西方音乐史思维导图2023-1-11完结

西方音乐史五大核心问题 一、古希腊艺术体对整个西方艺术的影响 二、宗教复调音乐的发展 三、音乐理论（记谱法，唱名法）的发展 四、歌剧的产生与发展 五、奏鸣交响套曲的发展。

西方音乐史

• 西方音乐史五大核心问题 一、古希腊艺术体对整个西方艺术的影响 二、宗教复调音乐的发展 三、音乐理论（记谱法，唱名法）的发展 四、歌剧的产生与发展 五、奏鸣交响套曲的发展
• 古希腊，古罗马音乐
  • 公元前12世纪之前——公元476年
    • 古希腊、古罗马音乐
      • 古希腊，古罗马艺术特点。 神被人化：人的形象，七情六欲。 人被神化：神的魔法与威力。 拓展：《诸神之战》，《诸神之怒》。产生于公元前十到前八世纪。核心内容可追溯到公元前12到前11世纪。 太阳神阿波罗主持音乐艺术，下辖九女分别掌管： 诗乐、舞蹈、抒情诗、历史、喜剧、悲剧、颂歌和天文。 古希腊音乐特点：（背） 1、单声部织体；2、有支声复调；3、具有即兴伴奏4、音乐节奏与诗歌节奏一致；5舞蹈、诗歌关系紧密；6、偶尔有乐器伴奏；7用字母谱
      • 音乐作品：《塞基洛斯墓志铭》《梅索梅德斯的缪斯赞美诗》（莎草纸）
        • 《塞基洛斯墓志铭》：古希腊时期的一种酒歌。其是古希腊男子塞基洛斯为悼念亡妻在墓碑上记刻的乐谱，乐谱为字母谱，目前学界已将作品复原。
      • 荷马史诗；《伊利亚特》、《奥德赛》
        • 1.荷马史诗 《荷马史诗》是形成于约公元前8世纪的两部大型史诗，包括《伊利亚特》和《奥德赛》，相传由育诗人荷马记载编纂而成。 《荷马史诗》以公元前12 世纪的特洛伊战争为题材，取材精 妥，叙述生动，反映了公元前12世纪一前8世纪的希腊社会 状况，采用扬抑抑格六音步诗行写作，节奏感强烈，由行吟诗人边弹里尔琴边诵唱，进行口头传播。
      • 古希腊悲剧
        • 1、古希腊悲剧：“悲剧”一词在希腊文里译作“ragodia”，意为“山羊之歌”，其是古希腊时期集戏剧、诗歌、音乐、舞蹈于一体的综合艺术形式。希腊悲剧源于民间的酒神领（因为酒神狄俄尼索斯是享受、放纵、酒的神，亦是一个经历很多磨难的神）。早期酒神颂（悲剧)：人们在乡村扮成羊，在阿夫洛斯管的伴奏下载歌载舞：中期酒神领（悲剧）：由一人朗诵酒神的磨难，不时有合唱加入，在雅典演出：晚期悲剧：悲剧内容扩展到其他悲剧人物事件，保留了酒神颂的合唱形式，合唱队规模扩大，并加入到剧情的发展或氛围的渲染中，载歌载舞。 2.古希腊悲剧的影响：对17世纪歌剧的产生、19 世纪瓦格纳歌剧改革均造成了深远影响。
        • 三位作曲家（三斯）；埃斯库罗斯《普罗米修斯》、索福克勒斯《俄狄浦斯王》、欧里庇德斯《美狄亚》
      • 古希腊喜剧：
        • 希腊喜剧的创作手法与目的。 手法：以讽刺与嘲笑手段，夸张的表演和锋利的台词。 目的：揭露不合理的社会现象。
        • 阿里斯托芬：《阿卡奈人》、《鸟》
      • 古希腊抒情诗：萨福
        • 1.抒情诗（情歌、情诗） 抒情诗是诗歌与音乐相结合的独唱歌曲，形成于公元前8世纪，由抒情诗人自创自唱，诗人即音乐家。一般分为笛歌和琴歌两种，笛歌是用阿夫洛斯管件奏演唱的诗歌，琴歌是用里拉琴伴奏演唱的诗歌。代表诗人有：特尔潘德、提尔泰俄斯和女诗人萨福（女诗人，写爱人、婚姻题材，风格细腻，被柏拉图称为“第十位缪斯”）等。
      • 古希腊乐器
        • 弦乐器；里拉琴（用木棍绑在龟壳上）、基萨拉琴
          • 弦乐设计灵感来源于弓箭 1、里拉琴：古希腊时期的弦乐器，据说是宙斯送给太阳神阿波罗的。经常在祭祀太阳神阿波罗相关音乐活动中使用，为演奏太阳神颂歌伴奏，容易演奏，多用于为唱歌和吟诗伴奏，常为业余音乐家使用。（背） 2、基萨拉琴：古希腊时期的弦乐器。由里拉琴发展而来，相比里拉琴，它的弦更多，体型更大，演奏要更难，七弦最为常见。他偶尔用于伴奏，较多用于独奏，常为专业演奏者演奏。背 3、巴比托
        • 管乐器；阿夫洛斯管
          • 1、阿夫洛斯管：古希腊时期的管乐器，主要用于祭祀酒神狄俄尼索斯的活动中，为演唱酒神颂歌伴奏，偶尔也给戏剧伴奏。早期为3~5孔，后期发展为6孔。他有单管和双管两种类型，双管类型比较常见。 2、其他管乐器：西灵克斯（潘神排箫）萨尔平斯，克拉斯
      • 古希腊哲学家：
        • 毕达哥拉斯
          • 毕达哥拉斯 西方第一个用理论来解释音乐现系的人。其最主要提出了“一切皆数”（或称“和谐论”，的观点），观点的核心是音乐由数字决定，并体现了宇宙的和谐。毕达哥拉斯发现 2:1 的弦长比例可以产生八度，32 的弦长比例可以产生五度，43 的弦长比例可以产生四度。其他音程均可用比例来表示。基于此，他认为弦长比例越简单，音程就越协和，所以，他认为八度、五度、四度最协和。 (5:4 纯律大三度、8:5 纯律小六度、6:5 纯律小三度、5:3 纯律大六度）
        • 赫拉克里特
        • 柏拉图
        • 亚里士多德：“模仿说”
      • 古希腊音乐理论
        • 四音音列
          • 四音音列 公元前4世纪希腊音乐理论家阿里斯多塞诺斯（Aristoxenus，约前 330）在《和谐的要素》中提出了 “四音音列”（或称“四音音阶”）是整个音乐系统的基础。 四音音列：自上而下排列的，两端音程构成四度的，中间两个音可以变化的音列。四音音列按照不同的音程关系可以分为：自然音列、变化音列、微分音列
        • 完整音音列
          • 2.完整音体系 完整音体系：若干个四音音列可以构成一个 “完整音列”，阿里斯多塞诺斯提出了两套完整音列体系，即“大完整音列体系〞 和 “小完整音列体系”。 大完整音列体系：由四组相同结构的四音音列构成，四音音列以相交或相隔的方式混合连接，连接规则是：第一个四音音列的末音与第二个四音音列的始音相交，第二个四音音列的末音与第三个四音音列的始音相隔，第三个四音音列的末音与第四个四音音列的始音相交，为了构成两个完整八度，会在最下方加一个音，称为“附加音”。大完整音列体系，一般以自然音列表示，但也可以用变化音列或微分音列来表示。 小完整体系：由三组四音音列构成，四音音列都以相交关系连接，一般为保证音列结构一致，一般会在体系中出现变音记号。 （相交的连按方式也被称为 “衔接式”，相隔的连接方式也被称为 “分商式”
      • 古希腊调式（了解）
        • 根据阿里斯多塞诺斯的理论，以四音音阶为基础，可以排列出七种八度音阶，分别为： 多利亚 （Dorian）、弗利吉亚（Phrygian）、里底亚（Lydian）、混合里底亚（Mixolydian入、副多利亚（Hypodorian）、副弗利吉亚 （Hypophrygian）、副里底亚（Hypolydian），这些音乐的名字都以当时的地名命名，名称一直流传至今。当时，音乐家托诺斯（tonos）同样以四音音列为理论基础，同样以相同的名称总结了建立在相同音高的音阶。两种思路均以多利亚调式为中心，相同名称的调式内部结构完全相同
      • 记谱法：字母谱
        • 记谱法 古希腊的乐谱一般为 “字母谱”，在乐谱中主要会用字母表示音高，符号来表示时值。 没有标记代表一拍，短横为两拍，折线加点为三拍。下谱例为《塞基洛斯墓志铭》片段。
      • 音乐的社会功能学说：（音乐的教化作用学说）
        • 1.古希腊哲学家柏拉图和亚里士多德认为，音乐可以影响人的性格、道德、思想、行为。 他们认为调性会使人产生不同的反应，比如亚里士多德认为混合利底亚调式使人悲伤，多利亚调式使人勇敢。柏拉图认为音乐应该和体育结合，才能培养出人才。 2. “模仿说”：亚里士多德更认为，音乐是对人的情感和各种情感状态的模仿，因此人们听音乐时，才会产生相应的反应。
      • 古罗马音乐
        • 古罗马的基督教音乐：赞美诗、圣歌
          • 基督教音乐的兴起： 在古罗马末期，基督教在地中海地区和罗马帝国兴起，在313年 《米兰教令》承认其合法地位后，变得更加壮大，基督教仪式音乐开始发展。随着教会取代了罗马帝国的政治权利，其成为影响音乐发展的主要力量。 早期基督教的音乐有几个特点： 其一，基督教会保留了古希腊、古罗马的音乐特征，但又同时反对音乐的娱乐作用，主张音乐要服务于宗教。器乐逐渐在基督教会中被禁止了。 其二，基督教会有很多仪式和祭莫活动，在特定的仪式和祭莫活动上，会有特定的音乐。 其三，基督教在传播到欧洲的各地后，形成了不同的仪式，随之产生了不同的仪式音乐，比如：法国的“高卢圣咏”、西班牙的“莫扎拉比圣咏”、水兰的“安布罗斯圣咏”等。
        • 古罗马时期重要的乐器：水压管风琴
          • 古罗马时期比较重要的乐器有：提比亚（Tibia）：阿夫洛斯管的变体，在罗马宗教仪式、军乐队、剧院中使用，图巴（Tuba）：长而直的小号（有教材中载“大号”)：科尔努(COrDU)：较大的半圆形号角;水压风琴 (hydraulos)：目前可考欧洲最早管风琴，用水作为动力稳定风压的管风琴。
• 中世纪音乐
  • 公元476年——公元1460年
    • 宗教（基督教）音乐
      • 格里高利圣咏(Gregory chant)：是指以罗马教皇格里高利一世之名命名的天主教音乐，常被称为平歌或素歌
