时期，声乐得到了更进一步的发展，形式与内容既有延续又有变化。从体裁来看，这一时期的大型声乐套曲主要包括清唱剧、康塔塔和受难乐三种形式。
    • 一、清唱剧（oratorio）：清唱剧又称神剧，是一种大型的声乐套曲，内容富有戏剧性和史诗性。它和歌剧一样，也包括合唱、重唱、咏叹调、宣叙调、序曲和间奏曲等，但因清唱剧是一种只唱不演的所谓“清唱”形式，无动作表演和布景，内容以《圣经》题材为主，所以与歌剧相区别。 清唱剧分为两种：一是使用拉丁文的清唱剧，以《圣经》为题材、属于宗教音乐，称为宗教清唱剧；二是使用意大利文的清唱剧，面向公众，不局限于《圣经》题材，取材自由，因此被称为世俗清唱剧(代表作品见表4-5)。17世纪下半叶，前者逐渐消失，后者继续发展，并影响到德国等国家。 第一部清唱剧是卡瓦莱里的《灵魂与肉体的体现》，以戏剧的形式呈现，着表演服，是一部配有音乐的道德剧。
      • 宗教清唱剧：卡瓦莱里《灵魂与肉体的体现》、亨德尔《弥赛亚》、海顿《创世纪》
      • 世俗清唱剧：亨德尔《塞墨勒》、蒂皮特《我们的孩子》、斯特拉文斯基《俄狄浦斯王》
    • 二、康塔塔（cantata）：康塔塔是一种包括宣叙调、咏叹调、重唱、合唱和管弦乐的多乐章声乐套曲。在形式上，它与清唱剧相似，但规格较小，内容简单，侧重于抒情，不一定采用宗教题材，它常常以序曲开始，合唱结束。 康塔塔于1600年前后诞生于意大利，它是与清唱剧平行发展的体裁，后来在德国盛行一时。在意大利， cantata一词最初泛指声乐作品， 与器乐曲sonata对应。 康塔塔的发展包括以下阶段： (1) 最早使用康塔塔一词的是意大利作曲家阿·格兰迪 。早期的康塔塔在罗马流行，A.斯卡拉蒂是当时最多产的康塔塔作曲家，他创作的以独唱和通奏低音形式为主的康塔塔就有600首之多。 (2)其后，康塔塔流入欧洲的其他国家，英国、法国和德国的作曲家用本国语言进行康塔塔的创作。1700年以后，它在德国得到很大的发展，并在巴赫的创作中达到顶峰。 (3)19世纪的康塔塔多以巴赫的作品为典范，以宗教题材为主，其本质就是小型的清唱剧。
      • 室内康塔塔：在家庭社交场合表演的小型康塔塔(可以是一首咏叹调)
      • 大型康塔塔：有管弦乐队伴奏的，在特定场合下演唱的。
    • 三、受难乐（passion）：受难乐是根据《新约圣经》中关于耶稣受难的记述而写成的一种清唱剧。重要的受难乐作曲家是许茨，他的作品有《基督临终七言》《耶稣复活的故事》等。巴赫使受难乐达到最高境界，著名作品有《马太受难曲》等。 受难乐产生在意大利，后来在德国的新教中得到发展。其发展过程主要经历了以下阶段： (1)4世纪，罗马天主教仪式中开始出现受难乐的雏形。 (2)14世纪后半叶，单声部圣咏构成的素歌受难乐成为受难乐发展的第一个阶段。(3)15世纪开始，复调手法的运用使受难乐进入它的第二个发展阶段——应答受难乐。 (4)1650年后，受难乐发展到第三个阶段——受难清唱剧阶段，它借鉴了清唱剧和歌剧的写法，运用众赞歌音调，并且加入了《圣经》之外自由释义的歌词段落。 (5)17世纪，凯赛尔所作《流血而死去的耶稣》用改写的韵文代替原有的圣经；巴赫在《约翰受难曲》和《马太受难曲》中，则把韵文和圣经原文结合在一起，使音乐极富戏剧性。 (6) 19世纪， 受难乐被圣经题材的清唱剧所取代。20世纪， 彭德雷茨基创作的《路加受难曲》使受难乐重回舞台。
  • 第三节 乐器与器乐的发展 文艺复兴时期出现了具有独立意义的器乐体裁后，巴洛克时期器乐体裁大批显现。促进了乐器制造业，为器乐繁荣发展提供坚实后盾。
    • 一、主要乐器
      • 1.键盘乐器：古钢琴和管风琴
      • 2.弦乐器：小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴。琉特琴失去巴洛克时期的地位，小提琴取而代之。
      • 3.管乐器：双簧管、低音管、长笛常见。铜管乐器中法国号、小号、长号常出现在大型合奏，独奏少见。
      • 4.打击乐器：定音鼓，乐队常使用。
    • 二、乐器制作
      • 1.管风琴：在德国有突出发展，最重要的制琴家族是齐尔伯曼和诗尼特格。管子的结构更加科学，琴键和琴栓的设计更完善。
      • 2.古钢琴
        • 拨弦古钢琴：产生于14、15世纪，音色尖锐清晰，也称羽管键琴，是巴洛克时期演奏通奏低音和音乐会独奏的主要乐器。
        • 击弦古钢琴：更为古老，12世纪就已出现，音色较柔和，音量较小，适合小范围室内演奏。
      • 3.小提琴：意大利北部城市克雷莫纳的提琴制作业非常发达，云集了很多著名的小提琴制作家族，其中的三大名家为阿玛蒂、瓜奈利和斯特拉迪瓦里。小提琴的制作工艺开始于16世纪，巴洛克时期制造的提琴音色柔美，声音洪亮，工艺精良，其制作技术达到空前的高峰。
    • 三、器乐发展:17下半叶，器乐得到空前发展。管风琴制作业的完善促使大批作曲家进行管风琴音乐的创作，使管风琴音乐作品的重要性超过声乐作品，这是器乐发展的历史转折点。1700年以后，提琴制作家族的发展使提琴的制作达到了完美的境界，对当时弦乐创作和演奏技术的发展有着直接影响。
      • 1.博洛尼亚乐派（Bologna School）：博洛尼亚是意大利北方的一个城市，17世纪中叶其重要性仅次于教皇辖地罗马。1450年在教皇批准下， 博洛尼亚建立了第一所音乐学院，1666年又成立了爱乐学院 ，它吸引了很多优秀的音乐家前来创作和演奏， 著名的博洛尼亚乐派由此诞生。其中最具代表性的音乐家是维塔利和科雷利， 他们对室内乐的发展起到了重要的推动作用，确立了三重奏鸣曲形式。1689年，G.加布里埃利首次把大提琴从通奏低音乐器中独立出来，使之成为一件独奏乐器。
      • 2.管风琴音乐：17世纪管风琴音乐最发达的地区是德国，大部分著名的管风琴作曲家都集中在信仰路德教的德国中部和北部地区。在信仰天主教的南方，管风琴的作用主要是为宗教仪式伴奏，管风琴音乐的独奏体裁主要有托卡塔、赋格曲和以众赞歌为基础的作品，此外还有少量的帕萨卡利亚和恰空舞曲。
      • 3.古钢琴音乐：古钢琴音乐的体裁在17世纪末到18世纪初主要是托卡塔、幻想曲、前奏曲、赋格曲、变奏曲(帕萨卡利亚和恰空)、主题与变奏、组曲、奏鸣曲(大约1690年以后)等。其中最重要的是主题与变奏、组曲两种。17世纪下半叶，作曲家开始用一个原创的音乐主题来写变奏曲，主题往往短小如歌，在陈述之后进行一系列的变奏。这种体裁的作品在18世纪逐渐增多，并且成为多乐章作品中的一个乐章(多为第二乐章)。组曲也是在17世纪下半叶定型的，它源自意大利的室内奏鸣曲，由四种风格的舞曲组成，它们是阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、吉格。
      • 4.十二平均律：人们曾经在琉特琴、维奥尔琴等乐器上进行过十二平均律的实践，17世纪30年代弗雷斯科巴尔迪在键盘乐器上采用平均律，后来巴洛克时期强调“调的性格”作用，认为不同的调性可以表达不同的思想感情，从而忽略了平均律的应用，直到巴赫创作了著名的两卷《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）后， 十二平均律才在键盘上被广泛应用。
    • 四、器乐体裁
      • 1.奏鸣曲（sonata）：源于意大利文“sonare”，有鸣响之意。16世纪的奏鸣曲泛指一切乐曲，巴洛克时期的奏鸣曲通常由几件乐器演奏，属于室内乐，音乐家们喜好创作三重奏鸣曲(Trio Sonata)(一般用两把小提琴演奏两个声部，两件通奏低音乐器演奏一个声部)。 17世纪以后，奏鸣曲根据使用场合可分为教堂奏鸣曲(Sonata da chiesa) 和室内奏鸣曲(Sonata da camera) 两种。前者比较严肃， 由“慢一快一慢一快”四乐章组成，每个乐章的速度和内容都具有对比性，多用于宗教仪式，是古典奏鸣曲的前身；后者具世俗性，带有舞曲风格，常常在宫廷和私人客厅中演奏，为古典组曲的前身。 18世纪上半叶，独奏奏鸣曲(一般以键盘乐器为主，有的也以小提琴为主，加上通奏低音乐器)取代了三重奏鸣曲的地位。
      • 2.协奏曲（concerto）：有竞赛、协同合作的含义，最早产生于17世纪末，是巴洛克时期最重要的器乐形式。
        • (1) 大协奏曲(Concerto Grosso)：这是当时最重要的管弦乐体裁，由二件或三件乐器构成一个独奏组(concertino) 与合类部分(tutti) 进行协奏，也是小组独奏乐器和大组乐器相互对比的竞奏。该体栽源于意大利作曲家斯特拉德拉的《多乐章交响曲》，在托雷利手中得以确立。维瓦尔第有许多精彩的大协奏曲作品，巴赫的《勃兰登堡协奏曲》是大协奏曲中最伟大的作品。
        • (2) 乐队协奏曲或协奏交响曲(Sinfonia Concertante)：这是在大协奏曲之后发展起来的多乐章协奏曲体裁，其特征是：乐队中的某个乐器既可独奏，又可合奏，其中发挥华丽技巧的某件乐器与合奏部分常常形成对比竞争风格，该体栽尤其强调协奏部分。托雷利确立了这种体裁形式，在18世纪中期前后，乐队协奏曲逐渐融入到早期交响曲之中。
        • (3) 独奏协奏曲(Solo Concerto)：独奏协奏曲是协奏曲体裁中最后发展起来的一种形式，它是由一件乐器与管弦乐队进行协奏的体裁。托雷利于1698年创作的独奏协奏曲奠定了这种体裁的地位。维瓦尔第在《四季》中充分发挥小提琴独奏的作用，对古典独奏协奏曲的发展起到了重要作用。
      • 3.托卡塔（toccata）：托卡塔意为触键，最早见于16世纪的琉特琴谱，16世纪末应用于键盘乐器，是一种比较自由的、接近即兴创作的体裁。它的技巧性比较高，特别是脚键的运用，经常采用模进、模仿对位的手法进行写作。这种体裁一般包括若干段落，在慢速和快速之间交替，常以慢来的狂想曲开始，并与随后比较严格的赋格段落形成对比。巴赫的《d小调托卡塔与赋格》是托卡塔体裁的代表作品。
      • 4.赋格曲（fugue）：赋格曲是一种严格运用卡农模仿手法的复调体裁，它是17世纪在利切卡尔和坎佐纳等音乐体裁上发展起来的。赋格曲有二至六个声部，一般常见的是三或四个声部。一首完整的賦格曲由主题、答句、对句及插入句四个部分组成。赋格曲的代表作曲家是巴赫，他的《平均律键盘曲集》将该体裁发展到了顶峰。
      • 5.前奏曲（prelude）：前奏曲本身的含义是引子和序曲。17世纪之前，它指的是在声乐曲前作为伴奏的引子部分。17世纪初成为独立的小曲，但还是作为整套作品前的一个段落，起活动手指或导人乐曲主要部分的作用。当时的圣咏前奏曲(Chorale Prelude) 是巴洛克时期管风琴音乐中最重要的，为教会所使用的器乐曲。前奏曲到18世纪后才成为篇幅不大、曲式自由、带有即兴，性质的独立小品，其中以管风琴的前奏曲居多，以巴赫的作品为代表。
      • 6.组曲（Dance Suite）：组曲是由数首乐曲按照对比原则组成的一种器乐套曲，其中各曲有相对的独立性。
        • （1）古组曲：18世纪中叶前流行的组曲， 通常由德国的阿勒曼德(Allemande) ， 法国的库朗特(Courant) ， 西班牙的萨拉班德(Sarabande) ， 英国的吉格(Gigue) 四种舞曲组成。它们在速度上形成慢-快-更慢-更快的对比，用同一调性构成，后两首舞曲之间还可加人一首或几首其他舞曲。著名的古组曲有巴赫的《法国组曲》《英国组曲》和《德国组曲》等。
        • （2）现代组曲
          • 从歌剧、舞剧、戏剧音乐或电影音乐中选出若干段辑成组曲，如柴科夫斯基的《天鹅湖》组曲，格里格的《培尔·金特》组曲
          • 由文学、绘画、民间传说、神话、民俗风情等内容构思而成的组曲，如里姆斯基-科萨科夫的《舍赫拉查德》，德沃夏克的《捷克组曲》，圣-桑的《动物狂欢节》，拉威尔的《鹅妈妈》等。
  • 第四节 巴洛克时期作曲家 巴洛克时期音乐重心由意大利转移到欧洲北部，音乐家趋向专业化。活跃于巴洛克晚期的作曲家的创作是西方音乐文化重要的分水岭，预示着古典主义风格的来临，谱写了一个辉煌的时代。
    • 一、科雷利
      • 1.人物简介:意大利著名小提琴演奏家、作曲家和指挥家。对巴洛克室内乐和器乐合奏音乐的发展产生了重大影响。
      • 2.代表作品：器乐曲：《12首三重奏鸣曲》《12首教堂三重奏鸣曲》《12首室内三重奏鸣曲》《12首大协奏曲》《12首小提琴与羽管键琴曲》
      • 3.艺术成就
        • (1)他是世界上第一位职业小提琴家，确立了乐队中统一弓法的形式。
        • (2)他明确了大协奏曲的乐队编制，将小乐器组设计成三重奏鸣曲的形式。亨德尔和巴赫的独奏奏鸣曲与乐队协奏曲就是在他创作的基础上演化而来的。
        • (3)他是第一位完全用大小调体系进行创作的作曲家。
        • (4)作品《福利亚变奏曲》被视为最早的小提琴弓法大全。
      • 4.作品欣赏：科雷利《f小调三重奏鸣曲》：大部分为三重奏。他的教堂三重奏作品都由“快一慢一快一慢”四个乐章组成，与当时康塔塔作品中四乐章的顺序相同，而且所有乐章的调性都是相同的，在这些三重奏中，最常见的发展手法是模进。
    • 二、维瓦尔第
      • 1.人物简介：巴洛克末期重要的作曲家，杰出的小提琴家，对巴洛克音乐走向古典主义起到了重要作用。他的作品数量很多，以歌剧。神剧、奏鸣曲和协奏曲闻名，仅协奏曲就有五百多首，奏鸣曲也有70多首。 维瓦尔第在音乐创作方面影响过许多著名的作曲家，其音乐中简洁的主题、清晰的曲式、富有活力的节奏以及极具逻辑的乐思发展被他的继承者们模仿。同时，他对小提琴技巧的发展也具有重要的影响。
      • 2.代表作品
        • 歌剧：《多里拉在坦佩》、《巴亚捷》
        • 协奏曲：小提琴协奏曲《四季》
        • 宗教音乐：《圣母经》《圣母悼歌》《胜利的犹迪》
      • 3.艺术成就
        • (1)维瓦尔第对18世纪器乐的发展做出了重要贡献。
        • (2)他对大协奏曲的定型起了决定性的作用，确立了快一慢一快的三乐章结构，并赋予了慢乐章咏叹调的特征。大协奏曲《四季》(分别题为《春》《夏》《秋》《冬》)对后世产生了深远的影响，为标题音乐做出一定的贡献。
        • (3)他首创独奏协奏曲，他对这类体裁的贡献主要体现在小提琴协奏曲方面，如发展了小提琴演奏技术，扩展了小提琴的音区，并以快速的经过句独树一帜。
        • (4)他发展了配器技术，首次把单簧管作为木管组乐器，乐队的很多特殊效果如弱音器的使用，提琴的拨弦以及乐队的渐强和渐弱处理都早于曼海姆乐派。
      • 4.作品欣赏：维瓦尔第《四季》是维瓦尔第于1725年出版的作品，原为《12首小提琴协奏曲》中的第一首到第四首，标题为《春》《夏》《秋》《冬》。维瓦尔第写了四首十四行诗放在四首作品前与音乐做对照，描绘四季景致，于是后人便将其组合起来称为“四季”。大协奏曲《四季》是他最著名的作品之一，以小提琴为中心，显示出主调音乐的风格。《四季》对大协奏曲的定型起到决定性的作用，每一首都由三个乐章组成.采用快一慢一快的结构形式，赋予了慢乐章咏叹调的特征。维瓦尔第把18世纪之前无标题的抽象器乐创作转向后世所倡导的标题音乐创作上，为后世作曲家开辟了新的创作途径。
    • 三、D.斯卡拉蒂
      • 1.人物简介：意大利作曲家、演奏家，A·斯卡拉蒂的儿子，共作有555首奏鸣曲以及多部歌剧、清唱剧和其他圣乐，在古钢琴音乐领域有较大贡献。
      • 2.代表作品
        • 歌剧：14部歌剧
        • 奏鸣曲：555首键盘奏鸣曲
        • 弥撒曲：十声部《圣母悼歌》
        • 协奏曲：12首协奏曲
      • 3.艺术成就：D.斯卡拉蒂一生创作了500多首键盘奏鸣曲，其中很大一部分是为解决演奏者技术上的问题而创作的作品，他常突破传统的作曲法，创造出新颖大胆的音响效果。这些作品实际上是为钢琴而作的练习曲 ， 每首都是两段体的单乐章结构， 分别解决一个技巧问题或发明一种音响效果， 如快速双音经过句、双手交叉演奏、“挤人的音符”或短倚音等。
      • 4.作品欣赏：D.斯卡拉蒂《D大调奏鸣曲》具有十分独特的效果，辉煌的技巧、不协和的音响、多动机的手法，预示了前古典主义风格。在结构上，它不同于典型巴洛克的二部曲式，而是带再现的二部曲式，更接近于古典奏鸣曲式。
    • 四、巴赫
      • 1.人物简介：德国著名作曲家、管风琴家。生平可分为三个时期
        • （1）魏玛时期：从魏玛时期就开始被推崇为大师。
        • （2）柯登时期：许多名作在这个时期写成，如《勃兰登堡协奏曲》《平均律键盘曲集》第一册
        • （3）莱比锡时期：这一时期，创作了清唱剧、神剧、受难曲及众多的管风琴曲，著名的《马太受难曲》《约翰受难曲》《平均律键盘曲集》第二册
      • 2.代表作品：除歌剧外，各种声乐器乐体裁都有涉猎。
        • （1）声乐作品：以宗教音乐为主，大多是路德派新教的宗教音乐。
          • 教堂康塔塔：近300部，如《留在我们身边》《我的灵魂颂扬主》《我们的上帝是坚固的城堡》
          • 世俗康塔塔：《农民康塔塔》《咖啡康塔塔》
          • 弥撒：《b小调弥撒曲》
          • 受难曲：《马太受难曲》《约翰受难曲》
        • （2）器乐作品：他作有大量各种体裁的管风琴曲，包括众赞歌幻想曲、前奏曲、变奏曲、赋格曲、托卡塔、帕萨卡利亚等。他还把维瓦尔第的小提琴协奏曲改编成管风琴协奏曲和古钢琴协奏曲。最后的作品《戈德堡变奏曲》《音乐的奉献》和《赋格的艺术》是300年来复调技术的总结性作品。
          • 古钢琴：《平均律键盘曲集》(2卷)、《法国组曲》(6首)、《英国组曲》(6首)、《帕蒂塔》(6首)、《戈德堡变奏曲》
          • 管风琴：《d小调托卡塔与赋格》
          • 小提琴：《无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》(6首)
          • 大提琴：《无伴奏大提琴组曲》(6首）
          • 长笛：《独奏长笛奏鸣曲》
          • 乐队作品：《音乐的奉献》《赋格的艺术》《勃兰登堡协奏曲》(6首)
      • 3.艺术成就
        • (1)《平均律键盘曲集》首次将十二平均律全面系统地运用到音乐创作实践中，有力地证明了平均律的优越性，开辟了欧洲音乐的新天地。
        • (2)巴赫把复调音乐的技巧发展到登峰造极的程度，《音乐的奉献》和《赋格的艺术》总结了中世纪以来的复调音乐写作技术。
        • (3)高度的复调思维与新颖生动的主调手法并用，使巴赫成为音乐史上一位继往开来的关键人物。
        • (4)他是钢琴协奏曲的奠基者，并为钢琴演奏中大拇指的解放做出重要的贡献。
        • (5)他使巴洛克时期的器乐发展到巅峰，创作了大量器乐作品，如古钢琴作品《法国组曲》《英国组曲》《帕蒂塔》，6首小提琴作品《无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》，乐队作品《勃兰登堡协奏曲》等。
      • 4.巴赫的创作观念：巴赫是位虔诚的基督教徒，他的音乐更多表达的是对上帝的信仰，表现的是世界和谐存，同在的意义。巴赫认为，世界万物都是上帝恩赐的，音乐也是上帝赐予的圣物，因此音乐是与上帝的对话，是通往天堂的云梯，所以音乐的全部意义在于对上帝的赞美、感恩，他通过这种隐蔽的理性方式来感觉上帝的存在。
    • 五、亨德尔
      • 1.人物简介：德国作曲家、管风琴家，在歌剧和清唱剧方面做出了突出贡献，他是巴洛克音乐向古典主义音乐过渡的重要音乐家。
      • 2.代表作品：各种声乐器乐体裁，其中歌剧和清唱剧最著名。
        • (1)歌剧方面：亨德尔是巴洛克后期最重要的歌剧作曲家，毕生作有40多部歌剧，有36部在英国演出。
          • 汉堡时期：《阿尔米拉》
          • 佛罗伦萨时期：《罗德里戈》
          • 威尼斯时期：《阿格丽品娜》
          • 伦敦时期：《尤利乌斯·恺撒埃及》《罗琳达》《奥兰多》《赛尔斯》
        • (2)清唱剧方面：清唱剧的创作代表了亨德尔最高的音乐成就，他写过23部清唱剧，取材于《圣经》和教义内容，用英文创作，广受英国民众的欢迎。
          • 罗马时期：《复活》《时间的胜利》
          • 那不勒斯时期：《阿西斯，加拉蒂亚与波里费莫》
          • 汉堡时期：《为世间的罪恶耶稣受刑并牺牲》
          • 伦敦时期：《以色列人在埃及》《弥赛亚》《参孙》
        • (3)器乐方面：他的器乐作品包括管风琴协奏曲、两卷古钢琴组曲、大协奏曲等。
          • 管弦乐《水上音乐》《皇家焰火音乐》
      • 3.艺术成就
        • (1)他的歌剧和清唱剧达到了巴洛克时期音乐的巅峰，歌剧中的咏叹调显示了前所未有的技巧。清唱剧《弥赛亚》使他蜚声世界，成为音乐史上的经典之作。
        • (2)他创作的《水上音乐》《皇家焰火音乐》是巴洛克时期器乐的杰作，为世人传颂。
      • 4.音乐特征：他的音乐常常注重戏剧效果，以主调音乐风格为主，少用转调，强调节奏重音，旋律富有歌唱性、音响宽广庄严。他虽然处在复调音乐发展的盛期，但在写作中十分注意纵向的和声关系.这种创作方式预示了主调音乐风格的到来。
  • 小结
    • 1.巴洛克时期是复调音乐发展的高峰期，其中最显著的特点是通奏低音的应用。
    • 2.巴洛克时期完成了调式体系的过渡，以大小调体系代替教会调式体系，同时，这一时期，也是复调音乐向主调音乐过渡的时期。
    • 3.歌剧的诞生和器乐的突出发展，成为这个时期有别于其他时期最强劲的亮点。
    • 4.巴洛克晚期，意大利音乐的主导地位逐渐衰落，德国音乐逐渐强势。
    • 5.宗教音乐的绝对地位逐渐瓦解，音乐开始走向宫廷，走向世俗。
    • 6.巴洛克时期的音乐家趋向专业化，分工更细。
• 古典主义时期音乐（1750-1820）70年 起：巴赫逝世 止：贝多芬逝世
  • 简述西方音乐古典主义时期的时间划分及文化特质？ 1、时间范围界定： （1）时间：将1750—1820年这70年的历史阶段称为西方音乐的古典主义时期。（2）概念的区分：在理解古典音乐的含义上要注意两种概念，一是泛指19世纪之前的传统音乐中为后世公认的优秀典范作品；二是特指1750—1820年古典主义时期曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳古典乐派的创作成果。在西方音乐史上，古典音乐主要指后者。 2、社会文化特质：社会文化强调人性解放，崇尚英雄主义，追求人权平等。该时期“启蒙运动”和“狂飙突进运动”的思想实质为“自由、平等、博爱”，关注人的本性和情感。
  • 古典主义时期音乐的总体特点 题材重大、崇尚理性、气势雄伟、逻辑严密、结构严谨、以主调和声风格为主。具体特征包括：（简述古典主义时期音乐的整体风格特征？）
    • (1)音乐从教堂步人宫廷，并逐步走向社会，走向民众。
    • (2)音乐创作不再以巴洛克时期的复调手法为主，采用的是主调音乐形式。作曲家加强了旋律与和声的对应，建立起“主一下属一属一主”的功能和声进行。
    • (3)曲式分段式结构原则得到确立.旋律不再采用巴洛克时期延绵不断、扩充的音型，而是以短小对称的2、4小节(也有3、5、6小节)为基本单位形成方整型乐句结构。音乐呈现出优美、简单、均衡的特征。
    • (4)主题进行动机式发展，作品以主题间的对比取代巴洛克时期单一主题的模进发展。
    • (5)通奏低音被明确的记谱取代，使作曲家对乐器音色的体验更明晰。
    • (6)作曲家追求客观的美，描绘自然界中的人挣脱对教堂中的神、宫廷中的君主的依恋，拓宽了音乐的表现范围和表现力。
    • (7)音乐的重心移到新型的器乐体裁——交响曲、协奏曲、奏鸣曲、四重奏上。
  • 简述古典主义时期宗教音乐的发展状况？ 宗教音乐发展到18世纪时已经衰败，音乐从教堂、宫廷走向市民阶层，以往的宗教体裁音乐出现在世俗的舞台上。宗教音乐特有的音乐体裁，与当时歌剧音乐的创作几乎没有多大区别，它越来越深地受到世俗音乐，特别是戏剧音乐的影响，因而只有少数人继承帕勒斯特里那的复调音乐创作传统。在意大利，主要的宗教音乐作曲家实际上也是歌剧作曲家，只有法国的宗教音乐与其他国家不同，一直保持自己的传统。巴赫去世后，路德教会的音乐迅速衰退，当时的很多宗教音乐作曲家多采用半宗教半世俗的清唱剧形式进行创作。18世纪下半叶，最突出的宗教音乐作曲家是埃曼纽尔·巴赫和K.H.劳恩，后者的受难康塔塔《耶稣之死》一直到19世纪末仍然十分流行。值得一提的是，18世纪末最著名的宗教音乐作品出自莫扎特和贝多芬之手。
