专业一 艺术概论

这是一篇关于艺术概论的思维导图，主要内容有艺术发展论、艺术门类论、艺术创作论、艺术作品论、艺术接受论。

艺术概论

艺术发展论

艺术起源/发生的几种理论： 关于艺术起源的问题，历代哲学家、美学家和文艺理论家形成了许多不同的观点，产生了许多不同的体系，其中影响较大的主要有五种，即摹仿说、游戏说、表现说、巫术说和劳动说。 一、模仿说（摹仿说） ①这是最古老的关于艺术起源的一种说法，他认为艺术是对自然的模仿，模仿是人的本能。 ②代表人物有：德莫克利特、柏拉图和亚里士多德。 ③德谟克利特认为“艺术是对自然的模仿”，他说，“从蜘蛛我们学会了织布和缝补，从燕子学会了造房子，从黄莺等歌唱的鸟儿学会了唱歌”。 ④之后， 柏拉图提出“理式论模仿说”。认为艺术模仿的对象不是自然，而是理念世界。这种观点是基于他客观唯心主义的哲学思想，他认为理念不依赖于物质存在，也不是人的意识，而是一种超时空、非物质、永恒不灭的“本体”，认为理念世界是第一性，自然世界是第二性的，而艺术世界只是摹本的摹本。 ⑤师承柏拉图的亚里士多德，则更进一步认为所有的艺术都起源于对自然界和社会现实的模仿。他强调模仿应带有思想和理性地去模仿，而不是被动的抄录沿袭，他认为，艺术不仅要模仿事物的表象，更要揭示事物的内在本质和规律，进一步发展了模仿说。 ⑥评价：艺术起源于模仿，具有一定的合理性，因为早期的人类艺术，特别是原始艺术，模仿占有相当大的成分。但是这种说法只是触及了事物的表面，并没有揭示事物的本质。对于原始艺术来说，模仿更多的是一种手段，而不是目的。同时，这种说还将模仿归结于人的本性，没有揭示艺术真正的创作意图，因此未能说明艺术产生的根本原因。 二、游戏说：（18世纪到19世纪中） ①该学说认为艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能。 ②代表人物有席勒和斯宾塞。 ③席勒在他的《美育书简》中提到“游戏”是生灵与生俱来的本领，他认为：艺术发生的动机正是人类的“游戏冲动”或本能。正是在这种无功利，无目的性的自由活动中，人的过剩精力得到了发泄，从而获得快感与美感。 ④斯宾塞对游戏说这一理进行了进一步论述。他从生理学的角度对人类的过剩精力做出了解释，同样认为艺术是没有目的性和功利性的自由的活动，是人类对过剩精力的宣泄。 ⑤谷鲁斯对游戏说进行了补充。他认为，游戏并不是完全没有实际的功利目的，而是在轻松愉快的游戏活动中，不知不觉地为将来的实际生活做准备。例如小男孩聚在一起玩耍打闹是练习作战本领和培养勇敢精神。 ⑥评价：游戏说有一些有价值的成分。第一，这种说法肯定了人们只有在满足了基本物质需求的条件下，才有可能用过剩的精力来从事游戏，也就是艺术活动和审美活动，第二，艺术和游戏一样，都是超功利的。但是游戏说仅从生物学和心理学的角度分析，离了人类的社会实践，因此未能揭示艺术产生的最终原因。 三、表现说（19世纪后期） ①艺术起源的表现说更关注艺术活动的心理活动、情感需要。认为艺术应当“表现自我”，强调人类精神活动的直觉、情感和想象的意义与价值。 ②代表人物有克罗齐和苏珊朗格。 ③克罗齐认为“直觉即表现”，艺术的本质是直觉。直觉的来源是情感，因此艺术归根结底是情感的表现。他还认为，表现是在心灵中完成的，真正的艺术活动只能在艺术家的心灵中完成，艺术家没有传达艺术作品的必要。 ④科林伍德对克罗齐的学说做了进一步叙述，认为只有表现情感的艺术才是“真正的艺术”。 ⑤美国当代美学家苏珊 · 朗格进一步认为艺术是人类情感的符号形式，艺术活动的实质在于创造人类生命情感的符号形式。 ⑥我国古代《毛诗序》中也有对此理论的阐述：“情动于中而行于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹不足故咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。 ⑦评价：艺术确实要表现情感，艺术家是通过艺术作品向他人、社会表现自己的思想感情。但是把艺术的起源归结与表现，脱离了人类的社会实践，仍然是把现象当做本质，把结果当作原因，因此不能科学地阐释艺术起源的真正原因。 四、巫术说（19世纪后20世纪初） ①认为艺术起源于人们对自然的敬畏和想用巫术控制自然的愿望。 ②代表人物有爱德华泰勒、费雷泽。 ③巫术说最早由泰勒在《原始文化》一书中提出，原始艺术起源于原始巫术，而原始巫术根植于万物有灵的世界观。 ④费雷泽认为，一切原始部落的风俗，礼仪和信仰都来自于交感巫术。 ⑤考古发现，早期的造型艺术确实与巫术有关。例如，我国现存最早的岩画江苏省连云港市的将军崖岩画，以及欧洲发现的大量史前洞穴壁画，都体现出狩猎部落的生活，具有神秘的巫术目的。 ⑥原始歌舞也与巫术有着密切的联系，常常被原始的人类用来保证巫术的成功，例如祈求打雷下雨。 ⑦评价：艺术的产生最初确实是与巫术有密切联系的，但艺术起源于巫术的理论又不十分准确。因为原始时代的巫术是与原始人类的生产劳动活动密切相关的，原始的艺术活动虽然具有明显的巫术目的，但归根结底还是离不开人类的实践活动，尤其是物质生产活动因此，艺术的起源乃至巫术的起源，最终还是应当归结于人类的社会实践活动。 五、劳动说（19世纪后期） ①该学说认为艺术生产的最根本动力和原因在于人类的生产实践活动，尤其是占据主导地位的物质生产实践活动。②代表人物有希尔恩、马克思与恩格斯。 ③希尔恩在《艺术的起源》中曾列出专章来论述艺术与劳动的关系。 ④普列汉诺夫通过对原始艺术以及大量人类学和民俗学的文献证明，系统地论述了艺术的起源及其发展问题，进而得出了艺术发生于劳动的观点。 ⑤对于艺术起源的“劳动说”阐述最为深刻的当属马克思与恩格斯。马克思指出：正是因为劳动，人从自然界分离出来，与动物有了根本区别。随着生产力和社会生活的发展，人类对自然的支配能力及其思想认识的变化，在人类越来越丰富广阔的劳动生产实践中，自然不断被人化，人的文化心理结构和审美心理日益形成。 ⑥因此，劳动实践是人类艺术的基础，艺术是人类劳动实践的最高目的。从劳动到艺术的发生，经历了巫术礼仪、图腾、歌舞等无数中介，这是一个非常缓慢的进程。 ⑦评价：物质生产劳动是艺术起源的根本原因但是艺术的发生却不能完全归结于劳动，艺术起源是个十分复杂的问题，因此它是由多方因素所促成的，而并非单因的。劳动说的根本意义在于充分肯定了人类直觉、自由的创造特性。 六、多元决定论（总结） ①综上所述，以上五种学说，都从某一个角度或某一个侧面探讨了艺术的产生，有助于揭示艺术起源的奥秘，但对于艺术的起源这样复杂的问题，不能用单一的原因去解释，而应从“多元决定论”角度探索其产生。 ②阿尔都塞提出“多元决定论”，认为任何文化现象的产生都有多种多样的复杂原因，而非一个原因造成。 ③所以，艺术起源于人类社会实践的历史发展之中。艺术的发生经历了一个由实用到审美、以巫术为中介、以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着模仿的需要、表现的冲动和游戏的本能。

艺术发生的根本动力：人类的生产劳动实践（实践—思想情感—审美意识） 1、生产劳动实践为艺术的发生创造了前提。 2、生产劳动实践推动着思想与感情的产生，为艺术的发生创造了第一个必要条件。 3、生产劳动实践推动着审美意识的产生和发展，为艺术的发生创造了第二个必要条件。 4、生产劳动实践是原始艺术发生的直接动因。

艺术发生的历史过程❤️： 【总述】艺术的发生是一个极其漫长的历史过程。艺术发生于文明社会之前，但是在文明社会之前的艺术与文明社会的艺术有着质的区别，文明社会之前，社会分工并不明确，分不清艺术与其它意识形态，艺术与道德、宗教、哲学浑然一体，并没有纯粹的艺术。例如新石器时期的舞蹈纹彩陶盆，既是艺术也是巫术，艺术与巫术并没有明确的界限。 一、艺术发生的上限—人所创造的第一件工具 我们说人类创造的第一件工具是艺术发生的上限，是因为：1）工具与艺术都是人的创造，艺术的创造是工具创造的逻辑发展。2）工具是人类社会的起点。艺术发生的前提和条件都是在人们使用工具改造自然的基础上，3）工具促进了形式美感的产生。人们在实践中发现尖、薄、光滑、对称的工具更锋利、方便、更具有实用价值，这些为人们所喜爱的工具，经过世代的积累，逐渐与实用观念相分离，成为独立的审美形式。可以说，原始工具的形式是后来造型，艺术形式美的摇篮。4）工具促进了技术的发展，人们在制造工具的过程中锻炼和提升了手的灵巧，脑的才智以及手脑配合。所有这一切导致了造型艺术中技巧和技法的产生。 从工具的产生到艺术的发生大致经历了三个阶段，第一阶段是纯粹的实用品，它的标志是人类所制造的第一把石刀。第二阶段既是实用品，又是艺术品，这就是艺术发生的开始，我们称其为“准艺术”或史前艺术。第三阶段是纯粹的艺术品，就是文明社会的艺术。 二、准艺术的发生 准艺术就是艺术前的艺术，准艺术发生在以狩猎经济为基础的旧石器时代晚期，发生的标志是人体装饰物、雕刻和岩画的出现。1）人体装饰物是在狩猎社会，人们狩猎成功后，为了表现自己的勇猛，将兽齿打磨佩戴在胸前或手腕上；2）雕刻，例如女神维纳斯表现了生育女神的独特魅力；3）岩画，例如阿尔塔米拉洞穴的150个动物。 三、准艺术的繁荣 由于原始人类的生产力不断发展。原始社会从狩猎经济向农耕经济转变，陶器由此应运而生，用来储存多余的粮食，也就是在这时，依靠原始人类的创造性，陶器出现了众多造型、动植物纹样，这时的陶器就处于实用和审美兼得的阶段，准艺术达到空前的繁荣。 四、准艺术的衰落与艺术的产生 准艺术随着原始经济的衰落而衰落，但此时的艺术之花已从准艺术衰落的土壤中破土而出。随着生产力的发展、金属工具的产生、阶级产生、掠夺战争、宗教发生等，准艺术逐渐衰落，艺术应运而生。准艺术衰落的标志是陶制品艺术衰落，产品的使用价值下降，象征权威的铜器艺术、富人装饰物等艺术风格的产生。

艺术发展的模式论❤️ 对艺术发展模式的探讨主要有以下几种观点： 一、认为草创—繁荣—衰亡，是艺术发展的必然规律。 西方美术史之父德瓦萨里认为：艺术发展经历了草创—繁荣—衰亡三个阶段。文艺复兴以来的艺术史家认为：不存在永恒不变的艺术，一切艺术的发展规律，都如生命的发展一样经历了童年草创期、壮年繁荣期、老年衰弱期这几个阶段。 这一学说，确实揭示了艺术规律的某些方面，它可以使人透过艺术现象，从宏观上把握占据主导地位的艺术风格的发展脉络。但是这种观点在论述艺术的发展脉络时，必须首先确立一个明确的价值标准作为建构艺术发展阶段的根据，因此不可避免地带有主观性和片面性。 二、否定之否定是艺术发展的必然规律。 否定之否定是黑格尔首先提出的，他认为：艺术的发展遵循着肯定—否定—否定之否定的规律。表现形式是象征型艺术—古典型艺术—浪漫型艺术。黑格尔把艺术看做一个运动、变化、发展的过程，把艺术发展的动力归结于神秘的绝对精神。 按照这一观点，浪漫型艺术也被归结到否定的行列，最终也会消亡。因此，否定之否定是艺术发展的普遍规律，但他在艺术发展中的表现形式是多种多样的。而绝不仅仅属于象征型、古典型，浪漫型这几种形式，另外，艺术发展是由无限多的阶段构成的。任何三个阶段，从一定意义上说，都是否定之否定的过程。 三、认为两极之间的变化是艺术发展的必然规律。 艺术史家里格尔认为：艺术发展的规律是两极之间的变化，这对立的两极就是“视觉的”与“触觉的”，艺术发展过程，就是在对立两极之间的变化过程。 尽管艺术史家极力声称这种观点是纯客观的描述，不包含主观色彩，但是，两极对立的设定不可能不带有主观色彩。例如，有人设定“写实的”与“抽象的”这对立的两极，把丰富多彩的艺术现象都压缩到他们所设定的两极变化之中，便不能不带有主观性的牵强。

艺术发展的动力论： ①艺术发展的动力论在历史上比较有影响的是人性论的观点。 ②人性论是随文艺复兴而产生的一种唯心主义历史观，也是一个时代的艺术哲学，认为艺术发展的终极原因是人的本性，人性是艺术的终极原因。 ③18世纪的启蒙主义者是从唯心主义的观点来观察历史的，因此，他们认为人的本性决定着他的思想的全部发展，也决定着文学与艺术的发展，只有人的本性能够给予我们理解文学艺术发展的钥匙。