        • （一）格里高利圣咏（主要考名词解释） 1.定义：以罗马教皇格里高利一世（约590—604 年在位）命名的圣咏。也叫“平歌”“平咏”、“索歌”。这套圣咏形成于8、9世纪，以罗马礼仪为基础，融合了高卢地区的礼仪因素，最后逐渐影响到整个欧洲的圣咏，成为罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。 2.特征：(1）单音织体。(2）拉丁文歌词。(3）节奏自由，由歌词韵律决定。(4）音域较窄。（5）旋律以级进为主，多呈拱形。（6）音乐结构由歌词段落决定。(7）音乐风格庄严肃穆。(8）由男性组成的唱诗班演唱。（9）题材内容来自《圣经》。 3.演唱方式：(1）独唱。(2）齐唱。(3）交替演唱(两个声部交替演唱)。（4）应答唱（由一个或多个独唱者领唱，唱诗班应和）。 4.分类：（1）音节式（一个音节配一个音符，音域较窄)。（2）纽姆式（一个音书配二到五个音符，旋律变化丰富)。(3）花腔式（一个音节配十几或几十个音符，华丽装饰风格)。 5.形式：在格里高利圣味发展的过程中形成了一些较为固定的形式，重要的有： （1）诗篇歌调：最古老的圣咏，主要用作演唱圣经中的诗篇。 （2）交替圣歌：交替演唱的圣咏，最早是诗篇歌调前后的叠向，后成为独立歌唱段落。 （3）应答圣歌：由一个或多个独唱者领唱，唱诗班应和的圣咏。 (4）赞美诗：古老的圣咏形式，由米兰大主教安布罗斯从拜占庭引进，歌词为有体律的诗体，属音节式。 6.运用：格里高利圣咏主要运用于基督教的日课与弥撒： (1）日课：僧侣每日必做的功课，包括：祈铸、通经、唱赞美诗等。日课主要有八次，包括：晨祈、早祈、早课、第三课、第六课、第九课、晚课、晚祈。 日课音乐主要有：诗篇歌调、交替圣歌、赞美诗。 2）弥撒：弥撒是教会最重要的仪式，其产生于6世纪左右，在9一10世纪定型。弥撒按照歌词可分为：特定弥撒《或称“专用弥撒”， 和常规弥撒。 ①特定弥撒：为特定宗教节日所用的弥撒，歌词可变，形成较早。一般包括五段：进台经、升阶经、阿里路亚/特拉克图斯、奉献经、圣体经。 2、常规弥撒：平时较为常用的弥撒，歌词不变，形成较晚(在 14世纪有作曲家根据常规弥撒歌词创作了复调弥撒套曲）。一般包括五段：慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经、羔羊经。 这两类弥撒在实际使用中是可以交叉使用的，在使用中还会有神父布道读经，具体如下： 进台经一慈悲经一荣耀经一短祷文一使徒书一升阶经一阿里路亚/特拉克图斯一（继叙咏）一福音书一（布道)一信经一奉献经一序铸一圣哉经一羔羊经一圣体经一领圣体后通一会众散去。 7.扩展：理解背下 （1）附加段：指在格里高利圣咏上附加或插入新的乐段。常采用纽姆式旋律风格。具体可分为三种类型：在己有花腔圣味旋律中加词、既加词又加音乐、只加音乐。 （2）继叙咏：又称“哈利路亚附加段”，指一种新创作的独立的圣咏。早期加在哈利路亚之后演唱，后来成为一种独立的形式。其由大量乐句组成，除首尾两向，中间乐句均为旋律反复、歌词不同的乐向（abbccdd…n)。大部分继续咏在 16 世纪被排除宗教仪式。 (3）仪式剧：起源于附加段，将圣经故事中的对话谱写成圣咏进行表演的艺术形式，常在弥撒之前进行表演。根据题材仪式剧可分为：奇迹刷、神秘剧、道德
      • 后发展形式（单声部发展）：附加段、继叙段、宗教剧
      • 教会音乐理论：
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        • 音乐美学：波埃休斯，著有《音乐的体制》强调音乐对道德的影响力和音乐的教育作用，把音乐看成是理性活动。
          • 阿尼修斯-塞维里努斯-波埃修斯，中世纪时期音乐理论家，著有《音乐的体制》一书，其中包括毕达哥拉斯等人的音乐思想。他强调音乐道德影晌力和音乐的教育作用，把音乐看成是理性活动，注重心灵的和谐。把音乐分为三类：（天乐）宇宙音乐、（人乐）人的音乐，（器乐）以及依赖于外部事物的乐器的音乐。他对音乐的理解对中世纪的音乐观产生了深远的影响。 “七艺”：卡佩拉在5世纪初总结的音乐理论。他将语法、逻辑、修辞、几何、算数、天文、音乐称为 “七艺”。中世纪音乐理论家波埃修斯（波依蒂乌）后来将 “七艺〞 分为两个部分：语法、逻特、修辞为 “前三艺”几何、算数、天文、音乐为 “后四艺”。
        • 教会调式：八种调式
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        • 纽姆谱
          • 1.纽姆谱：西方记谱法的根源，用符号记录音乐的乐谱，也称 “符号谱”。现存最早的圣咏手抄本乐谐，就是用纽姆谱记录的。它用符号（点、横线、斜线、曲线等）标记在歌词上方，指示旋律大致轮廓。在10世纪，出现了用一或两条线水表示 “相对音高”的纽姆谱。 在11世纪，音乐家圭多达菜佐确立了四线谱，其可以标注一个八度左右的音域，但还不能准确表示圣咏的节奏和时值。
        • 古罗马的音乐生活特征：实用化、仪式化、职业化、娱乐化（豪华、外在、喧闹）
        • 有量记谱法
          • 有量记谱法 13世纪，音乐理论家弗朗科在著作《有量歌曲艺术》（约1260）中，总结了1225,年以来的记谱法，并提出了一种新的音符时值系统一一有量记谱法。这种记谱法可以明确的指示音高，也可以清楚的指示节奏。记谱体系包括三种主要音符时值：长音符（倍长的，6拍。完満的，3拍。不完満的，2 拍。）、短音符（正常的，1拍。変化的，2拍）、小音符（小的，1/3拍。大的，2/3拍。）一个正常的短音符相当于今天的一个四分音符。 中世纪的人们认为 了 是完美的数宇，象征着神的三位一体，因此音乐常用三拍子，音符时值多用三分法。
        • 伪音与终止式：推进了中古调式向大小调的转变
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      • 圭多·达莱佐
        • 1）唱名法：11世纪的音乐理论家圭多（Guido dArezz0，约 1025） 发明了一套唱名法，以便帮助唱诗班的僧侣记住 全音和半音的位置。唱名法主要包括6个音：utre、mi、妇、sol1a。这些唱名来自于赞美诗《你的信徒们》（《施洗约翰赞美诗》）前六句开头的第一个音节。后来，ut被改成do，并增加了第7个音si，就成为我们当今使用的唱名法。 （2）主多手（规多手）：圭多发明的一套教学工具，为了方便僧侣们演唱音符和音程，圭多把六音音阶系统（包括三组六音音阶，）的音高依次写在左手的每个关节上
        • 四线谱
        • 六声音阶
        • 圭多手
    • 早期复调音乐
      • 奥尔加农：共有五种形式（平行奥尔加农、平行奥尔加农变体、自由式反向奥尔加农、花唱式奥尔加农、尤斯康特）西方有记载最早的复调
        • （名词解释）1.奥尔加农：最早的复调音乐。约9世纪的论著《音乐手册》最早对奥尔加农进行过描述。奥尔加农是圣咏的一种演唱方式，在歌唱圣味的同时，歌唱另一名为“奥尔加农” 的声部，这种简单的二声部音乐被称为“奥尔加农”。 b（1）9世纪的奥尔加农 ①平行奥尔加农：上方声部为圣咏，下方声部为奥尔加农声部，二者以四度或五度平行进行。 ②平行奥尔加农变体（自由的奥尔加农)：以圣咏和奥尔加农声部为基础，两个声部在保留平行进行的同时，开始出现斜向、反向进行。 （2）11世纪的奥尔加农：以圣咏和奥尔加农声部为基础，平行进行仍然重要，反向、斜向进行增多，奥尔加农声部常常超越圣咏声部。 2.华丽奥尔加农（花腔奥尔加农）：12世纪左右出现的复调音乐形式。华丽奥尔加农在奥尔加农的基础上，将奥尔加农声部放置在圣咏上方，其旋律开始富于装饰性，具有华丽风格。华丽奥尔加具有即兴性、节拍自由的特点，上方华丽风格的奥尔加农声部与下方平静的圣咏声部对比鲜明。 3、节奏模式：出现于 12 世纪记语法中最早标记节奏的系统。节奏模式一共有六种模式节奏型，用纽姆谱的组合加以标记，由长、短两种时值构成，其基本单元可以被分为“完满的”三拍（“三位一体”：圣父、圣子、圣灵），六种模式分别为：长短、短长、长短短、短短长、长长长、短短短
      • 迪斯康特
        • 迪斯康特（第斯康特）：12、13世纪初出现的一种复调音乐手法。迪斯康特在奥尔加农的基础上，运用了节奏模式，形成了音对音的织体形态，结构规范，二声部间多以完全协和音程为主，常见反向运动，也称作 “反行调”。
      • 克劳苏拉
        • 5.克劳苏拉（替换克劳苏拉）：常用来代替华丽奥尔加衣段落，后逐渐独立成为一种单独的复调音乐。其是经文歌发展的基础。
      • 孔杜克图斯
        • .孔杜克图斯（孔杜康图斯)：13世纪出现的一种非宗教仪式的复调音乐。大多为二、三、四声部，歌词为拉丁文，多声部唱词相同，唱词内容有宗教的，也有世俗的。常用迪斯康特手法和节奏模式，音节式织体。它的“支撑声部”(指下方声部）不用圣咏，为新创作旋律，所有声部均为新创作的。
      • 经文歌
        • 9.经文歌：13 世纪后半叶最流行的复调音乐体裁。经文歌是由克劳苏拉演变出来的，克劳苏拉上方声部本来是无词的，后来有人在上方声部加入了歌词（拉丁文)，这种上方声部有词的克劳苏拉就变成了经文歌。后来，人们在两个声部的基础上，加入了第三声部，并为第三声部也配上了唱词，三个声部便各有了不同的唱词，这种经文歌是 13 世纪最经典的形式，被称作 “二重经文歌”。再后来，开始出现了四个声部的经文歌，每个声部之间对比增大，都唱不同的唱词，唱词逐渐也开始出现法文。13世纪末，上方声部逐渐被人们替换为世俗内容，支撑声部的圣咏甚至也可以被替换，在这种情况下，经文歌逐渐开始世俗化，慢慢被排除宗教仪式，在世俗社会流传。 10. 弗朗科经文歌：以13世纪作曲家、理论家弗朗科命名的复调音乐。弗朗科经文歌大约流行于 1250一1280 年期间，它的支撑声部为最慢声部，第三声部歌词比第二声部的更长，因此第三声部的旋律需要更短的时值。三个声部之间的时值和节奏的对比鲜明
      • 圣母院乐派
        • .巴黎圣母院复调 巴黎圣母院复调：在12世纪到 13世纪上半叶，在法国的巴黎圣母院产生了一种新的复调音乐风格，常用节奏模式，代表人物为雷奥南和佩罗坦。 1）雷奥南*名词解释 雷奥南 （Leonin，约1163—1190）供职于巴黎圣母院上的诗人、作曲家。他被称为 “奥尔加农的最佳作者”，著有 《奥尔加农大全》。 （单独出成名词解释）《奥尔加农大全》：12世纪巴黎圣母院作曲家雷奥南创作的二声部曲集，集中只为应答圣咏和独唱部分写了复调。在曲集中主要包括三种复调风格：华丽奥尔加农、迪斯康特、圣咏。 （2）佩罗坦 佩罗坦（Perotin，1200年前后)，佩罗坦是巴黎圣母院复调第二阶段的代表人物，被称为“迪斯康特的最佳作者”。他对 《奥尔加农大全》进行了修订，并创作了很多三、四声部的作品，在这些作品中，圣味仍处于最下声部，但上方声部开始增多，音响效果开始变化。 在佩罗坦的创作中，十分擅长将克劳苏拉代替华丽與尔加农的段落。^_^