  • 第一节 歌剧的发展：17世纪歌剧的繁荣与意大利声乐艺术的发展有着极其密切的联系，至18世纪早期，歌唱家们纷纷热衷于炫技，表演流于浮夸，使歌剧艺术渐渐背离脚本与音乐之完美结合的初衷，发展受到限制。至此，宣叙调失去意义，重唱、合唱也被抛弃，而炫技的咏叹调、绚丽的舞蹈、精美的服饰开始占据重要地位。显然，这种局面、趋势与18世纪启蒙运动所提出的“回归自然”美学原则不符，受到启蒙思想者们的大力抨击。为了挽回正歌剧发展的颓势，作曲家格鲁克提出了歌剧改革的主张，与此同时，另外一种新的歌剧形式——喜歌剧产生。
    • 一、歌剧改革（简述格鲁克和他的歌剧改革？ ）
      • 1.代表人物：格鲁克，德国作曲家，对意大利正歌剧的成功改革确立了他在音乐史上的重要地位。 18世纪的启蒙运动改变了人们以往的审美原则，传统的意大利歌剧已经无法满足人们的审美需要。格鲁克针对正歌剧存在的弊端进行了改革，他的改革并没有完全摒弃传统的歌剧创作特点，而是在传统的基础上推陈出新，将理性和真实自然的风格相结合，使音乐与戏剧之间达到更为合理的平衡状态，这些做法为意大利歌剧今后的发展提供了方向。 18世纪早期，佩格莱西创作的喜歌剧《女仆做夫人》在巴黎上演，引起了音乐史上著名的“喜歌剧之争”，即意大利音乐与法国音乐到底孰优孰劣的争论。由此，对意大利正歌剧进行改革的呼声日趋强烈。歌剧应该怎样改革？是继续走正歌剧的路，不放弃返始咏叹调，还是来一次革命？当时有很多理论家对此进行了阐述，而既能从理论上提出批评观，又能在歌剧创作中实施自己的改革方案的人，当属德国的格鲁克。他改变了意大利正歌剧发展的状况，对歌剧发展，尤其是德国后世歌剧的发展产生了重要影响。
      • 2.代表作品：格鲁克
        • 歌剧：《奥菲欧与尤丽狄茜》《阿尔西斯特》《帕里·德与爱莱娜》《伊菲姬尼在奥利德》
        • 戏剧芭蕾《唐·璜》
      • 3.艺术成就：格鲁克在改革中强调，戏剧内容与音乐表达之间要达到一个更为合理的状态，他的观点与18世纪以来启蒙运动所追求的审美情趣相符。其改革主张主要通过《伊菲姬尼在奧利德》和《奥菲欧与尤丽狄茜》两部歌剧反映出来，包括：
        • (1)音乐服从诗和剧情的需要，戏剧内容的阐释是第一要素。
        • (2)他放弃返始咏叹调的表达，删除一些不必要的花腔段落，并用有伴奏的宣叙调代替“清宣叙调”，咏叹调与宣叙调差别不大。
        • (3)歌剧序曲成为歌剧的一部分，参与表达歌剧的内涵。
        • (4)管弦乐在歌剧中根据内容的需要烘托剧情的发展，而不仅仅处于伴奏的地位。
        • (5)独唱部分减少，乐队及合唱团的作用加强，与歌剧内容不符的哗众取宠的舞蹈片段也被删去。
    • 二、喜歌剧的产生与发展：18世纪20至30年代，在意大利正歌剧处于衰退状态时，另一种歌剧形式喜歌剧(opera buffa) 出现了。喜歌剧的最初形式是“幕间剧”(inter-mezzo) ， 它在正歌剧两幕之间穿插演出，内容与正歌剧没有联系，是常以风趣、幽默的恶作剧形式进行表演的一种短小剧目。它以取悦观众为目的，使观众在欣赏严肃的正歌剧的间隙中，情绪得到片刻放松。幕间剧通常演10一15分钟，有两个角色和一个小乐队，后来这种幕间剧脱离正歌剧，成为一种与正歌剧相对应的喜歌剧形式。 在歌剧历史中，对喜歌剧的产生与发展的考察，通常涉及意大利、法国、英国和德国四个国家的情况，从这四个国家在喜歌剧方面各自特征的表现，我们可以较清楚地看到喜歌剧最初发展的状况。 喜歌剧在某种意义上是对正歌剧的反叛，它倡导启蒙主义思想，追求“自然”的艺术表现。歌剧内容不再着眼于神话、历史、英雄等题材，而是以现实生活中的场景和普通人的小事情为主，演员不穿古装，穿时装，大多使用本国语言，强调本民族的音乐。各国的喜歌剧均有各自的名称和形式。
      • 1.意大利：意大利的喜歌剧用带有民歌因素的歌曲或分节歌形式的歌曲充当咏叹调，并采用干念宣叙调形式，它的突出贡献在于：使男低音走上舞蹈，并创造了“终曲合唱”形式。 代表作品是佩格莱西于1733年创作的《女仆做夫人》，它是佩格莱西的正歌剧《高傲的囚徒》的幕间剧，1733年8月首演于那不勒斯。当时这部正歌剧反映平平，而其中的幕间剧却引起轰动，甚至成为里程碑式的作品，意大利喜歌剧也由此诞生。全剧共两幕8个段落，音乐包括1首意大利式序曲，5首相连的宣叙调、咏叹调及二重唱，其中乌贝托的音乐唱段成为喜歌剧男低音(basso buffs) 的经典唱段。18世纪中叶之后， 喜歌剧在形式上得到扩展、加入了严肃、伤感的情节，与正歌剧的风格比较相近。
      • 2.法国：喜歌剧在法国被称为诙谐剧(opera comique) ， 以巴黎喜歌剧院(Opera-Comique，Paris) 的名字命名，它源于17世纪末法国集市上出现的一种以喜剧性的对话、流行的歌舞为主，掺杂着杂技、哑剧的表演形式。 1752年，意大利喜歌剧团访问巴黎，演出的《女仆做夫人》引起了西方音乐史上有名的“喜歌剧之争"。争论的焦点是提倡平民文化还是弘扬贵族文化，这场争论最后导致法国喜歌剧的诞生。法国喜歌剧以对话代替宣叙调，以副歌歌曲代替剧中的大合唱，用法语表演。代表作品是格雷特里于1784年创作的《狮心王理查》。
      • 3.英国：喜歌剧在英国被称为民谣剧(ballad opera) ，是当时英国人文化生活的重要内容。它源于1728年在伦敦上演的由盖伊撰写脚本，佩普什作曲的《乞丐歌剧》(The Beggar's Opera) ， 该剧内容涉及当时伦敦街头罪犯猖獗的状况，带有政治讽刺的意味。 英国民谣剧的表现手法不仅在形式上正面嘲讽了意大利歌剧，沉重打击了英国传统歌剧的创作，而且还在一定程度上迫使亨德尔不得不放弃传统歌剧的写作，转而从事清唱剧的写作。民谣剧以民歌、城市小调、流行舞曲为主，吸收了少量人们熟知的其他歌剧的咏叹调旋律，以对话代替宣叙调，用英语表演。
      • 4.德国：德国的喜歌剧大约产生于18世纪中叶， 它被称为歌唱剧(singspiel) 。singspiel原指正歌剧，后指有对话的喜歌剧，它更多地模仿法国喜歌剧或英国民谣剧，以大段德语对白作为发展剧情的手段， 咏叹调常用德国歌曲(lied) 的旋律， 有浓郁的民间特色， 剧本多从英国的民谣剧移植过来。代表作品是希勒于1766年用德国歌曲的曲调为当时流行的英国民谣剧剧本重新配曲而成的《魔鬼出笼》，这使他成为德国歌唱剧的先行者。
      • 5.作品欣赏：佩格莱西《女仆做夫人》：作于1733年，是佩格莱西的正歌剧《高傲的囚徒》的幕间剧，在那不勒斯首演，后来，《女仆做夫人》的名声反而超过了《高傲的囚徒》。《女仆做夫人》这部作品与法国对白形式的喜歌剧不同，体现了意大利喜歌剧的特征。 作品中，宣叙调采用古钢琴演奏的清宣叙调，但半说半唱，近似说话。咏叹调、二重唱的风格与全剧风格一致，诙谐幽默，轻松活泼。乌贝托的唱段成为男低音的典型唱段。
  • 第二节 器乐的发展：18世纪上半叶，新的器乐曲风格显现，主调音乐得已确立。市民音乐厅不断涌现，欣赏层面从贵族扩大到普通民众，学习、演奏乐器蔚然成风，同时也促进了乐器制造业的进一步繁荣。在此种氛围下，作曲家创作出大量不同体裁的音乐作品，包括弦乐四重奏、奏鸣曲、协奏曲、交响曲等。
    • 一、室内乐(chamber music) ，原指西方贵族宫廷中由少数人演奏、演唱，为少数听众演出的音乐，它有别于当时的教堂音乐和戏剧音乐，现在指由一件或几件乐器演奏的小型器乐曲，主要指重奏曲和小型器乐合奏曲。通常一个声部由一件乐器演奏，区别于大型管弦乐作品中一个声部由数件乐器演奏。 室内乐大约于16世纪末产生于意大利，从现在的角度来看，它是一种小型器乐合奏形式，但如果从历史角度考察它，就会发现这种音乐形式在不同的时期有着不同的内涵。
      • (1)16世纪至18世纪初，当时的音乐被分为教会音乐、戏剧音乐和室内乐三类。当时的室内乐与教会音乐、戏剧音乐的表演场地和规模有所不同，它是在私人场合(贵族家里)表演的声乐或小型器乐曲。由于贵族们喜好音乐，他们常会找些志同道合的音乐人士一同演出，于是就形成了最早的室内乐形式。
      • (2)18世纪中期至19世纪上半叶，随着音乐逐渐走进市民阶层，表演地点也从家庭移至公共场所，这使室内乐在含义上有了新的变化，这时的室内乐指的是由少数乐器表演的重奏作品(主要指弦乐四重奏)，与具体演出场所无关，最典型的是海顿、莫扎特和贝多芬的弦乐四重奏。
      • (3)19世纪中期至末期，大多数重要的室内乐作品都出自德国作曲家之手，如舒伯特、门德尔松、舒曼、勃拉姆斯等，虽然乐器的组合主要沿用古典主义时期的形式，但也发生了一些变化，通常为二至九人的重奏组合，最典型的例子是舒伯特的《钢琴五重奏“鱼”》。
      • (4)进入20世纪，传统的室内乐受到很大的挑战，主要反映在两个方面：一方面来自混合音色组合，由于电子合成音乐的产生、新作曲方法的应用，室内乐领域产生了广泛而不寻常的乐器组合，如施托克豪森的《天狼星》(电子合成器、小号、低音单簧管、女高音和男低音)、亨策的《友谊》(单簧管、长号、大提琴、打击乐和钢琴)；另一方面来自人员编制，出现了室内交响曲(十几个人的编制)、室内协奏曲、室内歌剧等室内乐体裁，如布里顿的《旋转的螺丝》要求有6或7位独唱者、木管乐器、弦乐四重奏加低音提琴、竖琴、打击乐器、钢琴、钢片琴等。
    • 二、弦乐四重奏：弦乐四重奏由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴组成，是古典主义时期最重要的室内乐形式，也是室内乐中最理想、最融洽、最经典的组合。虽然这种组合没有交响曲般庞大的气势，没有歌剧中宏大的场面，但这种体裁的音乐以精致抒情为本，能营造出人与人之间亲切交谈式的音乐氛围。它最初仅在家庭沙龙中表演，是贵族雅士自娱自乐的音乐形式，随后在历史的流变中，它从贵族庭院走向世俗舞台，发展成一种表达人类情感最深刻、最细致的重要器乐体裁。里赫特是首先运用弦乐四重奏组合进行创作的作曲家之一，而最终确立弦乐四重奏形式的是海顿。在1760年至1802年这42年间，海顿共创作了84首弦乐四重奏作品。古典乐派使弦乐四重奏的发展进入黄金时代，在里赫特、海顿、莫扎特、博凯里尼等音乐前辈们凿山铺路之后，贝多芬这位功绩著的大师将弦乐四重奏发展到光辉灿烂的巅峰，他虽然只作有16部弦乐四重奏，数量远不及海顿(84首)和莫扎特(23首)等人，但是这16部作品中几乎每一部都折射出他的功力、经验、创新以及深刻的思想内涵。贝多芬的弦乐四重奏体现了刚劲的气质、哲理的深思、质朴的世俗以及对彼岸的祈盼，他赋予了弦乐四重奏音乐最高的理念、最精致的结构和最丰富的情感，并用这种音乐形式编织出意味深长的乐思。 19世纪，弦乐四重奏处于低谷徘徊时期，影响其发展的主要原因有两方面：一是贝多芬在弦乐四重奏上取得了巨大的成就，使浪漫乐派的大师们面对弦乐四重奏这种体裁只能望洋兴叹；二是浪漫主义音乐含有多种人为的主观色彩，旋律具有幅度强烈的变化，缺乏声部均衡的稳定感，这些动荡不定的因素，阻碍了弦乐四重奏的发展。因此在众多浪漫主义大师中，只有那些接近古典主义的作曲家还能在弦乐四重奏这种体裁上有所建树，如舒伯特、门德尔松、舒曼，、柴科夫斯基、弗兰克等。在整个19世纪弦乐四重奏领域，贝多芬一直处于主导地位，柏辽兹、瓦格纳、马勒等音乐大师干脆回避室内乐、回避四重奏，以免与“乐圣”产生碰撞。 20世纪时，弦乐四重奏通过近一个世纪的“酝酿”，终于又放射出了光彩，以巴托克为中心的音乐大师们，如勋伯格，贝尔格、韦伯恩、欣德米特、肖斯塔科维奇等，将弦乐四重奏推向奇光异彩、风格各异的舞台。 纵观弦乐四重奏三百多年的历史，从海顿的创立，贝多芬的发展，巴托克等人的创新，到肖斯塔科维奇的回归，我们看到了一条“古典一现代一古典”的发展轨迹。
    • 三、奏鸣曲：奏鸣曲在16世纪前就已存在，当时的奏鸣曲泛指一切器乐曲(sonata) ， 与声乐曲(cantata)相对。17世纪早期，由五段或更多段对比性乐段组成的器乐合奏作品一般被认为是奏鸣曲，由此发展成巴洛克式的奏鸣曲。三重奏鸣曲是当时的重要体裁，通常分为室内奏鸣曲和教堂奏鸣曲两种形式。 18世纪上半叶，独奏奏鸣曲取代了三重奏鸣曲的地位。最早为键盘乐器创作独奏奏鸣曲的作曲家是库瑙和萨尔瓦托雷，其后的独奏奏鸣曲以D.斯卡拉蒂和D.阿尔贝蒂等作曲家的作品为代表。C.P.E.巴赫确立了近代独奏奏鸣曲(古典奏鸣曲)的结构形式，包括四个乐章：第一乐章快板，奏鸣曲式；第二乐章慢板，三部曲式；第三乐章慢板，小步舞曲或诙谐曲；第四乐章快板、回旋曲式或回旋奏鸣曲式。 18世纪下半叶、海顿、莫扎特省去了以往奏鸣曲中的第二乐章或第三乐章，确立了三个乐章的奏鸣曲形式(快板一行板一快板)。在贝多芬的发展下，奏鸣曲体裁又向前迈进一步，就乐章数量来看，他的作品包括三个乐章，有的扩展为四个乐章(创用小步舞曲，后来用谐谑曲作为第三乐章)，在发展规模上接近交响曲结构。他的32首钢琴奏鸣曲为这种体裁做出了历史性的重要贡献，标志着奏鸣曲进入成熟的发展时期。 19世纪浪漫主义时期，奏鸣曲始终是由一件或两件乐器演奏的最重要的器乐体裁，它展现了浪漫主义音乐的特征，主要表现在作品的史诗性、标题性、主题的发展性、变奏性和歌唱性等方面。乐章的数目有所发展，多乐章、单乐章(李斯特首创)不一。该时期对奏鸣曲做出重要贡献的作曲家有舒伯特、肖邦、舒曼、李斯特、勃拉姆斯等。 20世纪的奏鸣曲呈现出多样化的发展方式，当时重要的作曲家大都写过这种体裁，但风格迥异，形式不同。例如巴托克的奏鸣曲融入了民间音乐因素而且具有协奏风格，斯特拉文斯基、欣德米特、斯克里亚宾、普罗科菲耶夫的奏鸣曲受到新古典主义的影响，布列兹、潘德列茨基运用新技法进行奏鸣曲的创作。
      • 奏鸣曲（sonata）与奏鸣曲式（sonata form）的区别? 奏鸣曲与奏鸣曲式的区别在于：奏鸣曲是一种体裁，它由不同数量的乐章组成，各乐章间在调性、速度、情绪等方面形成对比，几个乐章成为一个整体，彼此存在一定的逻辑关系。而奏鸣曲式是曲式结构的一种，它由呈示部、展开部、再现部三部分组成，通常用在奏鸣曲、交响曲、协奏曲中的第一乐章，常为快板。
    • 四、协奏曲：古典主义时期的协奏曲来源于巴洛克时期的大协奏曲、乐队协奏曲和独奏协奏曲，尤其受独奏协奏曲的影响。 古典主义初期键盘协奏曲开始兴盛，以C.P.E.巴赫和J.C.巴赫等人的作品为代表。J.C.巴赫的协奏曲明确了三乐章布局：第一乐章是利都奈罗(ritornello) 形式， 具有奏鸣曲雏形的结构； 第二乐章常用小步舞曲(minuet) ； 第三乐章常用舞曲性的回旋曲(Allegro-rondo) 结构。 到古典主义盛期，莫扎特承袭了维瓦尔第和巴赫儿子们的协奏曲创作方式，为小提琴、钢琴、长笛、双簧管、单簧管、大管、圆号等各类乐器创作了50多部协奏曲，使近代协奏曲趋于成熟和完善，确立了沿用至今的三乐章协奏曲形式。 第一乐章，快板，奏鸣曲式，双呈示部，第一呈示部由乐队演奏，第二呈示部由独奏乐器和乐队协同演奏，此外在再现部结束之前，还有一个展示独奏乐器演奏技术的华彩段。 第二乐章，慢板，曲式比较自由，通常采用三部曲式，音乐富有歌唱性。 第三乐章，急板，常用回旋曲式或奏鸣回旋曲式，富于华丽的技巧，有时具有民歌风格或舞蹈性的节日狂欢气氛。 从风格上看，古典主义时期的协奏曲通常有“华丽风格”的印迹，显得轻盈典雅、细腻精致，摒弃了巴洛克时期协奏曲沉重肃穆的风格。 19世纪浪漫主义时期的协奏曲，在古典主义风格的基础上有所发展，主要反映在：第一乐章取消双呈示部原则，演奏家常参与华彩段的创作，各乐章采用不间断的写法，运用标题音乐因素，强调民族风格等。 20世纪的协奏曲融入了许多新的音乐元素，呈现出多种手法、多种风格并存的局面。
    • 五、交响曲(symphony)： 一词来自希腊语“symphonia”，原为“声音一起响”之意，这是一种按照奏鸣曲原则构成的管弦乐套曲形式。 交响曲的前身是巴洛克时期的意大利歌剧序曲(sinfonia) ，18世纪上半叶作曲家们采用意大利歌剧序曲的快一慢一快结构谱写管弦乐作品，并将其称为交响曲。从此，交响曲逐渐取代了巴洛克风格的乐队协奏曲，成为音乐会中主要的器乐形式。 古典主义时期，交响曲得到了真正的确立和发展，主要归功于曼海姆、柏林和维也纳乐派。曼海姆乐派奠定了古典交响曲四乐章的基本结构，形成了快板一行板一小步舞曲一快板终曲的交响套曲形式。18世纪后半叶，维也纳古典乐派的海顿对交响曲进行了改革，发展并完善了这种形式，后来贝多芬将交响曲推向发展的顶峰。交响曲在音乐表现上具有广泛的艺术概括力和深刻的哲理性，其结构与奏鸣曲一样，通常为四个乐章。 浪漫主义时期的交响曲有一定的发展，其特征主要表现为：内容具有文学性、标题性，曲式结构更自由，乐章数目不定(有一、二、五、六、七乐章组成的交响曲)，乐队编制庞大，音响华丽而丰满，民族风格浓郁等。这一时期以舒伯特、柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、德沃夏克、柴科夫斯基、布鲁克纳和马勒等作曲家的作品为代表。 20世纪的交响曲受各种音乐思潮的影响，构思独特，乐队编制有大有小，音响复杂多变，风格多样，以德彪西、斯克里亚宾、威廉斯、斯特拉文斯基、勋伯格、普罗科菲耶夫、米约、肖斯塔科维奇、科普兰、梅西安、奥涅格、欣德米特和辟斯顿等作曲家的作品为代表。 古典交响曲通常有四个乐章，其基本特征为： 第一乐章，奏鸣曲式，音乐活跃，充满戏剧性，由两个对比主题做呈示、展开和再现，表现矛盾的起因、发展和暂时的结果。 第二乐章，三段体或变奏曲，曲调缓慢如歌，内容往往表现生活的体验和哲理性的沉思，是交响曲抒情的中心段落。 第三乐章，常用小步舞曲或谐谑曲，音乐体现了矛盾冲突之后的闲暇、休整和娱乐。 第四乐章，多采用回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式，内容与矛盾的结果有关，常表现乐观、肯定的态度和胜利凯歌般的节日欢庆场面。
  • 第三节 古典主义时期的乐派
    • 一、曼海姆乐派（Mannheim School）
      • 1.乐派简介：18世纪在德国南部曼海姆形成的一个音乐流派。当时曼海姆宫廷的公爵特别热爱音乐，组建了最优秀的管弦乐队，使曼海姆成为当时德国重要的音乐文化中心。一批来自奥地利和波希米亚，以约翰·斯塔米茨（Johan Stamitz，1717-1757）为首的音乐家们一起创作、演出，对整个欧洲产生了很大的影响，他们被称为“曼海姆乐派”，这支乐队以他们精湛的演奏水平而闻名。
      • 2.代表人物
        • 约翰·施塔米茨
        • 卡尔·施塔米茨
        • 弗朗兹·克萨韦尔·里赫特
        • 克里斯蒂安·卡纳比赫
      • 3.艺术成就
        • (1)在结构上，这一乐派的作曲家奠定了古典交响曲的基本结构布局，在意大利歌剧序曲快一慢一快结构的基础上加入了快速的第四乐章，形成了快板一行板一小步舞曲一快板终曲的交响曲套曲形式。
        • (2)在演奏风格上，作曲家仔细安排乐队演奏力度上渐强、渐弱的情感变化，在当时具有前瞻性。
        • (3)在创作上，作曲家以主调音乐风格为主，重视以小提琴为中心的旋律声部，加强了管乐器的色彩效果，废除了巴洛克时期乐队通奏低音的写法，开创性地采用总谱形式进行创作。
        • (4)在乐队编制上，这一时期出现了当时欧洲最大、最优秀的管弦乐队，人数达到56人，编制已相当完整。
    • 二、柏林乐派(Berlin School)
      • 1.乐派简介：18世纪下半叶在柏林形成的一个乐派，代表人物是卡尔·菲利普·巴赫（C.P.E.巴赫）
      • 2.艺术成就
        • (1)音乐风格比较保守，音乐多采用对位手法，交响曲多为三个乐章。
        • (2)这个乐派的贡献在于强调交响曲中的情感表达，信奉“情感主义”，比曼海姆乐派的音乐更动情。它把奏鸣曲式中呈示部的两个主题真正区分开来，扩大了展开部的发展，奠定了近代奏鸣曲的基础。
    • 三、维也纳古典乐派(Viennese School)
      • 1.乐派简介：是18世纪下半叶到19世纪20年代， 随着“启蒙运动”的发展，在维也纳形成的乐派，其代表音乐家是海顿、莫扎特和贝多芬。
      • 2.艺术成就
        • (1)在音乐内容上，音乐作品受到当时启蒙运动思潮的影响，以讴歌人的精神和反映自然界的美为主旨。
        • (2)在音乐织体上，主调音乐形式的主导地位得到确立，和声织体清晰，曲式结构分明。
        • (3)在音乐体裁上，交响曲、四重奏、协奏曲、奏鸣曲等体裁形式更加完善、更加规范。
        • (4)维也纳古典乐派的作曲家承袭了德奥音乐文化传统，以强烈的艺术感染力和高超的作曲技法，使古典主义音乐达到顶峰，对后世音乐产生了深远影响。
  • 第四节 维也纳古典乐派三杰
    • 一、海顿
      • 1.人物简介： 奥地利作曲家，确立了交响曲、四重奏等体裁古典主义风格的典型范式，被称为“交响曲之父”“弦乐四重奏之父”。 海顿对于古典音乐风格的主要贡献在于交响曲和四重奏方面，对这两种音乐体裁的完善奠定了他在器乐发展史上的重要地位。同时，他也是作品颇丰的一位作曲家，为世人留下了巨大的音乐财富。
      • 2.代表作品：海顿是一位多产的作曲家，作有108首交响曲、84首弦乐四重奏、20多部清唱剧和其他数量众多的作品
        • 交响曲：《第三十一交响“号角”》《第四十五交响曲“告别”》《第九十四交响曲交响曲“惊愕”》《第一百交响曲“军队”》《第一零一交响曲“时钟"》《第一零三交响曲“鼓声”》《第一零四交响曲“伦敦”》
        • 弦乐四重奏：《F大调弦乐四重奏“小夜曲”》《第六十七弦乐四重奏“云雀”》《C大调弦乐四重奏“皇帝”》
        • 钢琴奏鸣曲：《D大调钢琴奏鸣曲》《降A大调钢琴奏鸣曲》
        • 清唱剧：《创世纪》《四季》
      • 3.艺术成就
        • (1)海顿奠定了交响曲的结构形式，他在《第一零四交响曲“伦敦”》中，将四个乐章的性质和曲式最终确立下来：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板或行板，奏鸣曲式或变奏曲式；第三乐章，风格开朗幽默，带有三声中部的小步舞曲；第四乐章，快板或急板，回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式。
        • (2)他确立了弦乐四重奏的体裁特征，形成了与交响曲相同的四乐章模式，使作品中音乐更富有变化，主题有了更大的扩展，织体摆脱了通奏低音的依赖。他把大提琴放到旋律主奏乐器的位置上，不只强调第一小提琴的作用，使四个声部更加协调平衡。
        • (3)他创作了一批脍炙人口的作品，如交响曲《第四十五交响曲“告别”》《第九十四交响曲“惊愕”》《第一百交响曲“军队”》；四重奏《F大调弦乐四重奏“小夜曲”》《第六十七弦乐四重奏“云雀”》《C大调弦乐四重奏“皇帝”》；清唱剧《创世纪》《四季》
        • (4)作品旋律朴素、和声明晰、结构匀称，音乐既明快、幽默、轻松，又不乏高贵的气质，呈现出古典乐派的理想境界，这些因素加上他在音乐上的贡献，使他成为维也纳古典乐派的奠基人。
    • 二、莫扎特
      • 1.人物简介：奧地利作曲家。他是音乐史上少见的音乐奇才、音乐神童，同时也是脱离教堂、宫廷，走入“自由音乐家”行列的先行者。 莫扎特的生命只有35年，但在这35年中却给人们留下了丰厚的音乐遗产他惊人的音乐天赋和那骄傲却又率真的性格使人们永远记住了这位音乐史上的天才。
      • 2.代表作品：莫扎特的创作几乎涉及音乐的所有领域：41首交响曲，20多部歌剧，27首钢琴协奏曲，7首小提琴协奏曲，各种器乐协奏曲、奏鸣曲以及26首弦乐四重奏等。
        • 歌剧
          • 德语歌唱剧：《后宫诱逃》《魔笛》
          • 意大利喜歌剧：《费加罗的婚礼》《唐·璜》《女人心》
          • 意大利正歌剧：《伊多梅纽斯》
        • 交响曲
          • 《D大调交响曲“布拉格”》《降E大调交响曲》《g小调第四十交响曲》《C调第四十一交响曲“朱庇特”》
        • 协奏曲
          • 钢琴协奏曲(1874-1875)：《D大调协奏曲“加冕”》《d小调协奏曲》《c小调协奏曲》《A大调音乐会回旋曲》