他律性（外部环境） 艺术的发生过程就是在人制造的产品中实用内涵逐渐下降而精神内涵逐渐上升的过程，也就是从实用产品中逐渐分化出精神产品的过程。艺术的发展规律可分为两种： 他律性与自律性，即客观规律与主观规律或理解为外部规律与自身发展规律。他律性：是指在艺术发展过程中，艺术与其他事物，如经济、政治、道德、宗教、哲学等的本质的、必然的、稳定的联系，也就是揭示艺术发展的外因是如何制约与推动着艺术的发展，即艺术的外部规律，主要有以下几点：1、经济对艺术发展的影响：①经济决定艺术的发生任何艺术的发生，都是以一定的经济作为发展的前提，经济创造了艺术发展的条件和动因，一切艺术，都是一定社会经济的产物。②经济决定艺术的性质由于人们对生产资料的占有关系不同，在生产关系中的地位不同，因而必然有表现，统治阶级思想感情的艺术，也有表现被统治阶级思想感情的艺术。经济决定了艺术的不同性质。例如，宋代的重文轻武。③经济决定艺术的发展。推动艺术发展的决定力量是经济的发展。经济的繁荣能够带来艺术发展的鼎盛，随着经济建设的高潮到来，不可避免地将要出现一个文化建设的高潮。当资本主义生产方式在意大利露出第一丝曙光时，文艺复兴的新时代来到了。资本主义的生产关系要求自由的劳动力，与旧生产关系产生了尖锐的矛盾，因此文艺复兴时期的艺术家在作品中表达：自由、平等、博爱、人性、理性等，把资产阶级的经济要求说成是一切时代、一切阶级、一切人的要求，与此相适应，文艺复兴时期的艺术主张表现人的形象而不是中世纪神的形象。如达芬奇的《蒙娜丽莎》，是被新时代经济所呼唤出来的，具有划时代意义的艺术丰碑。④艺术与经济发展的不平衡性经济的繁荣可以带来艺术繁荣，这是无疑的，但艺术繁荣与经济高涨并不是如影随形、亦步亦趋的绝对平衡关系，而是复杂的、包含差别的关系，这就是艺术与经济的不平衡性。艺术与经济发展的不平衡性表现在以下几个方面：首先，对艺术发展不同时代做纵向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。例如：今天的经济发展水平高于希腊时期经济发展水平，但是今天的艺术未必高于希腊艺术，马克思说“希腊神话具有永久的魅力”，今天仍能给我们以艺术享受和启迪；今天的经济发展水平高于莎士比亚时代的经济发展水平，但是莎士比亚的戏剧并未黯然失色，仍然在戏剧领域拥有不可磨灭的光芒；同样，在我国过去并不发达的经济基础上产生的文人山水画、唐宋诗词、传统舞蹈等在今天依然具有独特的魅力。其次，对同一时代不同地区国家做横向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。例如，在18世纪经济上发达的国家是英国和法国，德国经济水平比较落后，但是在这种经济基础上，却出现了歌德席勒这样世界文学史上的伟大诗人。最后，对艺术内部不同艺术种类作比较，艺术与经济的发展具有不平衡性。在不同的历史时期，艺术的形式种类多种多样，但往往只有一个艺术门类会达到鼎盛。例如夏商周的青铜艺术、汉赋唐诗、宋词元曲、明清小说、中世纪的哥特式建筑、文艺复兴时代的绘画等，都曾是达到鼎盛的艺术门类。以上三个方面从不同角度体现了艺术与经济发展不平衡的原理。汉末魏晋南北朝时期是中国政治上最混乱，社会上最苦痛的时代，而在精神上却是极其自由、解放、富有智慧的时代。王羲之父子的字、顾恺之陆探微的画，嵇康的广陵散，曹植、阮籍、陶潜、谢灵运的诗、龙门云冈壮伟的石窟等，无不不是光芒万丈，前无古人。但艺术与经济发展的不平衡原理并没有否认经济对艺术的决定作用。平衡与不平衡是辩证的，统一平衡中有不平衡，不平衡中有平衡。2、政治对艺术发展的影响：政治对艺术的发展具有直接的，重大的，深刻的影响，政治是经济的集中表现，是整个上层建筑的核心政治要求，艺术为自己服务，这是一个不可否认的客观事实，革命的政治是这样反动的，政治也是这样。3、宗教对艺术发展的影响：①宗教阻碍艺术发展从根本上说，宗教是对艺术的否定。宗教之所以否定艺术，是因为宗教与艺术存在对立根本的对立面：第一，宗教是对社会生活抽象的反映，而艺术是对社会生活真实的反映；第二，宗教要求彼岸世界的心灵感悟，而艺术要求现实世界心灵净化；第三，宗教的对象是神，是人本质力量的异化，艺术的对象是全面的社会生活，是人本质力量的对象化；人们在艺术面前感到自身力量，智慧和美；第四，宗教是劝人到彼岸世界寻求精神慰籍，而艺术则鼓舞人们在现实生活中实现自己的理想；第五，宗教相信神灵的真实存在，而艺术不相信自己创造的对象真实存在。宗教对艺术的阻碍不仅在理论上，而且在实践上。例如，拜占廷的“圣像破坏运动”，中国古代的三项“灭佛运动”等。都使艺术的发展受到阻碍。②宗教促进艺术的发展。第一，宗教促使艺术突破教义的局限，从而得到发展。宗教为艺术营造了膜拜的氛围，从感感情上感染信徒，也就必然要求艺术表现世俗的情感。例如达芬奇最后的晚餐中创造的能够使人产生强烈情感共鸣、具有巨大震撼力的主的形象，只是一个披了宗教外衣，集中体现人的美好精神的作品；第二，宗教为艺术提供题材。在欧洲的中世纪宗教处于社会意识形态的支配地位，许多以宗教为题材的艺术作品名垂青史，例如最后的晚餐、米开朗琪罗的创世纪》《最后的审判》、哥特式建筑等等；第三，宗教往往是艺术生产的组织者。在特定的历史时期，宗教以自己强大的政治和经济力量组织大规模的艺术生产活动。艺术对宗教来说，宗教对艺术来说是一把双刃剑，既有阻碍的一面也有促进的一面。4、道德对艺术发展的影响：崇高的进步的道德准则艺术的发展具有促进作用。当艺术作品表现进步的道德准则和高尚的理想情操时，往往产生持久的、强烈的艺术感染力，促进艺术的发展。共产主义道德是最先进的道德准则，在《钢铁是怎样炼成的》一书中塑造了体现共产主义道德的典型人物，保尔柯察金。他用诗意般的火热词句表达了自己的人生理想：“人的一生当这样度过，当回首往事的时候，他不会因为虚度年华而悔恨，也不会因为碌碌无为而羞愧。在临死的时候，他能够说，我的整个生命和全部精力都已经献给了世界上最壮丽的事业——为人类的解放而斗争”。这段话成为一代又一代青年人的座右铭。落后腐朽的道德准则对艺术的发展具有阻碍作用。例如，19世纪法国天才现实主义艺术家莫泊桑，他的许多小说真实地反映了普法战争前的法国生活，揭露了资产阶级的怯懦无私、伪善 自私，深刻地描绘了那个时代的世态人情。但是落后的道德准则、不正确的世界观使他接下来的作品污秽、贫弱、毫无正面价值。5、哲学对艺术发展的影响：①哲学通过美学的中介影响艺术发展哲学对艺术家的思想和审美观念产生一定的影响，进而影响艺术作品。例如李白的审美理想深受庄子美学推崇“天然之美”的影响，他不但大力倡导“自然”“清真”的风格，赞赏“清水出芙蓉，天然去雕饰”的天然之美，并且自觉地把这种美学境界作为毕生的追求。杜甫的美学思想则是受到孔子儒家美学的极大影响，他将“致君尧舜上，再使风俗淳”的抱负融入诗中，以强烈的忧患意识倾诉了对当时腐朽的统治阶级的不满和对劳动人民深受苦难的同情。②哲学通过创作方法的中介影响艺术发展第一，哲学思想决定艺术创作方法的产生，艺术的创作方法来自艺术思想，艺术思想从根本上来自哲学思想，艺术思想就是哲学思想在艺术领域中的集中表现。例如唯物主义哲学思想运用在艺术领域，必然产生反映社会为主的现实主义的创作方法，唯心主义的哲学思想运用在艺术领域则产生以表现为主的创作方法。第二，哲学思想决定艺术创作方法的选择与改变。任何艺术家的创作方法都受到其所信仰的哲学思想的影响。但是艺术家的哲学思想并不是固定不变的。这些思想的转变，也会带来创作方法的转变。第三，哲学思想的矛盾决定艺术创作方法的矛盾。哲学思想是复杂的，它包括自然观，社会观，宗教观，道德观等等。艺术家的这些观点可以是一致的，也可以是矛盾的，例如托尔斯泰的哲学思想就包含着不可解决的矛盾。列宁评价他：“一方面他是一个天才的艺术家，创作了无与伦比的俄国生活图画、创作了一流的文学作品，另一方面，他是一个发狂的基督教徒，一方面他无情的批判了资本主义的剥削腐朽、揭露了政府的暴虐、人民生活的贫困，另一方面，他狂热的鼓吹“不用暴力抵抗邪恶”，一方面，他是最清醒的现实主义者，撕下了一切假面具，另一方面，他鼓吹世界上最卑鄙龌龊的东西之一，即宗教。6、中国传统艺术精神：①道，中国传统艺术的精神性道是中国古代哲学的最高范畴，在中国传统哲学中，天人统一于道，这个道也就是“天人合一”之道。②气，中国传统艺术的生命性物质的气被精神化、生命化，这可以说是中国“气”论的本质特征。中国传统美学提倡艺术描写和表现宇宙天地万事万物生生不息、元气流动的韵律与和谐。③心，中国传统艺术的主体性中国传统美学和中国传统艺术，一开始就十分重视人的主体性，认为艺为心之表，心为物之君，主张心物一元。④舞——中国传统艺术的乐舞精神从诗乐舞中逐渐分化出来，表现出飞舞生动的形态风貌。⑤悟——中国传统艺术的直觉思维重直觉是中国传统思维方式的重要特点之一，而这种思维方式，对中国的传统艺术思维和审美思维也产生了巨大的影响，尤其是形成了以“悟”为核心的感性直觉的审美思维方式。⑥和—中国传统艺术的辩证思维和的境界，在儒家来说更多地强调人与社会的和谐，主张情与理的统一；在道家来说更多地强调人与自然的和谐，主张心与物的统一；在禅宗来说更多地强调人与人心的和谐， 追求心灵的澄净。天人合一的和谐美，是中国传统艺术的最高追求。

自律性（继承与创新）/（借鉴与融合）❤️：（page266） 艺术的自律性就是艺术自身的发展规律。它包含两个方面的内容：一是从艺术的纵向发展来看，艺术发展的昨天，今天与明天之间存在必然的本质的，稳定的联系，这就是艺术的继承与创新。二是从艺术的横向联系来看，各民族艺术之间以及民族艺术与世界艺术之间存在必然的、本质的、稳定的联系，这就是各民族艺术、民族艺术与世界艺术之间的相互借鉴与融合。 1、艺术的继承与创新（借古开今page270） 2、艺术的民族性与世界性/借鉴与融合（page302）

艺术的民族性 就是由于本民族的独特本质所导致艺术表现上的特殊性。不同的民族有不同的地理环境、经济状况、文化传统、风俗习惯。艺术的民族性不在于艺术作品中所反映的生活内容是否具有民族特征，而在于是否表达了民族精神。民族精神是艺术民族性的核心与灵魂。 世界艺术 并不是凌驾于民族艺术之上的一种独立存在的艺术，它是民族艺术中的一种。是为整个世界所共赏的民族艺术，是表现“人的一般本性”的民族艺术， 表现人类共同美的民族艺术。 不论时代如何发展，阶级如何对立，民族的差异性的界限如何明显，跨越时代、超越阶级、突破界限的“人的一般本性”与共同的美皆是存在的。

艺术门类论

“六经”是古代圣人将诗、书、礼、乐、易、春秋奉为六种必修的经典，这六部经典著作的全名依次为《诗经》《书经》《礼经》《易经》《乐经》《春秋》。《书经》—《尚书》，《易经》—《周易》 其中《乐经》已失传，所以通常称“五经”。 “六艺”，存于《周礼》，将礼、乐、御、射、书、数以“艺”统称，从殷商到周代，“六艺”是贵族子弟必须修炼的教育内容，是成为上等人的重要标志。“乐”就是诗、音乐、舞合一的乐舞；“射”为“射箭”；“御” 是驾车；“书”就是明《尚书》；“数”就是算数，也包括《易经》的易数。

艺术的分类 1、以艺术形态的存在方式为标准： 空间艺术：绘画、雕塑、工艺、摄影、建筑和园林等 时间艺术：音乐文学、文学、曲艺等 时空艺术：戏剧、电影、电视剧、舞蹈杂技等 2、以艺术形态的感知方式为标准： 视觉艺术：绘画、雕塑、工艺美术、摄影艺术、舞蹈、杂技、建筑等 听觉艺术：音乐、曲艺等 视听艺术：戏剧、电影电视剧等 想象艺术：文学 3、以艺术形态的创造方式为标准： 造型艺术：绘画、雕塑、工艺美术、摄影艺术、建筑艺术和园林艺术等 表演艺术：音乐、舞蹈、戏剧、曲艺和杂技等 语言艺术：文学的各种样式 综合艺术：电影和电视剧等 4、以艺术作品反映客观现实和表现主观情感意念为标准： 再现艺术：戏剧、小说、绘画、雕塑等 表现艺术：音乐、舞蹈、抒情诗、建筑与园林等 5、以艺术形象的展示方式为标准 静态艺术：美术、摄影、建筑和园林等 动态艺术：音乐、舞蹈、戏剧、曲艺、杂技、电影和电视剧等 注意：各种分类法都有局限，没有单一的标准化的艺术分类法。