    • 世俗音乐（11世纪之后）
      • 中世纪的世俗音乐和宗教音乐是共同发展的，二者在发展中相互交融相互影响。虽然宗教音乐一直在努力避免世俗化，但宗教音乐还是出现了世俗化的趋势。而世俗音乐也在宗教音乐中不断的吸收内容。不同与宗教音乐应用于基督教仪式，世俗音乐主要用于娛乐和抒情等，这就使得世俗音乐有了其不同的风格和特征。在11世纪以前的中世纪，欧洲没有关于世俗音乐的记载，直至11世纪才开始有世俗音乐的记
      • 单声部歌曲：
        • 1.单声部的孔杜克图斯：孔杜克图斯可以是复调，也可以是单声部。单声部孔杜克图斯的特点主要包括：(1）音乐是新创作的。(2）不根据圣味创作。（3）旋律与歌词是音节式的。 （4）歌词押韵。（5）旋律常常重复。（6）歌词题材肀富。 2.戈利亚德歌曲：指中世纪流行的单声歌曲体裁。其主要由自称为“戈利亚德” 的游荡诗人群体创作，歌词大多关于酒、女人、讽刺等。保存戈利亚德歌曲最多的手稿是《卡尔米拉•布拉纳》，这部诗歌集大约 13 世纪晚期产生，记载了200 多首歌曲，大多是流浪歇、酒歌、爱情歌等，这些诗歌多没有乐谱。戈利亚德歌曲在 13世纪衰落。在11世纪起，欧洲各地方言歌曲兴起，用各地方言创作的世俗歌曲在 12—13世纪开始流行，其主要的创作群体是法国的游吟诗人和德国的恋诗歌手和工匠歌手。
      • 游吟诗人：
        • 3.游吟诗人 （1）时间、地点、名称、构成： 活跃于11 世纪到13 世纪木的游吟诗人，开始是在法国的南部出现的，这些游吟诗人大多是贵族、骑士、王侯、有才华的百姓，这一类游吟诗人叫做 “特罗巴多”(Troubadour)，南方还有一些女游吟诗人叫“特罗巴里兹”（Trobairitz)。这些人既是诗人，也是音乐家，往往会用普罗旺斯语（奥克语）创作一些作品来抒发个人的情感。他们的歌曲流行于 1130一 1210年间。在他们创作的 2600 首诗作中，约有300 首旋律保存下来，被记录下旋律的歌曲保存在 《尚松曲集》。 在12世纪中叶，受到法国南部的影响，法国的北部也开始出现了游吟诗人，北部的游吟诗人叫做“特罗威尔”（Trouvere）。他们用现代法语的前身（奥依语）来创作，形式和内容上和特罗巴多没有太大区别。他们的歌曲流行于 1170一1240 年间，在他们创作的 2130（两千多）首诗作中，三分之二的旋律保存下来，被记录下旋律的歌曲保存在《尚松曲集》。 （2）题材：南部和北部游吟诗人的创作题材重点都是爱情，其中最主要的主题是“宫廷之恋”。除了“宫廷之恋”，题材还涉及社会、政治、道德、文学、战争等。 2）题材：南部和北部游吟诗人的创作题材重点都是爱情，其中最主要的主题是 “宫廷之恋”。除了“宫廷之恋”，题材还涉及社会、政治、道德、文学、战争等。 （3）形式：（背其中两三个） ①康索：表达爱情的分节歌。 ②晨歌：表达情人之间缠绵的情歌。 ③田园歌：表达骑士与牧羊女爱情的歌曲。 ④辩论歌：两个或多个游吟诗人以对话式演唱关于爱情、政治、文学话题的歌曲。 ⑤讽刺歌：对社会、政治问题进行讽刺的歌曲。 ⑥悲歌：对重要人物的哀悼歌曲。 ⑦记功歌：叙述民族史诗的歌曲，最早的世俗歌曲体裁之一。代表作品法国的 罗兰之歌》（1100 年)。 （4）音乐特征：①旋律为音节式的。②音域在一个八度以内。③特罗巴多旋律自由且节奏复杂，特罗维尔旋律简洁且 节奏清晰。④常见即兴加花。⑤多利亚、混合利底亚为常用调式。6、演唱时常将导音升高半音。⑦曲式结构常用“巴歌体”“巴体歌曲”）（AAB形式）。 ⑧偶尔与舞蹈结合。
      • 恋诗歌手
        • 4.恋诗歌手（Minnesinger) 12 世纪到 14 世纪，德语地区出现了用德语创作的方言歌曲，这类歌曲被称为 “恋歌”，演唱恋歌的群体被称为 “恋诗歌手〞。恋诗歌手相比于游吟诗人，他们对爱情的表达更为抽象，有时会有宗教色彩，音乐旋律稳重严肃，多数为分节歌式，曲式结构也常见“巴歌体”。恋诗歌手的创作不局限于爱情，也涉及其他题材。（著名的恋诗歌手有：弗劳恩罗和汤豪瑟。）
      • 工匠歌手
        • 5.工匠歌手（Meistersinger) 在14 世纪，德国恋诗歌手的后继是“工匠歌手”（“ 名歌手”)。工匠歌手兰为工匠手艺人，有固定的的歌唱组织，还经常举办 “賽歌会”，其一直繁荣至 16世纪。 19 世纪德国作曲家瓦格纳歌剧 《纽伦堡的名歌手》就是根据工匠歌手汉斯 • 萨克斯为题材创作的。
    • 器乐（概括中世纪器乐的发展）
      • 弦乐：竖琴，琉特琴、索尔特丽琴（琴身扁平，可拨弦，也可击弦）
      • 管乐：竖笛；横笛；双簧类：肖姆管、短号
      • 管风琴:
    • 音乐美学
      • （三）音乐美学 1.“七艺”：卡佩拉在5世纪初总结的音乐理论。他将语法、逻辑、修群、几何、算数、天文、音乐称为 “七艺”。中世纪音乐理论家波依蒂乌后来将 “七艺” 分为两个部分：语法、逻辑、修群为 “前三艺”，几何、算数、天文、音乐为 “后四艺”。 2、《音乐的原理》（《音乐的体制》）《：中世纪音乐理论家波依蒂乌的理论著作。其在书中可能以失传的古希腊音乐著作为基础，将音乐分成三类：天乐（宇宙音乐）、人乐（身体、灵魂内的音乐）、器乐（可以听到的音乐)。
    • 新艺术
      • 1.“新艺术”（背瓷实） （1）定义：《新艺术》（Ars nova）最早指的是法国音乐理论家维特里写了一篇论文。 在论文中，他针对“古艺术”的一些问题，论述了他对14 世纪音乐发展和改进的一些观点，对当时的音乐界产生了重大的影响。由此，“新艺术” 便开始用来特指 14 世纪(特别是早期和中期）的法国音乐。 （2）特征： ①记谱法有了发展，音符时值增多，由原来的了种音符扩大为5种（倍长音符=二重全音符、长音符=全音符、短音符=二分音符、小音符-四分音符、微音符=八分音符)。 ②音符时值既可以用三重划分法，也可以二重划分法了，促使音乐在节奏节拍上更丰富。 ③出现了“等节奏”的创作手法。等节奏：是一种利用节奏因素来组织音乐结构的手法。具体做法是在支撐声部上，安置一个不断重复的节奏，叫做“塔利亚”（tallea）（“塔里亚〞)，还有一个不断重复的旋律，叫“克勒”（color）。塔利亚与克勒在周期性的反复中会结合在一起，这种创作手法使得较大的音乐结构被理性的组织起来。 ④新的和声感。在14世纪的法国音乐中，很多终止式的两个外声部必领从大六度反向解决到八度，即从一个不稳定的不完全的协和音程，解决到稳定的完全协和音程，使得和声感不同以往。在有些调式中，终止式的外声部是小六度，为了满足这种终止进行，则需要将高声部升高半音，这些音并不属于原调式和六音音阶，因此这些音被称为“伪音”。这些音经常不记载乐谱上，一般由乐手们即兴演奏。
      • 含义：在西方音乐史上，广义的泛指14世纪的音乐
        • 14世纪的法国 “新艺术” 与意大利音乐在中世纪中，还有一个更为细致的历史分期，即为 “古艺术时期” 与“新艺术时期”。古艺术时期“特别是指 12 世纪至13 世纪末这一宗教音乐发展较为成熟的时期，而“新艺术时期〞 代表着中世纪新的音乐发展趋势，主要是指 14 世纪。他们共同构成了哥特艺术在音乐方面的辉煌时期
      • 法国音乐：马肖
        • 在14世纪初，法国音乐中出现了一些新的现象，这种新的现象体现在记谱法的进一步发展以及新的音乐体裁的出现。推动新的音乐风潮的代表人物便是法国作曲家和诗人维特里（Philippe de Vitry, 1291-1361)
      • 意大利音乐
        • 二）意大利音乐 在14世纪，意大利处于无政府的状态，各地分崩离析，都有自己的地方传统。意大利音乐没有复调的发展基础，所以这一时期意大利音乐主要以单旋律音乐为主，它的复调音乐通常是在单旋律基础上加的伴奏，并且具有一定的即兴性质。在14世纪下半叶，法国音乐开始影响意大利音乐，意大利音乐逐渐开始发展出了相对成熟的复调音乐。14 世纪意大利的复调音乐主要有三种世俗体裁，分别为牧歌、猎歌、巴拉塔。 1牧歌（Madrigal)：意大利最早且最常见的复调音乐体裁，由田园诗发展而来。通常为两个声部，没有器乐伴奏，歌词内容大多关于田园、爱情、讽刺诗之类。歌词由二至三段诗节组成，每节三行，用同样的音乐。每节后一般还有两行尾奏，叫做“利托奈罗"。 2.猎歌 (Caccia）：意大利复调音乐体裁。其特征是上方两声部运用同度卡农，有歌词，音乐活泼。下方是一个器乐声部，无歌词，节奏稍慢。结尾常有一个不用卡农的尾声，歌词形式自由。猎歌的含义有两个方面，一方面有逃跑和追赶的意思，指一个声部用卡农的形式追赶另一声部，另一方面也有狩猎的意思，它的歌词和曲调都让人有打猎兴奋的感觉。 3.巴拉塔（Ballata）：意大利复调音乐体裁，产生相比于牧歌和猎歌更晚。其是由单音的巴拉塔演变而来的伴奏歌曲。早期的巴拉塔为二、三声部，结构为 AbbaA。 4.兰迪尼 （Francesco Landini，约 1335-1397)：14 世纪意大利盲人音乐家。其创作了共154 首，均为世俗音乐，其中绝大部分作品为巴拉塔。他的140 首巴拉塔，大部分是二声部，二声部巴拉塔每一声部均有歌词。三声部大多只有高声部有歌词，下方两声部为器乐伴奏。他的作品旋律优美，抒情见长。
      • 《弗威尔的故事》
        • 2. 《弗威尔的故事》 在“新艺术”时期，有一个最具有代表性的诗剧，叫《弗威尔的故事》(Roman de Fouvel),这是一部插入音乐段落的讽刺诗剧。他的抄本产生于 1310—1314年，维特里也是其中一位作者。该剧对法国宫廷的各种罪行进行讽刺，并批评了腐化的教士和政治时事。它采用了当时法国文学中最流行的用动物寓言的写法完成的。弗威尔是一头驴，他的名字是6种罪恶的首字母，命运女神把弗威尔推向权力的高峰，它在盛大的场面中结婚，它的后代统治了世界。 《弗威尔的故事》中有150 多首音乐作品，包括：圣味、世俗歌曲、孔杜克图斯、经文歌。歐词既有拉丁文的、也有法文的。形式有单声部的，也有复调的。风格有传统的，也有现代的。在34 首经文歌中，有5首可能是维特里创作的。这些作品都体现了“新艺术”的音乐特征。
      • 等节奏
        • 等节奏：是一种利用节奏因素来组织音乐结构的手法。 具体做法是在支撑声部上，安置一个不断重复的节奏，叫做 “塔利亚”(talcea）（“塔里 亚”)，还有一个不断重复的旋律，叫“克勒”(color）。塔利亚与克勒在周期性的反复中会结合在 起，这种创作手法使得较大的音乐结构被理性的组织起米。