          • 小提琴协奏曲(1775)：《G大调小提琴协奏曲》《D大调小提琴协奏曲》《A大调小提琴协奏曲》
          • 单簧管协奏曲：《A大调协奏曲》
        • 室内乐
          • 献给海顿6首弦乐四重奏
          • 《“哈夫纳”小夜曲》《G大调弦乐小夜曲》
        • 其他作品
          • 《c小调弥撒》《安魂曲》
      • 3.艺术成就
        • (1)莫扎特对音乐的最大贡献体现在歌剧领域。他继承了格鲁克歌剧改革的思想，但又与格鲁克不同，主张“诗必须服从音乐”。他以音乐至上的原则创作了一部部世人为之震撼的作品。他在德语歌唱剧、意大利喜歌剧和正歌剧三方面都做出了贡献。他的《魔笛》为德国歌唱剧的发展奠定了坚实的基础，《费加罗的婚礼》成为喜歌剧史上具有里程碑意义的作品。
        • (2)协奏曲是莫扎特在歌剧以外成就最突出的一方面。他确立了18世纪古典协奏曲的结构范式，确定了第一乐章中双呈示部和华彩段的形式，并为当时几乎所有的乐器创作了杰出的协奏曲，为近代协奏曲的发展做出了重要贡献。
        • (3)他完善了维也纳古典乐派奏鸣曲三个乐章的套曲形式。
        • (4)在交响曲中，他强调奏鸣曲式中主、副部之间的强烈对比，加强展开部的不稳定因素、预示了后世交响曲发展的思路。
        • (5)他创造了极富个性的音乐风格特征。他的音乐是自然的流露，从不矫揉造作，具有孩童般天真烂漫的性格，同时又表现出复杂多变的戏剧性特征，其晚期作品还加入了悲剧因素。其音乐中所蕴含的特质，使他成为维也纳古典乐派三杰之一。
    • 三、贝多芬
      • 1.人物简介：德国作曲家， 维也纳古典乐派的重要代表，古典主义音乐的集大成者，同时又是浪漫主义音乐的开路先锋，启迪了19世纪的浪漫主义作曲家。
        • 波恩时期：这一时期，贝多芬的创作风格明显具有莫扎特和海顿的影子，同时开始显露出严肃、深沉的音乐特点。
        • 维也纳时期：这一时期他的代表作有《第十四钢琴奏鸣曲“月光”》、D大调《第十五钢琴奏鸣曲“田园”》以及c小调《第三钢琴协奏曲》等。
        • 创作成熟时期：这一时期的贝多芬创作了大量的杰作，显示出非凡的个人魅力、他的作品主要有降E大调《第三交响曲“英雄”》(这部作品的初衷是献给当时的“新时代英雄”拿破仑，但由于拿破仑称帝且有悖于贝多芬对于自由与和平的向往，因而成为献给无名英雄的一曲英雄赞歌)、c小调《第五交响曲“命运”》以及F大调《第六交响曲“田园”》等。
        • 创作晚期：这一时期是欧洲封建王朝复辟的时期，强烈的民族意识使贝多芬将创作视角更多地放在民歌，以及欧洲各民族音乐素材的整理和运用上。 这一时期他的创作呈现出浪漫主义色彩，更多表现出对于人生和自我的深层思考。代表作品有《第九交响曲“合唱”》、D大调《庄严弥撒》五首《弦乐四重奏》等。
      • 2.代表作品：贝多芬一生创作了9部交响曲、1部歌剧、32部钢琴奏鸣曲、5部钢琴协奏曲、2部弥撒曲、11首序曲、1部小提琴协奏曲、16部弦乐四重奏、10首小提琴奏鸣曲及其他数量众多的作品。
        • 歌剧：《菲岱里奥》
        • 交响曲：《第三交响曲“英雄”》《第五交响曲“命运”》《第六交响曲“田园”》《第九交响曲“合唱”》
        • 协奏曲：《第五钢琴协奏曲“皇帝”》《小提琴协奏曲》小提琴、大提琴、钢琴《三重协奏曲》
        • 室内乐：16部《弦乐四重奏》(其中后五部最重要)
        • 奏鸣曲
          • 钢琴作品：《第八钢琴奏鸣曲“悲怆“》《第十四钢琴奏鸣曲“月光”》《第十七钢琴奏鸣曲“暴风雨”》《第二十一钢琴奏鸣曲“黎明”》《第二十三钢琴奏鸣曲“热情”》《第二十六钢琴奏鸣曲“告别”》
          • 小提琴作品：《第五小提琴奏鸣曲“春天”》《第九小提琴奏鸣曲“克莱采”》
        • 声乐作品：《C大调弥撒》《庄严弥撒》声乐套曲《致远方的爱人》
      • 3.艺术成就
        • (1)在交响曲的发展和创新方面，贝多芬将高度浓缩的音乐动机进行扩展，又保持全曲的严谨统一。扩充的展开部，成为作品内在矛盾、动力性张扬和戏剧性冲突的重心。他从《第三交响曲“英雄”》开始， 将谐谑曲(Scherzo) 引入交响曲的第三乐章， 取代了具有宫廷典雅气质的小步舞曲。在《第九交响曲“合唱”》中，人声的加入扩大了作品的表现力。
        • (2)在钢琴奏鸣曲方面，他的32首钢琴奏鸣曲在奏鸣曲结构上做出了重大贡献，同时还在钢琴力度对比、戏剧化因素、不同音区的色彩变化上进行了发展，使之成为与巴赫的《平均律键盘曲集》齐名，在音乐史上有突出贡献的作品。
        • (3)他的旋律继承了海顿式动机展开的手法，吸收了莫扎特旋律的深情，形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征。节奏频繁变换，切分和休止的运用形成了音乐的动力性和不平衡感，和声的不协和与调性的不稳定等因素的范围逐渐扩大。配器方面，他重视发挥铜管、木管的作用。这些手法造就了贝多芬音乐强烈的感染力和鸿篇巨制的气魄。
        • (4)在音乐表现方面，他的创作具有革命性因素，自由冲动的戏剧性效果，表达了他那个时代的精神实质，作品展现了从斗争到胜利，从黑暗到光明，从苦难到欢乐的精神历程。
      • 4.贝多芬作品的艺术价值
        • (1)贝多芬将他的思想融入其创作中的各个领域，并以此为基点，将古典主义音乐推向了巅峰，开创了浪漫主义音乐的先河。
        • (2)他用仅有的一部歌剧《菲岱里奥》撼动了歌剧艺术舞台，其余晖直射瓦格纳。
        • (3)他在奏鸣曲体裁上进行了一次彻底的革命，以《第八钢琴奏鸣曲“悲怆”》《第十四钢琴奏鸣曲“月光”》《第二十三钢琴奏鸣曲“热情”》为代表的32首钢琴奏鸣曲，以前所未有的音乐结构和调性处理震惊世人，被誉为音乐中的“新约全书”，成为划时代的音乐蓝本。
        • (4)他使交响音乐发展到让人叹为观止的地步，将慢乐章发展成具有史诗般磅礴气势的篇章，把典雅的小步舞曲乐章换成了具有强烈动力的谐谑曲乐章，使它达到为人类精神纵情高歌的境界。他还将终曲扩展为壮观的高潮，使音乐在凯旋中结束。这种结构的改变，使交响曲达到了前所未有的境地，成为人类文化宝库中的精髓。
        • (5)在生命的最后岁月，饱受病痛折磨的他最终选择弦乐四重奏作为唯一的创作方式来表达情感，用利刃一样的笔墨写下了16首弦乐四重奏的最后5首。这些作品包含了他最高的艺术理念、最精致的音乐结构和最丰富的人类情感，体现了刚劲的气质、哲理的深思、质朴的世俗，犹如一位哲人，在深渊的边缘，为世人献上的一曲曲讴歌人类灵魂的“圣歌”。
        • (6)他的音乐是对生命与艺术真谛的领悟，是18、19世纪之交音乐中蕴含的人类理想与崇高精神的结晶，更表达了质朴的人文主义关怀。
  • 小结
    • 1.市民音乐有了很大发展，歌剧院、音乐厅不断涌现，酒馆、集市等公共场合的音乐活动频繁，乐谱出版、乐器制造业日趋繁荣。
    • 2.音乐家的地位发生了变化，从“仆人”向“自由音乐家”过渡。
    • 3.这时期的音乐作品具有新的内容和形式：世俗因素为主体，主调音乐占绝对优势，产生了交响曲等重要音乐体裁，形式结构严谨匀称，乐思发展富于逻辑，音乐中矛盾突出。
    • 4.维也纳古典乐派三杰——海顿、莫扎特、贝多芬对后世音乐的发展产生了重要影响。
• 浪漫主义时期音乐（1820-1900）80年 起： 贝多芬逝世 止：时代进入20世纪
  • 概述
  • 浪漫主义时期音乐（一） 从时间上讲，浪漫主义时期的时间界定比较模糊，通常指19世纪前后的一百多年（1790-1910）
    • 第一节 德国歌剧：歌剧经过巴洛克和古典主义时期的沉淀，在浪漫主义时期获得新的生命力，德国、法国、意大利纷纷涌现歌剧大师，他们使歌剧无论在体裁还是内容上都展现出新的风姿。德国这一时期出现了韦伯、瓦格纳等作曲家，推动了歌剧的发展。
      • 一、韦伯——西欧浪漫主义歌剧的创始人
        • 1.人物简介：德国作曲家，浪漫主义歌剧的先行者。和许多浪漫主义艺术家一样，韦伯是一个多才多艺的音乐家，在德国浪漫主义歌剧舞台上发挥了他的天赋之才，同时又是一位评论家、作家。韦伯的音乐创作领域很广，其最著名的代表作体现在歌剧和钢琴作品两方面。
        • 2.代表作品
          • 歌剧《魔弹射手》、《奥伯龙》
          • 钢琴曲《邀舞》
          • 管弦乐《欢庆序曲》
        • 3.艺术成就
          • （1）韦伯的《魔弹射手》使德国歌剧摆脱了意大利歌剧的影响，为瓦格纳的歌剧开辟了新的道路，并直接导致了俄罗斯、捷克、波兰等民族歌剧的兴起。
          • （2）《邀舞》是浪漫主义钢琴音乐中的一首杰作，乐曲描绘了舞会前相互结识、交往、邀舞的生动过程。这首钢琴作品后由柏辽兹改编为管弦乐曲，得到了更广泛的流传。
      • 二、瓦格纳——浪漫主义歌剧的改革者、乐剧的倡导者
        • 1.人物简介：德国作曲家、剧作家、指挥家、哲学家。他改革了歌剧，创造了一种全新的舞台综合艺术形式——乐剧，从而奠定了在音乐史上的地位。 瓦格纳一生颠沛流离，使得他在世界观和创作理念之间存在明显矛盾，也使他成为音乐史上性格鲜明、音乐观点突出的重要人物之一。 他是歌剧史上最伟大的作曲家之一，他亲自创作脚本、设计舞台。 瓦格纳在音乐史上的重大影响不仅在乐剧创作方面，更重要的是他的思想。理查德·施特劳斯、布鲁克纳、沃尔夫都是他忠实的追随者，哲学家尼采的许多哲学思想也源于他的音乐，而德国纳粹党头目希特勒更是将瓦格纳视为精神的指引。
        • 2.代表作品
          • 歌剧：《尼伯龙根的指环》（《莱茵的黄金》、《女武神》、《齐格弗里德》、《众神的黄昏》）、《特里斯坦与伊索尔德》、《漂泊的荷兰人》、《罗恩格林》、《汤豪瑟》、《黎恩济》、《纽伦堡的名歌手》、《帕西法尔》
          • 管弦乐曲《浮士德序曲》
        • 3.艺术成就
          • ① 对传统歌剧进行了彻底的改革。他在改革中实施了“整体艺术观”、“无终旋律”以及“主导动机”的手法，并强调戏剧第一，音乐第二，坚持音乐必须服从戏剧内容需要进行创作的原则，改革后的歌剧被称为乐剧（Das Musikdrama）。
          • ② 创作了《尼伯龙根的指环》和《特里斯坦与伊索尔德》等划时代的经典乐剧，使浪漫主义歌剧发展到顶峰。
          • ③ 扩大了歌剧中管弦乐队的编制（三管制或四管制），加强了乐队的表现力，改变了传统歌剧将乐队当作“巨型吉它”，使其处于人声伴奏状态的做法。他抓住了乐队的表现特点，通过“主导动机”的运用来阐述戏剧内容，使乐队成为表达剧情内容的有效工具。
          • ④ 建立半音化和声，淡化调式调性，创建了“特里斯坦”和弦，对20世纪音乐观念产生了重要影响。
    • 第二节 法国歌剧：19世纪法国歌剧处在一个动荡的发展时期，这种动荡来自几个方面的影响：其一，受到政治因素的影响。法国大革命以及拿破仑称帝，使社会文化生活发生了变化，白天观看断头台，晚上蜂拥看歌剧，从而导致歌剧从内容到体裁发生了变化。其二，受奢华的巴黎文化市场的影响。当时巴黎成为世人关注的焦点，要想出人头地就必须在那里崭露头角，音乐艺术人才蜂拥而至，由此也带来了歌剧的发展变化。其三，受格鲁克歌剧改革的影响。许多作曲家遵循格鲁克歌剧改革的主张，不断尝试歌剧的创作。其四，受到法国自身民族歌剧的影响。浪漫主义歌剧在法国抒情悲剧和喜歌剧的基础上进行发展。
      • 一、拯救歌剧（rescue opera）及其代表人物和作品 拯救歌剧是法国大革命时期（1800年前后）产生的一种歌剧体裁，歌剧内容中代表封建恶势力的阴谋终不能得逞，受迫害的一方总能在悲剧的最后一刻被拯救出来。这种歌剧有着明显的政治倾向和时代特征，它随着大革命的产生而形成，同时也随着大革命的衰退而消失。 格雷特里的《狮心王理查》一般被认为是第一部拯救歌剧。
      • 二、大歌剧（grand opera）及其代表人物和作品 大歌剧是19世纪上半叶流行于法国的一种严肃歌剧，相对于当时的喜歌剧。它通常是四或五幕的大型歌剧，反映历史性内容，追求奢华的舞台效果，在剧中穿插华丽的芭蕾舞场面，不用干念宣叙调，采用大合唱和大乐队等宏大场面。 最重要的代表作是迈耶贝尔的《新教徒》、《非洲女郎》。
      • 三、轻歌剧（opera buffa）及其代表人物和作品 轻歌剧是一种生活气息与娱乐性较强的歌剧，产生于19世纪中期的法国，与大歌剧相对，与18世纪的喜歌剧相仿。多取材于日常生活，常带有讽刺性，用说白代替宣叙调，旋律取自当时流行的音乐，通俗易懂，结构短小，多采用独幕形式。 代表人物奥芬巴赫，代表作品有《地狱中的奥菲欧》、《美丽的海伦》、《霍夫曼的故事》。
      • 四、抒情歌剧（lyric opera）及其代表人物和作品 抒情歌剧形成于19世纪后半叶的法国，是一种规模介于大歌剧与轻歌剧之间的歌剧形式，它的篇幅比一般喜歌剧长，虽没有大歌剧的浮夸、沉重与夸张，却经常安排大歌剧形式所必备的舞蹈场面。风格与喜歌剧类似，轻松愉悦，重视对人物心理及情感的细致刻画。抒情歌剧多以文学名著中有关爱情的情节为题材，音乐采用一些常见的歌曲、舞曲和进行曲，注重抒情旋律的感染力，以说白代替宣叙调。 代表作品有古诺《浮士德》、《罗密欧与朱丽叶》；马斯涅《曼侬》、《泰伊斯》；托玛斯《迷娘》；圣-桑《参孙与达里拉》
      • 五、比才与歌剧《卡门》 法国作曲家。他的早期作品受意大利罗西尼等人的影响，倾心于意大利流畅的旋律风格。直到戏剧配乐《阿莱城的姑娘》的问世，他自身的音乐才华才真正显示出来，而作品《卡门》是他一生中最经典的歌剧作品。
    • 第三节 意大利歌剧
      • 一、意大利歌剧的特点
      • 二、意大利歌剧发展的背景
      • 三、从罗西尼到威尔第的意大利歌剧
      • 四、真实主义歌剧
    • 小结
      • 1.德国歌剧在这一时期获得了较大的发展，尤其是瓦格纳改革后的乐剧成为浪漫主义时期歌剧发展的一个新方向。
      • 2.法国在这一时期出现了“拯救歌剧”“大歌剧”“轻歌剧和”抒情歌剧“，比才创作出一种反映社会现实的新体裁，对后世影响深远。
      • 3.意大利歌剧在经历了一段时间的“沉寂期”后，终于在罗西尼笔下又焕发出了勃勃生机。
      • 4.浪漫主义时期打破了意大利歌剧独秀一枝的局面，产生了德、意、法歌剧“三国鼎立”的现象。
    • 相关概念
      • （1）整体艺术（Das Gesamtkunstwerk）：“整体艺术”是瓦格纳在《未来艺术作品》中，针对戏剧作品提出的概念，认为音乐戏剧应该仿照古希腊艺术，成为一种诗歌、音乐、舞蹈、绘画、建筑等的综合体。
      • （2）乐剧（Das Musikdrama）：1848年瓦格纳在他的《罗恩格林》问世之后，用乐剧指代他的歌剧。乐剧将文学与诗歌、历史与神话、舞台与建筑、音乐与戏剧创作融为一体，是一种整体性的戏剧艺术。
      • （3）无终旋律（unendlich Melodie）：是瓦格纳在他的乐剧中采用的音乐手法。在戏剧中，音乐自始至终不停顿地向前发展，取消了传统歌剧中割裂戏剧的分曲结构（咏叹调、宣叙调、重唱、合唱），没有咏叹调、宣叙调之分，声乐富于朗诵性，在叙述的同时也带有抒情性，这种不间断连贯发展的乐剧音乐形式被称为“无终旋律”。
      • （4）主导动机 （Das Leitmotiv）：也称主导主题。在大型音乐作品如歌剧、舞剧及标题作品中，用以象征某一特定人物、事件、情景或情感，并始终与所象征的人物或剧情密切联系在一起的音乐片断，被称为主导动机。主导动机具有标签和符号的意义，1877年沃尔错根从主导动机的角度研究瓦格纳《尼伯龙根的指环》中的《众神的黄昏》后，人们才开始用Leitmotiv这个词
  • 浪漫主义时期音乐（二） 浪漫(romantic)一词原指用罗曼语（Romance）所写的有关欧洲中世纪那些情节离奇，冒险而富于幻想的骑士故事和传奇小说。欧洲史学家用这个词来称呼18世纪末至19世纪初盛行的文艺思潮和文艺流派，当时欧洲各国民主革命运动高涨，由于以拿破仑为代表的法国资产阶级革命失败，最后以旧王朝的复辟告终，人们普遍对现实感到失望，对“自由、平等、博爱”的精神寄托不抱幻想，这些思潮表现在艺术上就形成了一种不满足于现实，追求理想的浪漫主义。后来这个词被借用到音乐领域，把19世纪初到20世纪初的一批欧洲作曲家看成是浪漫主义音乐的代表，即我们所说的“浪漫乐派”。 涵盖了韦伯到理查·施特劳斯的作品。浪漫主义时期分为初期、中期、中后期、晚期四个阶段： 初期（19世纪10-20年代）：威伯、舒伯特、贝多芬（晚期）等。 中期（盛期）（19世纪30-40年代）：柏辽兹、舒曼、门德尔松、肖邦等。 中后期（19世纪40-80年代）：李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯、弗兰克、柴科夫斯基等。 晚期（19世纪90年代到20世纪初）：布鲁克纳、普契尼、沃尔夫、马勒、理查·施特劳斯等。
    • 第一节 德奥音乐家
      • 一、舒伯特
        • 1、人物简述 奥地利作曲家，他在短暂的一生中创作的佳作不胜枚举，流传在世的有一千多首作品，其中艺术歌曲600多首、有2部声乐套曲、9部交响曲以及大量的钢琴曲和室内乐作品等。他的作品不仅精致而且都具有鲜明的个性和质朴的民风，部部闪烁着他的功力和智慧。尤为出众的是，他使古老的德国艺术歌曲焕发出新的活力，把诗歌、曲调和伴奏融合在一起，使艺术歌曲具有很高的艺术价值，达到一种全新的境界，因此，他被人们冠以“艺术歌曲之王”的美誉。
        • 2、代表作品
          • （1）声乐作品：《魔王》、《野玫瑰》、《鳟鱼》、《流浪者》、《小夜曲》、《摇篮曲》、《圣母颂》、《美丽的磨坊女》（声乐套曲）、《冬之旅》（声乐套曲）、《天鹅之歌》（艺术歌曲集）。
          • （2）室内乐：《“鳟鱼”钢琴五重奏》、《d小调“死神与少女”弦乐四重奏》
          • （3）钢琴曲：《流浪者幻想曲》、《即兴曲》、《音乐瞬间》
          • （4）交响曲：《第八交响曲》（《“未完成”交响曲》）、《第九交响曲》
        • 3、艺术成就
          • （1）在艺术歌曲方面，他做出了重要贡献，创作了一批具有划时代影响的艺术歌曲，如《魔王》、《鳟鱼》及声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬之旅》等作品。
          • （2）在交响曲方面，他的《第八交响曲》（俗称《未完成交响曲》）虽然只有两个乐章，但作品完整地表达了理想与现实之间的矛盾。由于受到舒伯特打破古典交响曲四乐章结构模式的启迪，人们开始走出前人的制约，步入到浪漫主义交响乐发展的新天地。
          • （3）在钢琴音乐和室内乐方面，舒伯特的创作散发着其艺术歌曲中体现出来的浪漫主义特征。他的钢琴作品《即兴曲》、《音乐瞬间》和《“流浪者”幻想曲》中精致的音乐构思，充分地展示了浪漫主义音乐生机勃勃的生命力；在室内乐领域，钢琴五重奏《鳟鱼》和弦乐四重奏《死神与少女》备受推崇，这些作品呈现出作曲家娴熟的旋律运用技法和新颖独特的创意。
          • （4）他是自由音乐家的楷模，以演奏和出版作品为生，是从社会底层最早走出的音乐家之一。
      • 二、门德尔松
        • 1.人物简介 德国著名的作曲家。他的祖父是著名的哲学家，父亲是富裕的银行家，母亲具有广博的文艺修养和音乐才能；在西方音乐史上，像门德尔松这样有着辉煌的家族史、优越的家庭条件和良好的人文环境的音乐家实属罕见，家里经常聚集着当时知识界的代表：卓越的科学家、文学家和艺术家，如：歌德、海涅、黑格尔、威伯等。门德尔松是上流社会中贵族式的音乐家，他的一生在平静、幸福中度过，除了感受到家庭给他的温暖和众人对他的尊重之外，从未品尝过生活的艰辛与苦涩。他被誉为浪漫主义杰出的“抒情风景画大师”，作品以精美、优雅、华丽著称。
        • 2、代表作品
          • （1）小提琴曲：《e小调小提琴协奏曲》
          • （2）交响曲：《苏格兰交响曲》、《意大利交响曲》、《“仲夏夜之梦”序曲》
          • （3）钢琴曲：八集48首钢琴独奏曲《无词歌》
          • （4）室内乐：《bE大调弦乐八重奏》、《弦乐四重奏》
        • 3、艺术成就
          • （1）在创作上，门德尔松首创了高雅纯净、形式短小的钢琴曲《无词歌》（songs without words），他对标题交响乐做出了重要贡献，创作了著名的《“仲夏夜之梦”序曲》、《苏格兰交响曲》和《意大利交响曲》，把浪漫主义与古典主义的特点交织在一起，音乐既含有古典主义的逻辑性，又带有浪漫主义的幻想性；他创作的《e小调小提琴协奏曲》具有华丽的技巧与甜美的旋律，表现生活中明朗的一面，是举世公认的精品。
          • （2）在音乐史重大事件方面，门德尔松亲自指挥演出巴赫的《马太受难乐》，使这部被人们遗忘了几乎一百多年的作品重放光芒，人们开始重新认识巴赫。
          • （3）在音乐教育上，他创办了德国第一所音乐学院——莱比锡音乐学院，为后来德国音乐教育的发展打下了坚实的基础。
      • 三、舒曼
        • 1、人物简述 舒曼（Robert Schumann，1810-1856），德国作曲家，音乐评论家。他凭借着对钢琴语言的感悟和出众的音乐才华，创作了大量的钢琴曲、艺术歌曲以及器乐曲等；同时在音乐评论上，对19世纪浪漫主义音乐的发展做出了卓越贡献。在谈到舒曼的时候，我们不能不提到他那位可敬可爱的妻子——克拉拉，她在生活上给予舒曼无微不至的关怀，执著不懈地支持丈夫的事业，显示了女性的伟大和一位音乐家对艺术崇高的奉献精神。
        • 2、代表作品
          • （1）钢琴曲：《狂欢节》、《大卫同盟曲集》、《童年情景》、《C大调幻想曲》、《交响练习曲》、《蝴蝶》和《a小调钢琴协奏曲》。
          • （2）乐队作品：四部交响曲。
          • （3）声乐曲：声乐套曲《妇女的爱情与生活》和《诗人之恋》等。
        • 3、艺术成就
          • （1）舒曼在钢琴音乐方面做出了卓越的贡献，其作品洋溢着炽热的浪漫情怀，如《童年情景》、《a小调钢琴协奏曲》等。
          • （2）他在艺术歌曲领域的地位仅次于舒伯特，创作了《妇女的爱情与生活》等杰作，他的艺术歌曲常常以女性为主人公，采用爱情题材进行创作，对女性的心理描写尤为精致，旋律富有诗意，钢琴伴奏地位突出。
          • （3）作为音乐评论家，舒曼在1834年创建了《音乐时报》和“大卫同盟”组织，以此作为宣扬浪漫主义观念的平台，抨击艺术上墨守陈规、庸俗无味的观点，并向公众推荐了许多“千里马”如肖邦、勃拉姆斯等，他是乐坛上独具慧眼的“伯乐”。
      • 四、勃拉姆斯
        • 1、人物简介 勃拉姆斯（Johannes Brahms，1833-1897），德国作曲家。人们把勃拉姆斯与巴赫、贝多芬并列为“三B”，尽管这种提法的意义不够确切，但它说明了勃拉姆斯在德国音乐中的地位。勃拉姆斯创作了除歌剧以外一切体裁的作品，在交响曲、室内乐、协奏曲和艺术歌曲方面留下了众多杰作；他沿用了贝多芬式的音乐形式进行写作，同时作品也带有浪漫主义风韵；常用无标题音乐形式，提倡音乐中的形式美，反对内容至上的原则，避免标题音乐形式。勃拉姆斯作为莱比锡乐派的一员，曾与以李斯特和瓦格纳为代表的魏玛乐派展开激烈的学术之争。
        • 2.代表作品
          • （1）交响曲：四部交响曲、《“学院”序曲》。
          • （2）协奏曲：《D大调小提琴协奏曲》、《a小调小提琴、大提琴协奏曲》。
          • （3）钢琴曲：《帕格尼尼主题变奏曲》、四册《匈牙利舞曲》。
          • （4）声乐曲：《摇篮曲》、《四首严肃歌曲》《德意志安魂曲》。
        • 3、艺术成就
          • （1）他是严格按古典主义音乐形式写作的浪漫主义音乐家之一，采用混合配器法，使乐队色彩较古典时期更浓重，他写作了许多主题发展的绝妙范例，并创有“幻想变奏”手法。