主要艺术门类（酌情复习）

各类艺术之间的关系❤️： 一、各种艺术的相互联系 各门类之间相互联系和融通的现象是普遍存在的。原因在于，①它们有着共同的本质。②不同的艺术门类之间，在某些方面具有共同的特点。不同艺术之间的相互联系主要有三种方式：吸收与借鉴、配合、结合。 （一）吸收与借鉴 一种艺术，经常会从其他艺术中吸收自己需要的东西。 一种艺术从他种艺术中，或者吸取某种实质性的成分，或者只是在象形手法等方面得到启示和借鉴，从而形成相互间的联系关系。 注意：这种联系方式，是一种艺术根据需要去吸收与借鉴其他艺术的某些因素，并不改变它自身独立的性质。 （二）配合 两种或两种以上的艺术出现在一件作品中，形成统一和谐的整体，但是并不改变各自的性质，仍然保持着各自原有的性质，并没有变成第三种艺术。（音乐舞蹈、诗画） （三）结合 结合是两种以上的艺术结合成为一个整体，不可分离，也没有各自独立的价值。例如，原始艺术中诗歌舞的三位一体就是这种情况。这种情况下可能会产生新的艺术品种，比如文学性质的歌词和音乐性质的曲调之间结合，就形成了歌曲电影的表现手段与绘画的方式相结合，就成了动画片一些所谓的综合艺术，就是有几种艺术因素相结合而形成的新的艺术种类。例如戏剧就是由文学。美术，音乐和表演艺术相结合而产生的。 二、艺术在分化与综合中发展 艺术在自身的发展中，不断地经历着分化与综合的过程。 每个艺术门类以及其中的各种样式，都是一个个开放的体系，而不是各自闭关自守的领地。只要有了一定的条件，它们都会从其他艺术中吸取营养，甚至同其他艺术结合起来而创造出新的艺术品种，这样来丰富和发展自己，并使得整个艺术系统得到发展，这是艺术发展的一条客观规律。在现代社会，随着经济和文化的加速发展，各种学科之间的联系与交叉呈现出日益频繁的态势，在艺术系统内部，各学科之间以及艺术与外部学科之间都是如此。例如，摄影技术发明后出现了摄影、电视和电影，艺术与现代工业生产相结合而形成的现代工业设计。

艺术创作论

创作主体—艺术家

社会生活对艺术家的影响

【总述】任何一个艺术家都是在一定的家庭、社会制度、社会生活，民族文化以及的世界潮流与时代精神等因素的影响下逐步成长起来的，因此，每个艺术家的思想、情感、审美意识、艺术创作等，无不打上这方面的印记。 1、家庭环境：影响艺术家从出生到青少年这一人生的初期阶段，包括学校教育、家庭教育等因素，对一个人的思想性格的形成具有深刻的、潜移默化的影响作用。 2、社会制度：既定的社会制度渗透在社会生活的各个方面，对艺术家产生深刻的影响 3、民族文化民族性格：不同地域文化与社会环境各有不同。思想观念、风俗习惯、民族信仰等潜移默化地影响着艺术家的艺术风格和作品，所谓一方水土养一方人，不同地域和民族所产生的艺术都有它自己的韵味。 4、时代精神、世界潮流：科技时代、科技更新迭代迅速（科技对艺术的影响）、网络信息时代（传播更加迅速直接全面）、全球化环境（文化融合 跨文化传播）。 【总述】以上这些因素综合在一起，潜移默化地影响着艺术家的思想和行动，因而他们的艺术作品也无不深深地刻上这些印记，并且显现出艺术家独特的个性特征以及其艺术作品的不可代替性特征。

【艺术家的精神】艺术家要有为社会和人类的进步而献身的精神 【抱负】优秀的艺术家应当具备强烈的社会责任感、为社会和人类的进步而献身的精神；树立起推动社会进步，提高国民精神素质和审美素质的伟大抱负。 【怎么做】应当发挥艺术教育的重要作用，通过艺术作品潜移默化，寓教于乐的对人们的思想意识产生影响，从而提高国民的精神素质，为社会培养和造就懂得艺术和能够欣赏美的大众，这是艺术家应有的神圣的职责。

艺术家的主体性

1、艺术家是艺术生产过程的主宰者。在艺术体验，艺术构思，艺术创作三大艺术生产过程中，离不开创作主体的决定性作用，艺术家体验生活积累素材、构思艺术意象，并将其物化成为艺术作品；每一个环节，都凝聚了艺术创作主体即艺术家的思想情感与个性特征。 2、艺术家艺术产品的不可替代性。艺术家作品的不可替代性同样体现了艺术创作中艺术家的主体性。首先，不同时代背景的艺术家受不同社会趋势、生活方式的影响，具有不同的时代特征。其次，不同地域的艺术家，民族风俗、生活习性也大不相同，艺术创作表现出其独特的民族性。最后，艺术家是独特的个体，基因构成、生活体验、教育背景都具有独特性，对同一事物，不同时间段的感受也不尽相同，即“时异、事异、心境异”，因而，同一艺术家的不同艺术作品也大多具有不可替代性。

【艺术家的修养❤️】

【艺术四要素】：是指 世界—艺术家—作品—读者。其核心要素是艺术家，艺术家将其所体验的世界通过独特的艺术语言转化为艺术作品，并将艺术家的感悟和情感以艺术作品的形式呈现给读者。

【艺术修养】：是指艺术家按照“美的规律”创造艺术作品时所应具备的思想、文化方面的丰富内涵和审美感受力以及把生活转变为充满艺术意蕴的艺术形象时所具备的审美创造能力。也就是说，艺术创作体现的是艺术家全部的智慧，修养和能力。艺术家是按照“学问要博，生活要广，认识要深，情感要真，立意要新，想象力要丰富敏锐、意象要包含意蕴、形象要栩栩如生”的审美要求和审美理想进行创作的。

1、进步的世界观与深刻的见解：世界观是人们对整个世界包括自然界和人类社会的基本看法和根本观点，先进的世界观决定正确的创作目的与动机，影响着作品的格调与品位，作为一个艺术工作者，如果对于人生意义、社会问题不能做出科学正确的回答，便会直接影响到自己的艺术思想水平和艺术创作能力。 同时，艺术家的思想见解还应当是深刻的，只有具备正确深刻的见解，才能把握和揭示出生活深层的本质和规律来，也才能创作出具有生命力的艺术作品。因此，先进的世界观和深刻的见解是衡量艺术家素质高下的重要标准，是优秀艺术家必备素养之一。

2、广博的文化素养：【分类】艺术工作者应具备的文化素养大致分为三类，一般文化一般文化指非艺术类所涉及的知识包括自然和社会科学基础知识，姊妹文化：各门类艺术之间是相互影响，相互促进的，因此，艺术家需要了解相关的文化艺术知识；专业文化，指本专业所涉及的相关知识和技能。 【影响】广博的文化素养直接影响艺术家的感受力与表现力，艺术家的专业技能往往都能达到一定的水平，而作品表现力的高低深浅，往往表现在艺术感受力的差异性中，文化素养正是围绕着艺术感受力这个问中心问题作用于艺术家，使他们能够从文化视野的高度去深层次的洞悉现实、感悟人生、创作艺术作品，从而使作品具有更深广，更全面的表现力。因此广博的文化素养对艺术创作尤为重要。

3、丰厚的生活积累：丰富曲折的人生阅历和生活体验，是艺术创作的基本材料和前提条件对艺术家来说，如果拥有丰富而又深刻的生活积累，特别是自己亲身经历的往往更能激发艺术家的创作动机从而创作出感人至深，内涵深刻的艺术作品如苏轼、杜甫、狄更斯等艺术家他们实实在在的在生活的漩涡中沉浮过、浸染过，对世事有了更深层透彻的感悟，从而将自己的情感和灵魂注入作品，创作出名垂千古的文化艺术作品。

艺术家的审美创造能力❤️

【艺术直觉】：指艺术家在一定的艺术心理定势的作用下，在艺术创作活动中直接、敏锐、迅速地感受、捕捉具有审美价值的形象的一种特殊心理能力。它的特点是不经过惯常逻辑思考的瞬间性认识，它标志着艺术家艺术素养的超常水平，也标志着雄厚的艺术实践经验和长期积存起来的艺术心理定势。

【艺术想象】：是指艺术家在艺术创作过程中，按照创作主旨的需要，将头脑中的诸多表象进行分解重构加工，把实际分离的事物从观念上将它们组合在一起，使之成为新的（理想的）艺术意象的（创新性）能力。

1【敏锐的观察力与强烈的感受力】：艺术家应极重视细腻敏锐的观察力和深入对象内心的感受力的锤炼。因此，深入观察周围的世界，洞悉社会的众生相，审视自我的内心世界，是艺术家把握现实，进行艺术创作的基本素质。 艺术家应具有敏锐的观察力，自觉或下意识的观察和感受社会生活中的各种素材，带着真挚的情感和艺术思维去感受客观事物，观察和感受是创作的前提。同时，艺术家应具有超常的感受力，深刻而迅速地把握客观事物的特征，并做出情感反应，注重艺术实践和经验的积累，从而形成艺术直觉，他是艺术家艺术素养的超常水平。

2【丰富的想象力与独特的记忆力】：艺术家必须具备丰富的想象力，可以说，没有艺术想象就没有艺术创作，艺术想象是一种心灵的创造，心灵的自由，是所有人类心理能力中最少受限制的一种，他关系着在艺术家头脑中能否形成独特的理想的艺术意象的问题，关系着能否将此物化成典型的艺术形象或更高的艺术意境的问题。此外，想象重在创造，如果没有丰富的记忆储存，想象就成了无源之水，无根之木，因此，艺术家应该具有超常的记忆力，这种超常的记忆力一方面是先天遗传和生理因素，而更重要的是艺术家的职业需要和长期努力训练记忆的结果。由于艺术创作中饱含情感活动，因此艺术家的记忆是一种敏锐、细腻、真挚的形象记忆和情绪记忆。

3【卓越的创造力与精湛的技能技巧】：艺术家应具备卓越的创造力，不能墨守成规，过分依赖传统，应追求其艺术作品的不可重复性，优秀艺术家凭借他们对生活的独特审美认识和审美感受，调动各种艺术手段和表达方式，不拘于长法，创造新技法。例如，西班牙画家毕加索被誉为“世界上最年轻的画家”，他的艺术生涯经历了蓝色，玫瑰色，黑人、分析，综合、愤怒，牧歌等风格转换，每个时期都因他新的探索和追求而独具特色。 艺术家还须具备精湛的艺术技能技巧，即得之于心，最后必须应之于手。艺术技能技巧是在技术的基础上追求艺术形象意蕴，风采和神韵的本领，必须坚持长期苦练和不懈探索，才能使艺术技能技巧卓越超群；艺术技巧又是不断发展的，优秀的艺术家需要随着时代的发展而不断更新艺术技巧以适应当代艺术的需要。

艺术家艺术修养的最高目标

【艺术心理定势】：不断优化艺术心理定势，是艺术修养的最高目标。 【稳定惯性】是指艺术工作者在掌握一定的科学文化知识、艺术理论和技能的基础上，在长期的艺术修养过程中，头脑中逐渐形成的稳定而又成惯性的艺术心理态势。 【习惯意识/无意识】即艺术家长期反复运用惯了的创作经验、艺术思想、审美观念等，形成了习惯意识和习惯无意识，这种习惯意识和习惯无意识便是艺术家的艺术心理定势。 【贯穿】艺术心理定势是贯穿在艺术创作的全过程中，即艺术体验，艺术构思，艺术表现的全过程中。只有成熟的艺术工作者才能形成比较系统和稳定的艺术心理定势，并作用于艺术活动的各个环节，如艺术感知、艺术记忆、艺术思维、艺术意象、艺术意象物化、艺术欣赏等环节，对艺术创作起着导向、升华、强化质量等作用。 【优化】艺术心理定势的优化是没有止境的，不断优化艺术心理定势，是艺术修养的最高目标。有抱负的艺术工作者总是会自觉的使自己的艺术心理定势向着更优化的方向发展，从而创作出更多的艺术佳作。

艺术创作过程❤️

艺术创作过程

【艺术创作过程】是人类特有的高级的，复杂的，极富创造性的精神活动和实践活动。 艺术创作过程实质上是对现实的审美认识和审美认识的表现过程，是在艺术体验的基础上进行艺术构思和艺术表现的过程。因此，艺术创作过程可以分为三个阶段，艺术体验，艺术构思和艺术表现，即清代著名画家郑板桥所精辟论述过的画竹过程的三个阶段，从眼中之竹的艺术体验到胸中之竹的艺术构思，再到手中之竹的艺术表现。

艺术体验（眼中之竹）

艺术体验：是艺术家在（长期积淀的）生活和审美经验的基础上，产生深切的审美感受，激起创作的动机生成。它是艺术创作的准备阶段，也是艺术创作的基础和前提。 艺术体验包含两方面的准备，一创作的材料准备，素材的储备和审美经验的积累二创作的精神准备由生活体验引发的创作动机和创作欲望

材料准备

【重要性】素材的储备和审美经验的积累，在艺术创作中是极为重要的，因为艺术创作的任何一个环节，任何一个艺术想象都是要以丰富的生活积累和诸多表象作为材料的。 【表象】分为记忆表象和想象表象两种，记忆表象是客观事物经过人的认识活动（感受和知觉）以后，在人脑中留下的记忆的印象。想象表象是是将经过人脑将记忆分解后，又将相关部分组合成一个（不真实存在却与现实生活有一定联系的）新的表象。例如孙悟空大闹天宫中的天宫，就是现实生活中的天空和皇宫分解组合而成。 【途径】一是直接体验，包括亲身经历（被动）所留下的创作素材和亲自观察体验（主动）所留下来的创作素材两种；二是间接体验例如通过阅读和欣赏古今中外的文化艺术作品来丰富自己的创作素材、扩大自己的视野、拓展自己的艺术思路。直接经验与间接经验，两者是相辅相成的，有了一定的直接经验做基础更容易把握前人的间接经验。

精神准备

由生活体验引发的创作动机和创作欲望的萌生，是创作的精神准备是推动艺术家进入实际创作过程的驱动力，是一种实践性动力，是艺术家发自心灵的创作冲动。例如毕加索的《格尔尼卡》。

艺术联想

艺术构思（胸中之竹）

【艺术构思】：是艺术创作的中心环节，是艺术家在艺术体验的基础上，在特定创作动机的引导下，通过艺术思维对生活素材进行概括，提炼，加工，虚构，在头脑中孕育成一个完整的艺术意象的过程。（简言之，艺术构思就是艺术家将不系统零散的生活素材，通过艺术思维构想成独特而又理想的艺术意象的活动）其实质是艺术家对社会现实的一种审美认识活动。艺术构思大体上可以分为两个阶段，一是艺术构思的萌芽阶段，二是完整艺术意象的成熟阶段。 【承上启下】艺术构思是艺术创作的中心环节，在艺术创作过程中具有承上启下的作用。它是由生活表象到艺术表象的第一个审美认识飞跃的结果，又是由艺术意象到艺术形象，第二个审美认识飞跃的原因。