      • 代表人物
        • 马肖【法】（1300-1337）代表作《圣母弥撒曲》贡献：世俗音乐专业化、宗教音乐世俗化
          • 3.马绍（马肖） 纪尧姆•德 •马绍 (Guillaume de Machaut, 1300——1377） 是法国“新艺术” 时期最著名的作曲家、诗人。他的创作十分丰富，包括宗教作品和世俗作品，在创作风格上也混合了保守和激进的风格。马绍的音乐作品有23 首经文歌、1首圣母弥撒曲、42 首叙事歌、22首回旋歌、25 首单音的和8首复调的维勒菜、19首单音和复调的行吟歌 （1）复调世俗歌曲 复调世俗歌曲：14世纪法国复调世俗歌曲是一种新的体裁，马绍的创作是这种体裁的代表。其产生一方面受到法国游吟诗人单声歌曲的影响，另一方面受到13世纪发展起来的复调经文歌影响。 在马绍的复调世俗歌曲创作中，主要有三种形式：叙事歌 （Ballade）、维勒菜、回旋歌。 这三种形式都有固定的曲式结构，被称为 “固定形式”。叙事歌的结构为aabc、维勒莱的结构为 AbbaA、回旋歌的结构为 ABaAabAB。大写字母代表叠歌（及每段中歌词和音乐都相同的部分）。 在马绍的大部分复调世俗歌曲中，通常有一个旋律流动、节奏丰富，并写有歌词的高声部，下方有两个起到陪村作用的无词声部，主要起到陪村作用，可能由乐器演奏。这种重视高声部的音乐风格，叫做 “叙事歌风格”，(cantilena style）或“坎蒂莱纳”风格，这种风格主要流行于 14、15 世纪的欧洲。在马绍的一些四声部叙事歌中，有两个声部有不同的歌词，因此被称为 “二重叙事歌”。 2）经文歌 马绍的经文歌创作特征：①大多使用等节奏手法。②世俗化风格。③对旋律作减缩处理。 ④经常出现“分解旋律”（这是一种中世纪(13世纪以后）的作曲技法，指在上方的一个声部的旋律中插入一些休止符，空缺的部分由另一声部演唱，形成两个声部交替的效果)。⑤常用“双导音终止式”(指将一对不稳定不完全协和的音程解决到一对稳定完全协和的音程）。 （3）圣母弥撒曲 《圣母弥撒曲》创作于 14 世纪60年代，是为常规弥撒的歌词谱写的复调作品，这是由作曲家创作常规弥撒套曲最早的例子。在慈悲经、神圣经、羔羊经等乐章中，其主要运用了等节奏手法。在歌词较长的荣耀经、 信经中，运用了孔杜克特斯的手法。 4.“阿维农风格” 一般认为，在马绍死后，“新艺术〞时期便结束了。在14世纪末，一些法国和意大利的音乐家被吸引到阿维农，这些音乐家以阿维农教廷为中心，形成了一种音乐风格，叫做“阿维农风格”。保留下米的作品主要以法国世俗歌曲为主，马绍音乐的创作特征被他们进一步发展，特別是对不协和音的使用、等节奏的使用、记谱法的使用等等。有人也将其称为 “矫饰主义风格〞或“精致艺术”，这种风格主要流行在法国南部和西班牙北部。
        • 兰迪尼【意】（1325-1379）创立了兰迪尼终止式（作品的收束是在上声部音阶，七级音与主音之间加入六级音）
          • 4.兰迪尼 （Francesco Landini， 约 1335-1397)：14 世纪意大利盲人音乐家。其创作了共154 首，均为世俗音乐，其中绝大部分作品为巴拉塔。他的 140 首巴拉塔，大部分是二声部，二声部巴拉塔每一声部均有歌词。三声部大多只有高声部有歌词，下方两声部为器乐伴奏。他的作品旋律优美，抒情见长。（有很多的创作特点……（一两个创作特点） “兰迪尼终止”：在兰迪尼的音乐作品中，经常在高音声部的导音进入主音之前，先下行到导音的下方邻音，即六度音上，然后再上行三度跳进到主音，这种终止式因为较常出现在兰迪尼的作品中，故名“兰迪尼终止”。（这种终止式并非兰迪尼首创和专用） 意大利音乐主要是在以佛罗伦萨为中心的意大利北部发展起来的，在佛罗伦萨藏有《斯夸契亚鲁皮手抄本》。 《斯夸契亚鲁皮手抄本》：藏于佛罗伦萨的，抄写于大约 1420 年的意大利音乐乐谱，其收有包括兰迪尼在内的 12 位作曲家的 354 首作品，大部分是两到三个声部的复调音乐作品。 在14世纪末，意大利作曲家们开始用法国音乐体裁和记谱法来创作歌曲，在其中比较重要的是约翰内斯 •奇科尼亚，他将法国新艺术风格和意大利音乐风格相结合，对15世纪欧洲音乐造成了影响。
• 文艺复兴时期音乐
  • 公元1430-公元1600
    • 四大乐派
      • 勃艮第乐派：文艺复兴早期出自欧洲北方的第一代作曲家。
        • 复调音乐的第三个高峰。 勃艮第地区音乐特征 三声部复调音乐常见。 旋律与节奏发展集中在高声部。 三度音程进行的旋律。 三、六度常出现。 对位弱化，和弦强化。 兰迪尼终止式普遍 少用固定旋律。 勃艮第作品多用三拍子。
        • 代表作曲家：迪费（1400-1474） 班（本）班舒瓦（1400-1460）
      • 罗马乐派：16世纪末和17世纪初，以罗马为中心形成了罗马乐派。
        • 代表作曲家：帕莱斯特利那（1525-1594），及其弟子那尼诺（1545-1607）及英杰涅里（1545-1592）
      • 威尼斯乐派：创立于15世纪后半叶。
        • 维拉尔特：（1482-1562）创立了威尼斯乐派
          • ·阿德里昂·维拉尔特曾任，圣马可大教堂的乐长作品1559《新音乐》集。
        • 安德烈亚·加布里埃里（1510-1586)
    • 世俗音乐
      • 意大利
        • 弗罗托拉：15世纪末在意大利北部的曼图亚、弗拉拉等宫廷中发展出的一种世俗音乐体裁，被称为弗罗托拉
        • 劳达赞歌：是一种通俗的非教仪的奉献歌曲
        • 意大利牧歌：16世纪出现在欧洲，具有广泛影响世俗音乐体材是以较高水准的诗歌为词谱写的复调歌曲。
        • 意大利牧歌：16世纪出现在欧洲，具有广泛影响世俗音乐体材是以较高水准的诗歌为词谱写的复调歌曲。
      • 法国：尚松--尚松在法语中即“歌曲”的意思。它一般是指世俗的（非教堂的）独唱或重唱作品。音乐特点：采用流行旋律，常用卡农手法。
      • 西班牙;：维良西科
      • 英国：牧歌、琉特琴歌曲
    • 宗教与反宗教改革
      • ·维腾堡大学神学教授马丁·路德在1517年张贴在施洛斯教堂大门的95条纲领，并脱离罗马天主教堂。 ·改革措施：改《圣经》为德文，采用圣歌曲调，选自德国古老的圣歌和民歌。 采用集体众赞诗，《圣咏》出现主调风格。 作品《上帝是我国的坚固堡垒》 新体裁：换个词，旧曲新词、打破宗教世俗界限。
      • 马丁·路德宗教改革音乐：马丁·路德深信音乐教育作用和道德感化力量，他把对音乐的改革作为宗教改革的重要部分，出现了一种新的圣咏--众赞歌。称为马丁·路德圣咏。
      • 反宗教改革音乐：对反宗教改革影响最大的音乐家是，帕勒斯特里那。
• 巴洛克时期音乐
  • 公元1600-公元1750年
    • 声乐体裁
      • 歌剧
        • 歌剧是由戏剧（脚本）、音乐、舞蹈、建筑和美术等综合为一体的舞台艺术形式，其中戏剧和音乐是最重要的元素。 歌剧中音乐形式的组成： 形式包括，咏叹调，宣叙调，重唱，合唱，管弦乐、主导动机、幕间曲以及舞蹈（battle）等。
        • 歌剧的诞生：-----佛罗伦萨乐派
          • 歌剧的起源：·古希腊悲剧·中世纪意大利宗教剧·宫廷戏曲中的田园剧、幕间剧·带有情节性的牧歌
          • 歌剧产生的重要原因：1、文艺复兴后期人们对音乐的兴趣从复调音乐形式，转向主调音乐形式。2、牧歌、尚松有很大发展，影响了歌剧题材的产生。
          • 卡梅拉塔：一种艺术沙龙，讨论的中心议题是，研究歌剧艺术，发展歌剧艺术。
          • 主要成员：诗人、剧作家、作曲家、歌唱家等。
          • 代表作曲家：佩里、卡契尼，利奴契尼，伽利略
            • 第一部歌剧《达芙妮》在1598年的狂欢节时，在佛罗伦萨的科尔西家里上演。 佩里、科尔西、利奴契尼，耗时3年时间完成了第一部歌剧。现只残存了少许旋律和一首宣叙调片段。 《尤里迪西》作者：利奴契尼，佩里，卡契尼创作 歌剧元年1600年10月6日上演。为法国国王亨利四世与梅迪奇公爵妹妹玛利亚婚礼上演出。 音乐特点： 取材于古希腊神话故事。 序幕音乐与《达芙妮》调性一致，而且都使用一些标准的，旋律音形。 运用介乎说和旋律之间的歌唱。按照情感去模仿语言，音域不宽，但依据情感的变化有所突破。（宣叙调） 重唱、独唱和器乐部已经存在，并且贯穿整剧。
        • 意大利歌剧：
          • 早期意大利歌剧的四个中心：佛罗伦萨，罗马，威尼斯，那不勒斯
          • 弗兰德乐派：15世纪中叶以后出自欧洲大陆北部地区的作曲家。
            • 早期：（约1450-1490年）代表人物：奥克冈
            • 中期：（约1490-1520年）代表人物：若斯坎
            • 晚期：（约1520-1550以后）代表人物：拉索
          • 罗马：卡瓦莱里，代表作：《灵魂与躯体》、兰迪《欧菲欧之死》、罗西
          • 乔瓦尼·加布里埃里（1557-1612）
            • ·音乐风格从多重合唱转向巴洛克时期的独唱、器乐和独唱与合唱等风格。 ·逐渐迎来巴洛克时期。
          • 威尼斯：蒙特威尔第（1567-1643）代表作：《奥菲欧》
            • 《奥菲欧》1607年上演于意大利曼图亚。 近代意义上第一部歌剧，典型意义上的歌剧。基本结构经有了基本心形态。 音乐成为戏剧性发展过程中积极参与角色。 世界上第一所歌剧院。圣·卡斯亚诺歌剧院1637年在威尼斯落成。
          • 那不勒斯：A斯卡拉蒂（1660-1725）创作了115部歌剧。创造了“歌剧序曲”；作品《格里塞尔达》