          • （2）他是舒伯特和舒曼之后又一位重要的艺术歌曲作曲家，创作了以《摇篮曲》、《四首严肃歌曲》为代表的艺术歌曲，曲中充满了含蓄、怀念、隐忍等情怀。
          • （3）音乐风格受巴赫和贝多芬的影响，采用无标题音乐形式，显得庄重、内敛，但又不失浪漫主义诗情与幻想的特点；旋律气息宽广，节奏具有内在的张力，调式突破了大小调的界限，曲式保持传统的结构，并与民族民间音乐保持着紧密联系。
      • 五、约翰·施特劳斯
        • 1、人物简介 奥地利作曲家、小提琴家、指挥家，出生于享誉世界的音乐家族——施特劳斯家族，父亲老约翰·施特劳斯（Johann Strauss，1804-1849）被尊称为“圆舞曲之父”，作为这个家族中最著名的音乐家、老约翰·施特劳斯的长子，小约翰·施特劳斯被称为“圆舞曲之王”。 小约翰·施特劳斯将维也纳圆舞曲带入最辉煌的时代，一生创作了400多首圆舞曲、117首波尔卡舞曲、其它舞曲、进行曲和16部歌剧；他创作的舞曲既能让人感觉到兰纳（Lanner，1801-1843）作品中多愁善感、风花雪月的典型浪漫主义气质，又能让人追寻到（老）约翰·施特劳斯作品中充满青春律动和蓬勃朝气的旺盛生命力。在后三十年的创作生涯中，他把全部精力放在轻歌剧创作上，不少著名圆舞曲就是轻歌剧的一部分。
        • 2、代表作品
          • （1）圆舞曲：《蓝色多瑙河》、《维也纳森林的故事》、《春之声》、《南国玫瑰》、《艺术家的生涯》、《皇帝圆舞曲》
          • （2）波尔卡：《闲聊波尔卡》、《拨弦波尔卡》、《雷电波尔卡》
          • （3）轻歌剧：《蝙蝠》、《吉卜赛男爵》
        • 3、艺术成就
          • （1）在圆舞曲方面，创作了以《蓝色多瑙河》为代表的十多首精品，使圆舞曲体裁发展到炉火纯青、美轮美奂的境界，成为整个19世纪独树一帜的舞曲体裁，他也被世人誉为“圆舞曲之王”。
          • （2）在轻歌剧领域，创作了不朽的名作《蝙蝠》等，它们成为维也纳轻歌剧的代表作，许多著名舞曲均出自这些轻歌剧，如《蝙蝠》中的《好朋友圆舞曲》，《女王束带里的手帕》中的《南国玫瑰圆舞曲》等。他的作品具有通俗的音乐风格，为维也纳轻歌剧提供了一定的创作模式。
      • 六、沃尔夫
        • 1、人物简介 奥地利作曲家，他是一位在艺术歌曲领域有着卓越贡献的音乐家，对德奥艺术歌曲进行了发展。
        • 2、代表作品 艺术歌曲集：《莫里克歌曲集》、《海涅诗歌歌曲集》、《歌德诗歌歌曲集》、《西班牙歌曲集》、《意大利歌曲集》。
        • 3、艺术成就
          • （1）沃尔夫的艺术成就集中体现在艺术歌曲领域，不同于其他作曲家的是，他常用特定诗人的诗谱写曲集，如：《莫里克歌曲集》、《海涅诗歌歌曲集》、《歌德诗歌歌曲集》等。
          • （2）在创作上，运用瓦格纳歌剧创作原则，强调诗的寓意，音乐从属于内容，文学品位较高，旋律一般不采用民谣，他的歌曲让人感觉是在钢琴伴奏上生成的诗歌吟唱。
      • 七、布鲁克纳
        • 1、人物简介 布鲁克纳 (Anton Bruckner，1824-1896) ，奥地利作曲家、管风琴家，浪漫主义晚期代表作曲家之一。他的创作涉及交响乐、宗教音乐、管风琴音乐和室内乐等，以交响乐著称，共作有11部交响曲。他是一个虔诚的天主教徒，同时也因崇拜瓦格纳音乐而闻名。
        • 2、代表作品 《第四交响曲》和《第七交响曲》
        • 3、艺术成就
          • （1）他的交响曲往往带有浓厚的宗教色彩和恢宏的管风琴音响效果，同时把德奥民间音乐也放入作品中，抒发了浪漫主义情感；音乐具有戏剧性、史诗性和抒情性，表达出19世纪中后期人们的复杂情感。
          • （2）他的交响曲作品体现了典型的浪漫主义风格，虽然他承袭了巴赫、贝多芬等大师的某些手法，但技法上明显反映出瓦格纳的风格，尤其是他的半音化和声处理和庞大的结构模式，因此遭到了瓦格纳对立面的抨击。然而，作品中激情、细腻的处理和鲜明的配器手法也使他赢得了声誉。
      • 八、马勒
        • 1、人物简介 马勒（Gustav Mahler，1860-1911），奥地利作曲家、指挥家，浪漫主义晚期代表作曲家之一。早年深受布鲁克纳的影响，在后来的创作时期主要受到舒伯特、舒曼和瓦格纳的影响。作为指挥家，他成功地指挥了格鲁克、莫扎特、威伯、瓦格纳的歌剧作品；作为作曲家，他的音乐创作多采用动机发展手法，承袭了瓦格纳的传统，其创作主要集中在两个领域：艺术歌曲和交响曲。他的音乐是通向20世纪无调性音乐的桥梁，在音乐风格上是浪漫主义的延续，在表现手法上则不时地先现勋伯格作品的无调性因素，他善于把哲理与通俗、个性与民族性、浪漫与现代的音乐糅合在一起。
        • 2、代表作品
          • （1）声乐套曲：《儿童奇异号角》、《流浪少年之歌》、《忆亡儿之歌》
          • （2）交响乐：十部交响乐（其中以第二《复活交响曲》、第八《千人交响曲》尤为著名）和一部交响声乐套曲《大地之歌》
        • 3、艺术成就
          • （1）在交响乐方面：发展了由贝多芬首创的声乐交响曲形式（十部交响曲中有四部含声乐：第二、第三、第四、第八），《第八交响曲》和交响声乐套曲《大地之歌》将这种形式发展到一个高峰。
          • （2）在艺术歌曲方面：受柏辽兹影响，其艺术歌曲的伴奏与以往不同，采用管弦乐队伴奏，创造出了具有交响风格的艺术歌曲形式。
          • （3）在音乐风格方面：他的交响曲中尖锐刺耳的音色，痉挛式的节奏，支离破碎的曲调，不协和音程等怪诞的形象，体现了19世纪末的音乐风格。
          • （4）在音乐思想方面：他的作品所反映的思想实质，是一个唯心主义知识分子的独白，是对尘世生活所引起的紧张、烦恼的倾诉，以至于借用中国的唐诗来寄托凄凉落魂的情感，表现在作品《大地之歌》中。
      • 九、理查·施特劳斯
        • 1、人物简介 理查·施特劳斯（Richard Strauss，1864—1949），德国作曲家、指挥家，1901-1909年任德国音协主席，1933年被德国纳粹任命为帝国音乐局局长，后与纳粹决裂，于1935年辞去该职。他沉迷于柏辽兹和李斯特的标题音乐，尤其是瓦格纳的音乐，并将李斯特首创的交响诗推至发展的高峰。他的音乐前卫浪漫，作品涉及奏鸣曲、协奏曲、室内乐、交响诗、歌剧和声乐作品等。
        • 2、代表作品
          • （1）交响诗：《唐·璜》、《死与净化》、《英雄生涯》、《查拉图斯特拉如是说》、《蒂尔的恶作剧》、《堂吉诃德》
          • （2）歌剧：《莎乐美》、《玫瑰骑士》、《艾列克特拉》、《失去影子的女人》
        • 3、艺术成就
          • （1）在交响乐方面：以柏辽兹和李斯特的音乐传统为典范，将李斯特始创的交响诗推至发展的高峰。
          • （2）在歌剧方面：遵循瓦格纳的创作原则，同时追求感官的刺激，表现变态的情欲，显示出近似于表现主义的音乐风格，如《莎乐美》和《艾列克特拉》，但《玫瑰骑士》又回到纯净的古朴风格上。 两种不同风格的碰撞，使这位歌剧大师的作品个性突出，对后世产生了重要影响。
          • （3）在艺术歌曲上：作为德国重要的艺术歌曲作曲家，创作了二百余首作品，歌曲旋律常用短小动机的发展手法，和声新颖，钢琴伴奏常起到解释歌词的作用。
          • （4）在乐队作品上：扩大了各种乐器的表现功能，喜用乐器的极限音，在对位配器法上超越了前人，音响宏大而丰富，配器色彩绚丽，曲式较自由，且与传统产生了一定的裂痕。
          • （5）倡导标题音乐：作品常与一些文学作品有关，如《唐·璜》、《蒂尔的恶作剧》、《唐吉坷德》；《英雄生涯》、《查拉图斯特拉如是说》和《死与净化》则与哲学有关联，阐述了尼采的“超人”理念和英雄主义精神。
    • 第二节 法国及其他国籍音乐家
      • 一、柏辽兹
        • 1、人物简介 法国作曲家、指挥家、音乐评论家。他是19世纪致力于标题音乐的作曲家，在乐队的配器理论方面有很高的造诣。
        • 2、代表作品
          • （1）管弦乐
            • 交响曲《幻想交响曲》、《罗密欧与朱丽叶》
            • 中提琴协奏曲《哈罗尔德在意大利》
            • 序曲《罗马狂欢节》
          • （2）舞台戏剧
            • 传奇剧《浮士德沉沦》
            • 歌剧《切里尼》、《特洛伊人》
            • 清唱剧《基督的童年》
          • （3）声乐：《安魂曲》、《感恩颂》，声乐套曲《夏夜》。
          • （4）理论著作：《配器法》
        • 3、艺术成就
          • （1）对标题交响乐作出了重大贡献，是浪漫主义时期标题交响乐的创造者，他力图把音乐文学化，用音乐语言来表达文学中生动具体的形象，他在《幻想交响曲》的每个乐章前面都加上了标题和详细的说明。
          • （2）他的交响曲摆脱了传统交响曲四乐章的结构，乐章的数目视具体内容的需要而定，《幻想交响曲》的五乐章就是这种结构的实例。
          • （3）用乐队伴奏声乐套曲《夏夜》，使之成为这种伴奏形式的先例，并启迪了马勒的创作。
          • （4）著有《配器法》，该书是音乐技术理论的经典著作。
      • 二、肖邦
        • 1、人物简介 肖邦（Fryderyk Franciszek Chopin，1810-1849），波兰作曲家、钢琴家。总结肖邦其人，可以从三方面来概括： 一是，作为一个波兰人，他是一个爱国主义者，虽身处异乡巴黎，却始终心系祖国；他的音乐蕴含着波兰民族精神，积极地向世人传播当地的民族文化。正因为如此，舒曼曾说到，肖邦的音乐是“隐藏在花丛中的大炮”。 二是，作为一个音乐家，他具有个性化的音乐语言，在吸取古典音乐养分的同时，勇于创新，赋予了夜曲、练习曲、前奏曲、波洛乃兹、圆舞曲、叙事曲和谐谑曲等体裁新的意义，拓宽了它们的表现力。 三是，作为一个作曲家，在众多大师中，他是唯一一位把主要创作精力集中在钢琴上的作曲家，在这狭窄的创作空间里，写了21首夜曲、27首练习曲、24首前奏曲、19首波洛乃兹、4首叙事曲、4首谐谑曲、3首奏鸣曲、4首即兴曲、17首圆舞曲、58首玛祖卡、2首幻想曲和2首协奏曲等，把钢琴音乐的发展提高到前所未有的高度，他被人们誉为浪漫主义的“钢琴诗人”。
        • 2、代表作品
          • 练习曲：《C小调练习曲》（《革命练习曲》）、《bG大调练习曲》（《黑键练习曲》）
          • 圆舞曲：《bE大调华丽大圆舞曲》、《#C小调圆舞曲》
          • 夜曲：《bE大调夜曲》
          • 谐谑曲：《第一谐谑曲》
          • 前奏曲：《#c小调前奏曲》
          • 玛祖卡：《玛祖卡》
          • 波罗乃兹：《A大调波罗乃兹》
          • 奏鸣曲：《bb小调奏鸣曲》
          • 协奏曲：《e小调第一钢琴协奏曲》《f小调第二钢琴协奏曲》
          • 叙事曲：《g小调叙事曲》
        • 3、艺术成就
          • （1）他的钢琴叙事曲和谐谑曲是形式庞大，内容深刻的作品，充分地挖掘了钢琴的表现力，扩大了钢琴的表现范围。
          • （2）他的两部钢琴协奏曲、波洛乃兹舞曲和玛祖卡舞曲，气势磅礴，震撼人心，强烈地反映了波兰民族精神，保持波兰音乐的节奏型和调性特点，具有典型的民族性。他是将东欧音乐元素最早融入西欧作曲技法的作曲家之一，对后来民族乐派的形成起到一定的作用。
          • （3）创作了最具浪漫气质的夜曲和圆舞曲，在夜曲中出神入化地表达特有的内涵，展现了肖邦式的悠长、典雅和精致；赋予了圆舞曲温柔抒情的性质，超越了原有伴舞的实用性，使之艺术化、高雅化。
          • （4）他的练习曲和前奏曲在保持原有体裁特征的基础上，进行了高度的艺术加工和创新。在练习曲中既保留了原有的训练价值又注入了艺术形象和情感意义，使它成为一种音乐会练习曲，迄今为止，很少有人能在这个领域取代肖邦的地位，他的练习曲成为检验钢琴演奏者的试金石；他的前奏曲是独立的作品，不再依附于其他作品之前，且风格各异，就像作曲家的一幅幅生活素描。
          • （5）他的钢琴音乐摆脱了交响乐和歌曲体裁的写法，旋律气息宽广，和声不拘泥于传统原则，注重色彩效果，调性明暗对比鲜明，结构自由多变，突出节奏个性，既用具有民族特征的节奏，又用“自由节奏”（tempo rubato--右手的演奏在左手演奏的节奏型内）作句法的松紧处理。
      • 三、李斯特
        • 1、人物简介 匈牙利钢琴家、作曲家、指挥家、音乐教育家和音乐评论家。19世纪20-80年代末，他的演奏、创作、音乐评论和生活方式一直是巴黎乃至整个欧洲舆论关注的焦点。他的演奏极富自由、狂放、夸张的浪漫风格，使钢琴艺术发展到前所未有的高度。 交响诗是他在音乐体裁方面对西方音乐的最重要贡献。1848年，李斯特定居魏玛，作为“新德意志学派”的带头人，他使魏玛成为新音乐潮流的中心。以李斯特为代表的“情感论”者强调音乐表现人的思想情感；以汉斯力克为代表的“形式-自律论”者认为音乐的美在于“乐音的运动形式”，音乐的形式与内容是统一的，是不可分的。两种观点的讨论一直延续至今。 作为一位心胸开阔、慷慨助人、涵养深厚的艺术家，李斯特曾给予瓦格纳、柏辽兹、肖邦等音乐家在事业上、精神上、物质上无私的帮助。
        • 2.代表作品：他的作品不仅数量多而且体裁丰富，创作重点为交响乐和钢琴音乐。
          • （1）交响诗：《前奏曲》、《塔索》、《普罗米修斯》
          • （2）交响曲：《浮士德交响曲》、《但丁交响曲》。
          • （3）钢琴作品：19首《匈牙利狂想曲》、12首《超技练习曲》、《b小调钢琴奏鸣曲》、《bE大调第一钢琴协奏曲》、钢琴小品《爱之梦》。
        • 3、艺术成就
          • （1）首创了交响诗体裁，为管弦乐创立了新的形式。这种体裁采用的单乐章结构和主题变形手法对后世的音乐创作有着极其重要的影响。
          • （2）他创作的19首《匈牙利狂想曲》渗透了匈牙利民族的音乐特点，是钢琴音乐的典范作品，成为后来民族乐派的先声。
          • （3）他的《超技练习曲》创造了难度极大的钢琴演奏技巧，丰富了钢琴教学与演奏。
          • （4）他强调钢琴的音响效果，突破了前人的模式，使钢琴音乐具有交响性的管弦乐队效果和史诗般的宏伟气势。
          • （5）他在晚期作品中致力于探索新的技法，如运用全音音阶、五声音阶，和声常用不准备和不解决的九和弦、增三和弦、四度叠置和弦，调性扩张到极限等，这些探索对瓦格纳和印象主义音乐产生了重要影响。
          • （6）作为魏玛乐派的领袖，他和柏辽兹、瓦格纳等音乐家倡导标题音乐，强调音乐与情感的联系，并与以勃拉姆斯为代表的莱比锡乐派展开激烈的学术之争，掀起了新音乐潮流。
    • 小结
      • 1.以舒伯特、舒曼、沃尔夫为代表的作曲家对艺术歌曲进行了发展，赋予了艺术歌曲新的生命。
      • 2.以布鲁克纳、马勒为代表的作曲家将交响曲发展到一个新的高峰。
      • 3.以肖邦、李斯特为代表的作曲家在钢琴领域做出了重要的贡献，把钢琴音乐提高到前所未有的高度。
      • 4.这一时期的作品打破了古代音乐程式化的限制，出现了“标题音乐”以及多乐章的交响曲、单乐章的交响诗和特性小品等体裁，尤其是特性小品成为这个时期的宠儿。
    • 相关概念
      • 1.艺术歌曲（Lied） （1）来由：艺术歌曲一词在13世纪以前就已存在，16世纪德奥作曲家把佛兰德斯乐派的复调手法与德国中世纪以来的独唱歌曲结合在一起，形成了四声部的世俗声乐体裁——Lied。但是，艺术歌曲这个词在此后的发展中，尤指18世纪末至19世纪初浪漫主义时期的德国艺术歌曲。 （2）含义：艺术歌曲是作曲家以诗为歌词，根据诗的内容创作的歌曲。艺术歌曲中，音乐与诗歌有机结合，通常有戏剧性和抒情性两种形式，采用分节和通节两种写法，并配有伴奏。艺术歌曲的伴奏在歌曲中占有重要的地位，承担着演唱旋律所不能表达的内容，许多伴奏甚至具有独奏的价值。 （3）代表人物：作曲家舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫、马勒和理查·施特劳斯等；词作家歌德、埃森多夫、海涅、席勒等。
      • 2.声乐套曲 声乐套曲是由在结构上各自独立，情节上相互联系的一些歌曲组成，这些歌曲的歌词常常用第一人称来叙述。19世纪以来的声乐套曲，多是以爱情故事为题材，通过这些故事，折射社会形态。早期著名的声乐套曲有贝多芬的《致遥远的爱人》，而舒伯特的两部声乐套曲《美丽的磨坊女》和《冬之旅》的产生，对这种体裁的发展起了重要作用。自舒伯特以后，声乐套曲就成为浪漫派音乐家喜用的一种声乐体裁。
      • 3.《无词歌》（songs without words） 无词歌指的是那种在伴奏音型衬托下，旋律如歌的钢琴小品，像日记一样把日常感受记录下来
      • 4.圆舞曲（Walzer） 圆舞曲又称华尔兹，是奥地利的民间舞曲，18世纪后半叶用于社交舞会，19世纪开始流行于西欧各国，它采用3/4拍，强调第一拍上的重音，旋律流畅，节奏明显，伴奏中每小节仅用一个和弦，由于舞蹈时需由两人成对旋转，因而被称为圆舞曲。贝多芬、舒伯特曾写过圆舞曲，威伯的《邀舞》也是精心处理过的圆舞曲，肖邦的圆舞曲更是钢琴作品中的范例，而通过老约翰·施特劳斯和兰纳奠基、小施特劳斯发展起来的圆舞曲则有别于他人，他们的圆舞曲有典型的维也纳风格，俗称维也纳圆舞曲，它通常由五首情绪和调性相仿的舞曲连贯组成，注重内容的标题性，既能在舞厅里伴舞，也能在音乐厅里演奏，是一种雅俗共赏的音乐形式。
      • 5.波尔卡（polka） “波尔卡”一词是从波希米亚语中的“半”字演化而来的。波尔卡舞曲产生于1830年左右的捷克，是一种二拍子的快速舞曲，舞者们常站成一个圆圈，舞步很小，半步半步地跳，因而得名。
      • 6.玛祖卡（mazurka）： 一种三拍子的波兰民间舞曲，情绪热烈，节奏重音常落在第三拍，有的落在第二拍上，这是玛祖卡舞曲最突出的特点。
      • 7.波洛乃兹（polonaise）： 又称波兰舞曲，是一种徐缓、庄重具有贵族气质的舞曲。16世纪传入宫廷，后普及到市民阶层，18世纪起成为独立的器乐曲；多用复三部曲式，三拍子，第一拍的后半拍往往有重音，结束在第三拍上。肖邦创作的13首《波洛乃兹》把这种舞曲体裁推向了世界。
      • 8.夜曲（nocturne）： 一种流行于十九世纪的三段体器乐曲，与小夜曲无关，常指具有安谧恬静气质的抒情性器乐曲，以钢琴曲居多。最先把夜曲运用到钢琴音乐中的是十九世纪初英国的作曲家约翰·菲尔德，而肖邦使夜曲具有更深刻的内涵，把夜曲体裁发展到更高的境界。
      • 9、练习曲（étude）： 所谓练习曲，通常指采用某种练习方式，以训练某种乐器演奏技术的作品。浪漫主义时期出现了“音乐会练习曲”，它是具有高度艺术价值和良好舞台效果的艺术作品，是高度的技术性、艺术性和一定思想内容相结合的练习曲。
      • 10.交响诗（symphonic poem）： 由匈牙利音乐家李斯特首创，又称音诗（Tondichtung），是一种单乐章的乐队作品，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥，多以文学作品或故事为题材，采用标题音乐形式。著名的交响诗有李斯特的《塔索》、《前奏曲》等。 另外，交响音画、交响童话、交响传奇等体裁，均与交响诗的性质相同，只是在内容的描绘上有不同的侧重点，如交响音画偏重于描绘大自然景色和人们生活的情景，鲍罗丁的交响音画《在中亚细亚草原上》就是其典型例子。
      • 11.狂想曲（rhapsody）： 狂想曲原指古希腊史诗中惯用的一种吟诵片段，19世纪开始用于音乐之中，指一种技术艰深，热情奔放，史诗般的单乐章器乐曲，常以英雄事迹、民间传说和风土人情为题材，以缓慢的民间歌曲曲调为基础，通过主题变奏手法，与快速突进的变奏相交错，在高潮中结束。
      • 12.恰尔达什（csárdás）： 也称匈牙利舞曲，是由两段具有对比性质的舞蹈音乐组成的，前半部分称为“拉绍”（lassù，意为缓慢），其特点是速度缓慢，音乐庄重，用2/4、4/8拍；后半部分称为“弗里斯”（friss，意为活泼），其特点是速度较快，气氛热烈，表现男女双人舞的热烈场面，用2/4拍。
  • 浪漫主义时期音乐（三）
    • 第一节 俄罗斯音乐
      • 一、格林卡
        • 1.人物简介 俄罗斯作曲家，是俄罗斯音乐的奠基人，被称为“俄罗斯音乐之父”。 格林卡有句名言：“创作音乐的是人民，作曲家只不过是把它编一下而已。”这代表了格林卡的创作思想，他的创作植根于俄罗斯民间音乐，旨在表现俄罗斯人民的生活，对俄罗斯后来的很多著名作曲家产生了深远影响。
        • 2.代表作品
          • 歌剧《伊凡·苏萨宁》
          • 管弦乐《卡玛琳斯卡亚幻想曲》
      • 二、强力集团
        • 简介： “强力集团”又称“巴拉基列夫小组”或“新俄罗斯乐派”，是俄罗斯音乐的创作集团。1857年起在彼得堡逐渐形成，成员有五人，他们是巴拉基列夫、穆索尔斯基、里姆斯基—科萨科夫、鲍罗丁和居伊，他们都是业余音乐爱好者，没有进过音乐学院，却有着伟大的抱负，继承格林卡的事业，以发扬促进俄罗斯音乐为宗旨，真心接受巴拉基列夫的指导和教诲，从而结成一个强大的音乐社团——俄罗斯“强力集团”，坚强地捍卫俄罗斯民间音乐。
        • 人物及代表作
          • 1、鲍罗丁（1833—1887），医学家、化学家、作曲家，代表作品：交响诗《在中亚细亚草原上》，歌剧《伊戈尔王》。
          • 2、居伊（1835—1918），陆军军官，主要从事军事工程教学。主要作品为歌剧《威廉·拉特克里夫》。
          • 3、巴拉基列夫（1835—1918），强力集团的领导人、自然科学家，代表作品为交响诗《塔玛拉》。
          • 4、穆索尔斯基（1839—1881），近卫军军官，后脱离军界献身于音乐。代表作有：交响诗《荒山之夜》，钢琴曲《图画展览会》、歌曲《跳蚤之歌》、歌剧《鲍里斯·戈杜诺夫》《霍万斯基之乱》。
          • 5、里姆斯基－科萨科夫（1844—1908），海军军官出身，后来成为音乐学院教授，出版了《和声学使用教程》和《管弦乐法原理》等专著，奠定了俄罗斯音乐理论基础，代表作为歌剧《金鸡》，交响组曲《舍赫拉查德》（根据《一千零一夜》）。
      • 三、柴科夫斯基
        • 1、人物简介 俄罗斯作曲家。他是一位多产的作曲家，创作了各种体裁的音乐，许多音乐作品已成为传世之作，以旋律优美动人著称，受到各国人民的喜爱。
        • 2、代表作品
          • （1）管弦乐：幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》、《第五交响曲》、《第六“悲怆”交响曲》、《意大利随想曲》、《庄严序曲1812》、《D大调小提琴协奏曲》、《第一钢琴协奏曲》。
          • （2）歌剧：《叶甫根尼·奥涅金》、《黑桃皇后》。
          • （3）舞剧：《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》。
          • （4）室内乐：《第一弦乐四重奏》。
          • （5）钢琴作品：钢琴小品曲集《四季》。
        • 3、艺术成就
          • （1）在芭蕾舞音乐方面：他创作了形式完美、雅俗共赏的古典芭蕾舞经典作品：《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》，使舞剧音乐交响化、戏剧化，为俄罗斯音乐文化走向世界做出了重要的贡献。
          • （2）在音乐技法的运用方面：他采用长气息、单一反复和伸缩抒情的乐句；节拍稳定规整；节奏具有舞蹈性特征，常用五拍子，使音乐生动而富有活力；他的作品中的和声基于西欧传统，偶尔出现半音化和声；乐队织体注重色彩编配；他的创作巧妙地将俄罗斯民族音乐与西欧的作曲技法融为一体，成为民族音乐走向世界的典范。