艺术意象的孕育阶段

第一阶段的主要特征是：艺术家在所掌握的创作素材和创作冲动的激发下，情不自禁地产生出要创造一个以此素材为主要内容的艺术作品的初衷。这个初步的艺术构思只是一个不完善的雏形或者不全面的艺术意象框架，还需第二阶段进一步具体化完善化，使艺术意象成熟起来。

艺术意象的成熟阶段

第二阶段的主要特征：是艺术意象越来越具体清晰，即艺术家仿佛“全马在胸，胸有成竹”了，形成了完整鲜明的艺术意象。

艺术意象的典型化阶段

艺术典型（典型形象）是指塑造的非常成功的艺术形象它既具有鲜明，独特，丰满的个性特征，又具有深刻，普遍的代表性和概括性集个性鲜明独特又具有高度概括性的艺术形象，它集中体现了艺术家对生活的审美发现和审美理想。

【典型化】：是构思典型或具有典型性的艺术意象的过程和方法，即艺术家把不够典型的生活材料经过，艺术的创造将事物的共性和普遍规律寓于典型性的艺术意象中的过程。 【典型化过程】个性化、概括化：典型化过程包括个性化和概括化两个方面的有机结合，在典型化过程中只有通过个性化才能使艺术形象具有鲜明丰满的个性特征，才能是独特的这一个概括化，是从事物特征的把握，而达到对事物普遍规律的认识，因此，也只有通过概括化才能体现出社会生活的本质和规律，概括化和个性化是同步进行缺一不可的 典型化的方法和途径主要有三类，第一类是选取生活中某一具有典型意义的人或事物作为骨干材料，从而在此基础上加以虚构概括和理想化；第二类是撷取各种人于一身，或撷取各种事与一物；第三类是在构思中运用幻想，虚构，夸张等方法创造出生活中没有的虚构的艺术意向。 艺术构思的过程实质上是一个典型化的过程，目的在于创造高度理想化的艺术形象，艺术形象典型化的程度越高，就越完美，越具有普遍意义，因此，典型化是艺术创作的基本规律。

艺术表现（手中之竹）

艺术语言：是指将艺术意象物态化的表现手段包含了一切将艺术构思或艺术意象物态化的一切艺术表现手段，以及各种艺术媒介载体如绘画的艺术语言是线条，色彩等舞蹈艺术的艺术语言表现为动作。

艺术表现：（艺术家将艺术意象物态化成为具体可感的艺术形象的过程）是指艺术家借助于一定的物质媒介，运用艺术语言和表现手段，将艺术构思活动中形成的艺术意象物态化，使之成为具体可感的艺术形象，可供鉴赏的艺术作品，其实质是一种审美表现活动。艺术构思是艺术表现的前提，艺术表现是艺术构思的发展，深化和物态化。 艺术表现需要运用各门类艺术所特有的①艺术语言，以及一定的②物质媒介和载体。物质媒介和载体是指创作艺术作品的具体物质材料，如绘画需要用纸画，不雕塑，需要用石、木等。艺术表现作为一种具体的实践性活动，还需要运用艺术表现的③技能技巧对艺术媒介和材料进行恰到好处的运用和操作。要想生动传神的运用好艺术语言，需要勤学苦练的精神和追求独创性的精神。杜甫“语不惊人死不休”。邓椿“画家于人物，必九朽一罢”。“台上三分钟，台下十年功”。

客观事物—感官产生感觉—产生知觉—在人脑中留下记忆表象—思维的材料—艺术想象—艺术意象—艺术作品

艺术创作中的思维活动❤️

形象思维/意象思维：艺术创作中运用的一种的思维方式 是指在艺术创作中，艺术家运用在生活中积累起来的诸多表象加以分解、重组、升华等，在头脑中构成完整的艺术意象，并将其物化为艺术形象时所采用的一种意象系统化的思维方式。

抽象思维：是运用抽象的概念进行判断，推理和论证，并最终结束揭示出事物的本质和规律的一种概念化的思维方式。

艺术思维：是以构思出一个完整艺术意象为目标，在艺术创作过程中以形象思维为主要内容，以抽象思维为辅助和引导，两者相互配合、相互转化地共同完成艺术构思的一种思维方式。 艺术思维是一种极其复杂的心理活动过程，既含有艺术创作者的艺术心理定势和对生活的感性认识和理性认识等心理内容，又包括艺术家们的全部心理要素：表象、记忆、直觉、思维、想象、情感、个性和审美等心理，同时也包含习惯无意识、本能无意识和艺术灵感的作用。

科学思维：是以捕捉事物的本质和规律为目标，以抽象地思维推理、论证为主要内容，以形象思维为辅助，两者配合的揭示出事物内在的本质和规律，直到完成科学思维任务的一种思维方式。

形象思维的特征： 1、形象性：形象思维的过程是艺术家运用生活中积累起来的诸多表象加以分解，重组，升华，虚构等在头脑中形成完整的艺术意象，并将其物化为艺术形象的过程因此，将诸多表象形象化，意象化是形象思维必不可少的环节因此，形象性是形象思维的基本特征 二想象性是思维，是形象，思维的根本特征艺术意象是通过艺术想象而形成的，没有艺术想象便没有形象思维，活动也不会有艺术意象的产生想象不仅是一种形象思维的基础，更是艺术虚构的重要基础艺术创作是离不开虚构的，而虚构又是通过艺术想象来完成的，艺术想象可以补充事实链条中不足的和没有发现的环节，可以弥补现实生活经验和感受的不足可以使艺术形象更为饱满 三情感性，情感性是一形象思维的一个重要特征形象思维的每一个环节都伴随着强烈的情感活动，对生活的体验越丰富越深刻，产生的艺术情感也就越真挚越强烈，艺术家艺术创作的激情一旦被强烈的创作目的调动起来，情感就起着强大的推动作用，是艺术家如痴如醉的投入艺术创作，直至创作完毕例如，我国唐代怀素的狂草之所以是艺术，并不在于其抽象，而在于其情感，性在于他们内在的气势力量与外在的节奏韵律美 四艺术个性，艺术个性往往是指艺术家在艺术心理定势，艺术想象，艺术意象的内容中表现出来的独特的特点和特性，他是独特的艺术体验和独特的技巧高度统一的结果每个艺术家的个性心理都有与其他艺术家不同的心理特点 审美兴审美性作为艺术的本质特征贯穿于形象思维的全过程中艺术作品本就是供人审美和鉴赏的这就决定了形象思维必须本着艺术美的原则去构思艺术意向

形象思维的逻辑性：和一种思维形式都有它自己的思维逻辑，形象思维也有其自己的逻辑，即有它自己所运用的思维形式，思维结构和遵循的思维规律。 1、形象思维的逻辑思维方式：包括基形意象、完形意象、群形意象和易形意向四种思维形式。这四种思维方式都是通过艺术想象将人脑中的表象分解、重组、升华后形成的。 （1）基形意象：根据构思艺术意象的需要而对表象进行分解、重组、升华后在头脑中形成的一种更为鲜明的、更符合艺术意象所需要的最基础的局部意象。 （2）完形意象：凡事由两个以上的基形意象组合在一起，构成的一个单一的完整的意象，叫完形意象。 （3）群形意象：两个以上的完型意象组合在一起，构成一个单一的完整的意象。 （4）易形意象：随着艺术构思的逐步发展，继前一个完型意象后发展变形成另一个崭新的完形意象或群形意象。 2、形象思维的逻辑性：在运用四个思维方式进行形象思维时，须遵循以下基本规律： （1）和谐律：是最基础的规律，要求意向的整体画面要层次分明，有条不紊，布局合理，结构完整，要求内容和形式相统一，四种意象之间和谐统一。 （2）融合律：艺术意象与中心思想的融合，形与神、情与景融为一体 （3）理想律：是指在形象思维过程中，要按照作者的审美理想去进行思维活动，这也是形象思维逻辑中最根本，最核心的规律。

艺术思维中两者相互转化的特殊规律：艺术思维是以构思出一个完整艺术意象为目标，在艺术创作过程中以形象思维为主要内容，以抽象思维为辅助和引导，两者相互配合、相互转化地共同完成艺术构思的一种思维方式。同时，艺术思维又一种极其复杂的心理活动过程，既含有艺术创作者的艺术心理定势和对生活的感性认识和理性认识等心理内容，又包括艺术家们的全部心理要素：表象、记忆、直觉、思维、想象、情感、个性和审美等心理，同时也包含习惯无意识、本能无意识和艺术灵感的作用。 艺术思维过程中，形象思维与抽象思维相互转化，艺术意象的形成过程就是形象思维和抽象思维反复交替、灵活转化的结果。在艺术构思过程中，形象思维是重心和目标，自始至终都在捕捉艺术意意象，但涉及到事物的本质、规律、知识缺口和逻辑性问题时，便转化到抽象思维方面。 【特点/规律】是严格遵循进行转化的艺术美的规律 （1）按照艺术意向理想化的规律进行转化 （2）遵循着表现艺术意象内涵和意蕴的原则进行转化 （3）遵循选用更精妙的艺术语言来塑造艺术形象的原则进行转化

艺术创作中的心理活动❤️

意识：是指人在清醒状态下对现实的一种具有自觉性、目的性和能动性的心理活动。它使人清醒的察觉到自己在做什么，以及如何做才能达到一定目的的自觉心理。

无意识：亦称潜意识，指未被注意到的潜在的心理活动及在不知不觉中进行的一种隐蔽的心理活动。 大致可分为六种类型：误差无意识、病患无意识、梦幻无意识、本能无意识、习惯无意识和集体无意识。

误差无意识】：是指在言论和行动中，本不应该产生误差，却在无意识中发生了误差。如笔误、失言，张冠李戴等。 病患无意识】：包含着高烧病患、相思病患和各种不同的精神病患无意识。 梦幻无意识】：梦也是无意识的心理表现。大体有三类，第一类是心上梦，即日有所思，夜有所梦；第二类是荒诞梦，即梦中场景怪异荒诞；第三种是混合梦，即心上梦和荒诞梦交织在一起，一定程度上表现了日有所思的心理内容，又表现出了神经功能的紊乱。 本能无意识】：是由生理机能内驱力产生的先天遗传下来的心理活动。包括觅食、性本能、冷热反应等本能心理。 习惯无意识】：所谓习惯无意识，是指在意识的驱使下，对于某种心理活动或动作，经过长期的反复练习，最后达到高度熟练的习惯。即在长期反复练习的艺术实践过程中形成的习以为常的、自然而然地一种潜在心理活动。例如用餐时无意识地使用筷子，情人有说有笑地蹬着自行车，却无需专注脚下等都是习惯无意识的表现。 习惯无意识是一切无意识中最高级，最重要，最最富有熟练性和创造性作用的一种心理活动，它的实质是意识的直接延伸和熟练化，是意识的自动化和灵巧化，表现出人的超高的智慧和非凡的技能。 习惯无意识又可分为不同的种类和层次，如习惯无意识表象识记/想象/动机/推理/行为/语言等。 集体无意识】：是瑞典心理学家荣格的著名理论，他将无意识分为处于表层的个体无意识和处于深层的集体无意识两层。认为集体无意识是从人的祖先继承下来的原始经验的总和，是与生俱来的，凭借遗传，积蓄在每个个体心灵的深处，从而成为种族的心理积淀。集体无意识包括两大要素：其一为生理遗传方面的本能集体无意识，即延续种族维持生存的性欲和饥饿本能，其二为民族文化历史发展中形成的集体无意识，即一个民族或国家在长期文化历史发展过程中逐渐形成的民族性格和民族精神中最富有凝聚力的潜在民族心理。是民族的集体无意识，也可称为民族魂。 集体无意识在艺术家身上的体现尤为突出，因为艺术家对民族文化、历史发展的知识经过系统的学习，因此集体无意识的继承相当丰富；每个艺术家的头脑中形成的艺术心理定势，就包含着文化历史书籍、教师父母等人的言传身教等，形成了集体无意识；同时，也包括艺术家自己在长期艺术实践中形成起来的个体无意识。艺术家正是靠这种艺术心理定势和文化素养的支撑，才能产生创作冲动，创作出具有本民族风格的艺术作品。

灵感❤️：是指在创造性活动中，由于大脑皮层的高度兴奋，突然建立起新的神经联系，豁然开朗，取得突破的顿悟式心理状态。 从创作的实践经验来看，灵感就是百思不得其解的关键问题，突然因某一事物的触发而在无意中产生的一种顿悟。即“文思不期而至，涛涛乎如泉涌”；从心理和神经学的角度来说，灵感就是通过大脑皮质中的无意识心理活动，忽然发现了亟需的关键，从而形成了一种新的暂时的神经联系；从控制论来说，灵感就是突然接通了急需的信息。 【灵感的特征】是突发性，亢奋性，易逝性、创造性。（真题案例） 【灵感产生的条件】灵感产生必须具备一定的条件，这些条件是在长期努力学习和实践中创造出来的。 1、艺术心理定势 灵感的产生需要形成稳固的艺术心理定势，即长期艺术经验的积累。包括世界观、人生观、历史观、审美观、科学文化素养及社会实践经验等诸多要素的有机组合。 2、洞察和领悟 灵感的产生需要对存在本身具有敏感的洞察和领悟。灵感本身是一种超凡的直觉能力，这种直觉能力需要艺术家对生活和自然长期的观察、思考和感受，从而拥有发现事物之间的本质和规律的能力，使艺术作品不仅具有浮于表面，而且具有探讨事物本质的深度。例如《狂人日记》。 3、全身心投入 灵感的产生需要艺术家对所创作的艺术意向全身心的投入。集中精力进行创作实践，才能出现神与物游、如痴如狂的状态，从而为灵感的产生做好准备。即众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在灯火阑珊处。