            • 那不勒斯歌剧的特征： 内容多取材于古代神话和英雄传说。内容严肃，与喜歌剧相对。 结构由五幕变成三幕，每幕分数场，每场包含，说明故事情节和表现人物内心活动两部分，常在幕与幕之间穿插，喜剧性的幕间剧。 歌剧有个性序曲（快-慢-快的三段形式）开场宣叙调和返始咏叹调交替进行，重要角色由“阉人”歌手担任，少用重唱，合唱，不用舞蹈，用意大利语演唱。 作品采用两种宣叙调，一种：干念式宣叙调、另一种带有伴奏的宣叙调。 创用返始咏叹调
        • 历史上第一部歌剧：《达芙妮》（乐谱失传）、《尤丽狄茜》（有乐谱）
        • 法国歌剧
          • 首部法国歌剧：1659年康贝尔（1628~1677）的《波蒙娜》 1660年卡瓦利的歌剧《塞尔西斯》，增加了芭蕾舞场面。 1671年第一座歌剧院------皇家歌剧院开幕。
          • 吕利【意大利】（1632-1687）《阿尔赛斯特》、《阿尔米德》
          • 坎普雷（1660-1744）芭蕾舞成为各幕中的核心
          • 拉莫（1683-1764）《和声基本原理》
            • 歌剧受吕利和坎普雷双重影响 A.更加强调了戏剧效果。 B.乐队伴奏旋律化的宣叙调。 C.更多调性与和声。 D.键盘乐器的重要发展者。 代表作品《希波利特与阿丽西亚》、《双子星座》 1722年，《还原到其自然原则的和声学》，归纳了大小调和声学体系。 1726年，《音乐理论的新体系》内容： 每个和弦都有基础低音-----根音在和弦连接中形成基础根音线。 和弦的功能出现了主、下属、属的性质。
        • 英国歌剧：普赛尔（1658-1695）：《狄多与埃涅阿斯》
          • 歌剧特点： 1、受到法国大歌剧的影响。 2、英国音乐以民谣为基础。
        • 德国歌剧：许茨（1585-1672）《达芙妮》（1627年）、凯泽尔（1674-1739）
      • 清唱剧：大型声乐套曲，又称神曲。内容赋予戏剧型和史诗性，包括独唱、重唱以及合唱由管弦乐队伴奏。
        • 清唱剧的代表作 1、巴洛克时期：巴赫《圣诞清唱剧》、《马太受难曲》、《约翰受难曲》；亨德尔《弥赛亚》、《犹太·马卡比》 2、古典主义时期：海顿《创世纪》、《四季》 3、浪漫主义时期：门德尔松《比利亚》、《圣保罗》 4、近现代时期：法国作曲家，奥涅格《火刑堆上的贞德》；苏联作曲家：肖斯塔柯维奇《森林之歌》 清唱剧（不代喜剧表演，服装） 宗教性的声乐剧来源于中世纪的神迹剧 取消了服饰、布景和表演成为包括独唱、合唱和管弦乐在内的发挥自己专长的大型声乐戏剧。 在独唱各类重唱和合唱之间，借助解说者叙述情节的发展。合唱在清唱剧中具有突出作用。 第一部清唱剧：卡瓦里埃利《关于灵魂与肉体的戏剧》。
      • 康塔塔：规模较小，是和清唱剧同时平行发展的一种体材。
        • 多乐章的声乐套曲，有宗教内容，也有世俗内容。 由宣叙调、咏叹调、合唱以及合唱管弦乐队构成。 意大利的康塔塔，具有更多的室内型和世俗性的特性。取材以抒情性和戏剧性的叙事诗为主。 在表现的规模上也比清唱剧短小且通俗。
      • 受难乐：是清唱剧的一种，是根据《新约圣经》“四福音书”中有关耶稣受难的记述演变的一种清唱剧。
    • 器乐体裁
      • 奏鸣曲：16世纪奏鸣曲泛指一切乐曲，到了17世纪初奏鸣曲分三重奏鸣曲和独奏奏鸣曲两种。
      • 协奏曲：协奏曲最早作为一种声乐体材出现。16世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。17世纪后半叶起指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。
      • 赋格曲：是一种严格运用卡农模仿手法的复调体材。
      • 组曲：有一组同义调性的舞曲构成，在节奏、速度上形成对比，他们是各国舞曲的精华。
      • 前奏曲：本身的含义是引子和序曲，起活动手指或导入乐曲部分的作用。
    • 重要作曲家
      • J·S巴赫【德】（1685-1750），《马太受难曲》、《约翰受难曲》、《平均律钢琴曲集》、《勃兰登堡协奏曲》等。
      • 亨德尔【德】（1686-1759）《以色列人在埃及》、《弥赛亚》、《水上音乐》、《皇家焰火音乐》等。
      • 维瓦尔第：【意】（1678-1741）被称为“红发神父”《四季》。确立协奏曲三乐章结构。---有了早期标题音乐的影子
      • D·斯卡拉蒂：【意】（1685-1757），A·斯卡拉蒂的儿子，在古钢琴音乐领域有较大贡献，共有555首奏鸣曲。晚期巴洛克三杰：（巴赫，亨德尔）
    • 通奏低音（数字低音）：巴洛克时期的核心特征
      • 作曲家写出高低两个多声部的旋律在低声部上标明和声功能数字，以表示在这个低声部上所构成相应的和声。 他的中间两个声部（中音声部和次中音声部）作曲家不写，留给演奏者按低音部数字的提示，做即兴演奏。
    • 博洛尼亚乐派：是17世纪下半叶到18世纪初，以意大利北部城市博洛尼亚圣彼得堡大教堂为中心，出现一批对器乐有贡献的作曲家群。
• 古典主义时期音乐
  • 时期背景:18 世纪中、下叶的欧洲，欧洲工业革命(Industrial Revoluntion)使得欧洲完成了从传统农业社会向现代工业社会的转变。在思想文化领域里，法国“百科全书派”掀起了“启蒙运动”(The Enlightenment)，这时在反封建统治、反教会的思想文化运动核心思想是“理性崇拜”，宣传了“自由、民主和平等”的思想。在启蒙运动的影响下，在德国文学戏剧界展开了“狂飙突进运动”(Sturm und Drang)，狂飙突进时期的作家歌颂“天才”主张“自由”“个性解放”，提出了“返回自然”的口号。在这一时期，欧洲各个国家新兴市民阶层不断壮大，18世纪的欧洲音乐也由原来的宫廷、教会开始走向了市民百姓的生活。促使了这一时期的艺术作品出现了世俗化、民众化的特点。18 世纪，印刷技术得到了一定的推进、乐器的制造技术也一定程度上得到了改进，特别是羽管键琴向钢琴的过渡，这为演奏艺术的发展提供了物质基础。 时期的划分:“古典的”(Classic)一词原指古希腊和罗马的艺术和建筑中的经典,而“古典主义”则多指后人运用古典风格原则创作的文学艺术作品。这些作品通常是高贵、单纯、平衡、完美，具有较为严格的艺术目的，和对装饰性的约束。 古典主义时期的界定:在音乐史上，将18世纪到19世纪初划分为古典主义时期，更具体的话，有一些学者认为可以限定在 1730-1815 这一段时间。但实际上时期的划分是相对的，它与前后的巴洛克时期和浪漫主义时期也会有一定的重叠。一般来说，大多学者认为 1750-1820年古典主义音乐主要指这70年的时间。在“古典主义时期”内通常又包括两大 时段:“前古典主义时期”(Pre-Classical)和“维也纳古典时期”(Viennese Classical)。 前古典主义时期:通常也被称为“后巴洛克时期”，通常指1730年到海顿莫扎特成熟风 格出现之间。宽泛的说，“前古典主义时期”可以用来代表维也纳古典时期以前的任何音乐。 这一时期相比与之前的“巴洛克时期”在音乐风格与体裁的发展上又向前发展了，莫扎特和海顿早期的作品属于这一时期。 维也纳古典时期:通常也被称为是“古典主义高峰”(High Classical)，这一时期通常是指18 世纪末叶到 19 世纪初，主要以海顿、莫扎特、贝多芬成熟时期的创作为代表。这一时 期，欧洲古典主义音乐在“前古典主义时期”的音乐积累上进一步发展，风格逐渐明确，形 成了期独特的典型特征。
  • 古典主义音乐的音乐风格：“洛可可风格，华丽风格，情感风格”
    • (一)洛可可风格“名词解释” “洛可可风格”:是来源于装饰艺术中的一个术语，通常是对“装饰性”风格的描述，后来音乐领域借用这一术语特指18世纪欧洲的一种音乐风格。具体在音乐领域对“洛可可风格”的界定目前还是比较模糊的。但通常来说，这种风格指 18 世纪的法国音乐，包括法国古钢琴音乐和法国歌剧中芭蕾舞蹈中的音乐，代表人物为法国大库普兰的古钢琴作品。同时，也包括一些其他国家地域作曲家创作的类似风格的的作品，如佩格莱西的喜歌剧《女仆作夫人》通常也被人们成为是“意大利的洛可可风格”。 (二)华丽风格 “华丽风格”:18 世纪，人们用这个词来形容一种精美而文雅的艺术风格，后来指代一 切新潮、自由、精美的东西。音乐家们用它来指一种自由的和声式写法，或一种主调风格。 它比较轻快，由不协和音、短小的动机组成，并以简单的和声和频繁的终止式加以伴奏。这种风格主要来自于意大利。 (三)情感风格 “情感风格”(或“激情风格”):来源于德国中产阶级的一种风格，出现较晚。它是华 丽风格在德国的对等物。除了具备华丽风格的特点外，还经常出现忧郁风格，有意识的半音 化、突然的音型和和声的变化。它强调个人内心情感的体现，暗示了浪漫主义的因素。这种 风格的代表是 C.P.E.巴赫和W.F.巴赫。 (四)古典主义风格 以上的“前古典时期”的音乐风格逐渐融合为一种风格，即“古典主义风格”。这种风 格的特点:(1)旋律经常由二至四小节的乐句构成。(2)呼应式的上下句。(3)和声节奉慢。 (4)常用“阿尔贝蒂低音”(一种很常见的伴奏手法，以意大利作曲家D·阿尔贝蒂命名)。 (5)乐章和主题间的对比增大。(6)作品中开始强调对立的情感。
  • 前古典主义时期的歌剧
    • 格鲁克与歌剧改革：
      • 格鲁克歌剧改革的基本原则:改革的核心原则为:要求音乐服从于诗歌。(“质朴和直实是一切艺术作品的美的伟大原则”;歌剧中音乐的“真正使命”是“和诗配合”，以便加强情感的表现。”格鲁克在《阿尔采斯特》前言中阐述了歌剧改革的原则:①歌剧中喜剧的作用占主导作用，音乐是戏剧发展的手段。②应限制选即兴的咏叹调妨碍戏剧的发展。③歌剧乐队的运用应与歌词的意趣相称。④歌剧序曲应向听众提示剧情内涵。) 4.歌剧改革的主要措施:(1)将序曲、合唱、舞蹈、乐队与剧情紧密结合。(2)消除演唱家炫技的花腔唱段。(3)减弱了咏叹调和宣叙调的对比，更多采用助奏宣叙调。(4)取消了割裂歌词的乐队间奏。(5)创造了宣叙调、咏叹调与合唱的复合场景。(6)突出了序曲、舞蹈、合唱在歌剧中的地位。 5.代表作品:实现歌剧改革的作品:(1)《奥菲欧与尤里迪茜》，著名唱段《我失去了尤 丽迪茜》。(2)《阿尔采斯特》。(3)《帕里与海伦》。其他作品有:《伊菲姬尼在陶利德》、《假 奴隶》、《不期而遇》、《阿塔赛尔斯》。 6.格鲁克歌剧改革的历史地位:格鲁克用自己的歌剧改革实践，展现出了一个有理想的艺术家的成功探索，克服了当时正歌剧音乐与戏剧的脱离现象。英雄性的题材，简洁直率的表达手段，明晰的主调和声风格，这些新的思想内涵和音乐语言特征，使得歌剧在古典主义时期得到了进一步的传播与发展。