          • （3）在音乐的个性特征方面：他的音乐极富动人的抒情性，和强烈的戏剧性；抒情性体现在旋律优美动听、配器绚丽多彩上；戏剧性则体现在强烈情感所带来的音乐震撼力上。他善于把对美的憧憬与对恶的抨击交织在一起，进行戏剧化的渲染，构成一种独特的音乐冲击力，如《第六“悲怆”交响曲》、《第一钢琴协奏曲》等。
      • 四、斯克里亚宾
        • 1、人物简介 俄罗斯作曲家、钢琴家，追求神秘主义，同时也是无调性音乐的先驱者。 人们对斯克里亚宾的历史评价有很多分歧，一些人认为他代表着俄罗斯古典音乐发展的高峰，另一些人则认为他代表一种没落腐朽的倾向。不论怎样评价，作为俄罗斯音乐界的重要代表，他为自己的民族留下了许多佳作。
        • 2、代表作品
          • （1）钢琴作品：85首《前奏曲》、10首《钢琴奏鸣曲》。
          • （2）交响诗：《狂喜之诗》、《火之诗》。
        • 3.艺术成就
          • （1）斯克里亚宾继承了浪漫主义风格，音乐具有肖邦式的诗意。 他创作了具有浪漫主义诗意的交响诗《狂喜之诗》和《火之诗》等。
          • （2）受到唯心主义哲学的影响，神秘主义观念主宰了他的思想。他在交响诗《狂喜之诗》和第五至十首奏鸣曲中创用了由增四度、减四度和纯四度叠置而成的“神秘和弦”(C-#F-bB-E-A-D)。在交响诗《火之诗》中，神秘主义观念走到了极致，该作品在演出时伴随着彩光投射，使人们用视觉和听觉同时感受这种整体艺术，追求超脱一切的最高境界。
          • （3）他的作品受到尼采“超人”观念的影响，认为物质世界终要毁灭，精神世界才会永生，人类必将由上帝和英雄来主宰。受这种观念的影响，他的音乐既有德彪西音乐的静穆特点，又具瓦格纳音乐的狂热个性。
      • 五、拉赫玛尼诺夫
        • 1.人物简介 俄罗斯作曲家、钢琴家。他是20世纪初俄罗斯钢琴学派的代表，继承并发展了俄罗斯音乐的优良传统。
        • 2.代表作品
          • 歌剧：《阿列科》《吝啬的骑士》
          • 钢琴与管弦乐队：《帕格尼尼主题狂想曲》《#f小调钢琴协奏曲》《c小调第二钢琴协奏曲》
          • 钢琴作品：《夜曲3首》《幻想曲6首》《前奏曲13首》《图画练习曲》
          • 双钢琴曲：《e小调俄罗斯狂想曲》《图画幻想曲》
        • 3.艺术成就
          • （1）《c小调第二钢琴协奏曲》等作品吸收了李斯特的技巧和肖邦的诗意风格，并深化发展了格林卡、柴科夫斯基等俄罗斯音乐家的民族情怀。
          • （2）创作方法上，他抗拒西欧现代音乐的影响，不追求表面的革新，保持俄罗斯音乐风格，但后期创作受到现代主义的影响，作品呈现出颓废的倾向。
    • 第二节 东欧其他国家音乐
      • 一、斯美塔那
        • 1、人物简介 捷克民族乐派的奠基者，创作了捷克第一部民族歌剧《被出卖的新娘》。在他的建议和主持下，捷克建起国家歌剧院。他积极参加民族文化的建设，对交响诗的民族化和民族歌剧的发展起到重要作用，直接影响了德沃夏克亚纳切克等捷克音乐家。
        • 2、代表作品
          • 喜歌剧《被出卖的新娘》
          • 交响诗套曲《我的祖国》（第二乐章《沃尔塔瓦河》）
          • 弦乐四重奏《我的生活》
          • 小提琴与钢琴二重奏《来自我的故乡》
        • 3、艺术成就
          • （1）他明确了民族音乐的发展方向，他以本国的历史传说、自然风光为题材，创作了具有民族特点的喜歌剧《被出卖的新娘》和交响诗套曲《我的祖国》，为捷克民族歌剧和交响诗的发展打下基础。
          • （2）他推动捷克的民族音乐发展到新的高度。在创作技法上，他常运用捷克民歌的旋律因素，民间舞的节奏特点，体裁上常用波尔卡等民间音乐形式；他将捷克的民族音乐发展到新水平。
      • 二、德沃夏克
        • 1、人物简介 捷克作曲家。他的音乐受到瓦格纳、勃拉姆斯以及当地民间音乐的影响，既富有深厚的民族主义感情，又巧妙地融合了古典主义音乐风格。
        • ２、代表作品
          • 管弦乐：9部交响曲（其中《第九交响曲“自新大陆”》最著名）、《斯拉夫舞曲》两册、《大提琴协奏曲》、交响诗《金纺车》
          • 室内乐：《F大调弦乐四重奏》
          • 歌剧《水仙女》
        • 3、艺术成就 与斯美塔那的音乐创作相比，德沃夏克的艺术成就体现在以下几个方面：
          • （1）在创作题材上，斯美塔那更倾向于捷克本土的题材选择，而德沃夏克则把选择范围扩大到整个斯拉夫民族，内容更为广泛。
          • （2）在创作体裁上，斯美塔那主要集中于歌剧和交响诗的创作，而德沃夏克除了在歌剧、交响诗上成就颇丰，在交响曲、协奏曲、管弦乐曲、室内乐以及舞曲等其它器乐作品上也有建树。
          • （3）在音乐风格上，斯美塔那的音乐与捷克本民族的音乐联系紧密，因此带有捷克民间风情，而德沃夏克的音乐除了吸取捷克民族的音乐语言，还广泛采纳了斯拉夫和欧美等地方的音乐语言，音乐元素更丰富。
    • 第三节 北欧音乐
      • 一、格里格 挪威音乐家。他的代表作品是《培尔·金特组曲》、《a小调钢琴协奏曲》、《a小调第二小提琴奏鸣曲》等，其中《培尔·金特组曲》最著名。《索尔维格之歌》是《培尔·金特组曲》配乐中最精彩的一段，旋律婉转动人，深受挪威人民的喜爱，因此被誉为挪威的“第二国歌”。 格里格的创作最重要的特点是：他的作品很少涉及大型体裁，多数为器乐小品形式，小巧精练、诗情画意、清新自然；其作品很少出现戏剧性的矛盾冲突，这与挪威社会当时的发展状况以及作曲家本人的生活有很大的关系。
      • 二、西贝柳斯 芬兰音乐家。他的代表作品是：交响诗《芬兰颂》、《d小调小提琴协奏曲》等。 西贝柳斯的创作特点是：他的创作涉及了多种体裁，其中器乐方面的成就最突出，尤其是交响乐的创作。西贝柳斯善于制造戏剧性的冲突，他的作品贯穿了芬兰民族雄浑、豪放的气质，描绘了北国的风光，充满了史诗般宏伟的气魄。
    • 小结
      • 1.这一时期的作品强烈地张扬主观情感和个性特征，每个作曲家的作品都带有个性化的烙印。
      • 2.作品强调民族观念，作曲家的创作普遍根植于本民族的文化土壤，描写本民族的风土人情，歌颂本国历史、传统文化和山河景色，作品具有鲜明的民族色彩。
      • 3.作曲家们只注重内容和主观的表现，打破了古典主义时期严格的、极富逻辑的曲式结构。
      • 4.浪漫主义时期是音乐历史上成果最丰硕的时期，民族主义因素在该时期书写了浓重的一笔。
    • 民族乐派：形成与19世纪中叶，在创作中以贝多芬的创作传统为基础，相对于德法意音乐传统，在题材上有意识的鲜明体现各民族独特的历史风格，独特的历史风格和精神品志，是浪漫乐派的分歧，代表人物：格林卡（俄）俄国音乐之父。五人团（名解）、斯梅塔那（捷克音乐之父）德沃夏克，格里格（挪威）西贝柳斯
• 20世纪时期音乐（20世纪上半叶）50年
  • 概述
  • 20世纪音乐（一）
    • 第一节 印象主义音乐
      • 一、印象主义音乐
        • 1、来源及代表人物 印象主义（impressionism）是19世纪末至20世纪初首先在绘画领域兴起的艺术流派，其风格源于莫奈的一幅画作《印象·日出》，印象主义画家关注光与色的变化，在平凡题材中表达对生活和大自然的热爱。 印象主义音乐是20世纪音乐流派的先行者，第一次世界大战前，它在文学和绘画领域印象主义潮流的影响下产生，因德彪西交响组曲《春天》的问世而作为一种新音乐风格的称谓被保留下来。 代表人物：德彪西 拉威尔
        • 2、特征 （1）印象主义音乐多以自然景物或诗歌、绘画为题材，注重表达对客观事物瞬间的印象，音乐大多具有神秘、飘忽、朦胧的意境。 （2）它不以旋律为主，重视和声和配器的色彩作用；突破大小调体系，多采用全音音阶和五声音阶；增加和弦结构的可能性：用九和弦、十一和弦、十三和弦代替三和弦和七和弦；减弱和声功能，模糊调性，大量使用变化音，多创作小型体裁的乐曲。
      • 二、德彪西
        • 1、人物简介 法国作曲家、评论家，印象主义的代表人物。 他受马拉美等象征派作家、诗人的影响颇深，认为在音乐创作的发展方向上也应该借鉴印象派诗人在文学方面提出的主张。 除了印象派诗人们的影响，他还在1889年巴黎国际博览会上爪哇加美兰乐队的演奏中获得新音响的灵感，同时受到穆索尔斯基独创性音乐的启发。他称颂瓦格纳，但又认为瓦格纳的道路独一无二，不适用于其他任何人，于是他走出了一条极具个性的音乐创作道路，成为印象主义音乐的开山鼻祖。
        • 2、代表作品
          • （1）钢琴曲：《版画集》、两集《意象集》、《12首前奏曲》第一集、《12首前奏曲》第二集、《月光》、《雨中花园》、《水中倒影》等。
          • （2）管弦乐：《牧神午后前奏曲》、《夜曲三首》、《大海》、《意象三首》等。
          • （3）歌剧：《佩里亚斯与梅丽桑德》。
          • （4）合唱：《浪子》、《圣塞巴斯蒂安之殉难》。
        • 3、艺术成就
          • （1）德彪西是20世纪最伟大、最重要的作曲家之一，开启了音乐领域的印象主义风格，并通过他的创作使西方音乐逐渐完成由传统向现代的过渡。
          • （2）他的重要作品包括歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》，管弦乐《牧神午后前奏曲》，钢琴作品《版画集》《意象集》《12首前奏曲》等。他善于使用小型体裁描绘自然景物和生活风俗，表达对客观事物的瞬间感受和直觉印象，营造出朦胧、飘忽不定的气氛。
          • （3）他的创作特征体现在：旋律失去主导地位，追求音乐的色彩与朦胧感；强调和声的色彩性功能，采用块状和弦，强调九和弦、十一和弦、十三和弦等新结构；未脱离大小调体系，大量采用全音音阶、五声音阶及中古调式；管弦乐作品弦乐细腻，木管突出特性音区的音色，打击乐器丰富，塑造模糊的色彩世界。
      • 三、拉威尔
        • 1、人物简介 法国作曲家，德彪西印象主义音乐的继承者。 早年受夏布里埃和萨蒂等人的影响，并热衷于浪漫主义音乐；后来又结识了法国象征派诗人和印象派画家，受到印象主义风格的影响。受到1889年巴黎国际博览会上爪哇加美兰乐队的演奏和俄罗斯音乐的影响，拉威尔逐渐形成自己的音乐风格。19世纪末，他开始研究德彪西的音乐，并结合其音乐特点形成了自身独特的音乐创作风格，成为印象主义音乐的代表作曲家之一。
        • 2、代表作品
          • 钢琴：《悼念公主的帕凡舞曲》、《水的游戏》、《镜》、《小奏鸣曲》、《鹅妈妈》、《在库普兰墓前》。
          • 室内乐：《茨冈》（小提琴与钢琴）
          • 管弦乐：《舍赫拉查德》、《西班牙狂想曲》、《圆舞曲》
          • 歌剧：《西班牙时光》、《孩子与魔术》
          • 舞剧：《达芙妮斯与赫洛埃》、《波莱罗》
        • 3、艺术成就
          • （1）拉威尔是继德彪西之后又一位在印象主义音乐中做出突出贡献的作曲家。
          • （2）他在继承德彪西印象主义音乐的同时，又极具古典传统，作品中继承了肖邦、柏辽兹、圣-桑等作曲家的优秀成果，并受到17、18世纪法国库普兰、拉莫精致典雅风格的影响。他是世界公认的管弦乐大师，他创作的《波莱罗》成为管弦乐配器手法的典范。
          • （3）他重视吸收民间音乐的养分，如西班牙音乐风格、东方音乐色彩和爵士音乐音调等，将色彩性音乐处理与民间及异国音乐素材相结合，形成富有个性的音乐语言。
          • （4）他的作品追求自由乐思与古典均衡形式，喜好模进、反复和变奏手法，旋律常用五声音阶，多采用舞蹈性节奏、平行和弦，配器清晰，具有调式倾向，体裁短小。
    • 第二节 表现主义音乐
      • 一、表现主义音乐
        • 1、来源及代表人物 表现主义(expressionism)是20世纪初、第一次世界大战前在德奥兴起的艺术流派，它作为印象主义的反义词在德国的绘画和诗歌领域出现，以蒙克为代表，然后表现主义这个词被引用到音乐领域。它的产生有一定的社会原因：当时德国实行专制统治，社会矛盾突出，动荡不安，这引发了一些艺术家极其主观的情感表达。他们认为世上全是苦难、丑恶和恐怖，因此用夸张、畸形和抽象的几何图形来表达内心的主观感受。1918年奥地利作曲家蒂森借用表现主义的观点来评论音乐作品，从此表现主义风格在音乐领域出现并逐渐流行。奥地利作曲家豪尔等人最早使用十二音技术，而真正将十二音技术发展成体系的是勋伯格，他的《五首钢琴小品》（Op.23）、《小夜曲》（Op.24）和钢琴《组曲》（Op.25）标志着十二音技术的成熟。 代表人物：勋伯格、贝尔格、韦伯恩，他们三人被称为“新维也纳乐派”。
        • 2、特征
          • （1）表现主义音乐运用十二音体系，使音乐具有反传统因素：旋律无连贯性，节拍无规律性，力度极端变化，和弦音响尖锐不协和，结构不明确。因此，表现主义音乐没有浪漫主义音乐的抒情性、古典主义音乐的逻辑性、印象主义音乐的色彩美感，显得离奇怪诞。
          • （2）表现主义音乐与印象主义音乐相对立，从它们的对比中，我们可以看到这两个流派在音乐表现上的特征：印象主义音乐描绘的是人对客观世界外部瞬间的感受，关注自然界的色彩、光线和气氛，是对自然现实的模仿与再现；而表现主义音乐则放弃对周围世界的描绘，强调把内心体验表达出来，直接追求内心深处的感觉，主张音乐要表现人们的思想本质和内在灵魂。
        • 3、十二音音乐
          • （1）来源：十二音音乐（twelve-note system，德：zwolftonmusik)是20世纪20年代产生的一种作曲方法，也称十二音体系，它是传统调式与和声体系不断扩展的结果。
          • （2）含义：在创作中，作曲家预先设置十二个半音的基本音列（basic serial，缩写为BS或B），并以原型prime（P）及其三种变形：逆行retrograde(R)，倒影inversion (I) ，逆行倒影retrograde-inversion(RI)作为基本材料进行创作，这些音列通过音高移位（每个音列都有48个关系密切的音高序列），节奏变化等方式进行展开。它的基本原则是：十二个半音地位平等，取消传统大小调体系的音级功能差别。具体写作中应遵循下列规则：
            • ①每一个音必须在其余11个音都出现之后方可重复，防止调性的出现，但允许震音、波音、辅助音的短暂重复
            • ②避免三和弦进行，以免引起调性感
            • ③四度、五度音程，三全音音程尽可能只用一次
            • ④在序列中不过多使用相同的音程
      • 二、勋伯格(A. Schoenberg）
        • 1、人物简介 奥地利作曲家、音乐理论家，20世纪最重要的作曲家之一。 他是自学成才的典范，曾在柏林和维也纳任教授，后因犹太人身份在纳粹上台之后被解除了教授职务，1933年到美国加利福尼亚大学任教，1940年入美国籍。 勋伯格与自己的两个学生贝尔格和韦伯恩同为十二音音乐的代表作曲家，三人被称为“新维也纳乐派”。勋伯格的音乐创作经历了多种风格的变迁，这些多元化的特征分别体现在其创作的三个阶段中。
        • 2、创作分期及代表作品
          • 第一阶段（1897-1908，作品1-10）：晚期浪漫主义音乐时期。代表作有弦乐六重奏《净化之夜》，交响诗《佩里亚斯与梅丽桑德》，《d小调第一弦乐四重奏》、《f小调第二弦乐四重奏》等。
          • 第二阶段（1908-1922，作品11-22）：无调性音乐时期。代表作有《5首管弦乐曲》、独唱和乐队《期待》、哑剧《幸运之手》、独唱套曲《月迷彼埃罗》《钢琴组曲》等。
          • 第三阶段（1923-1951，作品23-50）：十二音音乐时期。代表作有《管乐五重奏》、《第三弦乐四重奏》、歌剧《从今天到明天》、《小提琴协奏曲》、《钢琴协奏曲》、《弦乐三重奏》、《一个华沙幸存者》等。
        • 3、艺术成就
          • （1）勋伯格的音乐创作从晚期浪漫主义出发，从有调性到无调性，最后找到新的音乐组织手法——十二音体系，其标志性的作品是《5首钢琴小品》和《钢琴组曲》。从无调性音乐时期到十二音音乐时期是勋伯格的表现主义风格时期，重要作品有《月迷彼埃罗》、《一个华沙幸存者》和《乐队变奏曲》。
          • （2）十二音作曲技法是勋伯格对音乐创作的重要贡献，他选用半音阶的十二个音自由组成一个序列，在十二个音都出现之前，不重复其中任何一音，以原形、逆行、倒影和逆行倒影四种形式进行创作。旋律具有跳跃性特点，多用增、减音程，七度、九度音程和各种复音程。他的作曲技法对20世纪音乐有着强烈而深远的影响。
          • （3）他对音乐理论有重要贡献，著有《和声学》（1911）、《初学作曲者的范例》（1942）、《作曲基本原理》（1948）和《风格与思想史》（1950）等著作。
      • 三、贝尔格(A.Berg）
        • 1、人物简介 奥地利作曲家、十二音音乐的代表作曲家。一战时从军，战后创作了著名歌剧《沃采克》；1933年希特勒上台之后，他的作品遭到禁演，从而失去了经济来源。他的一生作品不多，但成就突出。和老师勋伯格一样，其创作经历了由晚期浪漫主义向无调性音乐，继而向十二音音乐风格的转变。 但他的作曲方法与老师有所不同，他的十二音体系没有完全脱离传统的音乐创作风格，在音乐中融入了较多的情感，比勋伯格更加精炼简洁，表现力也更强。他的特点在于把马勒的后期浪漫主义风格与勋伯格的十二音体系和谐地融合在一起，因此，在“新维也纳乐派”的三人中，他的作品最为听众所接受。
        • 2、代表作品
          • 室内乐：《弦乐四重奏》、弦乐四重奏《抒情组曲》。
          • 管弦乐：《抒情组曲》、《小提琴协奏曲》（以安魂曲形式悼念少女曼侬之死）。
          • 歌剧：《沃采克》、《露露》（未完成）。
        • 3、艺术成就
          • （1）贝尔格对十二音音乐做出了重要贡献，与勋伯格、韦伯恩同为十二音音乐的代表作曲家。
          • （2）歌剧《沃切克》、《露露》，以及安魂曲形式的《小提琴协奏曲》是他十二音音乐的经典作品，也是表现主义音乐的代表之作。其中《沃采克》运用古典结构和无调性手法，开创了用十二音音乐创作歌剧的先河，获得与调性音乐同样震撼的效果，成为20世纪最重要的歌剧作品之一。
          • （3）他的十二音音乐常常显示出与一些传统音乐因素相结合的特点，易于理解，引起听众的情感共鸣。他是十二音音乐作曲家中最受公众赞誉的一位，其作品《抒情组曲》亦是十二音音乐的典范之作。
      • 四、韦伯恩
        • 1、人物简介 奥地利作曲家，哲学博士，勋伯格的学生。 韦伯恩的作品以简洁浓缩为特征，最长的为15分钟，最短的仅15秒，作品包括17首声乐作品和14首器乐作品，全部作品同场演出仅3小时左右。勋伯格将韦伯恩短小的作品形容为“一整篇小说紧缩成了一声叹息”。 韦伯恩的主要成就在于他的创作风格和创作技巧。他将老师勋伯格的十二音体系理论进一步发展，还创新性地使用点描手法，为先锋音乐的发展开辟了道路。他的创作经历了从晚期浪漫主义风格到无调性、十二音技法的转变，并为整体序列音乐指明了方向。
        • 2、创作分期及代表作品
          • 第一阶段：晚期浪漫主义音乐时期 《钢琴五重奏》、管弦乐《帕萨卡利亚》
          • 第二阶段：自由无调性时期 无伴奏合唱《轻舟飞逝》、弦乐四重奏《六首小品》、小提琴与钢琴《四首小曲》、《五首管弦乐小曲》
          • 第三阶段：序列主义音乐时期 《弦乐三重奏》、《交响曲》、《9件乐器的协奏曲》、《管弦乐变奏曲》、《第一康塔塔》、《第二康塔塔》
        • 3、艺术成就
          • （1）韦伯恩对十二音音乐做出了重要贡献，与勋伯格、贝尔格同为十二音音乐的代表作曲家。韦伯恩在十二音音乐中除了对音高加以组织外，还对时值、力度、节奏、织体、音色等要素作了相应安排，如《交响曲》等，这类作品为“整体序列”创作指明了方向。
          • （2）他的作品以一种高度浓缩、格言式的音乐语言著称，长度一般只有几分钟，有的只有几小节，如《5首管弦乐小曲》中的第四首只有6小节，演奏时间约19秒。这些作品体现了韦伯恩独特的风格，促进了新音乐的发展，在音乐史上具有重要的意义。
          • （3）与贝尔格试图将20世纪的音乐创作拉回过去的做法不同，韦伯恩的创作更具先锋性，他将老师勋伯格的创作原则运用到极致，因此音乐语言也显得更抽象、主观。他的音乐语言特点为：旋律、和声零散，突出乐器音色的频繁变化，曲式结构短小。这种音乐语言在预示序列音乐的同时，还影响了点描音乐的形成，确立了音色音乐的重要地位。
    • 第三节 新古典主义音乐
      • 一、新古典主义音乐（Neo-classicism）：又称“新巴罗克时期音乐”，是20世纪20年代流行于两次世界大战期间的现代音乐派别之一。 新古典主义音乐的产生，也使法国成为这种新音乐风格的中心。
        • 1、由来与代表作品
          • （1）从历史文化背景来看，第一次世界大战之后，战争的浩劫使整个欧洲的经济遭到严重破坏，从根本上打破了人们的梦想，他们开始进行理智的构想，希望复古，回到从前宁静平和的社会形态。这是新古典主义音乐产生的起因之一。
          • （2）从音乐发展规律来看，晚期浪漫主义音乐发展到20世纪20年代已经有100年历史，那种狂热奔放，激越幻想般的风格走到了极点。因此新古典主义音乐的产生有其必然性，它是针对晚期浪漫主义音乐中感情上的表现而出现的。
          • （3）直接起因：新古典主义音乐兴起于第一次世界大战和第二次世界大战之间的1920年，源于意大利作曲家布索尼发表的一封公开信《新的古典主义》，新古典主义音乐由此取意。
          • （4）代表作品：斯特拉文斯基1920年创作的舞剧《浦契涅拉》音乐，标志着新古典主义音乐的开端。此外，欣德米特的交响曲《画家马蒂斯》、奥涅格的诗唱剧《火刑堆上的贞德》和米约的音乐哑剧《屋顶上的公牛》也是新古代主义音乐的代表。
        • 2、特征
          • （1）从美学上看，新古典主义追求的是均衡、稳定、理性的音乐，反对后浪漫主义音乐中膨胀的主观意识和浓烈的个人情感表达这一流派的音乐家反对他律论，支持自律论，提出“返回巴赫”的主张，关注音乐中的技术和形式，而不是内容，以艺术形式代替情感表达。
          • （2）从具体的表现形式上看，作曲家追求旋律、节奏的均衡对称，要求恢复库普兰、亨德尔、普塞尔等巴洛克时期及早期古典主义，甚至蒙特威尔第、帕勒斯特里那时代的创作风格和创作手法；提倡清新规范的曲式结构，反对自由散漫的结构；提倡纯音乐，复兴浪漫主义时期之前的体裁形式（托卡塔、大协奏曲、赋格、恰空等）；反对标题音乐；提倡小型化、室内化的乐队编制，反对庞大的乐队编制。但是，由于这个音乐流派常把巴赫等作曲家的音乐形式与20世纪新的音乐语言结合在一起，倾向于采用扩张调性、甚至无调性技法，和声复杂，常夹带20世纪特有的尖锐、新颖、不协和的音响，配器音色多变，因此并没有真正回到古典主义时期的功能调性系统中，没有真正地反映巴洛克时期的音乐本色。 所以，人们把这个复古的音乐流派称为“新古典主义音乐”，以区别于古典主义时期的音乐。
      • 二、斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）
        • 1、人物简介 美籍俄罗斯作曲家。在西方现代音乐史上有这样一个评价：如果举出一部20世纪经典管弦乐作品的范例，那么《春之祭》必是首选之作。虽然这仅是一家之言，但无不说明斯特拉文斯基的重要地位。值得一提的是，他在舞剧音乐方面的贡献尤为突出。他是一位不断实验，勇于探索的音乐家，其创作经历了俄罗斯风格、新古典主义风格和序列主义音乐三个阶段。
        • 2、创作分期及代表作品
          • （1）第一阶段（1920年前）：俄罗斯音乐风格时期 舞剧《火鸟》、舞剧《彼得鲁什卡》、舞剧《春之祭》、舞台音乐《士兵的故事》