艺术创作方法与艺术流派、思潮❤️

艺术创作方法❤️：是指艺术家在创作过程中对主体思想感情和客观生活的关系所持的基本态度和所遵循的基本原则，是某种艺术思想在创作中的体现，是指导整个创作活动的最一般的原则，因此，对创作的影响是全局性的。 表现手法是塑造艺术形象的具体方法也就是具体表现手段，例如文学中的叙事描写抒情舞蹈中的调度队形等等他们往往只对艺术形象的具体刻画起作用，对艺术创作的影响是局部的。 现实主义创造方法：现实主义创作方法是指艺术家按照生活的本来面貌通过艺术形象的典型化，真实的在线生活的一种创作方法它的基本特征是艺术描绘的客观性，艺术形象的典型性，思想情感倾向的隐蔽性。是艺术发展史上最具有影响的创作方法之一，它具有较强的生命力和较大的包容性。 （1）艺术描绘的客观性：现实主义追求忠于生活本来面貌的写实性，并且把描绘的目光集中在普通人身上。正如别林斯基所说，“现实主义文学要忠实于生活的，现实性的一切细节、颜色和浓淡色度”。因此，它的显著特色在于对现实的忠诚。例如油画《采石工》话剧《茶馆》等都是根据现实生活塑造的，都以生活的本来面貌呈现在观众面前，达到了合乎生活本来面貌的真实性。同时，现实主义的客观性还表现在艺术家是按照现实本身的逻辑真实的描绘现实，占支配地位的是生活本身的逻辑而不是作者的喜好和愿望。 （2）艺术形象的典型性：现实主义不仅要求写实地描绘生活的客观形态，还要求透过生活的表面和现象揭示社会生活的内在本质和规律。即生活的现象真实与本质真实的统一。它往往从纷乱的生活世界、人们的相互关系和性格中撷取最具有普遍意义的事件和人物性格特点等，加以创造成艺术性生活图景和人物典型。 （3）思想倾向和情感的隐蔽性：艺术是以情动人的，任何艺术家在事实上都很难做到纯客观，但是现实主义艺术家往往隐藏自己的情感和倾向，将它们有机融合在客观生活之中，通过对生活真实具体的描绘，自然而然的流露出来。与此相适应，现实主义在表现手法上往往使用朴素的艺术语言，客观写实的描绘、冷静细腻的刻画人物和事件，从而构成了现实主义的外部特征。 浪漫主义创作方法：是指艺术家以奔放的主观热情按照理想的面貌表现，生活的创作方法，它的基本特征是创作的重心，是追求理想，创造奇幻型的艺术形象和强烈的主观抒情色彩浪漫主义作为贯穿艺术史的创作方法与现实主义一样，是自古有之的，古代的图腾艺术与古代神话中就以大量存在 （1）创作的重心是追求理想：浪漫主义往往通过描绘人们应有的生活景象，表现人们的理想愿望和对现实的态度。然而在现实中理想与现实是矛盾的，因此，浪漫主义艺术家往往通过描绘人们所希望的美好世界来超越现实，正如席勒所说：“试图用美丽的理想去代替那不足的真实”。可见，浪漫主义实质上是文艺中的理想主义。 （2）创造奇幻型的艺术形象：浪漫主义所追求的是理想的境界，因此便存在与日常生活所不同的在客观事物中难以存在的奇幻的艺术形象。艺术家通过虚幻夸张的手法，创作出客观世界以外的奇人、奇事、奇境等超凡的艺术形象。如孙悟空、宙斯等。尽管浪漫主义往往选择神话传说或者虚拟世界，但它仍然是以对现实生活的感受为基础的，侧重于表现主观心理世界的真实，主要追求“神似”。刻画艺术形象主要依据情感真实的逻辑，而非依据客观现实的逻辑。 （3）强烈的主观抒情色彩：主观性是浪漫主义的重要特征，如同客观性是现实主义的重要特征一样。浪漫主义具有强烈的主观抒情色彩，往往塑造充满激情的情感形象，这是因为浪漫主义艺术家在创作中激情澎湃、喜怒哀乐溢于言表、思想遨游于现实之上、情感处在激荡之中，将主观情感融入现实世界，直接表达自己内心所向往的理想世界，主观抒情与艺术形象合二为一，强调内心感受的真实。与此相适应，浪漫主义在表现手法上，常常运用奇妙的幻想、强烈的对比、绚丽的色彩、昂扬的节奏、夸张的语言、离奇的情节、甚至超越时空，构成奇幻特色，形成浪漫主义的外部特征。

古典主义创作方法：是欧洲封建社会向资本主义过渡时期产生的一种创作方法。主要原则是要求创作忠于自然又合乎理想，强调复古，采用古代题材来表达艺术家对现实的态度，因此后人也将其称为新古典主义。他的鲜明特征是崇尚理性与克制，排斥感情，强调共性和原则，服从国家的需要，为君主之的利益服务。在创作上要求结构严谨，例如，“三一律”创作剧本，即故事必须发生在同一地点，情节一致，时间一致。采用诗的语言，粗俗文字不能出现在悲剧中等。它具有一定的现实主义因素，同时又有较大的封闭性和保守性。 自然主义创作方法：产生于19世纪的法国，后波及欧洲，它的基本原则是采用“纯”客观的态度，从事实出发，再现客观事物，强调描绘的实录性和详尽性，不要求典型化。这种创作思想与19世界崇尚科学的时代精神有内在的联系。 西方现代主义：发生在两次世界大战之间动荡不安和战后异化的环境下。是一个比较宽泛的概念，是19世纪末以来西方各种文艺新潮和艺术流派的总称。包括象征主义，表现主义，立体主义，未来主义，后期印象主义，超现实主义等。所谓现代，是以区别传统而言的，她以反传统为宗旨，表现了对人类生存环境强烈的危机感和绝望感等复杂情感。现代派作品在思想内容的典型特征是它所表现的对现代西方资本主义文化和文明的深切危机意识和紧迫的变革意识。 后现代主义：发生在20世纪后半叶，是在西方后工业时代的社会矛盾中产生的一种文化思潮，是资本主义社会文化艺术高度商品化和高度媒介化的产物。后现代主义崇尚解构主义，反中心、反权威、反深度，追求平面化、大众化、游戏化、娱乐化，打破艺术与生活的境界，主张艺术生活化和世俗化。在表现手法上后，现代主义往往采用反讽，拼贴，荒诞、嘲弄化模仿、矛盾叙述等手法直观的表现出当代世界的不确定性和分离状态。

艺术流派：艺术流派只在一定的历史阶段内，有一些思想倾向、艺术主张、创作方法、艺术风格等方面相近或相似的艺术家自觉或不自觉地形成的艺术家群体。艺术流派形成需具备两个基本条件：其一，要有一些具有一定影响力的或大或小的艺术家群。其二，这些艺术家在思想倾向、艺术主张、创作方法、艺术风格等方面有相同或相近的看法和理解。 【形成】：1、自觉形成的艺术流派，是指在一定社会，一定历史时期和社会条件下，由一些思想倾向、艺术主张、作品风格相近的艺术家自觉地组织起来，成立一定的组织，出版艺术刊物、有自己的代表作等。如西方现代派中的超现实主义，就是这种自觉的艺术流派。 2、不自觉形成的艺术流派，往往是由一个或几个代表性的艺术家，他们直接或间接地追随者将他们归纳为一个流派。是在后人总结艺术发展时被概括为某一流派的。如中国文学史上的江西诗派荒诞派戏剧等。

艺术思潮：是指在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，在艺术领域中出现的新的影响，广泛的艺术思想和创作倾向的潮流 【产生】1、具有一定的时代和社会文化背景，受特定时期社会思潮和哲学思潮的影响，反映了特定时代的艺术倾向和审美理想。如中国汉魏时期的建安风骨、唐代的古文运动等文艺思潮，西方艺术史中的古典主义，浪漫主义，现代主义等艺术思潮，都是在特定的社会思潮和哲学思潮的直接影响下提出的艺术思潮。 2、由于艺术自身的发展，对艺术思想提出新的要求的原因。如西方艺术中从重写实的倾向到写意和表现艺术发展的趋势。 【特征】1、新的艺术思想。包含新的艺术主张，创作倾向和反对的对象，新的创作原则，艺术手法，风格特色等 2、群体性潮流。艺术思潮是在一定艺术思想和创作风格影响下的群体性活动，表现为声势浩大，影响广泛的艺术思潮或艺术运动。

三者关系：既有区别，又密切联系。 【区别】：艺术流派是指某一类艺术中的某一派别。是在一定历史阶段内，一些思想倾向，艺术主张，创作方法，艺术风格等方面相似或相近的艺术家自觉或不自觉形成的艺术家群体。它偏重于从艺术史的角度解读具有相似主张的艺术家群体。 艺术思潮：定义+艺术思潮往往包含多个艺术门类中的多个艺术流派，它偏重于从社会历史的方面来把握某种艺术思想和审美主张。 创作方法：定义+创作方法侧重于体现。从主体创作的角度刻画艺术形象时所秉持的基本原则和艺术思想 【联系】：互为前提、相互统一、 相互促进艺术流派和思潮是互为前提条件，并且相互统一、相互促进的。有时流派的发展可以扩大，可以形成跨艺术门类的艺术思潮有时艺术思潮也可以发展出各种艺术流派。 创作方法体现了某个历史时期艺术思潮和流派的审美文化精神艺术流派往往推崇相诒而相似或相近的创作方法，而创作方法也会因艺术思潮，艺术流派的推动而迅速发展。 研究艺术流派、思潮、创作方法的现实意义： 1、有利于直接推动各时代艺术的蓬勃发展。 2、有利于深入了解艺术家及其作品的内在意义。 3、进一步证明再现与表现相统一是艺术自身的规律之一。

艺术作品论

艺术作品的构成因素：在结构层次上，它的构成要素分为两个方面：外在的物质形式和内在的精神内容。在艺术作品中，这两个方面是相互渗透、融会贯通的。

【艺术作品的内容】： 来源 于艺术家对生活的理解和认识，是艺术家与人生、社会进行精神交往的中介。 精神内涵 是艺术家在意识中创造出来的，因此是一种精神性的内涵。精神本无形，因此这种精神内涵需依附形式得以展现。 作用 于人的精神，能够陶冶人的情操、净化人的心灵、打动人的情感。 组成 艺术作品的内容不是抽象的概括，而是题材主题情节细节等因素融合而成。 不确定性 从艺术欣赏的角度来看，艺术作品的内容具有不确定性的特点。对于艺术作品的内容掌握往往因人而异，即“1000个读者就有1000个哈姆雷特”。 【艺术作品内容的构成要素】： 1、【题材】 从广义上讲，指艺术作品中所描绘和表现的生活情感的范围，也称取材范围。可用于区分艺术作品的种类，如山水花鸟题材，爱情题材，历史题材，神话题材等。 从狭义上讲，题材指的是作品中表现出来的具体生活情态和情感情态。例如，美国影片泰坦尼克号的题材，狭义地讲，就是片中全部的故事情节和人物所组成的画面，广义地讲这部影片的题材可称为灾难题材或爱情题材。 【题材的作用和价值】 题材无差别论：认为题材无关紧要艺术的价值在于艺术作品本身题材，只是艺术家建议表达感受的媒介强调艺术艺术作品本身的价值和艺术家的价值。 题材决定论：题材局认为题材决定，认为选材决定艺术作品的价值，将题材划分为宗教，神话，历史，风俗，风景，静物这样一个自上而下的等级次序这种题材等级的划分，充分体现了神犬统治阶级的思想和意志使艺术成为一种赤裸裸宣传统治和道德观念的工具也是对艺术家，艺术对艺术家创作个性的压制 综上所述，两种说法都有所偏颇，社会主义艺术提倡题材差异性与多样性的统一，百花齐放，只有这样才能满足社会对艺术多方面的要求。 2、【主题】 主题的产生有两个基本的条件，一是作品的题材，二是作者的思想感情。作品的主题是透过题材所表现出来的思想内涵，是作者的主观情感与客观题材相契合所产生的某种思想内涵。主题是作品的灵魂，是构成艺术作品的主导因素。在叙事性作品中，情节的安排、人物性格的发展都是在主题的引导下进行的。例如红楼梦中记叙的那些丰富的服装与配饰、丰盛的美味佳肴等若离开了与主题的联系，那么这些描绘和记叙就意义不大了。 【主题的特点】 作品的主题呈现多样化的特点。这与题材的差异性，艺术家的主观情感，思想审美理想等方面的不同都有关系因此，艺术作品的主题可以是政治性的，哲学性的，宗教性的生活情趣，自然之美等性质的在不同题材的在不同门类，不同题材的艺术作品中，主题的体现方式有所不同，文学，电影等叙事性艺术作品主题比较明确，而音乐，舞蹈等艺术作品的主题较为含蓄，而有些作品无主题，比如现代作品，现代作品的一些单纯的图案画，追求形式美就是其主要目的 主题具有不确定性当我们接触到一部作品时，题材是显现的，而主题是含蓄，隐蔽的，往往是在了解题材之后，经过不断的认识，体验，回味，才能悟出其弦外之音，思想倾向，进而总结出作品的主题因此。主题具有不确定性 【情与理】 我国文论中的情与理，即艺术作品中的情感与思想。情与理是构成作品的内容的重要因素，在艺术作品中并非抽象的表现，而是用生动的艺术形象来表现。情与理在作品中是融为一体的，或寓理于情，体现为不说之理，或寓情与理，表现为“理趣”。而主题就是艺术鉴赏中从艺术作品中提炼出来的情与理的精髓，它是艺术作品的精神力量所在。