    • 喜歌剧的诞生于发展
      • (二)喜歌剧的诞生与发展 同样在启蒙思想的影响下，喜歌剧在 18 世纪初得到了迅速发展，因为取材于日常生活，形式活泼，富于民族和地方色彩，相比于正歌剧欣赏起来更加轻松娱乐，所以喜歌剧受到观众的喜爱和重视，这一体裁逐渐发展为一种独立发展的音乐戏剧体裁。喜歌剧，是对正歌剧的一种反抗。 喜歌剧的定义与特征:18 世纪开始出现的一种带有轻喜剧风格的新型歌剧。喜歌剧的特征:(1)喜歌剧的内容不再采用神话或历史英雄题材，而是出现日常生活题材。(2)唱词多为各地方言。(3)尝试加入对白。(4)风格多轻松活泼。 1.意大利喜歌剧(Opera buffa) 意大利的喜歌剧本是正歌剧中穿插的幕间剧。幕间剧是穿插在话剧或正歌剧幕间演出的 一种短小的音乐喜剧。意大利喜歌剧的特点:(1)一般有六个或更多角色。(2)内容多是对 社会人物进行讽刺。(3)题材来自于生活。(4)多用方言。(5)咏叹调比较简单。(6)宣叙调一般和键盘乐器配合来表现对白。(7)从头唱到尾。(8)对男低音重视。(9)每幕结束有终场重唱。 意大利喜歌剧最有代表性的作曲家就是佩格莱西(Giovanni Battista Pergolesi，1710--1736)，他的《女仆做夫人》(最初是正歌剧《高傲的囚徒》的幕间剧)包含了意大利喜歌剧的典型特征。 在18 世纪中叶以后，随着欧洲伤感主义文学的流行，喜歌剧中增加了严肃、伤感、悲伤的情节。此时喜歌剧的特点:(1)吸收了正歌剧的创作手法。(2)强调咏叹调的抒情作用。 (3)增加了终场重唱。代表作品:皮契尼(Niccola Piccinni，1728-1800)创作的《好姑娘》、帕伊西埃罗(GiovanniPaisiello，1740-1816)创作的《塞维利亚的理发师》、奇玛罗萨(Dnmenico Cimarosa，1749-1801)的《秘密结婚》等。 2.法国喜歌剧(Opera comique) 法国喜歌剧源自于民间的一种由歌舞、说话、乐器伴奏的集市戏剧，1715年专门演出这种集市戏剧的场所被称为“巴黎喜歌剧院”。在 1752 年，佩格莱西的《女仆做夫人》到法国巴黎演出，这促使了法国作曲家们对喜歌剧创作的思考，引发了“喜歌剧之争”(“喜歌剧论战”)。争论焦点是维护法国宫廷贵族艺术传统，还是支持更加接近群众的新鲜喜歌剧艺术形式。卢梭是后者的代表。法国的卢梭，在当时按照意大利的音乐风格，依据“有表情的朗诵调”理论，创作一部短小的法国喜歌剧《乡村中的占卜者》(《乡村卜者》)。法国喜歌剧的特点:(1)用“对白”来代替宣叙调。(2)发展了“小咏叹调”(Arietta)的形式。(3)多用重唱。(4)强调乐队的表现作用。 3.英国民谣剧(Ballade Opera) 英国作曲家佩普什和诗人盖伊在1728年创作的《乞丐歌剧》就是民谣剧(叙事歌剧),这种体裁产生于18世纪20年代。它的特点:(1)采用流行曲调或民谣填词。(2)插有对白。(3)代表了英国人对外国歌剧的反抗。(4)多为讽刺当时的贵族和宫廷的题材。因《乞丐歌剧》是“民谣剧”的代表作品，所以也有人把它成为“乞丐歌剧”。 4.德国歌唱剧(Singspiel) 16世纪，德国就有一种喜歌剧类型的艺术体裁，歌唱剧。英国民谣剧促使了其在18世纪复兴。18世纪的德国歌唱剧是在英国和法国的喜歌剧影响下发展起来的，约翰·亚当·希勒(JohannAdam Hiller，1728-1804)和诗人魏塞(C.FWeisse)根据其他国家的喜歌剧进行改编，创作了德国的第一部歌唱剧《魔鬼出笼》。它的特点:(1)采用对白。(2)旋律具有德国民间风格，多采用“利德”作为旋律基础。(3)题材上倾向干正歌剧。(4)在旋律、风格上更像喜歌剧。 (其他作曲家:K·迪特斯多夫(Karl Ditters von Dittersdorf，1739-1799)、德国作曲家c·内夫(Christian Gottob Neef，1748-1798))。 (莫扎特的《后宫诱逃》、《魔笛》属于歌唱剧范围。)
  • 前古典主义时期的器乐
    • 奏鸣曲与奏鸣曲式
      • 1.奏鸣曲 “奏鸣曲”:源于意大利语“Sonare”，意为“鸣响”，通常指 18 世纪逐渐形成的“奏鸣 曲”(sonata)体裁，其由不同数目的乐章组成，多以键盘乐器演奏(钢琴)乐章之间在调性、速度、情绪上形成对比，且彼此间存在着一定的逻辑关系。奏鸣曲经过了巴洛克时期音乐家们大量三重奏鸣曲以及独奏奏鸣曲的音乐实践后，在前古典主义时期已趋于成熟。古典主义时期早期的奏鸣曲要数C.P.E.巴赫(Carl Philipp Emanuel Bach，1714-1788)、D.斯卡拉蒂等人的创作最具有代表性。C.P.E,巴赫的创作多以古钢琴为主，D.斯卡拉蒂的创作多以羽管键琴为主。其中奠定了古典主义奏鸣曲的音乐创作模式的还是要数C.P.E.巴赫。 C.P.E.巴赫:巴洛克时期最著名的JS.巴赫的二儿子，古典主义风格的奠基者，也称“汉堡巴赫”或“德国巴赫”。他先后服务于柏林的宫廷和汉堡的教会，创作了键盘奏鸣曲有 200多首。这些作品大都体现了古典主义风格中的“情感风格”的特征的同时，也体现出了奏鸣曲的典型特征:(1)奏鸣曲多为三个乐章，以“快一慢一快”的速度排列。(2)头尾两个乐章常用两段体结构，第二部分带有重复性质的段落，已具备泰鸣曲式特征。(3)慢乐章多采用“通体作曲法”(4)戏剧性和幻想性的气质。(5)主题之间对比加强。(6)主调音乐风格。其中比较有代表性的作品有:《六首普鲁士泰鸣曲》(1742)、《六首威腾堡泰鸣曲》(1744)、《为行家和业余爱好者而作的奏鸣曲》(1765年创作，1779年出版。)等等。 此外，擅长创作奏鸣曲的作曲家有: D·斯卡拉蒂:前古典主义时期意大利作曲家、羽管键琴家，那不勒斯歌剧乐派A·斯卡拉蒂的儿子。一生创作了550首单乐章键盘奏鸣曲(他本人称其为“练习曲”)。在结构上体现出了古二部曲式到古典奏鸣曲的演进过程。创作特点:(1)主调与复调风格结合。(2)融合了意大利、伊比利亚半岛民间音乐。(3)技术复杂。(4)不协和音程。他的创作为奏鸣曲式的发展做出了贡献。 其他奏鸣曲作曲家有:阿尔贝蒂等。 2.奏鸣曲式 奏鸣曲式:在前古曲主义时期,奏鸣曲式基本形成。奏鸣曲式一般会用在当时的奏鸣曲、交响曲、奏鸣套曲的创作中用来组织作品。一个标准的奏鸣曲式包括:呈示部、展开部、再现部。呈示部要有两个音乐主题，一个在主调上的主部主题，和一个在属调上的副部主题。主题间由连接部衔接:展开部通常是对呈示部中主题的对比或发展;再现部要再现呈示部。但是副部主题要回归主调。
    • 室内乐
      • (二)室内乐（不太重要） 17世纪的管弦乐队编制不大，它与小型器乐合奏区别不大，到18世纪70、80年代， 二者才明确分离。管弦乐作品开始专指在音乐厅演奏的序曲、交响曲及协奏曲。小型的器乐合奏指在业余音乐生活中占据重要位置的室内重奏曲，为室内乐的雏形。它的特征:(1)音乐风格轻松。(2)演奏技巧简洁。(3)乐器编制随意。(4)弦乐四重奏是典型形式。(5)废弃了通奏低音织体，各声部明确的写在乐谱上。在前古典主义时期的室内乐创作中，代表作曲家有:波西米亚作曲家里赫特(Franz Xaver Richter，1709-1789)(曼海姆乐派的代表人物)、意大利作曲家博凯里尼(LuigiBoccherini，1743-1805)。
    • 协奏曲
      • (三)协奏曲 协奏曲:协奏曲在巴洛克已成为重要的器乐体裁，到了前古典主义时期。“独奏协奏曲”的发展已远超其他协奏曲，尤其是羽管键琴协奏曲发展迅速。此时协奏曲一般带有“华丽风格”。代表性的作曲家有: J.C.巴赫:巴赫最小的儿子，前古典主义时期协奏曲、交响曲的重要作曲家。他因在伦敦开始了作曲和演奉的生涯，因此被称为“伦敦巴赫”他创作了近40首独奉协奉曲和15首管弦乐协奏曲。在他的一些钢琴协奏曲中,引入了奏鸣曲式的原则，确立了一种典型形式。(1)主题在调性与材料间的对比并置及变化统一。(2)末乐章有时采用回归曲式结构。(3)第2乐章常采用小步舞曲。他的协奏曲创作为日后莫扎特的创作造成了影响。
    • 交响乐
      • (四)交响乐 1.交响乐的形成与发展 “交响乐”是西方音乐艺术中的大型体裁，通常以乐队合奏的形式出现。交响乐这种体 裁直接来源是意大利序曲(sinfonia)，意大利序曲在17世纪60年代开始脱离歌剧院的演出 环境，独立的在音乐厅进行演出，在此基础上，当时的管弦乐队的演奏实践得到积累，促使交响乐的产生。 大约在 1700 年，歌剧序曲的标准形式先是一段快板，然后是一个短小的抒情行板，最后是一段舞曲节奏的快板。后来，这种“快一慢一快”的序曲从歌剧中独立出来。 18世纪30年代，意大利米兰的萨马尔蒂尼(Giovanni Battista Sammartini，1698-1775) 开始创作这种独立的序曲，也称“辛弗尼亚”。他将3个段落扩展为3个乐章，常用快板一 短小抒情的行板-舞曲来布局，这种形式逐渐成为最初的交响曲。它逐渐开始取代协泰曲的 地位。18世纪40年代开始，德、奥地区交响曲创作主要以曼海姆乐派、柏林乐派和维也纳乐派为代表。 德国曼海姆乐派:德国曼海姆乐派有当时欧洲最好的管弦乐队，他们的乐队在演奏中十 分注重对力度的控制与把握，管弦乐队演奏的音色给人以十分流畅的音乐体验。 约翰·斯塔米兹(Johann Wenzel Stamitz，1717-1757)是德国曼海姆乐派的代表人物。曼海姆乐派对交响曲的贡献:(1)首次用对比性的副部主题。(2)用小步舞曲作为第三乐章，且增加了第 四个乐章。(3)确立了四个乐章的交响曲套曲的创作规范,即快板一行板-小步舞曲-终曲。 (4)小提琴成为乐队中心，重视管乐器。(5)确立了“曼海姆火箭”、“曼海姆叹息”“曼 海姆渐强”等音乐语汇，音乐中常有突然的休止或强奏。 (其他作曲家:卡尔·斯塔米兹、霍尔次鲍尔、卡纳比希、里赫特) 维也纳乐派:维也纳乐派是后来的“维也纳古典乐派”产生的基础，代表人物是莫恩和瓦根泽尔。他们的交响乐创作在风格上更加幽默、质朴，经常由果断和抒情的主题形成对比。 柏林乐派:柏林乐派以北德腓德烈大帝宫廷为中心，C.P.E.巴赫是其中的代表人物。柏林乐派的创中体现了明显的“情感风格”同时他们的主题发展十分具有动力，经常运用对位手法来组织音乐，风格统一严谨且具有戏剧性。 通过这些乐派的音乐创作，交响乐在这一时期得到了充分的发展，为后来“维也纳古典主义时期”交响乐的发展提供了基础。在这一时期，交响乐队的乐队编制通常已达到25-35人，小提琴负责指挥，弦乐成为基础，铜管乐在这一时期得到重视，巴洛克时代的通奏低音已经被废弃了。在古典主义时期管弦乐队的标准配置:弦乐器组、木管乐器组、铜管乐器组、打击乐器组，其中管乐器均为两件，被称为“双管制管弦乐队”。