          • （2）第二个阶段（1920-1951）：新古典主义音乐风格时期 舞剧《浦契涅拉》、清唱剧《俄狄浦斯王》、舞剧《众神领袖阿波罗》、《小提琴协奏曲》、歌剧《浪子历程》
          • （3）第三个阶段（1951-1971）：序列主义音乐时期 合唱《哀歌》、合唱与乐队《安魂圣歌》
        • 3、艺术成就
          • （1）作为20世纪的音乐领袖，斯特拉文斯基在创作中不断开拓新的领域，在影响同时代作曲家的同时也使他们不可抗拒地追随其后。新古典主义风格和序列音乐写作是他引领的两个重要的音乐潮流；作为新古典主义音乐的倡导者，他主张对古典时期的美学原则进行反思和重新运用，并作有该音乐风格的标志性作品《浦契涅拉》。
          • （2）斯特拉文斯基为俄罗斯音乐做出了重大贡献。他与贾吉列夫合作，创作了许多优秀的舞剧作品，表现了俄罗斯古老的民俗特色和宗教精神，以《火鸟》、《春之祭》为代表。
          • (3) 他的作品具有独特的音乐语言。他突破了节奏强弱规则交替的限制，呈现多样化、复杂化的状态；旋律常建立在一个音域狭窄的短小片断上，呈锯齿形，服从于音乐的整体需要；和声模糊，不采用三度叠置的结构；配器方面常寻找乐器的特殊音区和演奏法，偏爱管乐，不喜欢弦乐，因为弦乐的情感表达容易引起人们对浪漫主义音乐的联想，与他的创作原则不符。
      • 三、欣德米特
        • 1、人物简介 美籍德国作曲家、指挥家、中提琴家、音乐理论家和教师。 欣德米特是一位多才多艺的音乐家，精通多种乐器，也是一位多产的作曲家，尝试各种手法进行创作，其中最出众的是他的新古典主义音乐作品。
        • 2、创作分期及代表作品
          • （1）第一阶段（1918-1923），晚期浪漫主义和表现主义音乐时期 《第二弦乐四重奏》、《第一室内乐队曲》
          • （2）第二阶段（约1923-1933），新古典主义音乐时期 《乐队协奏曲》、第一至第七首《室内乐队曲》、歌剧《当天新闻》等。
          • （3）第三阶段（1934-1963），新古典主义音乐时期 交响曲《画家马蒂斯》、《E大调小提琴奏鸣曲》、钢琴曲《调性游戏》、交响曲《世界的和谐》、无伴奏合唱《弥撒曲》
        • 3、 艺术成就
          • （1）作为作曲家：他是新古典主义音乐的代表作曲家之一，以交响曲《画家马蒂斯》（同名歌剧选编交响乐）为代表作品。他反对为艺术而艺术，将巴赫以及更古老的音乐特点融入现代手法进行创作；他的音乐风格的主要特色是：巴洛克式的曲式、旋律和节奏，重视对位技术应用。因此，也常常被称为“作曲家中的作曲家”。
          • （2）作为音乐教育家和音乐理论家：他著有《作曲指南》和《论西方的三种和声体系》等著作，是20世纪作曲理论最重要的著述之一。在这些著作中，他结合德国传统的理论体系，创造了个性化的和声体系；反对无调性，认为无调性理论是现代的谬误，违反了“类似地球引力那样的力量”，没有中心点；他认为和弦可以由三度、四度、五度或其它音程构成，也可以是混合式的，但序进上必须有一个法规，使它成为一个调性的综合体，必须赋予调性的形式，因为只有这样音乐发展才能有逻辑性，才有美感。
          • （3）作为演奏家：他多才多艺，一生从未间断过演奏实践；他不仅是造诣很高的小提琴、中提琴演奏家，也是钢琴、单簧管、小号、长笛、大提琴、低音提琴等乐器的演奏能手。他组建的“阿玛尔-欣德米特弦乐四重奏”是当时欧洲最优秀的组合。
      • 四、法国“六人团”和“三人团”
        • 1、“六人团”（Les Six）的由来 1917年以后的法国，有六位青年音乐家经常以“新青年”的名义在一起举行音乐会，他们希望法国的音乐走一条明快、活泼、简朴的新路。1920年法国音乐评论家亨利·科莱写了一篇题为《俄国的“五人团”与法国的“六人团”》的文章，其中 “六人团”的提法引起了人们的共识，并由此流传开来，这六人是奥里克、迪雷、奥涅格、米约、普朗克和泰莱菲雷。这就是“六人团”的由来，不过他们作为一个团体的时间不长，由于志向和美学趣味上的差异，不到三年就分道扬镳了。
        • 2、“三人团”的由来 “三人团”是在“六人团”的基础上演变而来的。几年后，“六人团”的六人发展各不相同：迪雷不久就放弃了音乐，回到农村；泰莱菲蕾也没有什么有价值的作品再出现了；奥里克的兴趣转向了电影创作。最后，留下米约、奥涅格和普朗克三人，他们成为20世纪法国音乐界的代表人物，史学中又把他们称为法国“三人团”。
        • 3、“六人团”人物简述
          • （1）奥涅格，瑞士作曲家。他的音乐作品一直没有割断与德国音乐的联系，曾提出以巴赫为伟大榜样。他经常采用巴赫式的复调音乐进行创作，其作品带有德国音乐特点，同时他从格里高利圣咏、爵士乐、十二音体系等多种音乐风格中吸取养料，音乐始终有调性，风格雄浑、热情，充满动力感。正因如此，他被视为新古典主义音乐的代表人物之一。
          • （2）米约，法国作曲家、钢琴家。他的音乐风格具有多样性，总体上倾向于抒情风格。他的作品旋律常采用类似流行音乐的简单淳朴的音调；节奏一般很规整，常常带有强烈的切分音，与南美民间音乐有关；和声具有多重叠性；多调性是他的音乐最显著特点之一。
          • （3）普朗克，法国作曲家、钢琴家。他创作了大量的作品，音乐风格兼收并蓄，但仍有强烈的个人风格特征，主要以调性音乐为主，旋律性强，穿插了20世纪和声的不协和因素，音乐中含有优美、诙谐和惆怅的情感表达。
          • （4）迪雷，法国作曲家。早期音乐含有新古典主义音乐因素，1945年后按照共产主义艺术观念进行创作。
          • （5）泰莱菲雷，法国作曲家。作品具有明显的新古典主义风格。
          • （6）奥里克，法国作曲家。热衷于电影音乐创作。
        • 4、代表作品
          • 奥涅格
            • 管弦乐曲：《太平洋231》
            • 清唱剧：《火刑堆上的贞德》、《大卫王》
            • 交响曲：《第三交响曲》（第一乐章很有新意）、《第五交响曲》
          • 米约
            • 管弦乐：《巴西的乡愁》
            • 舞剧：《屋顶上的公牛》、《世界的创造》
          • 普朗克
            • 舞剧：《母鹿》
            • 小提琴作品：《小提琴奏鸣曲》
          • 迪雷
            • 木管曲：《困扰》
            • 清唱剧：《长征》（采用毛泽东诗词）
          • 泰莱菲雷
            • 钢琴作品：两架钢琴的《户外游戏》、《第一钢琴协奏曲》
            • 小提琴作品：《小提琴奏鸣曲》
            • 竖琴作品：《竖琴小协奏曲》
          • 奥里克
            • 电影音乐：《给我们自由》、《凯撒与克莱奥帕特拉》
            • 舞剧：《水兵》、《加马舍的婚礼》
      • 五、萨蒂
        • 1、人物简介 法国作曲家，对法国“六人团”产生了重要影响。
        • 2、代表作品
          • 钢琴曲：三首《萨拉班德》、三首《裸体歌舞》、三首《玄秘曲》、《梨形曲三段》
          • 合唱：四个女高音与小型管弦乐队《苏格拉底》
          • 舞剧《游行》、《松弛》
        • 3、艺术成就
          • （1）20世纪初，他引导当时的法国作曲家摆脱瓦格纳音乐的影响，对法国“六人团”的形成起了重要作用。
          • （2）强调简练的音乐风格，其作品旋律简单，以和声不解决为主要特征，《玄秘曲》中不用小节线的手法预示了后来许多新音乐的创作方式。
    • 第四节 民族主义音乐
      • 一、20世纪民族主义音乐与19世纪民族主义音乐的异同 20世纪新民族主义音乐是19世纪民族主义音乐的延续，两者在本质上是相同的，都运用本民族的音乐语言、音乐文化来构思音乐，创作音乐。但是20世纪民族主义音乐由于受到社会文化形态变异的影响，与19世纪民族主义音乐相比，又有了新的发展，两者的不同主要表现在：
        • ①在音乐内容的表达上： 19世纪民族主义音乐采用歌颂的笔调，重视本民族历史、人民生活、传说和文学中的记述；20世纪新民族主义音乐在讴歌本民族内容的深度有所减弱，作曲家关注的是民间音乐本身的内涵，重视对民间音乐特征的新发现。
        • ②在音乐素材的处理上： 19世纪民族主义音乐根据民间音乐素材的个性发展音乐，按传统音乐的完整性处理音乐； 20世纪新民族主义音乐强调汲取民间音乐固有的特征和规律，按照民间调式、音阶、节奏进行写作。
        • ③对同时代音乐特点的汲取上： 19世纪民族主义音乐在浪漫主义音乐中成长起来，其和声的运用也受到浪漫主义音乐的影响； 20世纪新民族主义音乐产生在新音乐手法层出不穷的时代，受到一些新作曲技术的影响。
      • 二、巴托克
        • 1、人物简介 匈牙利民俗学家、钢琴家、教育家和作曲家，是继斯特拉文斯基和勋伯格之后，一位以自己独特新颖的音乐语言，根植于民间音乐创作而赢得世界声誉的20世纪音乐大师，其音乐思维观在世界音乐史上有非常重要的地位。
        • 2、创作分期及代表作品 总结巴托克四十多年的音乐创作生涯，其风格的主线属于民族主义音乐，但在整个过程中也渗透着其它风格的因素，通常我们认为他的创作历经了四个时期：
          • 第一个时期（1889-1907）：巴托克的创作主要受到浪漫主义音乐的影响，基本是对理查·施特劳斯、勃拉姆斯、李斯特的模仿，创作上缺乏个性，代表作《柯树特》（1903）。
          • 第二个时期（1908-1924）：巴托克的风格转型期，民间音乐风格形成。他不模仿任何一种当时已被接受的音乐创作倾向，而采取借鉴、吸收的态度形成了个性创作风格。代表作：钢琴曲《献给孩子们》（1909）、《粗野的快板》（1911），歌剧《蓝胡子公爵的城堡》，舞剧《神奇的满大人》（1919）。
          • 第三个时期（1926-1940）：他的创作受到新古典主义的影响，尤其是斯特拉文斯基的影响。这时期是巴托克的创作鼎盛期，创作出了许多成熟的作品。代表作：44首《小提琴重奏曲》、《弦乐器、打击乐器和钢片琴音乐》（1936），《两架钢琴和两件打击乐器奏鸣曲》（1937），第三、四、五、六《弦乐四重奏》（1927、1928、1934、1939），小提琴、单簧管、钢琴《对比》（1938）。
          • 第四个时期（1940-1945）：晚期，美国创作时期，音乐风格具有民族特色，旋律流畅。代表作：《管弦乐协奏曲》（1943）和《第三钢琴协奏曲》（1945）等。
        • 3、艺术成就
          • （1）作为民俗学家，巴托克是民族音乐学最早的奠基人之一。他与柯达伊一起深入乡村边塞进行采风，一生收集了九千多首民歌。他们通过对这些民歌的整理研究，发现真正的匈牙利民间音乐是农民音乐，而在此之前，人们一直把吉卜赛音乐当作匈牙利的民间音乐。
          • （2）作为教育家，他在钢琴教学领域做出了最要贡献。他编订了体系化的钢琴教材《小宇宙》和《献给孩子们》，这些练习曲篇幅短小，节奏简练，旋律语汇儿童化，和声色彩新颖，充分考虑到儿童在学习中注意力短暂和思维单纯的特点。
          • （3）作为作曲家，他创建了巴托克音阶、和弦拱形结构、不规则的节奏组合等特有的音乐形式，把西方作曲技术的最高成就与匈牙利民间音乐有机地结合在一起，形成了自己的音乐语言。《管弦乐协奏曲》、《第三钢琴协奏曲》和六首《弦乐四重奏》等独具特点的作品成为20世纪民族音乐新风格的典范。
      • 三、亚纳切克
        • 1、人物简介 捷克作曲家、音乐理论家、音乐教育家。他最重要的创作集中在歌剧与合唱方面，音乐生涯的前半部分主要从事音乐教育，50岁以后才开始专注于创作并取得了极大的成功。
        • 2、代表作品
          • （1）声乐套曲《一个失踪者的日记》。
          • （2）歌剧《叶努法》、《沙尔卡》、《卡佳·卡巴诺娃》、《死屋》等9部。
          • （3）室内乐《第一弦乐四重奏》等。
          • （4）管弦乐《塔拉斯·布尔巴》、《小交响曲》。
        • 3、艺术成就
          • （1）他是20世纪捷克民族主义音乐的代表作曲家之一。他的音乐具有鲜明的捷克莫拉维亚民间特色，他从捷克的语言音调中发现它的“旋律曲线”，并运用到创作中。他继承了斯美塔那等捷克民族主义音乐作曲家的传统，并在和声、节奏、旋律写作等方面不断探索和创新。
          • （2）他是20世纪初重要的歌剧作曲家。他摒弃了歌剧中传统分曲的形式，他创作的旋律、节奏接近自然说话的状态，音乐发展无明显终止感。
          • （3）他的音乐一般不采用西方传统曲式，常以动机的反复构成音乐的整体；乐谱上的调号有时与实际调性不一致，晚期作品则不写调号，采用临时调号标记调性；在配器上选用敲击铁锤、铁镣和皮鞭等发出的自然音响。这些新颖的手法对现代音乐的发展具有探索价值。
      • 四、希曼诺夫斯基
        • 1、人物简介 20世纪波兰的重要作曲家、钢琴家。对波兰塔特拉山里人的歌舞及民间音乐进行研究，并结合波兰民间传说，创作出一批展现波兰民族精神的作品，形成了自己的风格。他的作品通常热情奔放，略带有炫技性质。
        • 2、代表作品
          • （1）歌剧《哈吉斯》、《罗杰尔王》。
          • （2）芭蕾舞音乐《曼特拉戈拉》、《哈尔纳西》。
          • （3）管弦乐：三部交响曲、《交响复协奏曲》，两部《小提琴协奏曲》。
          • （4）钢琴曲：9首《前奏曲》、12首《练习曲》、3首《奏鸣曲》、4首《波兰舞曲》、22首《玛祖卡舞曲》、3首《假面具》。
        • 3、艺术成就
          • （1）他是20世纪民族主义音乐的代表作曲家，将西欧现代音乐技法与波兰民族音乐结合在一起，走出一条独具个性的创作道路，成为波兰现代音乐的奠基者。
          • （2）他的音乐采用新颖的波兰山区音调，旋律宽广，有时为多调性，不少作品还具有标题性，并呈现出无调性因素。作品以歌剧和小提琴协奏曲为主要代表。
      • 五、埃尔加
        • 1、人物简介 英国作曲家、指挥家。
        • 2、代表作品
          • 管弦乐《谜语变奏曲》、《威仪堂堂进行曲》
          • 清唱剧《杰隆修斯之梦》、《基督天使》、《王国》
          • 音乐会序曲《安乐山》
          • 音诗《法斯塔夫》，《 b小调小提琴协奏曲》、《e小调小提琴协奏曲》
        • 3、艺术成就
          • （1）埃尔加从英国民歌及传统音乐中汲取营养，在创作中充分体现了英国民族风格。他结束了英国200年来依附于德国和意大利音乐的状况，是英国音乐复兴的代表作曲家之一。
          • （2）他把高雅脱俗的表达与流行风格相结合，作品旋律优美，作曲技巧精湛，配器技法高超，和声语言源自勃拉姆斯和舒曼，又带有瓦格纳式的色彩，音乐性格既亲切又忧郁。最著名的作品是管弦乐《谜语变奏曲》和两首《小提琴协奏曲》。
      • 六、威廉斯
        • 1、人物简介 英国20世纪民族主义音乐的代表作曲家，英国20世纪上半叶音乐史中最著名的人物之一，他与霍尔斯特一起发展了本民族的音乐。 他的作品中最重要的素材就是民间音乐与古代音乐，同时他的风格还受到印象派作曲家德彪西和拉威尔的影响，追求管弦乐的色彩。
        • 2、代表作品
          • （1）戏剧音乐：歌剧《牲口贩子》、喜剧《约翰爵士之恋》、闹剧《毒吻》、假面剧《约伯记》。
          • （2）乐队作品：管弦乐《绿袖子幻想曲》、《诺福克狂想曲》、交响印象《在沼泽地带农村》、《塔里斯主题幻想曲》，交响曲《海之交响曲》、《第二交响曲“伦敦”》、《第三交响曲“田园”》、《第七交响曲“南极”》。
        • 3、艺术成就
          • （1）他对复兴20世纪英国音乐做出了重要贡献，是英国民族音乐奠基人之一。他收集整理英国民歌、发掘莎士比亚时代的英国民歌，并创建了英国民歌研究会。
          • （2）他的作品在旋律、节奏上紧密结合英国古老民歌中五声音阶、六声音阶的旋法以及农村舞曲的节奏特点；在和声上，他采用前古典主义时期英国民间多声部平行五度的和声进行；在调式上，他不用大小调体系，而用17世纪前的一些教会调式，如混合利底亚调式，爱奥尼亚调式，弗里几亚调式等，形成了自己的音乐语言，使音乐更具有英国的民族性。
      • 七、霍尔斯特(G.Holst）
        • 1、人物简介 瑞典裔英国作曲家。霍尔斯特与威廉斯一起成功地发展了本民族音乐语言，使英国音乐在20世纪得到兴旺发展。他的作品中除了融入民歌成分还带有异国的神秘色彩。
        • 2、代表作品
          • （1）管弦乐：《行星组曲》、《萨默塞特狂想曲》、《贝尼·莫拉组曲》、《圣·保罗弦乐组曲》
          • （2）歌剧：《十足傻瓜》、《在野猪头酒家》、《流浪学者》
        • 3、艺术成就
          • （1）霍尔斯特对复兴20世纪英国音乐做出了重要贡献。他的音乐创作在受到民歌、伯德和维尔斯克牧歌传统影响的同时，还受到英国殖民地文学的影响。这种倾向使他的作品常与古文化相结合，塑造出一种神秘色彩。《行星组曲》就是这样一首独辟蹊径的作品。
          • （2）他的作品中常出现5拍子和7拍子，在乐队编制上常用大规模的乐队与合唱，造成宏大的音响效果。晚期作品在和声上进行大胆的实验，有多调性的倾向。
      • 八、艾夫斯
        • 1、人物简介 美国作曲家，是西方音乐史上第一位伟大的美国作曲家。他是西方音乐史上一个不平凡的人物，他广泛接触美国民间音乐，业余作曲，致力于新音响的发明和创造，默默无闻地发展现代意识的音乐，而他的创作却迟迟未被人们认可，直到20世纪70年代才引起美国音乐界的普遍重视。
        • 2、代表作品
          • 管弦乐《新英格兰的三个地方》、《第二交响曲》、《第四交响曲》
          • 宗教合唱《诗篇54》
        • 3、艺术成就
          • （1）他是美国民族主义音乐的代表人物之一，作品大量引用美国传统音调，如美国的宗教音乐、民间音乐、乡村铜管音乐、学生歌曲，拉格泰姆等，这些音调的引用使他的创作具有明显的民族性，为美国音乐树立了一个丰碑。
          • （2）他是美国音乐史上一个有特殊贡献的作曲家，也是欧美最早的现代派代表作曲家之一。他的作品不受传统作曲技法的束缚，在一定程度上预示了先锋派作曲家的手法。音块、多调性、多层次织体、1/4音等20世纪的一些新技法在他的《第二交响曲》、《7月4日》等早期作品中都可以找到。
      • 九、格什温
        • 1、人物简介 美国作曲家、钢琴家。他将充满活力的爵士乐风格与西方音乐技法有机地结合起来，成为最富有美国特色的作曲家。
        • 2、代表作品
          • （1）歌剧《波吉与贝丝》
          • （2）钢琴与乐队：《蓝色狂想曲》、《第二狂想曲》、《F大调钢琴协奏曲》
          • （3）管弦乐：交响诗《一个美国人在巴黎》、《古巴序曲》
        • 3、艺术成就
          • （1）他是20世纪民族主义音乐的代表作曲家，将美国爵士乐素材与古典作曲技法熔于一炉，作品《蓝色狂想曲》、《一个美国人在巴黎》和《波吉与贝丝》不仅极富美国风味，而且也成为世界音乐作品中的经典。
          • （2）他的《蓝色狂想曲》以爵士乐为特点，架起了通俗音乐与艺术音乐之间的桥梁，使“里弄叮咚叫卖声”这一街头艺术成为一把钥匙，为专业音乐作曲家们打开了流行音乐的大门，也为爵士乐走向世界舞台，走进专业音乐领域起了积极作用。
      • 十、科普兰
        • 1、人物简介 俄国犹太移民的美国作曲家，是一位精力充沛，富有创造力的音乐家。
        • 2、创作分期及代表作品：
          • 第一个时期（20世纪20-30年代）：作品体现了斯特拉文斯基的新古典主义音乐风格，同时也体现了他对爵士乐的爱好，并将爵士乐引入其作品。 代表作：《剧场音乐》、《钢琴协奏曲》、《舞蹈交响曲》、《交响颂歌》
          • 第二个时期（20世纪30-50年代）：30年代中叶，虽然他的有些作品还显示出新古典主义风格，但更多的作品则采用美洲和美国的本土音乐， 管弦乐：《室外用的序曲》、《墨西哥沙龙》 三部舞剧：《小伙子比利》、《牧区竞技》、《阿帕拉契亚的春天》 电影音乐：《老鼠与人》 其他器乐作品：《小红马》、《钢琴奏鸣曲》、《小提琴与钢琴奏鸣曲》
          • 第三个时期（20世纪50年代后）：他对勋伯格的序列音乐产生了兴趣，创作中不再应用民间音乐素材，而追求一种抽象的风格。 代表作：《钢琴四重奏》、《钢琴幻想曲》
        • 3、艺术成就
          • （1）他是第一位被国际公认为具有美国本土风格的美国作曲家，他的作品既具民族风格又有个人特征，充满了美洲风情和西部牛仔歌曲的浓郁韵味，是民族主义音乐风格的集中体现，如《小伙子比利》和《牧区竞技》。
          • （2）他致力于美国本土音乐的传播，举行讲座、举办美国新音乐音乐会、成立音乐出版社和美国作曲家联盟等，对美国青年作曲家产生了相当大的影响。
          • （3）他的作品中，旋律多大跳，节奏吸收了爵士乐及其他民间音乐的节奏特点；和声简朴，调式常建立在自然音阶之上，游离于大小调之间；管弦乐织体精细清晰；受马勒和斯特拉文斯基的影响，音乐风格倾向于抒情而富有诗意。
    • 第五节 20世纪上半叶其他风格的音乐和音乐家
      • 一、微分音音乐 小于半音的音程被称为微分音（microtone，即1/4，1/6，1/8音，甚至更小比例的音），用微分音进行创作的作品就是微分音音乐。它是20世纪20年代兴起的一种音乐，虽然在此之前，西方现代音乐中曾有过微分音音乐的实验，如墨西哥作曲家卡利洛在19世纪90年代的作品、美国作曲家艾夫斯在20世纪初的作品，但这些都属于个别现象。 系统地进行微分音音乐创作的是捷克作曲家哈巴，他从1921年开始提倡用1/4音、1/6音作曲，并于1924年在布拉格音乐学院创建微分音音乐系，形成了捷克微分音学派，他本人也成为20世纪微分音音乐的代表人物，代表作品是《第三弦乐四重奏》（1922）、歌剧《母亲》（1931）。另外常被提及在微分音音乐领域有突出成就的是美国作曲家帕奇(H.Partch,1901-1974)，他的代表作品是《复仇女神的迷惘》。
      • 二、噪音音乐
        • （一）概念：噪音音乐（music of noise）是由振动无规律的噪音构成的音乐。1913年后，噪音音乐开始流行，1918年消失而被其它音乐流派取代。 噪音音乐也被称为未来主义音乐。未来主义（futurism）一词是1909年由意大利作家马里奈蒂提出的，他认为工业技术的新时代必须发展一种与之相适应的全新艺术观念。后来意大利作曲家普拉泰拉(F.Pratella,1880-1955)在他的文章《未来的音乐》（Muisca Futurista）（1912）中提出用音乐模仿机器、汽车、飞机、战争等发出的声音，这种观念随即在创作中得以实现。而画家卢梭洛(L.Russolo,1885-1947)在1913年的《噪音的艺术》一文中，宣称要更大胆地与一切传统音乐决裂。在巴黎，他发明了被称为“噪音发生器”的乐器，并把自然界的噪声分成六类，使它们成为音响材料的来源。他创作的《大城市的苏醒》、《汽车与飞机相遇》是最初噪音音乐的代表作，于1921年在巴黎演出，引起争议。 虽然这种音乐形式在一战后中断了发展，但它却影响了后来不少作曲家的创作观念，法国作曲家瓦雷兹就是其中的代表。
        • （二）瓦雷兹
          • 1、人物简介 法裔美国作曲家，先锋派代表，被誉为“电子音乐之父”。
          • 2、代表作品
            • 管乐与打击乐：《超棱镜》、《积分》，十三件乐器的《电离》
            • 长笛独奏：《密度21.5》
            • 电子音乐：《沙漠》、《电子音诗》
          • 3、艺术成就