艺术作品的形式】： 艺术作品的形式就是作品内容的具体存在样式包括内在的结构和外显的艺术语言两种形式因素构成这两种形式因素是密切相关，互相渗透的。结构的实现离不开艺术语言，艺术语言的组合也离不开结构的牵引。 1、结构 艺术作品的结构就是将具体艺术作品中的艺术语言或其他表现形式因素综合在一起，体现出艺术作品内容的形式。 在不同种类的艺术中，结构有着不同的表现形态。在叙事性作品中，结构的功能主要表现在故事的编织包括人物关系、建立情节、叙述顺序的布置等，即“布局谋篇”。戏剧作品的结构由演员的动作（包括语言、行动、心理活动等）构成。 【蒙太奇】（电影的结构） 蒙太奇思维运用于诸多艺术领域，狭义上的蒙太奇指的是组接镜头的方法和技能，广义上的蒙太奇主要注重影片整体思维、方法和手段的总结。是电影的一种表现手法，主要为了彰显影片的主体内容，把拍摄到的镜头整合起来，从而完成优质化电影的呈现。在电影艺术中，蒙太奇的手法主要包括：叙事蒙太奇、表现蒙太奇和理性蒙太奇。在电影中运用蒙太奇的思维和手法，不仅能够很好地展现电影内容，而且能够让电影变得更加灵动，从而表达出不同的电影内涵。 【曲式】（音乐的结构） 曲式运用音乐的各种形式因素，按照一定关系所构成的具体的音乐样式。例如，西方音乐的回旋曲式奏鸣曲式中国传统的宋词，元曲等都有各自的格律、曲式。 2、艺术语言 是指将艺术意象物态化的表现手段。包含了一切将艺术构思或艺术意象物态化的一切艺术表现手段，以及各种艺术媒介载体。每个种类的艺术都有自己的独特的艺术语言。例如，美术语言包括色彩、线条，颜料等因素音乐语言包括节奏，旋律和声曲式等因素，舞蹈语言包括有韵律，有节奏的动作，电影语言则是画面和蒙太奇。 【艺术语言的功能】艺术语言有两个最基本的功能，其一是塑造艺术形象，传达艺术内容。其二是审美的功能。

【内容与形式的关系❤️】：（P338） 一、内容重于形式—质胜文则野 二、形式重于内容—文胜质则史 三、内容与形式相辅相成—文质彬彬

艺术作品的相关属性

意蕴：是指艺术作品内在的含义、意义或意味。

艺术作品的意蕴大致可以分为四个层次：

1、第一层次寓于各门类艺术的物质材料之中。例如文学的语言文字，舞蹈的形体动作，音乐的音响节律，绘画的笔墨色彩，雕塑的泥土木石等。也就是说，各门类艺术的物质材料不仅具有特定的物质属性，而且创作主体对它有特定的审美感受，正是这种特定的审美感受，构成了艺术作品中物质材料的意蕴。 2、艺术作品意蕴的第二个层次包含在作品的形式构成之中。例如，电影作品中的分镜头和蒙太奇美术作品中点线面的组成关系以及其他艺术表现手法，都包含着艺术作品的意蕴。 3、艺术作品意蕴的第三个层次是作品中的物象、事件、情节等的自然意义。包括作品中的具体对象、具体情节事件（战争、爱情、伦理）以及作品中这些具体对象和情节事件所呈现出来的情感和情绪方面的表现特征（欢乐、悲伤）。 4、艺术作品意蕴的第四个层次是文化意义，即作品自身的文化意义和本质的意义。艺术作品中形象自身的文化意义，比如中国传统文化中的龙和凤，有约定俗成的含义以及最后的晚餐中的世间在宗教上也有确定的意义艺术作品中文化意义的第二方面是指作品中所包含的时代精神，民族精神等观念的总和。 例如，贝多芬命运交响曲的文化意义在于，它给人们造成了心灵的震撼，使人把命运的主题同当时巨大的社会变革与社会风潮联系了起来而我国国歌义勇军进行曲的文化意义在于它鲜明，强烈，雄壮的节奏充分表现出我国人民为争取国家独立，统一富强，前赴后继，浴血斗争的伟大时代精神和民族精神。 艺术意蕴有三个显著的特点：第一，它是感性具体的。（存在于艺术形象之中）第二，多义性（形而上的）。第三，它具有历史的生成性（外在因素影响）。

意境❤️。：【定义】意境是中华民族在长期艺术实践中形成的一种审美理想境界。是艺术作品整体所呈现给欣赏者的景真、情深、意切的出神入化的艺术境界，是内容与形式完美统一的有机整体中偏重于内容方面所表现出来的艺术效果。 【特点】1、意境是一种若有若无的朦胧美——虚实结合/虚实相生。例如中国绘画中的空白、诗词中的留白。 2、意境是一种由有限到无限的超越美——韵外之致。在作品之外，只可意会不可言传的意境。 3、意境是一种不设不施的自然美。追求天然之美、纯真之美、朴素之美，归结为一种自然天真的审美趣味。

【发展】意境作为中国传统美学中的一个重要的范畴，在古代大量的文论和画论中有十分充分的论述。最早出现在魏晋南北朝时期就有“意象”说和“境界”说；在唐代，诗人王昌龄把诗分为三境：物镜、情境、意境；刘禹锡和司空图又进一步提出了“象外之象”、“景外之景”、“思与境偕”等创作见解。明清两代， 围绕着“意”与“境”的关系问题又进行了广泛深入的探讨。近代文学家林纾和美学家王国维则强调“意”的重要性。林纾认为，“唯能立意，方能创建”。王国维提出了诗词创作中以“意”胜的“有我之境”和以“境”胜的“无我之境”两种不同的审美理想（境界说）。 【分述】1、所谓“意境”，首先就是情与景的交融。 艺术家们应将自己的情感注人到对象之中，成为一种客观化的情感，即寄情于景、托物抒情，只有这样，才能创造出意与境合、情景交融、感人至深的“意境”。例如文人画四君子。 2、“意境”不仅只是情与景的融合，而且也是艺术家的思想、审美观念及审美理想与客观景物的融合。这意味着，从主体方面看，“意境”中的“意”并非某种单纯的情感和情绪，而是情中有理，理中有情的。情因理而使“意”具有了深刻性和普遍性；理因情而使“意”具有打动人的灵魂的力量。 3、更进一步看，意境结构中的所谓情、理、气、格与境的关系，从根本上说，也就是一个主体与客体、世界与自我之间的关系。在意境中，自我的隐显不仅体现着自我对世界的态度，也由此制约着不同的意境的创造。王国维说：“有有我之境，有无我之境…有我之境，以我观物，故物皆著我之色彩。无我之境，以物观物，故不知何者为我，何者为物。”（有我之境：主观色彩浓郁，无我之境：客观观察描写为主）前者是那些意与境合，思与境偕，以真境求神境的作品。在这些作品中，自我融合于世界之中，“山 川与予神遇而迹化”，以大地之心为本，作品风格也犹如出水芙蓉，自然天成。后者则是那些境由意造，以情构景，因心造境的作品。 【作用】意境能使欣赏者通过想象和联想，如身入其境，在思想感情上受到感染。成功的、优秀的艺术作品往往能使情与景、意与境、物与我、情与理、形与神等因素和谐地交融在一起，即塑造鲜明生动的艺术形象，使作品产生强烈的感染力。

风格：艺术作品的风格就是艺术作品在整体上呈现出的具有代表性的面貌。是通过艺术作品表现出来的相对稳定、深刻地反映出时代、民族以及艺术家个人精神气质、审美观念、审美情趣、审美理想等内在特征的外部印记。也就是说，风格是艺术作品的独特内容与形式相统一、以及艺术家的个性特征与一定的社会历史条件相统一而形成的。它是使形式与内容以特定方式统一起来的一种核心力量。 【地位】风格的形成是时代，民族和艺术家在艺术上超越了幼稚阶段，摆脱了各种模式化的束缚，从而趋向成熟的标志。 【特征】艺术风格具有多样化和同一性的特征。一方面，由于社会生活本身无限丰富的多样性，艺术家独特的创作个性以及欣赏者审美需求的复杂性等，决定了艺术风格的多样化；即使是同一艺术家的作品，也会在不同时期具有多样的风格，如毕加索的蓝色时期、立体主义时期、超现实主义时期的作品风格迥异，齐白石早期中期和晚期的绘画作品也经历了从清丽到仓奇的巨变。 另一方面，许多艺术家由于性格上或思想上的特定原因，或受到时代，民族阶级的审美意识和艺术发展的制约，他们的作品可能在风格的倾向上有某些大致相近或类似之处，从而显示出风格的一致性。 【把握】艺术作品的风格我们可以从不同的角度和层次来对其进行确定，比如，从文化学的角度把握艺术作品的时代风格，民族风格，从艺术学的角度把握艺术家的个人风格以及一定地域和群体的艺术家所呈现出来的风格类型。

格调：格调是艺术作品中一个重要的属性，他寄语作品的风格和意境，形式和内容有密切的关系，又有自身特定的内涵意境是一语像情与警务与我的统一关系，在作品中的整体呈现风格是作品的总体倾向和艺术家创作个性的主要特征，而格调则是作品中表现出来的美学品格和思想情操，是艺术家艺术造诣，文化修养，审美理想和思想品格的总会体现。 从创作角度看，作品的格调是作者思想境界和艺术境界的最高体现，从欣赏者角度看看，作品的格调是艺术批评的重要标准之一 艺术作品的格调有高低雅俗之分，首先体现在艺术作品思想，内容和创作力，一方面对生活中的真善美假恶丑的判断能力，在很大程度上决定着创作格调的高低，格调高的作品可以分为两种类型，一种类型是在作品中能看出艺术家深厚的传统功力，并能恰如其分的利用他们来表达相应的思想感情，另一种是那种富有探索性和独创性的作品，从这类作品中能看到艺术家对传统的艺术观念的批判和所开辟的新的艺术领域 格调与风格都是艺术家在创作中艺术个性的集中体现，风格更多的体现在艺术家基于个人的生活感受和艺术气质，运用丰富个性的艺术语言时所形成的不同于他人的艺术风貌，而格调则是这个人艺术风貌所具有的美学品格，掇只渗透在作品中的意蕴和情调

品味：原是矿物学上的术语，后引入文艺理论领域。品味的形成是艺术家从不同的艺术观念出发把握生活的结果。由于艺术家的世界观念、艺术追求和审美偏好的不同，因此形成了不同品位的艺术作品。 评判一件艺术作品的品位高低，主要是看该作品中有益于提高人们精神素质的文化含量和美学含量的高低。

商品属性❤️： 从马克思主义政治经济学的观点看，商品就是用于交换的劳动产品，因此艺术的商品属性也就是它作为劳动产品和交换物的双重属性。 1、艺术作品的商品属性，是它作为劳动产品和交换物的双重属性，二者缺一不可。简单地说，当艺术作品进入市场进行交换时，它就具有了商品属性。 2、作为商品的艺术作品，是一种特殊的商品。 ①艺术作品作为审美鉴赏的对象是精神产物，具有不同于其他一般商品的特殊使用价值。艺术创作难以转化为一般的无差别的人类劳动，其艺术价值或精神价值难以准确地估量判断。 ②艺术作品不同于一般产品的地方还在于在其生产过程和接受过程中，会受到传统文化和当代社会各种思想观念和流行风尚的影响。 由此，艺术作品的艺术价值在艺术市场的交换过程中并不一定能够真正得以实现。在特定的历史条件和时间范围之内，艺术品的价值与价格的背离可能是相当严重的。 一般而言，艺术作品的审美价值和商品价值之间的矛盾主要来自买方的审美趣味、审美标准与艺术探索及艺术作为精神产品之间的矛盾。商品属性不是艺术作品的内在属性，而是在市场经济中被附加的外在属性。 从根本上讲，艺术作品的实质是具有审美意义的精神产品，其真正的内在价值在于它所具有的艺术性或精神价值，而不是它表面的商业经济价值。

艺术作品的艺术美

艺术美的根源：现实世界。艺术美是现实美（包括自然美与社会美）在艺术家头脑中反映的产物，是现实美的反映，是人的和合目的性与合规律性的审美创造。 1、艺术作品中的艺术美不仅来自现实生活（政治生活、经济生活、文化生活、情感生活等等）。 2、艺术作品中的艺术美来自于自然界的美。例如：印象派美术作品中的光与色、中国山水画中意境的特定美感都是艺术家们研究自然“外师造化”“行万里路”的结果。 所以艺术作品的艺术美从根本上来说来源于人类的现实生活，来自对大自然的深切感受艺术家是艺术家对社会生活和是艺术家对现实世界审美体验和审美认识的物化形态。

艺术美的条件： 艺术美的条件可以从以下两个方面来展开叙述。 1、美的艺术作品必须是完整的，内容和形式必须是和谐统一的。内容和形式的完美统一，是艺术作品艺术美的必要条件。 2、艺术美的条件还包括艺术作品的意蕴，意境，风格和格调等因素。（这些因素是优秀艺术作品的基本要求，但不是最高要求）。

艺术美的特征：艺术美的特征包括以下三个方面 1、超越现实生活的永恒性与普遍性。（永恒性）艺术美高于现实美，艺术美是由艺术家心灵产生和再生的美，已经与现实生活中的原生形态有了本质的区别，也就是说它是一个新的现实，新的实在。现实生活是在不断变化发展着的、是稍纵即逝的，而在一定程度上，艺术作品能够超越创造它的艺术家生命的有限性，使艺术美永垂不朽。 （普遍性）艺术来源于社会生活，凝聚了艺术家思想理念，具有现实世界不可比拟的普遍性。 2、广泛的传播性与感染力。现实生活中的美的传播能力是有限的，只能在一定范围内传播，而艺术作品的艺术美能超越时空的限制，向不同时空的众多接受者施加影响。 3、高于生活的独创性。艺术作品的美是艺术家对现实的美进行观察、体验、思考、创造的结果，艺术家的特殊个性和对生活的洞察力，能够改造生活的原生形态，使其作品富有创造性。 同时，艺术作品的美可以反作用于生活本身。可以参与到时代精神的建构过程中去，最终成为时代精神中不可缺少的一部分。