    • 海顿
      • 1790年，海顿由此也离开了其服务了30年的埃斯特哈齐家族，搬到了维也纳。在90年代，海顿多次往返伦敦和维也纳后，完成了其“大成之作”--12首《“伦敦”交响乐》两部清唱剧《创世纪》和《四季》等作品。1809年5月末，海顿逝世。 二)海顿的音乐创作 海顿的一生创作了大量的音乐作品，其数量和所涉及的领域都是十分惊人的，其创作了108首交响曲，为各种乐器创作了协奏曲、奏鸣曲、四重奏、三重奏，大量的歌剧、弥撒曲、宗教仪式曲、康塔塔、清唱剧和独唱声乐歌曲，还有民歌改编曲等。一方面体现了海顿的惊人创作能力，更是为后来的作曲家提供了很多作曲上的参考。 1.交响曲 海顿早期几部交响曲仍是三乐章的，从第三交响曲开始，海顿逐渐确立了四个乐章的创作规范:第一乐章:快板，奏鸣曲式(慢引子、主题材料用弦乐和木管演奏、副部以主部主题为基础。等);第二乐章:行板、慢板或广板，奏鸣曲式或变奏曲式(平静幽雅风格);第三乐章:用带三声中部的小步舞曲(活泼短小的形式);第四乐章:快板或比第一乐章更快的急板，回旋曲式、奏鸣曲式或回旋奏鸣曲式。 1768-1774之间的交响曲风格开始成熟，此时特征:(1)加入“情感性”。(2)开始用 管弦乐来表现“严肃”和“崇高”(3)曲式规模扩大。(4)戏剧性增强。代表作品:第44 45号交响曲。 在1774-1788的交响曲中出现了新的特征:(1)实验性减少。(2)乐队处理沉稳。(3) 作品内涵深刻。代表作品:六首《“巴黎”交响曲》(82-87)、第88交响曲、《“牛津”交响 曲》(92)。 90年代创作的12首伦敦交响曲(93-104)是海顿交响乐创作的巅峰。作品特征:(1)符合英国审美。(2)规模更大。(3)配器更辉煌。(4)和声更大胆。(5)旋律更优美。(6)节奏更有张力。(7)主题采用民歌元素(例如斯洛文尼亚、克罗地亚的农民歌曲和土耳其军乐)。(8)突出木管乐器。(9)扩张了第一乐章的慢引子。(10)第4乐章常用泰鸣曲或回旋奏鸣曲，或二者的结合。
      • 交响曲
      • 弦乐四重奏
        • 2.弦乐四重奏 早期的弦乐四重奏受到维也纳小夜曲(或嬉游曲)等体裁的影响，采用五个乐章:快板 一小步舞曲-慢板-小步舞曲一快板。代表作品:第1号《降B大调弦乐四重奏》。 1770年左右，海顿的四重奏创作开始成熟。此时的特征:(1)取消了一个小步舞曲乐章，形成四个乐章的固定格式。(2)节奏多变。(3)主题扩张。(4)大提琴开始作为旋律和独奏 声部。(5)对位变得重要。(6)展开部布局精巧。代表作品:第17(“小夜曲”)、20号弦乐 四重奏。 在80年代，海顿的四重奏出现了新特征:(1)一些小步舞曲被加以“谐谑曲”的标题。 (2)第一乐意逐渐增多了单一主题的写法(副部多为主部主题的属调上移)。(3)慢板乐音 常用主题与变奏的形式。代表作品:第33、42、50、54、55、64(“云雀”)号。 在90年代，海顿四重奏创作走向巅峰。此时特征:(1)单主题的第一乐章。(2)和声更加扩展。(3)运用半音进行和增六和弦。(4)广泛的转调。(5)运用“谈话原则”来组织四个声部平衡。(6)更具交响性。代表作品:第71、74、76(“皇帝”)、77、103号弦乐四重奏。 “谈话原则”:“第一小提琴像是一位健谈的中年人，他总找话题来维持谈话:第二小提琴是第一小提琴的朋友，他附和第一小提琴的谈话，但少表达自己，参加谈话时，只支持别人的意见而不提出自己的意见。大提琴是一位庄重而有学问的人，好讲道理，他用简单却中肯的言论支持第一小提琴的意见。至于中提琴，则是一位善良而有些饶舌的妇人，她丝毫讲不出重要的意见，却经常插嘴。 作品76号之3，第2乐章的主题旋律《上帝保佑弗朗兹皇帝》原是为奥地利国王而作的生日颂歌，后来成为奥匈帝国的国歌，现在是德国国歌。
      • 清唱剧
        • 3.清唱剧 海顿晚期创作了两部清唱剧《创世纪》(1798)和《四季》(1801)。《创世纪》根据弥尔顿的《失乐园》改编，体现了启蒙运动思想对宗教题材的影响。《四季》是根据苏格兰诗人詹姆斯·汤姆森的同名长诗改编，充满了对大自然的热爱。二部作品可以明显的看到亨德尔清唱剧的影响。 4.其他作品:钢琴奏鸣曲、15部歌剧、6首宗教弥撒曲。 5.称号:海顿创作了的交响曲弦乐四重奏十分具有代表性，因此被称为“交响曲之父”和“弦乐四重奏之父”。
    • 莫扎特
      • (一)莫扎特的生平 莫扎特的一生大概可以划分为三个时期: 1.第一时期(1756-1771) 莫扎特1756年出生在奥地利的萨尔兹堡，从小就受到他音乐家爸爸的严格教导。6岁的莫扎特已经可以跟着爸爸和姐姐一起到各国宫廷演出。此后的十年期间,莫扎特到维也纳、巴黎、伦敦、罗马等欧洲重要的城市和宫廷演出，在积累了音乐演奏和创作经验的同时，也大大的开阔了眼界。莫扎特从5岁开始作曲，这一时期创作了弥撒、赞美诗等宗教作品:歌剧、独唱曲等声乐作品;奏鸣曲、协奏曲、交响曲、嬉游曲、舞曲、重奏等器乐作品。整体来看，这一时期的莫扎特在音乐上处于学习和积累的阶段，音乐风格与他后来的作品相比，还不是特别成熟。在莫扎特这一时期期的创作中，歌剧、交响乐、钢琴协奏曲的创作更为重要。 2.第二时期(1772-1781) 莫扎特在这一时期主要在萨尔兹堡专心创作，同时在萨尔兹堡的教堂当管风琴师。他在工作的期间，经常和主教吵架，后莫扎特辞职。他可能是受到了当时启蒙思想的影响，相信人的价值不是由出身决定的，而是由才能和道德决定的。于是，莫扎特来到维也纳。这一时期的莫扎特的创作，无论是质量还是数量，相比干之前都有很大提高。由于他的教堂的工作关系，莫扎特在这一时期创作了比较多的宗教作品。同时，在管弦乐器协奏曲、弦乐四重奏、钢琴奏鸣曲体裁上，也有很多突破。 3.第三时期(1781-1791) 莫扎特人生的最后10年是他在音乐创作上最辉煌的时期。莫扎特在人生的最后10年，完成了他人生中最伟大的一批作品，并且总结了不同艺术体裁的创作经验。1781年，刚来到维也纳的莫扎特感受到了经济的压力，体会到了当一个“自由”的作曲家并不容易。1782年，莫扎特结婚了。莫扎特在婚姻的滋润下，创作出了非常多优秀的作品。莫扎特为了赚钱，每天要教学、演出、出版作品、创作，这一时期不少优秀的作品都是为了赚钱而完成的，频繁的创作，让莫扎特作品的艺术水准越来越高。莫扎特在维也纳期间，结实了海顿，他与海顿的交流让他在创作上有了新的启发，他还特意为海顿写了几部作品来表达他的情感。1791年12月5日，莫扎特去世了。莫扎特短暂的一生，彰显了一个“神童”的音乐才能，为世界留下了伟大的音乐遗产。
      • 歌剧创作
        • 1.歌剧创作 莫扎特是他音乐创作中最辉煌的领域，共创作了20多部歌剧，他最优秀的歌剧大多在维也纳时期创作。莫扎特歌剧的特征:(1)强调诗歌必须服从音乐。(2)用音乐刻画性格。(3)旋律优美。(4)配器精致。(5)戏剧布景精美。(6)曲式结构严谨。(7)注重重唱。代表作品有:意大利歌剧《费加罗的婚礼》(1786)、《唐·乔万尼》(1787)、《女人心》(1790)、正歌剧《伊多梅纽斯》(1780-1781)、《狄多的仁慈》(1791)、德语歌剧《后宫诱逃》(1782)、《魔笛》(1791)等。其他作品有:《巴斯蒂安与巴斯蒂安娜》、《假扮园丁的姑娘》等。 莫扎特三部喜歌剧均由达·彭特编剧，所表现的都与女性的忠诚有关。 (1)《费加罗的婚礼》:四慕，莫扎特的意大利喜歌剧作品，其是1·达·蓬特根据法 国剧作家博马舍的同名喜剧改编的《费加罗三部曲》的第二部，一部带有强烈社会讽刺性的 戏剧，抨击了贵族阶层的荒淫特权，歌颂了市民百姓的机智与勇敢。音乐特点:①体现了时 代进步思想。②强化了人物性格。③重视二重唱和终场重唱。④加强了戏剧冲突。这部歌剧 在喜歌剧创作中具有重要意义。 (2)《唐乔万尼》:莫扎特创作的意大利喜歌剧作品，脚本作者为L·达·蓬特。歌剧 主要重述了中世纪传奇中的唐璜的故事。莫扎特在塑造人物时，并没有将主人公唐璜刻画成 为闹剧中的浪荡子，而是一个利己主义者，他的仆人既是一个喜剧的陪衬者，又是一个对人 类弱点的观察者，体现了莫扎特对人物塑造的理解。 (3)《女人心》:莫扎特创作的喜歌剧作品，脚本作者为L·达·蓬特。这部歌剧的剧情主要讲述了关于爱情的欺骗与背叛的故事。音乐的风格清新可爱。 （4）《魔笛》:莫扎特创作的最后一部歌剧，德语歌剧。歌剧取材于诗人维兰德的童话集《金尼斯坦》中一篇名为“璐璐的魔笛”的童话，后由席卡内德改编成歌剧脚本。故事剧情主要是围绕“魔笛”展开的一个魔幻童话故事。此歌剧在音乐上的特征:①把德国歌唱剧和意大利歌剧的优点结合起来。②将喜剧因素和庄严音乐结合。具体来说，《魔笛》有正歌剧常见的花腔技巧，代表唱段夜后的咏叹调《年轻人，不要害怕》、《复仇的火焰在我心中燃烧》:也有意大利喜歌剧急口令式的演唱:还有德国民谣风格歌唱剧的特征:还有宗教合唱风格:甚至包括童话歌剧因素。这对于德国之后“整体艺术”的歌剧创作具有重要影响。
      • 协奏曲创作
        • 2.协奏曲创作 莫扎特共创作了 27首协奏曲(维也纳时期创作17首)莫扎特在协奏曲的创作中，不断完善了协奏曲的古典范式，他在原来协奏曲的基础上进行了以下改进:(1)他确立了在第一乐章“双呈示部”的音乐结构。(2)他在再现部的结尾加入了“华彩乐段”(cadenza)，为演奏者提供了炫技的空间。(3)确立了协奏曲三个乐章“快一慢一快”的速度布局(没有交响套曲中的小步舞曲或谐谑曲乐竟)。 具体来说:第一乐章为双呈示部的协奏曲一奏鸣曲式快板乐章,第一呈示部由乐队演奏,两个对比主题均建立在主调上:第二呈示部由独奏乐器和乐队协同演奏，两个主题形成主---属调的对比，甚至出现新主题，乐章结束之前有华彩乐段。第二乐章为慢板或柔板，旋律性较强。第三乐章为富有技巧的民歌风格或舞曲风格，多采用回旋曲式或奏鸣回旋曲式。 莫扎特最有代表性的是他的钢琴协奏 K.449、K.450、K.482、K.488、K.503、K.537(“加 冕”)和五部小提琴协奏曲 K.219(“土耳其”)等。