            • （1）他是第二次世界大战以来在创新观念上对西方音乐影响最大的音乐家之一。受未来主义的影响，把音乐的“乐音”概念扩大到自然界的所有“声音”范畴，超出了巴赫以来所运用的十二平均律，也超越了勋伯格十二音列作曲技法，更重要的是突破了传统乐器的演奏范围。他的作品中，音乐构思的起点不是和声、旋律和曲式，而是“音”，从而拓宽了音乐艺术的表现手法，为后人的探索开辟了道路。
            • （2）他借助新出现的电子设备，创作了《电子音诗》等电子音乐作品，使用噪音和电子手段，把音色、音响提到首位，这种对音响效果的独特尝试对战后的音乐风格具有重要影响，他的作品也成为电子音乐发展的一个里程碑。
      • 三、英国音乐家
        • （一）戴留斯
          • 1、人物简介 英国作曲家。莱比锡音乐学院学习，与格里格相识。
          • 2、代表作品
            • 歌剧《乡村罗密欧与朱丽叶》
            • 合唱《海的漂流》、《告别之歌》、《生之弥撒》
            • 管弦乐《英国狂想曲》、《孟春初闻杜鹃啼》、《河上夏夜》
            • 交响诗《夏日庭院》
          • 3、艺术成就
            • （1）他的创作受法国音乐影响，具有晚期浪漫主义和印象主义风格，与德彪西的音乐有相似之处，作品多描述自然景色，抒发对大自然的感受。
            • （2）音乐中常用全音音阶以及效果紧张的变化、平行的和声进行，配器色彩纯净透明，音响丰满，音乐情绪热情洋溢。如歌剧《乡村罗密欧与朱丽叶》的间奏曲《走向天堂乐园》就是其中一首精美的作品。
        • （二）蒂皮特
          • 1、人物简介 20世纪30-60年代后活跃在英国乐坛上的重要作曲家。 他的作品所反映出的思想深度、音乐构成之复杂性以及艺术价值却是难以超越的。
          • 2、代表作品
            • 器乐：四部《交响曲》、《乐队的协奏曲》、钢琴与乐队《亨德尔主题变奏曲》、《第三钢琴奏鸣曲》
            • 清唱剧：《我们时代的孩子》
            • 歌剧：《仲夏的婚礼》、《普里阿摩斯国王》、《烦恼园》、《坚冰消融》
          • 3、艺术成就
            • （1）他的创作风格兼具保守和创新，既传承了传统的精华，又适度地发展了现代技术。他在乐队作品中巧妙地结合了英国文艺复兴时期以来牧歌等音乐元素，以及新时代作品结构、音高、节奏、织体、配器等灵活、复杂多变的创作手法。同时，我们在他的作品中还可发现瓦格纳无终旋律式音乐连续发展的强大伸展性和不竭动力。
            • (2)四部《交响曲》在20世纪音乐文献中具有非常重要的地位。在曲式结构方面，前两部交响曲保持了常规四乐章的架构，第三部《交响曲》则把古典模式转化为由两部分组成的结构框架，第四部《交响曲》为单乐章交响诗的形式。他的交响曲作品，旋律具有抒情性；调式、调性具有多调式叠置、双调性、多调性、泛调性等多变特征；在节奏、节拍方面.他以多种手法打破了固有的匀称性与律动性.节奏分组变化多样，节拍不稳定；在和声方面.复杂和弦结构与非功能性和声进行相结合；在复调写作方面，他采用双调性与多调性复调、复风格复调等多种写作类型，构思巧妙；配器手法体现出点描等风格。
            • (3)蒂皮特被誉为重要的歌剧作曲家，他亲自创作脚本和音乐，题材跨度较大，涉及莎士比亚戏剧内容，古代神话、史诗以及当代生活。音乐结构从遵循19世纪连续性模式发展为片段式，以简洁的音乐语言解放繁重的音响织体构成。秉持着对传统的尊重，蒂皮特渐渐走出传统，为形成具有时代性的新的英国音乐传统而寻求突破，如以拼贴手法在作品中植入古典作品和流行音乐等。
        • （三）布里顿
          • 1、人物简介 英国钢琴家、作曲家、指挥家，是20世纪20年代后活跃在英国乐坛上的重要作曲家，“英国的莫扎特”。
          • 2、代表作品
            • （1）器乐作品：《小交响曲》、《简易交响曲》、《青少年管弦乐队指南》、《布里奇主题变奏曲》，《大提琴奏鸣曲》、《大提琴组曲》
            • （2）声乐作品：歌剧《彼得·格莱姆斯》，室内歌剧《卢克莱修的受辱记》、《旋转的螺丝》，宗教寓言剧《浪子》，合唱《春天大合唱》、《战争安魂曲》等
          • 3、艺术成就
            • （1）他在歌剧与声乐套曲方面做出了重要贡献。他的音乐严格遵循19世纪艺术风格，调性明确，民族风格浓郁，富有生活气息。在他的创作中占有重要地位的歌剧《彼得·格莱姆斯》即是该风格的杰作。
            • （2）他对传统及当代作曲手法运用自如，作品既专业又通俗，体现了兼收并蓄的风格。他善于寻找恰如其分、简单易记的旋律，是少有的几位能贴近听众想象力，唤起听众热情的作曲家之一。
            • （3）他既为专业表演艺术家创作了许多重要作品，也为业余爱好者和青少年创作，如为著名大提琴家罗斯特罗波维奇创作的《大提琴奏鸣曲》，为业余爱好者而作的著名的《青少年管弦乐队指南》等。
      • 四、美国音乐家
        • （一）格罗菲
          • 1、人物简介 美国作曲家、指挥家。他因在1924年为格什温的《蓝色狂想曲》配器而一举成名。
          • 2、代表作品
            • 器乐作品：《百老汇之夜》、《大峡谷组曲》、《密西西比组曲》、《大都会》、《好莱坞组曲》
            • 电影音乐：《游唱歌手》
          • 3、艺术成就
            • 他的音乐色彩鲜明，旋律生动热情，配器巧妙新颖，与格什文一样将爵士乐语汇融入到传统音乐中，强调了音乐中特有的美国气质。管弦乐作品《大峡谷组曲》奠定了他在音乐史上的重要地位。
        • （二）辟斯顿
          • 1、人物简介 美国作曲家、理论家、音乐教育家。
          • 2、代表作品：8部交响曲、4部协奏曲和大量室内乐，而最著名、最流行的作品则是他的芭蕾音乐《神奇的长笛手》。
          • 3、艺术成就
            • （1）作为哈佛大学的教授，在音乐理论方面取得了令人瞩目的成就，著有《和声分析原理》、《和声学》、《对位法》和《配器法》等，这些著作具有广泛影响，为美国乃至世界音乐教育做出了重要贡献。
            • （2）他的音乐表现出对新古典主义风格的偏爱，他避免作标题音乐，20世纪30-40年代时追求不协和音响和强烈的节奏效果，40年代后温情柔和的色调又注入到他的音乐中。
        • （三）卡特
          • 1、人物简介 美国作曲家。他的作品不多，但却进行了许多探索，走出了一条新颖独特的创作道路，成为20世纪美国音乐生活中最具个性、最引人注目的人物之一。
          • 2、代表作品
            • 管弦乐：《乐队变奏曲》、《羽管键琴和钢琴二重协奏曲》、《钢琴协奏曲》，四首《弦乐四重奏》，女高音和九件乐器的《镜上影长留》
            • 舞剧：《波卡洪塔斯》、《米诺陶》。
          • 3、艺术成就
            • （1）他创用了“韵律变换”（metric modulation）手法，即音乐中新的速度由前一速度内部的某一交叉节奏演化而来，能明显感觉到两种速度同时并存。他的《大提琴奏鸣曲》（1948）就是这种手法的蓝本。
            • （2）他的音乐严谨，在高度理性中透出咄咄逼人的光彩，是20世纪美国音乐的楷模。他的4首弦乐四重奏被认为是巴托克以来最重要的四重奏作品，《羽管键琴和钢琴二重协奏曲》也被视为是美国同类作品中第一首真正的杰作。
            • （3）音乐特征表现在：复合节奏，器乐个性化（运用特殊演奏方法赋予不同乐器戏剧性对比的手法），以及与十二音出现之前的无调性方法相似的创作技法（用一些可以产生结构、线型、式样及音型的音调材料的音群进行创作）等。
        • （四）巴伯
          • 1、人物简介 美国作曲家。《为弦乐而作的柔板》是他既尊重传统又具独创精神的杰作。40年代以后，其个别作品开始采用十二音技法等现代作曲手法，但结构仍倾向于传统曲式。
          • 2、代表作品
            • （1）歌剧及其他声乐作品：歌剧《瓦内莎》，女高音与室内乐《诺克斯韦尔：1915年之夏》，爱尔兰歌曲集《隐士之歌》
            • （2）管弦乐：《为弦乐而作的柔板》、《小提琴协奏曲》、《随笔》两首、《摩羯星座协奏曲》、《大提琴协奏曲》
        • （五）W.舒曼
          • 1、人物简介 美国作曲家。
          • 2、代表作品
            • 管弦乐：《第三交响曲》、《弦乐交响曲》、《美国节日序曲》、《钢琴协奏曲》、《小提琴协奏曲》、大提琴与乐队幻想曲《奥菲欧之歌》、《新西兰三联画》
            • 清唱剧《自由之歌》
            • 歌剧《强大的凯西》
          • 3、艺术成就
            • （1）W.舒曼在交响曲方面对美国音乐做出了重要贡献，探索和发展了具有美国风格特点的音乐。
            • （2）他在创作原则和技法上与欧洲传统保持着密切的联系，较倾向于新浪漫主义。他的音乐热情洋溢、生机勃勃，旋律波澜起伏，节奏活泼敏捷，爱用固定音型及复合和声。这些因素在他的作品《美国节日序曲》和《弦乐交响曲》中得到了很好的体现。
      • 五、俄罗斯音乐家
        • （一）普罗科菲耶夫
          • 1、人物简介 俄罗斯作曲家、钢琴家。斯克里亚宾和斯特拉文斯基的音乐深深影响了他的创作，与贾吉列夫相识后，他便投身于俄罗斯芭蕾舞剧音乐的创作。1923年开始在巴黎生活，该时期的创作使他获得了国际声誉。
          • 2、代表作品
            • （1）歌剧：《战争与和平》、《火天使》、《三橘爱》
            • （2）舞剧：《罗密欧与朱丽叶》、《灰姑娘》、《丑角的故事》
            • （3）交响乐：《第一交响曲“古典”》、《第五交响曲》
            • （4）协奏曲：五部《钢琴协奏曲》、两部《小提琴协奏曲》一部《大提琴协奏曲》
            • （5）朗诵与乐队音乐童话：《彼得与狼》
            • （6）康塔塔：《亚历山大·涅夫斯基》，20世纪最出色的康塔塔之一。
          • 3、艺术成就
            • （1）从作品上看，他的歌剧《战争与和平》在20世纪为数不多的新剧目中占有重要的位置；舞剧《罗密欧与朱丽叶》是继柴科夫斯基之后最重要的一部舞剧音乐作品；《彼得与狼》对管弦乐原理的初学者具有指导作用，是西方音乐史上流传最广的一部音乐童话作品；康塔塔《亚历山大·涅夫斯基》是20世纪最出色的康塔塔之一；此外他的交响曲、协奏曲在20世纪音乐中都具有非凡的影响力。
            • （2）从音乐总体特征上看，他的音乐既有古典、创新、抒情和诙谐的特点，又强调民族性，是用20世纪音乐风格阐释19世纪民族主义音乐的典范。
            • （3）从音乐旋律风格上看，强调抒情性是最显著的特点，他的作品折射出作曲家粗犷冷峻的个性，旋律力求被广大听众所接受，晚年的作品尤为深情动人，如《第五交响曲》等。
        • （二）肖斯塔科维奇（D. Shostakovich）
          • 1、人物简介 俄罗斯作曲家、钢琴家、教育家。15部交响乐和15部弦乐四重奏正是他直面人生的写照和心灵的独白，这些作品也使他无可争议地成为20世纪最伟大的音乐家。
          • 2、代表作品
            • （1）交响乐：15部交响曲之《第二交响曲“十月”》、《第三交响曲“五一劳动节”》、《第五交响曲“革命”》、《第七交响曲“列宁格勒”》、《第十一交响曲“1905”》、《第十二交响曲“1917”》
            • （2）室内乐：15部《弦乐四重奏》
            • （3）歌剧：《鼻子》、《姆钦斯克县的马克白夫人》
            • （4）舞剧：《黄金时代》、《清澈的小溪》
            • （5）协奏曲：钢琴、小提琴、大提琴各两部
            • （6）电影配乐：《攻克柏林》
            • （7）清唱剧：《森林之歌》
            • （8）康塔塔：《阳光照耀祖国大地》
            • （9）钢琴作品：《24首钢琴前奏曲与赋格》、《24首前奏曲》
          • 3、艺术成就
            • （1）他是20世纪最伟大的交响曲作曲家，15部交响曲贯穿整个艺术生涯，也是他对社会政治变迁以及所受到政治影响的回应，如《第五交响曲“革命”》、《第七交响曲“列宁格勒”》、《第十一交响曲“1905”》等。
            • （2）他的15部《弦乐四重奏》和《24首钢琴前奏曲与赋格》是20世纪不可多得的珍品，是古典与现代、个人与社会相结合，独树一帜的音乐。以《bE小调第十五弦乐四重奏》为代表的晚期作品尤为匠心独运，居于贝多芬以来最优秀的四重奏作品之列，是新古典主义风韵的结晶；《24首钢琴前奏曲与赋格》则是自巴赫以来钢琴复调音乐的典范。
            • （3）在创作特征上，他的音乐常以音域宽广、旋律高亢、节奏坚定以及严密的逻辑布局和大型的体裁为特征。经常使用独奏乐器的最高或最低音区，晚期作品更多地使用无调性和调性音乐的并置。
            • （4）在音乐风格上，他的音乐凸现个性风格，很难归属于20世纪的任何一个流派。他的个人风格是在多种因素的影响下形成的：音乐中英勇无畏的个性来自贝多芬，美好崇高的形象来自巴赫，激越澎湃的情感来自柴科夫斯基，怪诞讽刺及悲剧性特征源于马勒，民族主义与穆索尔斯基相关联，而现代技法则受到20世纪新音乐的影响。
    • 小结
      • 1.在时间上，20世纪上半叶的音乐处在一个与19世纪有着根深蒂固的联系又对新音乐产生和发展做出贡献的阶段。
      • 2.在区域上，对音乐做出适时的革新的地区主要集中在中欧国家，如法国和德国等，影响着整个欧洲腹地。
      • 3.在技术上，作曲家对功能和调式进行了扩展与突破。
      • 4.在美学上，音乐家既想回归某种传统音乐但又致力于拓宽思维、打破旧观念，追求新的色彩。
  • 20世纪音乐（二）
    • 第一节 20世纪五六十年代的音乐
      • 一、序列音乐：序列音乐（serialism music）也称序列主义音乐，是作曲方法上按照固定顺序对乐音进行安排的一种音乐。第一首真正的序列音乐作品，一般认为是梅西昂于1949年创作的钢琴曲《时值和力度的模式》。
        • （一）形成与发展： 序列音乐是十二音音乐进一步发展的结果。20世纪20年代以勋伯格的作品为代表的十二音音乐，将半音关系的十二音任意排列成序，以其原型及三种变形——逆行、倒影、逆行倒影进行创作，在这十二个音未全部出现之前，不重复其中任何一音。这是序列音乐的早期形式，它的序列手法仅表现在音高上。 20世纪50年代出现的序列音乐不仅在音高上采用序列手法，而且把表现音乐的节奏、力度、音色等方面也都按序列编排，然后这些序列以变化形式在作品中重复。因此，序列音乐也称为“整体序列音乐”(total serialism)。 代表人物及作品：梅西安和他的钢琴曲《时值和力度的模式》、钢琴与管弦乐曲《异国鸟》，布列兹和他为女低音与小乐队创作的《无主之锤》等。
        • （二）梅西安
          • 1、人物简介 法国作曲家、管风琴家。他的音乐主要涉及三个方面，即宗教、爱情和自然。音乐中贯穿着宗教神秘色彩，富有个性且极具表现力。
          • 2、代表作品
            • 钢琴与管弦乐：《图伦迦利拉交响曲》、《异国鸟》
            • 钢琴曲：《群鸟录》、《时值与力度的模式》
            • 木管、铜管与打击乐：《我信肉身之复活》
            • 合唱和乐队：《我主基督之变形》
            • 管风琴套曲：《基督诞生》
          • 3、艺术成就
            • （1）他在序列音乐方面取得了重要成就。他于1949年创作的钢琴曲《时值和力度的模式》，将音高、时值、力度、音色作为参数，是第一首真正的序列音乐作品，奠定了序列音乐发展的理论基础。1953年起，他又以鸟鸣为元素创作了钢琴与管弦乐《异国鸟》，形成了独树一帜的音乐风格。
            • （2）作为“二战”后在音乐领域中起到承前启后作用的音乐家，他综合了各种音乐素材——鸟语、印度音乐、格里高利圣咏、东方打击乐器、弗朗克的和声、十二音体系，以及不受小节重音规律约束的自由拍子等，以独特的方式运用这些元素，创作出最具个性、最具影响力的作品，它们是他信仰天主教、赞美人性和热爱大自然的结晶。
        • （三）布列兹
          • 1、人物简介 法国作曲家、指挥家、钢琴家，是整体序列音乐最重要的代表人物之一。用现代手法指挥瓦格纳《尼伯龙根的指环》 引起巨大轰动。从20世纪50年代开始，他通过指挥、作曲和教学宣传现代音乐，并成为现代先锋派音乐的代表。
          • 2、代表作品
            • 为人声及室内乐重奏而作：《无主之锤》、六首《弦乐四重奏》
            • 女高音和乐队：《重重皱褶——马拉美肖像》
            • 为两架钢琴而作：《结构I》、《结构II》
          • 3、艺术成就
            • （1）他对20世纪的序列音乐做出了重大贡献。他的创作以韦伯恩后期风格为基础，吸收了梅西安、德彪西音乐中的节奏和音色、以及斯特拉文斯基和勋伯格早期作品中的表现主义特征，结合周密的数理构思和自由、奔放的感情表达，形成自身独特的创作风格。
            • （2）他最著名的作品《无主的锤子》是一首为女低音和六件乐器而作的整体序列音乐作品，也是序列音乐的经典之作。音乐动静结合，音响奇特，旋律线条突兀，节奏零散，织体层次感较强，既具有韦伯恩后期的风格特征，又带有东方音乐的特点。
      • 二、偶然音乐(chance music)：又称为机遇音乐(aleatory music)，是20世纪50年代之后兴起的音乐创作类型、流派。
        • （一）风格特征： 偶然音乐追求音乐的不固定性，即兴表现音乐内容，获得偶然的音响效果。它允许演奏者在演奏过程中作个性发挥，作品中有乐音，也可以有噪音，如咕噜声、金属声、敲木头块声、击打琴弦声与琴体声等，以寻求偶然的音响效果。 这种音乐与严格控制的序列音乐相反，是作曲家把偶然的、不确定的以及事先未设计好的因素带入音乐创作和表演中，让演奏家在表演时即兴参与创作。但是这种特有的即兴演奏与创作方式与古典音乐中协奏曲的即兴片断和爵士乐的即兴性质不同，偶然音乐的音乐材料、音源是生活中的一切声音。 偶然音乐的创始者是美国的凯奇，美国作曲家费尔德曼、布朗和沃尔夫等也追随凯奇的偶然音乐思想，他们致力于创造不同于以往任何风格的音乐，被称为“纽约乐派”(New York School)。
        • （二）凯奇
          • 1、人物简介 美国作曲家、钢琴家。他是个孜孜不倦的试验家和不遵守音乐规律的人，从印度音乐、禅宗哲学以及中国《易经》中吸取养分，对偶然音乐、电子音乐和无声音乐进行了探索。
          • 2、代表作品
            • 钢琴音乐《冬天的音乐》（1至20名演奏者）
            • 机遇音乐《变化音乐》
            • 无声音乐《4分33秒》、《0’00”》
          • 3、艺术成就
            • （1）他倡导偶然音乐，创作了《4分33秒》、《0’00”》等著名作品。在限定时间、寂静无声的演出过程中，来自观众的任何一种声音都成为音乐的一部分。这种特殊的方式演绎音乐，反映了他的艺术理念：生活就是音乐，音乐就是生活。
            • （2）他的音乐改变了演奏者的作用。在传统音乐中，演奏者精确地演绎作曲家的作品；而在偶然音乐中，演奏家在演出时还可参与创作，担负起作曲家的工作。
      • 三、电子音乐 电子音乐（electronic music）是指用电子手段创作的音乐，与采用共鸣体自然发声的声音进行创作的传统音乐相区别。 电子音乐并非指那些由电声乐器演奏的音乐，而是特指不仅在演奏上，而且在作曲上也通过电子手段而产生的音乐，是演奏与作曲合为一体的音乐形式。
        • （一）形成与发展 电子音乐是20世纪50年代产生的一个新音乐品种，是音乐艺术与现代电子技术相结合的产物，它意味着音乐中音响音源的一次真正的革命。其发展可分为三个阶段：
          • （1）录音带音乐与具体音乐时期 早期的电子音乐经历了录音带制作时期。1948年，法国音响工程师谢菲尔(Pierre Schaeffer,1910-)与作曲家亨利(Pierre Henry ，1927-)在法国国家广播电台首创了电子音乐实验室，他们利用录音器械将自然界和日常生活中的声音(风雨声、车轮声、人声、动物的吼叫声，也包括传统乐器的声音等)收录下来，经过处理使之变形，如变化速度(声音变高变低)，录音带打圈子(声音无限循环)，反转(发声方式倒行)，分切、拼接和延迟(产生回声)等，复合成一首独立的作品。第一首电子音乐作品是谢菲尔于1948年用车轮、喷气、汽笛等声音制作的《铁路练习曲》。由于这种音乐选用的是自然界和生活中的具体声源，所以也有人把它称为具体音乐（musique concrète）。 1951年，德国音乐家艾默特(Hebert Eimert，1897—1972)在科隆广播电台建立了电子音乐工作室，他虽然也利用录音带制作电子音乐，但采用的声源不是自然界和生活中的具体声音，而是由电子设备模拟的各种声响，力图创造一种更为“纯粹”的电子音乐，通过人们的理性想象经过电子设备构建的声音。如将宇宙太空中的声响，对人声、风声的模拟，复合成一首音乐作品。这是在德国形成的早期电子音乐风格，这种德国式的电子音乐风格后来得到德国电子音乐家斯托克豪森(1928-)的发展，通过他的作品《青年之歌》，使法国的具体音乐和德国的电子音乐于60年代左右逐渐走到了一起，成为一种合二为一的电子音乐。随着电子合成器和电子计算机的发展，一切声源都成了音乐的基本材料，在音高、音量、音色、混响等制作调控方面，人们可以随心所欲，不受传统技法的约束，不采用传统记谱形式(有的只作仪器操作的说明或图形表示)，取消了传统音乐的演奏方式，作曲家可以把在实验室里完成的作品，通过操作仪器，在音乐厅里播放出来。这种音乐超越了人声、乐器的声音极限，是科技时代音响的结晶，它创造出了人们过去无法想象的音乐效果。在这方面最有影响的代表人物和作品是斯托克豪森和他的作品为童声女高音和电子音响而作的《青年之歌》，以及意大利贝里奥和他的作品《面容》等。
          • （2）电子合成器音乐时期 电子合成器（synthesizer）是制作电子音乐的一个小型独立的电平控制系统，它于1964年在美国无线电广播公司问世。电子合成器集产生声音、处理声音和控制声音三部分于一体，简化了电子音乐的制作程序和操作方式，可作现场演奏。到70年代，电子合成器已经成为包括流行音乐在内的现代音乐中广泛使用的常规乐器。 电子合成器的代表作品是美国的萨博特尼克(Morton Subotnick，1933-）于1967年创作的《月亮中的银苹果》等。
          • （3）电子计算机音乐时期 电子计算机音乐（computer music）出现在本世纪60年代，它是指利用计算机制作音响材料、在特定的程序中进行作曲而产生的电子音乐作品，它对电子音乐的发展产生了重大影响。作曲家利用计算机的模拟数字转换功能，对从外界采录的、由电子振荡器发生的或直接用数字手段合成的声音进行更加复杂的处理，还能对各种音乐参数（音色、速度和节奏等）进行严密的控制，整个创作过程不受乐器和演奏员的限制，更加便捷。代表作曲家和作品是法国的里塞（Jean Claude Risset,1938- ）和他的《突变1》（Mutations 1,1969）等。
        • （二）施托克豪森
          • 1、人物简介 德国作曲家、音乐理论家。曾协助艾默特在科隆广播电台的电子实验室工作，主持德国达姆斯塔特现代音乐讲习班，促进了二战后由勋伯格、韦伯恩和贝尔格开创的德奥现代音乐的发展，是现代音乐的积极宣扬者。