艺术接受论

【艺术接受的性质和特征】： 艺术接受 定义：艺术接受是一种以艺术作品为对象，以积极能动的阅读和再创造活动，是欣赏者在特定审的主动选择、接纳和抛弃。艺术活动作为人类最重它还是作品的传播、消费和接受活动。 意义： (1)艺术作品只有经过传播、消费与接受活动，才能成为现实的作品，艺术作品的价值才能得到显现，艺术活动才能得以完整地实现。严格来说，没有艺术接受，就没有真正意义上的艺术创作。 (2)艺术接受是一种积极能动的审美再创造活动。它使接受者主动参与再创作，体现了人的能动性。 (3)艺术接受是人类自我的审美实现。 艺术接受的性质与特征 一、艺术接受的性质 1、艺术接受是构成艺术活动完整性的重要环节。 ①艺术接受和消费是艺术活动的完成 ②艺术的接受与消费在潜在意义上是整个艺术活动在观念与动机上的起点 ③艺术接受与消费贯穿于整个艺术生产活动之中（隐含的读者） 2、艺术接受是特定的审美接受方式。 ①一个艺术作品可以从不同的角度去接受，接受方式和态度不同，艺术作品所呈现出来的性质则不同。例如张择端的清明上河图，从历史学的角度去研究，也就是历史学的接受方式，那么它就是研究宋代民情风俗的旁证，他的审美特征就被历史学的接受方式给遮蔽了。 ②而艺术作品的审美属性呈现出来的特定的接受方式－审美态度，即是对艺术作品采取一种无利害、超功利的观赏态度，这里的无利害和超功利是相对于人们在日常生活中对其他事物功利性的态度而言的。 3、艺术接受是艺术返回社会生活的必由之路。 必须通过艺术接受环节艺术作品才能返回社会生活，去完成干预、建构生活的使命。体现在以下几个方面，①艺术返回社会生活在与艺术接受的形式中。也就是说，当艺术家的作品通过社会传播而与广大的观众建立关系时，本身就意味着艺术作品返回社会生活。②艺术接受是艺术重返社会生活还表现在它对社会生活的影响和构造新的社会生活上。艺术作品是对现实的表现，同时也是对现实新的构造，艺术作品不是现实概念的具体说明，观众会与艺术作品所构造的新的现实产生共鸣，从而能以新的态度，新的眼光重新审视现实生活，把是把精神力量转化为物质力量，在社会实践中重新审视、构造新的现实。 二、艺术接受与艺术作品 1、艺术作品是一个有待实现的对象。在艺术作品未被创造出来，还未进入艺术接受之前，他还仅仅只是一个有待实现的对象。理由之一在于艺术作品虽然必须通过物质材料才能存在，但从根本上来说。他是精神产品。艺术作品中注入了艺术家的思想情感，有着丰富的社会内容和审美价值，当艺术作品中的思想情感没有被接受者所感受、理解时。他还仅仅只是一个潜在的存在物。理由之二在于艺术家在表达自己的情感、思想和审美理想时总是要运用艺术语言，但是艺术语言与其所指的广阔对象（社会生活、思想情感、自然美等等）比较起来是有限的，因此，当艺术家创作艺术作品时，他只能对有限的艺术语言进行选择，这意味着艺术家必须充分考虑到艺术语言的有限性，和表现对象的丰富性、多义性之间的关系通过有限的艺术语言暗示出无限丰富的内涵，也就是说，艺术作品的结构就不可能是一个封闭的面面俱到的结构，而是为接受者留有想象空间的开放结构。 2、艺术作品召唤结构的实现。 以美术为例，我们可以把美术作品的召唤结构分为几个层次，①物质材料层②形式结构层③客体所指含义层④意义和意味的集合层。 三、艺术接受是一个无限的创造过程 从根本上说，艺术接受的创造性在于历史视野与现代视野的融合。也就是说，任何一个艺术接受的主体都必然带着它所处的时代精神和时代特征，对某一作品的理解和感受不同于以前历史中的接受者，他将用新的眼光去接受、评价、创造它。 ①艺术接受不受时空的限制。在时间上，艺术作品可以面对不同地域的接受者，在空间上，艺术作品能超越作者的时代，去面对历史中无限的接受者。②艺术作品接受的无限创造性还在于作品本身的召唤性特征。③人类历史是不断发展的，不同历史中的接受主体会对同一件作品有不同的感受、体验、理解和创造。（现代视野） 隐含的读者 定义：隐含读者是由德国接受美学代表人物伊塞尔提出的，隐含读者是相对于现实的读而言的，是指作家本人设定的能够把文本加以具体化的预想读者。也就是说，是作者预想出的他的作品问世之后，可能出现的或应该出现的读者。因此，隐含读者不是指具体的实际者，而是指一种超验读者、理想读者，它在文本的结构中是作为一种完全符合对阅读的期待设想的。 决定因素：作家创作的动机、作家的选材、文体特点、作品的内涵等都会决定隐含读者存在。 评价：隐含读者意味着文本之潜在的一切阅读的可能性，它回答的是文本的各种阅读如何为可能的问题，实际读者其实只是对文本中隐含读者的不充分实现。 召唤结构 定义：指由众多空白构成的文本体系，其间的空白由读者运用自己独特的体验和想象去填充。召唤结构是艺术作品因空白和否定所导致的不确定性，呈现为一种开放性的结构，这种结构本身随时召唤着接受者能动地参与进来，通过想象以再创造的方式接受。 作用：它由很多“空白”组成，当读者将自己独特的体验和想象置入文本，将作品中的这些空白填充起来时，作品才真正成了读者的作品，作品的艺术世界才真正成为读者的世界，作品中的不确定性才得以确定，艺术作品的审美价值才得以实现。在优秀的作品中，欣赏者借助自己的想象和体味，可以在有限的文字中得到无限丰富的意蕴和旨趣。

艺术接受的社会环境与环节： 【艺术世界】 艺术接受活动需要一个相应的社会环境为其提供场所和设备；需要管理、运用、操作这些场所和设备的主体；以及支配这一接受的社会环境的规则和制度才有可能。 艺术世界的构造：“艺术世界”的概念首先是由丹托在《艺术世界》的论文中提出。著名美学家迪基继承了这一概念，他用“艺术世界”来指艺术品赖以存在的庞大的社会制度。豪泽在谈到艺术的传播问题时也指出了”中介体制“的概念。艺术世界的构造主要分为三个部分。第一部分：为艺术做出贡献的各种意义上的主体，第二部分：各种艺术机构，第三部分：支配艺术世界运转的规则和制度。 第一部分：为艺术做出贡献的各种意义上的主体 艺术家：为艺术接受提供了最直接的对象——艺术作品； 批评家：艺术家与艺术接受之间的“第三者”、“中介者”； 艺术理论家和美学家：通过对艺术世界中的各种问题进行理论上的思考间接影响艺术接受的潮流与趋向； 艺术史家：是历史中艺术作品的直接接受者，也是艺术传统中的阐述者； 各种艺术机构中的任职人员。 第二部分：各种艺术机构 艺术机构，也就是豪泽所说的“中介体制”。美术接受的中介是指美术世界能在美术家与观众，美术作品与接受活动之间起沟通的桥梁作用。“美术世界”作为美术接受的中介环节，自身就表现出接受性。比如说，中介体质中的各种机构，在为美术作品和接受者提供传播和接受场所、设备等条件之前它自身就必须首先接受那些美术作品。包括美术展览馆、新闻媒介、美术出版社、美术博物馆美术市场、美术院校等。 第三部分：支配艺术世界运转的规则和制度： 艺术世界是一个专业化的世界，是艺术历史发展到一定阶段而产生的；从艺术接受的角度看，就是为了人们从审美立场去接受艺术作品而建立的世界，这个专业化世界是随着人类历史的发展而建立起来的。由于艺术世界的存在，艺术作品在传播、接受过程中的中介就逐渐增多，艺术接受的过程也随之复杂化，在艺术世未建立之前，艺术作品与接受者之间在其社会学的意义上是无中介的。 艺术世界的三个部分内在相互关联，去掉任何一个部分都会影响到艺术接受。同时，艺术世界还有两个明显的特点，第一个特点是：艺术世界是一个专业化的世界，是人们从审美的立场艺术作品的接受而建立的世界。这个世界就其自身的本质特征而言，是拒绝人们用纯政治的、道德的、宗教的态度去接受艺术作品的，他们应该把这些态度融化、渗透在审美的态度中。第二个特点是：由于艺术世界的存在，艺术作品在传播、接受过程中的中介逐渐增多，接受过程也越来越复杂。这意味着，艺术世界的建立虽然为艺术接受创造了条件，但是他的中介性特征也使艺术与生活的距离拉得越来越远。 【艺术世界的性质与功能】❤️ 1、中介性，艺术世界在艺术家与观众，艺术作品与接受活动中起到沟通桥梁的作用。艺术世界作为中介，它的沟通功能使艺术作品的接受大众化，社会化，它的隔离功能。使艺术家与观众的关系变得陌生，疏远，限制了艺术家的创造力，他的积极性在于保证了艺术家创作的相对自由，少少受外来非艺术力量的干扰，同时。他也扩大了消费者选择接受对象的广度，深度，并保证了接受者选择接受对象的自由。 2，接受性，作为艺术接受的中介环节，它自身就表现出接受性。接受性是指艺术世界内部的艺术接受活动。艺术接受想要作为传播中介，前提就是它要为接受者提供接受对象，即他应该首先是艺术作品的接受者，其次才是艺术作品的阐释者和传播者。 3，主动性，艺术世界并不是被动的、毫无选择地将艺术作品介绍给接受者的，艺术世界的各个机构、各个环节都以自身的特点和方式主动地参与到接受活动中，影响并导向艺术接受的趋势潮流、深度和广度。 4，制度化与惯例性，艺术世界是一个为了艺术创造和审美接受而设立的专门化世界。从社会学的角度来看，是以它的制度和惯例来维持的。所谓的惯例是指在人类艺术历史的发展过程中，逐渐的潜在的形成一些约定俗成的规则。例如美术馆，音乐厅、剧场的功能、艺术学院的功能，都是在艺术发展过程中由于社会分工的不同逐渐形成的。还包括如何分归类艺术风格，什么是中国画，什么是艺术品，什么是舞蹈等等，都是在人类艺术历史的发展过程中逐渐、潜在的形成的约定俗成的规则。 艺术接受的社会环节：（艺术世界的具体论述） 艺术展览馆—新闻媒介—艺术出版社—艺术博物馆—艺术市场—艺术院校

艺术接受的内在过程：艺术欣赏与艺术批评 艺术欣赏在艺术接受活动中，艺术欣赏是一种最主要的艺术接受方式，也是其他一切艺术接受方式，如艺术批评、艺术史研究的基础。它也是所有艺术活动中参与人数最多、最具大众性、群众性的活动。艺术欣赏是一种非反思性的审美认识活动。艺术欣赏的性质特征性质：认识活动、审美的认识活动、非反思性的审美认识活动（欣赏的主客体之间处在一种直接的、不间断的交流和对话中）特征（一）在艺术欣赏中感性与理性是相互统一艺术欣赏的对象，即艺术作品本身就是以感性和形象的方式呈现给欣赏者的。但又不止于感性，而是在感性的形式和形象中包含着真理、道德、社会理想等丰富的理性内容。感性与理性不是分裂的，而是相互交融、相互渗透的。（二）在艺术欣赏中充满着联想和想象联想是指由于某人或某种事物而想起其他相关的人或事物；由某一概念而引起其他相关的概念。想象指的是一种特殊的思维形式。是人在头脑里对已储存的表象进行加工改造形成新形象的心理过程。它能突破时间和空间的束缚。在联想和想象的过程中，欣赏者把自己投入到作品之中，从而使欣赏者与作品、作品与广大的现实生活、 历史时空结合起来。艺术欣赏中的联想与想象，既是认识理解艺术作品的特殊方式，也是艺术欣赏中审美享受的重要条件。（三）在艺术欣赏中始终饱含着感情在艺术欣赏中，艺术作品的情感是最重要，最具有普遍意义的。这是因为艺术家通过艺术语言要表达和欣赏。者从艺术与作品中体验到的都已不是艺术家或欣赏者个人的私人感情，而是通过语言符号化。普遍化的人类共同的情感，事实上正是因为艺术表达情感这一特征，才使得艺术欣赏。能让不同时代，不同民族的人们超越历史和文化的限制，达到相互了解，相互交流的目的。 艺术欣赏的过程准备阶段—初级阶段—高级阶段准备阶段1、定向与期待 心理定向：是指心理活动的准备状态和注意的指向性，接受主体准备欣赏艺术作品时， 首先要进入适合审美接受的一定心理状态。期待：是比心理定向更进一步的接受和欣赏的心理准备状态，当接受者有了相应的接受和欣赏艺术作品的心理定向时，注意有了相应的方向，同时对将要接受的艺术作品产生相应的期待。 2，审美态度的形成接受者心理定向与期待的形成过程，同时也是他审美态度的形成过程。审美态度是主体对审美对象所持有的态度，主要是心理状态。它受时间地点、艺术形象等客观因素的影响。同时也受接受者审美经验以及相关知识的影响。审美态度是接受者审美能力的一种表现形式。 (二）初级阶段1、知觉——完形与弥散；2、知觉——错觉；3、知觉——“差异原理”与“陌生化”准备阶段形成的心理定向，期待，审美态度不会随着进一步接受过程的展开而消失， 而是随着接受过程的深入由新的内容维持。1，知觉——完形与弥散完形：接受者面对艺术作品时，最初感知到的是作品中可视的形态、形象和形式完形心理学认为，接受者对作品外在形式的感知并不是杂乱无章的，由于作品本身具有完整性和有序性，所以接受者对作品外在形式的感知也是如此。 弥散性：在接受和欣赏艺术作品时，接受者不是仅仅从复杂结构中抽取完形，简化形式，而经常是放松注意力的焦点，把视知觉弥散在作品的细节上，去感受笔触，刀法，声音，动作的韵味，颜色的细微差别，光影之间的微妙过渡等。2，知觉——错觉a，空间错觉：对于视觉艺术而言，接受者对艺术作品的空间错觉，与艺术作品的占有空间和呈现空间的方式有关系。b，物象错觉及其他：对作品中物象的错觉，体现在对写实性绘画的接受中；对艺术作品物象的视错觉，是以接受者的生活经验、文化和艺术传统中对作品形象的原型知觉为其背景和参照系的；对艺术作品的接受过程中，错觉还可以表现在运动方面以及比例方面。3，知觉——“差异原理”与“陌生化”接受者对于原型有差别的视觉形象比较敏感，超越接受者自身知识经验，能够产生一定“陌生化”的艺术作品较能引起接受者的注意。差异与陌生化有一定的限度，离接受者期待水平太远的作品无法被接受。 三，高级阶段1，理解对艺术作品的理解实际上在知觉阶段就已经开始了，但反思性的理解愉悦是对艺术作品更深化的把握。接受者对艺术作品的理解总是建立在他过去对艺术作品的理解，接受者称之为“前理解”或“期待视野”。a，前理解。又称为审美的期待视野，接受美学术语，最早由社会学家曼海姆和哲学家波普尔提出。是指在理解之前及理解过程中，接受主体基于个人和社会的复杂原因，包括对以往艺术作品的理解，乃至所有的知识经验，在心理上形成的一个既定的结构图式。读者依据这一整套结构图式来考察艺术作品，在前理解和实际接受新经验的相互作用之间形成理解，每一次艺术作品的理解活动是以接受前理解为基础的，而每一次理解都会产生新的知识，丰富接受者的期待视野。b，理解的循环：这个循环可用狄尔泰的一段话来界定：“整体只有通过理解它的部分才能得到理解，而对部分的理解又只能通过对整体的理解。”首先，从对一件作品的理解来看，接受者必须理解作品中的部分才能理解整体。其次，任何一件艺术作品都是特定的历史文化的产物，相对于广大的历史文化的背景来说，艺术作品只不过是它的一部分。第三，中国“知人论世”同样是接受者理解艺术作品的一个原则，要理解某位艺术家的作品，就要仔细了解艺术家的种种。第四，文学理论中“互文性”概念，用来表达历史上文学作品之间的相互关系，艺术同理。艺术作品理解的开放性体现在它与人类整体艺术史的“互文性”关系之中。第五，在以上四者之间同样有一个理解的循环问题。c，理解中的还原和误解，任何接受者的理解都不可避免的带有主体自身的特点，在艺术接受领域。理解的“误解”是不可避免也是正当的，伽达默尔称之为“合法的偏见” 每个时代对艺术作品都可以做出新的积极的意义理解。误解并不意味着对作品可以进行任意的误解，不是所有的误解都有价值。由于偏见的不可避免，艺术作品在某一历史时期的特定意义是不可能绝对还原的，但在最大限度上，接近历史“本来意义”的努力企图下，往往可以深化我们对艺术作品的理解和对历史本身的理解。2，体验在艺术作品的接受过程中，体验是最高级阶段，也是最能与艺术作品的存在方式和本质特征相吻合的接受方式。a，在体验中包含着对作品深刻内涵的把握。b，在体验中，作品内容完成转化为有意味的形式。作品形式也闪烁着作品的意蕴和意味的光辉。在体验中，想象力和知解力达到自由和谐的状态，由此才能在接受艺术作品中把主体与客体，直觉与理性，直接性与深刻性达成统一。3，回味回味是对作品的直接欣赏经验结束之后，对于作品记忆信息的再度审美接受，回味是接受者对所接受的艺术作品的一次重要选择。只有深深打动接受者的作品，才能进入接受者的回味，富有审美魅力的作品会在很长时间一直以表象的形式留存在我们的记忆中，供我们回味思索。 完形心理学：完形即整体的意思，格式塔（Gestalt）是德文“整体”的译音，因此又被称为格式塔心理学。完形心理学认为整体先于部分，部分之和不等于整体。一件画作不是所有颜料之和，而是由于观众对于作品进行连贯的，有序的理解才能欣赏画作。 异质同构 是格式塔心理学的理论核心。代表人物是阿恩海姆。格式塔心理学派认为在外部事物的存在形式、人的视觉组织活动和人的情感以及视觉艺术形式之间有一种对应关系，一旦这几种不同领域的力的作用模式达到结构上的一致时，就有可能激起审美经验，这就是异质同构。该学说综合运用了现代科学的系统论，整体论，综合了心理实验和其他相关学科的研究成果，但其学说忽视了社会历史因素和现实因素对人的情感活动，审美活动的影响有其局限性。

【艺术接受的社会功能】page257： 1、认识功能 2、教育功能 3、审美功能

艺术的审美教育 （一）艺术的审美教育与美的观念：艺术的审美教育建立在艺术所具有的功能以及与艺术这种语言形态相适应的接受方式基础之上。培养接受 者的审美观念是审美教育的重要目的，美的观念既是联结美与美感的中介，又是美感发生的基础。所以，在进行艺术的审美教育中，培养人们的正确而又深刻的美的观念应是首要任务。美的观念：美的观念就是那些既反映美的事物的种类的本质和规律，又反映经过典型化了的、非常鲜明的美的事物的 个体的现象和形式；既有感性认识中的具体形象，又有理性认识中的高度概括性，既有某类事物的个别性， 又有该类事物的普遍性。（二）艺术审美教育与审美能力艺术的审美教育要培养的是一种特殊的能力，它们包括对艺术的审美态度，对艺术作品的形式、结构、语言特征、风格样式的感受力以及对艺术具有丰富的审美经验（三）艺术审美教育的特点：(1) 寓教于乐古罗马诗人、文艺理论家贺拉斯在《诗艺》中提出的有关诗的作用的一个重要观点， 即诗应带给人乐趣和益处，也应对读者有所劝谕、有所帮助。“教”，既指社会道德教育， 又指文化开发，教是目的，教必须通过乐的手段才能实现，教化功能在艺术作品中不应脱离使人获得愉悦的具体形象，欣赏者总是在审美体验和审美感受中得到陶冶和教化。育教于乐说，同时也揭示了艺术的本质特征，艺术中所包含的普遍性的真善美必须通过明晰的个性化转化为。个体可以直接接受的形式艺术作品必须是形式与内容美的融合统一。 （2）潜移默化艺术的审美教育所产生的影响不是通过硬性灌输，也不是纪律的约束强迫接受获得的，而是艺术作品所包含的美和意义熏陶、感染了接受者的结果。艺术作品是以感性形象的具体性和生动性来表达作者的思想感情的，只有这样，接受者才能感受到作品的全部魅力。正是这一过程中，接受者在不知不觉中受到作品的感染和教育，精神境界也就会在不知不觉中发生变化。可以说，艺术的审美教育这种“潜移默化”的作用和特点就像和风细雨之于禾苗，虽使之茁壮成长但又是润物无声。3.审美教育的意义：(1) 艺术的审美教育与人的全面发展：在现代社会，艺术世界已成为我们生活中不可缺少的一部分。在艺术作品中，生活的各个方面，各个领域能相互关联呈现为一个统一的整体。使我们细致入微地体验现实生活的复杂性与多面性以及艺术家的创作精神等。审美教育可使人们更全面，更具体地感受到现实生活的意义。（2）审美教育在国民教育中的位置：审美教育能够帮助人们形成健康的审美趣味和正确的美学观念，提高人们欣赏美、感受美和创造美的能力， 成为一个在真善美、知情意各方面全面发展的人。美育与其他教育之间也是相互联系、相互渗透统一的：德育、智育、体育是美育的基础；审美教育对于德育、智育和体育也有反作用；c.审美教育在整个国民教育中属于更高层次的教育。 审美直觉 审美直觉，是指人们在审美活动或艺术鉴赏活动中，对于审美对象或艺术形象具有一种不假思索而即刻把握与领悟的能力。它是审美与艺术活动最重要的一个特征。审美直觉是整个艺术鉴赏活动的开始。

艺术与其他意识形态的关系（了解）

区别、相互影响的关系

科技❤️（137）重点

政治（282）

道德

宗教（286）

哲学

艺术本质论

艺术的社会本质（社会意识形态/艺术来源）

一、艺术在社会中的位置 1、艺术的发生和发展都离不开人类社会，所以社会性是艺术的首要本质，艺术是一种社会意识形态，是经济基础的上层建筑，它反映经济基础也反作用于经济基础。（由经济基础决定：青铜艺术、扬州画派） 2、艺术是更高的悬浮于空中的，更远离经济基础的特殊的社会意识形态。需要通过中间环节联系于经济基础。 上层建筑包括两个部分，一是政治，法律等制度，二是社会意识形态，社会意识形态，包括政治观点，法律观点，哲学，宗教，艺术等。社会意识形态都反映经济基础并反作用于经济基础，且各种意识形态之间是相互影响，相互作用的关系。

二、艺术与社会生活的关系 1、艺术来源于社会生活 2、艺术反映全面的社会生活 3、艺术来源于生活又高于生活

三、艺术生产 【定义】马克思最早明确提出了艺术生产这一概念，把艺术看作生产的特殊形式，马克思的艺术生产由两层含义，一是艺术活动的生产实践性质，二是艺术活动作为“物质生产”相对应而存在的“精神生产”的一种特殊的生产方式。 艺术是一种特殊的生产形态，即精神生产形态 艺术生产理论（补充） 首先，艺术生产理论揭示了艺术起源的性质和特点：艺术生产从根本上而言，应当归结于人类的社会实践活动。 其次，艺术生产理论阐明了两种生产的不不平衡性。物质生产与艺术生产的发展是不平衡的，一，对于不同发展时代做纵向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性，二，对同一时代，不同地区做横向比较，艺术与经济的发展具有不平衡性，三，对艺术内部不同艺术种类做比较，艺术与经济的发展具有不平衡性，同时，我们又应当看到，两种生产不平衡的现象与艺术生产最终必然受到物质生产制约并不矛盾，前者是个别特殊的的现象，后者是一般普遍的规律。 最后，艺术生产理论揭示了艺术系统的奥秘，把艺术创作，艺术作品，艺术欣赏作为完整的系统研究，指出艺术品与欣赏者，对象与主体，生产与主体之间存在相互依存，相互转化的辩证关系。 艺术生产的实质和意义 1、艺术是一种人类认识世界、改造世界、创造世界与创造自身的生产实践活动，具有一般生产活动的普遍性， 如自由、自觉、合目的性与合规律性相统一。 艺术生产是一种自由的精神生产，审美创造，审美是它的本质特征。2、在艺术生产中，艺术把人的主观活动与客观世界高度统一起来。一方面将主体的客观世界的审美认识和审美体验物化或对象化到作品中，另一方面又为人类提供精神消费产品，通过影响人的精神最终影响客观世界。

艺术的认识本质（艺术家精神观念的物化形态）

一、艺术是对世界的一种认识

旧唯物主义认识论否定艺术家主观能动性

马克思唯物主义反映论：社会生活在人头脑中反映的产物

艺术认识世界与宗教/哲学的区别

二、艺术认识世界的方式（艺术形象）❤️

艺术形象是主观与客观的统一

艺术形象是感性与理性的统一（内容与形式）

艺术形象是共性与个性的统一（艺术典型）

艺术形象是真实与假定的统一（表现与再现/艺术的真实）

艺术的审美本质（是一种审美的意识形态）

一、艺术与美

现实美： 即现实中美的事物的美。大概可以分为两类，自然美与社会美。自然美是指自然界中存在的美，即自然事物的美，社会美是指人类社会关系中的美，即社会事物的美。而人的美则既有自然美的一面，又有社会美的一面。现实中，客观存在着大量美的事物，在自然界中，既有湖光山色、风雨飞雪等美的自然现象，又有莺歌燕舞、百花齐放等美还有美的动物植物；在社会关系中，既有炊烟袅袅，红泥火炉的人间烟火，又有德艺双馨、品德崇高的众多人物和人们之间的深厚情谊。 艺术反映现实美：法国农民画家米勒的名作《晚钟》。

艺术美❤️（现象）：艺术美：指的是艺术作品的美，是由创作主体的审美认识而产生、按照“美的规律” 并为着美的目的而创造的事物的美。 它是人对现实审美认识的集中表现，是艺术家根据美的现实而创造出来的第二现实的美。 艺术即能根据美的现实而创造艺术美，也能根据丑的现实而反映现实丑，并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美。 在艺术中，现实丑的本质范畴转化了，其现实性削弱了艺术性加强了。作品中的形象被注入了艺术家的认识、情感和评价等主观精神因素，从而成为一个典型形象。

二、审美本质

审美关系的确立 美可以说是艺术作品的灵魂，审美则是艺术的核心本质。（一）人与现实的审美关系审美关系：指审美主体与审美客体之间发生美学上的关系。条件：生产实践劳动、人本质力量的审美需要“人化的自然”经由生产劳动实践，自然界从与人无关的、敌对的或自在的状态，变成与人相关的、统一的、为我的对象，其结果使人逐渐认识到客体对象的美并掌握了美的规律，从而发展起人的审美功能。

美的本质美感的本质： 美的本质：即美的规律（由马克思在《1844年经济学—哲学手稿》）中提出来。 美的规律关系到事物的本质特征、内容与普遍性，也关系到事物的外在的现象、形式和个别性。美不是抽象的，美是形象的真理。 一个事物，只有当它以其现象的真实充分抽象体现出其本质的真理，以其具体的形式充分表现出其内容的必然性，以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性，而且这现象、这形式、这形象必须是非常的突出、鲜明、生动，那它才是美的。 美感：当客观事物的美与审美主体的审美观念相符合，于是产生了美的感受与感动，既有感官的快适，又有理性的满足，整个身心都感到愉悦，这就是美感。 美感的本质：是客观事物的美作用于人而引起的一种意识和情感活动。这种意识活动和情感活动只有在人对客观事物的美的审美认识的基础上才能发生。

艺术是艺术家审美观念的表现形态

三、审美特征

艺术情感

一般审美特征

从社会、认识、审美的角度谈谈你对艺术的理解❤️ 艺术作为审美的意识形态，可以从以下三个方面来理解：一是艺术的社会本质，社会性是艺术的首要本质，艺术来源于社会生活，是一种特殊的社会意识形态。二是艺术的认识本质，艺术是对社会生活的认识，是艺术家精神观念的物化形态。三是艺术的审美本质，艺术是一种审美意识形态，是对社会生活的审美认识。 一、社会本质 1、艺术在社会中的位置 2、艺术与社会生活的关系 3、艺术与社会生产 二、认识本质 1、艺术是对世界的一种认识 2、艺术认识世界的方式 三、审美本质 1、审美关系的确立 2、美与美感 3、艺术情感 综上所述，艺术来源于生活，又高于生活，并在艺术创造的过程中投射、融入自己的认知、理解和价值判断，最终以不同于其他意识形态的“美”的方式加以呈现，让艺术闪耀着时代的光芒、人性的温度、动人的美感，在每一个时代既继承又发展。