          • 2、代表作品
            • （1）电子音乐：《麦克风I》、《麦克风II》、《天狼星》、《青年之歌》。
            • （2）管弦乐：《群》。
            • （3）重奏：十件乐器演奏的《对位》，木管五重奏《速度》。
            • （4）打击乐独奏:《周期》。
          • 3、艺术成就
            • （1）主持德国达姆斯塔特现代音乐讲习班，为电子音乐事业的发展起到了重要作用。电子音乐作品《麦克风I》和《麦克风II》，以及用少年朗诵《圣经》的声音创作的电子音乐《青年之歌》等，使他成为最重要的电子音乐作曲家。
            • （2）管弦乐作品《群》是一部为三个乐队与三个指挥而写的传统器乐曲，在内容和形式上拓宽了音乐的表现空间，成为20世纪管弦乐领域里程碑式的作品。
            • （3）作为一位勇于探索与创新的作曲家，他是追求绝对自由和神秘主义音乐的典范。他用不同手法和理念创作每一部作品，不确定因素成为他音乐作品的另一重要特征。打击乐独奏作品《周期》允许演奏者从任何一页开始，再返回开始处，每次演出都不同；《金屑》中没有任何事先明确决定的因素，作曲家只对演奏者作一些提示，要求他们独居、沉默、挨饿四天后再演奏；《瞬间》追求声音表现的多样形式；《遥感音乐》融合了不同文化属性的音乐，把各国的音乐元素组合在一首作品中而成为带有地球特色的音乐。
      • 四、新音色音乐 1945年后，音乐创作中出现了一种转向寻找新音色的现象，它与当时的序列音乐相对，但未形成统一的流派。当时的序列音乐和偶然音乐一起，彻底颠覆了传统音乐中旋律、和声、结构等因素的地位，使音乐的音响构成成为作曲家关注的焦点，在20世纪末“音簇”手法出现之前，他们已经在横向和纵向的组合上对作品的音色进行了不同程度的拓展。这种把静止的、具有粗糙的打击乐效果的“音簇”，及其流动状态中形成的“音块”(sound block)、“音带”(sound band)或“音团”(sound mass）作为基本材料的音乐称为“唯音音乐”(Sound Music)、“音响音乐”(Sonic Music)、“构造音乐”(Textural Music)或“音色音乐”(Timbre Music)。它主要运用音响材料的各种不同结集状态如点、线、面、场以及声学特征上的变化、对比为主体而进行创作，由传统乐器演奏，通过新的演奏方法开拓新的音响资源，与电子音乐（不限于寻找新音色）分别成为新音色探索的两条不同道路。 为新音色的产生做出重要贡献的代表作曲家及作品：彭德雷茨基的《广岛受难者的哀歌》、利盖蒂(Goyrgy Ligetti, 1923-)的《气氛》。
        • （一）彭德雷茨基
          • 1、人物简介 波兰作曲家，第二次世界大战后波兰最重要的作曲家。
          • 2、代表作品
            • （1）歌剧：《路登的魔鬼》、《失乐园》
            • （2）管弦乐：《广岛受难者的哀歌》、小提琴与乐队《随想曲》
            • （3）无伴奏合唱：《路加受难曲》
            • （4）为独唱、合唱和管弦乐队而作：《感恩赞》
          • 3、艺术成就
            • (1) 《广岛受难者的哀歌》是音色音乐的典范，通过在传统乐器上使用特殊的演奏方法，如最高极限音、在琴马后的弦上演奏琶音、用弓根或指尖敲击小提琴的面板、在琴马上演奏等，构成一种新型的音乐语言。
            • （2）他是最早使用敲击声、锯木声、打字机声、尖叫声等音响进行实验的先锋派作曲家之一，很多现代作曲技术如堆砌音符的音块、不明确的音高、乐器或人声音区两极化的音响、各种不同色彩的巨大音库的使用，在作品中实现不协和音效和传统美学欣赏理念的统一。
            • （3）他把音响上的探索和作品的内容表现结合起来，常赋予作品一定的戏剧性结构。
        • （二）利盖蒂
          • 1、人物简介 原籍匈牙利，巴托克之后匈牙利最伟大的作曲家，后入籍奥地利。
          • 2、代表作品
            • 管弦乐：《大气》、《旋律》、《远方》
            • 钢琴：《钢琴练习曲》
            • 声乐：为三名歌手和七名器乐演奏者而作的《探险》、合唱《安魂曲》
          • 3、艺术成就
            • （1）1961年创作的管弦乐作品《大气》对音色音乐的创作产生重要影响。该作品发展了音块作曲手法，大量使用不同音量、浓度与音色的半音音响的组合，音响的构造精细、富有运动感，标志着新音乐在技术和美学上的转折点。
            • （2）他的两套《钢琴练习曲》创造性地为练习新的“音响技术”而作，以新音乐中的节奏语言及其复杂律动为主要对象，建立在“可解释的”调性和“被扩大的”调性基础上；每一首练习曲都有标题，且具有高度专业化的演奏课题和良好的可听性效果，其写作技巧、演奏技巧、标题内容都有机地结合在一起。
            • （3）他的音乐创作形成了以密集音程、声部细分、微型复调为特点的“利盖蒂主义”。他尝试用微分音来使音高层次变化和色彩的明暗更精细，织体变得清澈透明。
        • （三）诺诺
          • 1、人物简介 意大利作曲家。
          • 2、代表作品
            • 歌剧：《难以忍受的1960年》
            • 朗诵、独唱和乐队：《加西亚·洛尔卡墓志铭》
            • 为独唱、合唱和乐队而作：《被打断的歌》
            • 室内重奏曲：《会战》
            • 女高音、男高音和乐队：《生与爱之歌：站在广岛的桥上》
          • 3、艺术成就
            • （1）诺诺早期追随韦伯恩，后又受共产主义的影响，作品为相关的政治和社会题材所支配。音乐既有“抗议”因素，表现为大量使用打击乐器及事先录制的音带，如《在森林的欢快生活》，又有典型的意大利抒情风格，如《生与爱之歌：站在广岛的桥上》。
            • （2）诺诺的音乐语言几乎涉及60、70年代各个不同流派，如序列音乐、电子音乐、偶然音乐、新音色、点描、音块、微分音、噪音音乐等20世纪新音乐创作手法。他最著名的作品是1956年在科隆首演，揭露纳粹罪恶,为独唱、合唱和乐队而作的《被打断的歌》。
        • （四）克拉姆
          • 1、人物简介 美国作曲家。
          • 2、代表作品
            • （1）“夜乐”系列、“回声”系列、“牧歌”系列。
            • （2）《死亡的歌曲、持续低音和副歌》、《鲸鱼之歌》、《远古童声》。
            • （3）扩声钢琴作品《大宇宙》（系列）等。
          • 3、艺术贡献
            • （1）克拉姆是美国新音乐在音色和音乐神秘主义两方面的主要代表，是先驱者艾夫斯的全面继承者。他一生创作的突出贡献在于对新音色和音响的不断探索，并取得举世公认的成功。
            • （2）他十分注重音乐的外部形式，如体裁、演出、结构、记谱法等。其绝大多数作品属于“新室内乐”和“新人声主义”特征，强调个体的“音色特质”和各声部间的“音色分离”；在记谱法上，创造性地使用十字性、单圆形等“造型性”的新谱式；曲式结构上，常见多乐章或多段落的组合形式，整体结构拱形对称。作品中音高语言简练、经济而集中，节奏语言具有“反律动”、“半偶然”的新音乐风格。
        • （五）亨策
          • 1、人物简介 德国作曲家。
          • 2、代表作品
            • （1）歌剧：《牡鹿王》、《洪堡王子》、《情侣悲歌》。
            • （2）交响乐：9部交响曲。
            • （3）管弦乐：《马拉托纳之舞》。
            • （4）清唱剧：《快速护航舰“迈杜萨”号的救生筏》。
            • （5）芭蕾舞剧：《丑角》、《迷宫》、《白痴》。
          • 3、艺术成就
            • （1）他在歌剧音乐的创作上成绩卓著，共写了14部歌剧，是理查·施特劳斯之后最伟大的德国歌剧作曲家，堪与英国的布里顿媲美。
            • （2）亨策的作品风格多样，有时在一个作品中结合运用19世纪欧洲传统调性手法和无调性、多调性手法。早期作品创作的主要特征是抒情而富有音色美，具有丰富而细腻的声音色彩和娴熟的合唱写作技巧。60年代起，他的许多作品开始宣传“世界革命”，表现出强烈的政治倾向，具有公开的宣传性。采用更多的现代手法，如非歌唱的新人声表现手法、念唱音调、非传统乐器编配等，音乐风格变得刚毅、粗涩，缺少悦耳的抒情性。
    • 第二节 20世纪70年代以后的音乐
      • 一、简约音乐
        • （一）概念 简约音乐(minimal music) 出现在60年代后期的美国，后来发展到欧洲。这一流派的作曲家用最简单的材料和手段来构造作品，是抛弃西方传统音乐和现代音乐发展过程中一切繁复厚重的作曲技术的产物。作品在调性音乐基础上作大量的重复，通常自始至终保持同一节奏型，在有限范围内做微小的变化，使音乐的运动和发展降到最低限度。在这平淡沉闷的音乐表象背后，隐藏着极为激进的音乐理念。
        • （二）代表人物和作品
          • 赖利：《C音》
          • 施托克豪森：《心境》
          • 赖奇：《为18位音乐家而作的音乐》《小提琴相位》
          • 格拉斯：歌剧《爱因斯坦在海滩上》
        • （三）赖利
          • 1、人物简介 美国简约主义古典音乐作曲家、萨克斯管演奏家，他是简约主义的先驱者之一。《C音》被音乐史学家们誉为简约音乐的圣歌，使用了“模块重复”技法。
          • 2、代表作品
            • 简约作品：《弦乐四重奏》《弦乐三重奏》《C音》
            • 独立音带作品：《玛西卡林合成曲》
          • 3、艺术成就
            • （1）赖利对简约音乐的发展做出了重要的贡献。他在作品中使用“模块重复”技法，这是通过重复动机、乐句、音型进行创作的一种手法。他受序列音乐的创作技法影响，把素材进行分组，但序列音乐的分组为的是在不同的音高上避免音的重复使用，而简约音乐则是刻意将音置于“重复”的环境下，进行微小的变化。
            • （2）这种“模块重复”技术对后来的简约主义音乐代表作曲家赖奇的“相位”技术和格拉斯的“附加过程”技术有着重要的影响。
      • 二、拼贴音乐
        • （一）概念 20世纪70年代前后，拼贴被引入到音乐领域中。 拼贴（collage）一词来自视觉艺术，是指把不同的材料，如报纸、布块、牛皮纸等粘贴在一起，形成一件艺术品。在音乐作品中，拼贴音乐指的是把完全不同的作曲家、流派和风格等糅合在一起，使作品中引用材料的时空跨度和对比度等方面达到前所未有的程度，如将格里高利圣咏、巴赫的赋格和当代爵士音乐拼贴在一起。这种音乐通过解构和重组，对传统音乐进行新的诠释，产生新的意义。
        • （二）代表人物和作品
          • 克拉姆：《远古童声》
          • 施尼特凯：《第三弦乐四重奏》
          • 齐默尔曼：歌剧《士兵们》
        • （三）施尼特凯
          • 1、人物简介 犹太血统的俄罗斯作曲家、音乐理论家。
          • 2、代表作品
            • 交响曲：《第二交响曲》《第三交响曲》
            • 管弦乐：《最弱》《交响前奏曲》
            • 协奏曲：《钢琴协奏曲》《双钢琴协奏曲》《双簧管、竖琴和弦乐协奏曲》
            • 室内乐：《第一弦乐四重奏》《第三弦乐四重奏》
            • 舞台音乐：《培尔·金特》《与白痴一起生活》
          • 3、艺术成就
            • （1）他对拼贴音乐的发展做出了重要的贡献，被认为是后现代式拼贴音乐的代表作曲家，他的拼贴技术属于“复风格”（多种音乐风格的复合）。
            • （2）他的音乐经常采用极端尖锐的音响效果以表现现代人内心深处的精神冲突，许多作品感人至深。
      • 三、新浪漫主义
        • （一）概念 新浪漫主义（neo-romanticism）是在20世纪70年代起出现的一种流派，通常这种音乐有调性，但此时的调性并不等同于“共性写作”时期的和声、结构和调性，而是浪漫主义和现代主义的结合，用新颖的音乐语言对50、60年代盛行的过于理智和抽象音乐的序列音乐进行否定，音乐中开始强调情感的表现，以不同的程度来应用调性，注重浪漫主义风格。
        • （二）代表人物和作品
          • 贝里奥：《交响曲》
          • 克拉姆：《大宇宙》、《夏夜音乐》
          • 亨策：《雅各布之梦》
        • （三）贝里奥
          • 1、人物简介 意大利作曲家、指挥家、音乐教育家，20世纪下半叶很重要的先锋派作曲家。
          • 2、代表作品
            • 歌剧：《去吧！跳啊！》
            • 电子音乐：《变异》《前景》
            • 管弦乐：《诺内斯》《运动1》
      • 四、第三潮流音乐
        • 1、时间 第三潮流（third stream）音乐是20世纪50年代由美国作曲家舒勒倡导的一种音乐思潮。
        • 2、特征 这种音乐主张把西方现代音乐的手法和特点与各国的流行音乐相结合，引用流行音乐的某些音调或音乐语汇来发展现代音乐。第三潮流音乐最初主要是指西方现代音乐与爵士乐的结合，到20世纪70年代后又有所发展，延伸到西方现代音乐与各国流行音乐的融合。
        • 3、代表作品 加拿大塞蒙兹为爵士乐五重奏和交响乐队而作的《大协奏曲》、美国托恩的《六组小曲》等。
    • 第三节 20世纪歌剧 20世纪的歌剧呈现出新颖、自由的音乐表现形式。除了古典、浪漫主义时期在歌剧方面较有积累的德国、法国、意大利，美国、英国、匈牙利和东欧等国也有较好的作品出现。虽然在内容和表现形式上各行其道，但关注个体心理及个体与社会的关系，成为20世纪歌剧创作的一个倾向。对变态心理的描绘，对被压抑的本能欲望和梦境的热衷，对一些缺失英雄气质、含有畸形心理特征的艺术形象的塑造，成为20世纪歌剧的一个特点。20世纪的歌剧作曲家开始运用各种音乐手法，对潜意识领域进行探索，着力表现复杂丰富的人物性格和心理变化。无论在创作风格、题材还是手法上，都让人感到眼花缭乱。20世纪的歌剧艺术贯穿各个阶段，作品无时不在出新出奇，散发出夺目的光芒。
      • 一、印象主义歌剧 印象主义音乐是20世纪音乐流派的先行者，其代表人物德彪西和拉威尔都创作了不朽的歌剧作品。 德彪西的创作大多采用含蓄的乐汇表现人物、抒发感情，他沿袭了瓦格纳的风格，但又试图与瓦格纳不同，从而使他的歌剧更戏剧化，给人以无穷的想象和美感。他一生只写过一部歌剧《佩里亚斯与梅丽桑德》，这部歌剧没有咏叹调和合唱，剧中音乐集中在管弦乐上，和声始终贯穿着四度和弦、全音阶、不解决的不协和和弦等，体现了他创作成熟期的印象派手法。 拉威尔是同时期的另一位印象派大师，他的音乐追求明亮色彩和动力性节奏，并且善于运用管弦乐配器手法。另外，他的作品通常体裁短小，比如独幕音乐喜剧《西班牙时刻》《孩子与魔术》等，都是20世纪著名的小型歌剧。
      • 二、后浪漫主义歌剧 与法国印象主义相悖的德奥表现主义也在“一战”前悄然兴起，代表人物为勋伯格、贝尔格、韦伯恩。在此之前，后浪漫主义代表人物理查·施特劳斯对表现主义歌剧影响很大，他的歌剧强调主观感受，追求感官刺激，写作手法超前。 理查·施特劳斯一生作有15部歌剧，但音乐风格并不统一，有的具有明显的瓦格纳式痕迹，音乐尖锐，和声给人以杂乱无章的感觉，如《莎乐美》；有的则具有浪漫主义的因素，旋律具有美感，风格较为柔和，如《玫瑰骑士》。两种不同风格写作手法的碰撞，使这位歌剧大师的作品对后世作曲家产生重要影响。
      • 三、表现主义歌剧 表现主义歌剧的代表作曲家勋伯格和贝尔格，用其独特的十二音体系分别完成了歌剧《从今天到明天》和《沃采克》。 勋伯格的音乐创作经历了多种风格的变迁，从晚期浪漫主义出发，经过无调性音乐时期，最后过渡到十二音体系，歌剧(从今天到明天》就是在他最后一个创作时期写的。虽然贝尔格是勋伯格的学生，但从歌剧创作角度讲，贝尔格的《沃采克》(图10-15)和《露露》(未完成)更胜一筹。 《沃采克》和《露露》是贝尔格求新探索的产物，它的剧情彻底否定了英雄人物的存在，音乐结合古典结构和无调性技法，获得了新颖震撼的效果。贝尔格以大胆创新和勇于探索的精神、使他的歌剧成为20世纪最重要的歌剧。
      • 四、新古典主义歌剧 斯特拉文斯基的歌剧《浪子的历程》是新古典主义歌剧的开路先锋，虽然作曲家的创作最后走向了序列主义音乐，但他在创作这部歌剧时，正处在新古典主义晚期，不仅排斥浪漫主义时期宣泄情感的音乐，反对自由散漫的结构，而且也反对无调性、序列主义等流行技巧，因此，他用“复古”的手法创作了歌剧《浪子的历程》，留下了光辉的一页。
      • 五、民族主义歌剧 20世纪的民族主义音乐是19世纪民族主义音乐的延续，本质相同，但更有创新，歌剧艺术也如此。
        • 巴托克《蓝胡子公爵的城堡》：一部融入匈牙利民间音乐因素的歌剧作品，它刻画了一种神秘的气氛，反映了一种不为人知的内心世界的孤独，是一部隐含了深刻寓意的作品。
        • 普罗科菲耶夫《三橘爱》：四幕歌剧《三橘爱》，以旋律性的宣叙调为主，管弦乐以交响性的方式推动剧情发展，旋律优美，和声清晰。
        • 格什温《波吉与贝丝》：这部结合了“美国特色”爵士风格和西方古典音乐技法的作品，成为当代音乐剧的不朽佳作。同时，宏大的乐队、合唱队与代替对白的宣叙调等元素的存在，使这部歌剧独树一帜。是美国第一部歌剧。
        • 布里顿《彼得·格雷姆斯》：坚持调性原则，手法简练，乐队处理灵活，色彩丰富。歌剧不是对爱情的歌颂，而是作曲家与世俗不相容的自我写照。
        • 肖斯塔科维奇《姆钦斯克县的马克白夫人》：被认为是一部具有四乐章交响曲结构的悲剧，歌剧反映了人性的恶，但这种恶是人们在走投无路、无可奈何的情况下，对生活的抗争和对世界的回应。
    • 第四节 音乐剧 音乐剧是20世纪的重要文化现象，自产生以来，它在英、美等国获得了飞速的发展，产生了一系列作品，形成了以美国纽约百老汇和英国伦敦西区为代表的音乐剧生产中心。经历了百年发展，音乐剧已经成为活跃于20世纪世界艺术舞台上最重要的舞台音乐形式之一。 巨大的演出产业链、数以百万的观众，使得音乐剧在20世纪人们的文化及音乐生活中占据了重要地位，同时也对人们的欣赏习惯与审美趣味产生了重要影响。 当今，音乐剧名作《音乐之声》《猫》《剧院魅影》上演率很高。以英国“四大名剧”之一的《猫》为例，自1981年首演至今，已在世界数十个国家和地区巡演，是戏剧史上巡演时间最长的剧目。
      • 一、音乐剧的概念和发展概况
        • 1、概念 音乐剧(Musical) 是流行于19世纪末20世纪初的一种综合性艺术， 熔戏剧、音乐、歌舞于一炉，缀以说白，突出音乐的通俗性、舞蹈的流行性、舞美的现代性、题材的世俗性等大众艺术趣味。音乐剧起源于古典轻歌剧、喜歌剧，美国本土的乡村歌曲、黑人灵歌、爵士乐和流行歌舞，以及19世纪末英国的“音乐滑稽剧”和“音乐喜剧”。
        • 2、发展概况 在音乐剧的发展过程中，英国和美国互相学习、互相竞争，各领风骚。一般认为，音乐剧首先产生于英国。 1893年，《快乐姑娘》在伦敦快乐剧院上演，该剧以风趣幽默的表演，轻松愉悦的旋律，引起了极大的反响。这种表演形式使用了“音乐喜剧”(Musical Comedy) 这个称谓。至此，一种能供各阶层欣赏的、富于时代感的、能够满足市民娱乐需求的综合性艺术形式诞生了。它被认为是第一部虽称为“音乐喜剧”却具备音乐剧基本性质与特征的剧目。 19世纪末，第一部美国音乐剧《黑魔鬼》的出炉，对美国早期的音乐剧发展产生了不可低估的重要作用。尽管有人认为它是美国殖民文化的反映，但它却是美国音乐剧发展史上的一部标志性作品。 1927年上演的杰罗姆·科恩作品《演艺船》，被公认为美国音乐剧发展历史上“第一部成然的杰作”。其中的歌曲《老人河》《吻》《我为何要爱你》至今被人们广为传唱。 1935年，格什温借鉴欧洲歌剧表现手法，将黑人灵歌、蓝调和爵士乐素材加以提炼运用到音乐剧中，创作了《波吉与贝丝》，至今盛演不衰。 1943年后，罗杰斯与汉默斯坦合作的《俄克拉荷马》，开启了美国音乐剧历史的黄金时期。这一时期的其他代表作有《旋转木马》《国王和我》《窈窕淑女》《音乐之声》等。 20世纪50年代，伯恩斯坦是影响最广、对美国音乐剧发展做出最大贡献的一位作曲家。他把高度创造性的奇妙构思和古典音乐、爵士音乐语言融汇于音乐剧的创作之中。其代表作品有《西区故事》《奇妙的城镇》《老实人》等。 从60年代开始，美国音乐剧如日中天的发展局面开始逐渐减弱。从60年代到80年代，虽然美国又出现过一些好的音乐剧作品，如《第42街》《年度女郎》《我的唯一》《大河》等、但终究难续昔日辉煌。 20世纪30年代至60年代，英国虽出现了一些优秀音乐剧作品，但大都被美国音乐剧的辉煌所掩盖。1981年上演的由韦伯(Andrew Lloyd Webber， 1948一)创作的音乐剧《猫》开启了英国音乐剧的复兴之路。该剧累计上演达四万多场，取得了辉煌的成绩。此后，《悲惨世界》《剧院魅影》《西贡小姐》等名作的推出，使英国重新成为世界音乐剧的中心。
      • 二、音乐剧的特征
        • 1、音乐的通俗性 音乐剧的音乐，从声乐部分来看，唱段（歌曲）通常具有流行歌曲特征，呈现出大众性、通俗性、商业性特点；器乐部分以舞曲为主，没有歌剧式的整体性结构；其演唱方法引入了20世纪的流行歌曲唱法，强调“唱”与“演”并重，突出了时代性与流行性，具有娱乐性特点。
        • 2、舞蹈的流行性 舞蹈所特有的造型性使音乐剧的娱乐性、大众性特征非常突出。从音乐剧中舞蹈的创作和表演来看、舞蹈在戏刚发展中占有十分承要的地位；从创作和演出过程来看，音乐剧中歌、舞、剧密切联系在一起，而且表演方式动感、写真，强调视觉的冲击力；从舞蹈的种类来看、音乐剧中舞蹈的种类和因素纷繁多彩，具有现代流行性特征，令人目不暇接。
        • 3、舞美的现代性 音乐剧中广泛使用电声、电光、电动、复杂多用途装置等现代技术，并常用激光、投影、声效等手段制造一些虚幻、怪异的场景与气氛，其服装、化妆也都具有鲜明的时代特点和流行因素。音乐剧的舞美除了具有时空限定作用之外，还箭达到视觉冲击的效果，使观众在多方位、多角度、多手段的舞台美术的刺激下享受视听盛宴，体现了现代性和娱乐性。
        • 4.剧本的世俗性 音乐剧对戏剧故事发生背景的处理突出世俗性，迎合大众口味。从戏剧的表现方式和戏剧在剧中的地位来看，音乐剧的故事情节往往简练而富有视觉感召力。 歌剧从走出宫廷，走向民间的那一天起，它的欣赏对象就开始转变。而怎样吸引观众成为最关键的问题。随着时代的变迁和进步，人们的审美能力和价值观发生改变，使歌剧变革成为必然。 音乐剧的创作，总是从观众的角度来考虑，它追求的是票房，要满足观众的一切需要，因此通俗性就显得尤为重要。剧本应通俗易懂、由难化简：音乐应流行通俗、朗朗上口；舞蹈应娱乐炫目；舞美应写实和绚丽，这样才能吸引社会各个阶层的观众。每一部音乐剧的成功与否反映出观众的审美取向，就像是“晴雨表”.作曲家们根据观众的反应来调节和改革音乐剧的创作。实际上，大众个体的审美趣味受时代发展的“整体”所限制，同时，大众的审美趣味又影响着艺术品的生产与流通。 从这个意义来看，音乐剧出现流行性因素是其符合大众审美趣味、赢得发展空间的必然选择。
    • 小结
      • 1.20世纪下半叶的音乐虽体现出多元化但极具包容性，它与周围世界的关系比以往任何时期都更为密切。
      • 2.在区域上，随着20世纪全球化进程的加速，美国音乐也得到长足的发展并占据了重要乃至中心的地位。
      • 3.在技术上，作曲家不仅对和弦结构进行扩展(非三和弦，以欣德米特、勋伯格、梅西安为例)，而且冲破了音乐的最后防线一音高关系。
      • 4.20世纪下半叶出现了许多新的音乐类型，如流行音乐、民间音乐和爵士音乐等，新的音乐类型与现代音乐之间互相联系、互相影响。