      • 交响曲创作
        • 3.交响曲创作 莫扎特的大多数交响曲创作于萨尔兹堡，最后的6部创作于维也纳，但这6首是他交响 曲创作中最杰出的作品。莫扎特交响曲的特征:(1)篇幅更大更复杂。(2)突出木管乐器声 部。(3)运用更复杂的对位手法。(4)半音化的运用增多。(5)终曲乐章宏伟。代表作品: 第35号“哈夫纳”、第36号“林茨”、第38“布拉格”，最后3部为交响乐重要作品，分别为第39号《降E大调交响曲》、第40号《g小调交响曲》(带有狂飙风格，是抒情性、戏剧 性交响曲的最高典范)、第41号《“朱庇特”C大调交响曲》(古典主义盛期风格和作曲技术 的融合，因规模之大被称为“朱庇特”，暗示了贝多芬的交响曲风格)。
      • 其他创作
        • 4.其他创作 (1)《安魂曲》(《安魂弥撒曲》)(K.626)是莫扎特的绝笔之作，为合唱和管弦乐队而作，未完成。此曲体现了巴洛克音乐的风格，在“慈悲经”中的赋格中，使用了巴赫、亨德尔、海顿都使用过的主题。 (2)弦乐四重奏:《“哈夫纳”小夜曲》(K.250)和《G大调弦乐小夜曲》。最著名的是献给海顿的6首(K.387，K.421，K.428，K.458，K.464，K.465)体现了海顿对他的影响。 (3)钢琴作品:《A大调钢琴奏鸣曲》(K.331)等，对贝多芬、舒伯特的钢琴创作产生了影响。
      • 总结
        • (三)总结 莫扎特短短的生命，给人们留下了巨大的财富，他的音乐体现了古典主义时期最完美的风格和对音乐纯真的理想。他和海顿一起，建立并完善了多种音乐体裁形式，并将这些体裁形式所能承载的内容和表述结合到天衣无缝。
    • 贝多芬
      • (一)贝多芬的生平 贝多芬的一生可以分为三个时期:(有教材将第一时期分成两个，即为四个时期) 1.早期(1770-1801) 贝多芬在1770年出生在德国波恩。贝多芬的祖父和爸爸都是选帝侯宫廷的乐师。波恩受到了“启蒙运动”和德国“狂飙运动”的影响，人们开始追求“自由博爱”。这一时期贝多芬的老师聂费对贝多芬的影响很大,给他的音乐和演奏奠定了基础。贝多芬曾在波恩大学，接受过启蒙思想的精神，这使得贝多芬对“革命”与“突破”有了很大的兴趣。早期贝多芬家庭窘迫，父亲粗暴，培养了贝多芬坚韧的性格。莫扎特、海顿在这一时期曾对贝多芬进行过肯定。 1792年，贝多芬来到了维也纳。来到维也纳的贝多芬曾与海顿等作曲家、演奏家学习作曲和演奏。在此阶段，他很快以钢琴家的身份活跃于贵族宫廷。在 1801年听觉大大衰退，出现耳聋的症状。1801年，他在给他的好基友魏格勒的信中写道:“我要扼住生命的喉咙，要我向他弯腰，这是不可能的。”在这一时期，贝多芬的创作开始显露出自己独特的个性，他的音乐在这一时期情感浓烈，对比强烈。同时，逐渐可以看出贝多芬对“革命”精神的向往，以及在音乐上的探索和尝试。钢琴奏鸣曲:《c小调第八“悲怆”钢琴奏鸣曲》(Op.13)、《#c小调第十四“月光”钢琴奏鸣曲》(Op.27，No.2)、《D大调第十五“田园”钢琴奏鸣曲》(Op.28)。钢琴协奏曲:《'B大调第二钢琴协奏曲》(Op.19)、《c大调第一钢琴协奏曲》(Op.15)、《c小调第三钢琴协奏曲》(Op.37)。 2.中期(1802-1815) 1802年，他写下了“海利根施塔特遗嘱”。1803年，贝多芬完成了他的《“英雄”交响曲》，这部作品是贝多芬受到法国大革命的激励而写的，最初是为拿破仑·波拿巴而作的，但因为拿破仑称帝了，贝多芬将题目改了，改为“英雄交响曲”。在这一时期，从贝多芬作品的题材、体裁的变化来看，贝多芬的音乐内涵变得更加深刻，更加向往“革命”精神。在1811-1812年期间，贝多芬创作了《第七交响曲》和《第八交响曲》，这两部交响曲标志着贝多芬在这一阶段音乐创作的最高标准，同时也意味着贝多芬的音乐创作风格完全成熟。在1814年，贝多芬之前失败的歌剧《莱奥诺拉》改名为《费德里奥》经过改编后重新上演，获得了成功!这一时期的代表作品有:交响曲:《大调第三“英雄”交响曲》(Op.55)、《B大调第四交响曲》(Op.60)、《c大调第五交响曲》(Op.67)、《F大调第六交响曲》(Op.68)、《A大调第七交响曲》(Op.92)、《F大调第八交响曲》(Op.93)。奏鸣曲:《d小调第十七“暴风雨”钢琴奏鸣曲》(Op.31，No.2)、《bE大调第十八“狩猎”钢琴奏鸣曲》(Op.31，No.2)、《c大调第二十一“黎明”(“华尔斯坦”)钢琴奏鸣曲》(Op.53)、《f小调第二十三“热情”钢琴奏鸣曲》(Op.57)、《E大调第二十六“告别”钢琴奏鸣曲》(Op.81a)。钢琴协奏曲:《E大调第五“皇帝”钢琴协奏曲》(Op.73)。歌剧:《费德里奥》。 3.晚期(1816-1827) 在这一时期，贝多芬的人生出现了很多困难，他的赞助人们在这一年相继去世，贝多芬是这样描述当时的生活的:“我几乎沦为乞丐，而我又不得显露出一副不差钱的样子。”在这一时期，意大利风格开始盛行，人们似乎有点听腻了贝多芬热烈、深刻的音乐风格，大家开始喜欢罗西尼清新灵动的风格了。在这一时期贝多芬耳朵完全聋了，他得靠笔记本与人沟通。所有的这些使得贝多芬的脾气越来也不好，身边的人都被他气走了，他自己描述自己的境遇是:“我什么朋友也没有，我在世界上是孤独一人。”贝多芬，于 1827 年逝世。在贝多芬最后一个时期的创作中，可以看出他对巴洛克时期音乐以及海顿、莫扎特音乐的寻找，在更加强调个人情感的抒发的同时，也赋予了音乐作品更深刻的思想深意。这一时期的作品创作体裁相对丰富。在这一时期的创作上，贝多芬具体现了以下特征:(1)抒情主义成分增加了。(2)更强调自我表现。(3)浪漫主义倾向。(4)主题和动机得到发挥。(5)放弃了方整的音乐结构。(6)通过不强调终止增加音乐的持续性。(7)体现出巴洛克赋格曲和卡农的兴趣。(8)关注大变奏曲的形式。(9)爱用即兴的、宣叙的华彩式段落。(10)古 典曲式的突破。代表性作品如下:此时期的代表作品:交响乐:《第九交响曲》(Op.125)。艺术歌曲:声乐套曲《至远方的爱人》(6首)(Op.98)弥撒:《D大调庄严弥撒》(Op.123) 变奏曲：《迪亚贝利变奏曲》（OP.120)
      • 器乐创作
        • 交响曲
          • (1)交响曲 贝多芬的9首交响曲可以分为四种类型:①英雄性、戏剧性(3、5、9);②生活风俗性、抒情性(1、4、8);③群众性、舞蹈性(7);④综合性(2);⑤哲理性(6)。《第一交响曲》:1800 年创作。特征:①一定程度遵循了海顿的创作风范。②流露出个人气质。③第一乐章慢引子出现推迟。④第三乐章是快速的谐谑曲，但标记小步舞曲的字样。⑤突出木管乐器。⑥关注力度细微的变化。《第二交响曲》，1802 年创作。特征:①规模更大。②第一乐章引子、尾声都很长。并在其中展开了主要材料。③广板乐章主题多。④终曲为带有回旋性的奏鸣曲式。 《第三交响曲》，创作于1802年，出版于1806年。最早是献给拿破仑的，乐谱手稿标题是“以波拿马为题的大交响曲”，后来改为“为波拿马而作”。在 1804年拿破仑称帝后，改为“英雄交响曲，为纪念一个伟人而作”。特征:①具有革命性。②表现了追求“自由、平等、博爱”的人道主义精神。③体现了贝多芬的音乐理想。④篇幅长大、结构复杂。⑤音乐中主题、和声的对比增多。⑥突出木管乐器。⑦吸收了革命艺术、芭蕾舞音乐的元素。(作品中最早引入葬礼进行曲)这部作品是贝多芬创作走向成熟的标志。 《第四交响曲》和《第五交响曲》(“命运动机”)几乎同时创作于 1806-1808 年。两部 作品体现了英雄性、戏剧性的冲突。 《第六交响曲》:“田园”交响曲，创作于 1807-1808。这部作品的特征有5个乐章，同时每个乐章还加了标题:第一乐章“到达乡村的喜悦心情”，第二乐章“溪边景色”、第三乐章“村民的欢聚”，第四乐章“暴风雨”，第五乐章“暴风雨后的愉快和感恩的情绪”。贝多芬强调的是，这些标题所强调的是“情感的表现而不是描绘”。(最早的标题交响曲) 《第七交响曲》(被瓦格纳称为“舞蹈的礼赞”，第一乐章为田园曲节奏，第二乐章是葬 礼进行曲，第三乐章是复三部曲式，第四乐章是具有酒神狄俄尼索斯狂欢场面的舞蹈乐章， 纯器乐音交响乐戏剧性写作发展的高峰)与《第八交响曲》(被贝多芬称为“小交响曲”第 二乐章是对“节拍器”的模仿)，这两部作品创作于 1811-1812年。 《第九交响曲》:创作于 1817-1823，1824 年首演，是贝多芬音乐创作的顶峰。这部作品最大的特点就是在末乐章运用了合唱和独唱，声乐部分以德国诗人席勒诗作《欢乐颂》（1785)为歌词，表达了“艺术能联合人类”的伟大主题。“欢乐颂”所描绘的内容象征了自由、平等、博爱的崇高境界，体现了贝多芬追求的人生理念。在音乐上，《第九交响曲》的特征有:①在交响乐体裁中引入声乐。②篇幅扩充。③奏鸣曲式思维贯穿全曲。④动力发展与调性回归手法贯穿。⑤连续五度和大幅度跳进旅律。⑥切分式或重复的节奉和音型。⑦和声调性的延迟解决。⑧情感内涵深刻。
        • 奏鸣曲
          • (2)钢琴奏鸣曲:一般认为，贝多芬的钢琴奏鸣曲中的前 10首更接近海顿、莫扎特以及同期作曲家的形式与风格。代表作品有:《c小调第八“悲怆”钢琴奏鸣曲》(Op.13)。中期的作品体现出贝多芬成熟的创作风格。代表作品有:《d小调第十七“暴风雨”钢琴奏鸣曲》(Op.31，No.2)、《bE大调第十八“狩猎”钢琴奏鸣曲》(Op.31，No.2)、《C大调第二十.“黎明”(“华尔斯坦”)钢琴奏鸣曲》(Op.53)、《f小调第二十三“热情”钢琴奏鸣曲》(Op.57)。 最后6首集中体现了贝多芬晚期创作的特征，这一时期更注重自我的表达，音乐结构开始走 向自由，还体现出对巴洛克音乐的兴趣。32 首奏鸣曲被称为钢琴演奏者的“新约全书”。
        • 钢琴协奏曲
          • (3)钢琴协奏曲:贝多芬的钢琴协奏曲，特别是最后三部，在内涵、风格、技法上都超越了海顿莫扎特。最具代表性的作品:《“皇帝”降E大调第五钢琴协奏曲》(Op.73，1809)。(这部作品写了固定的华彩乐段，限制了演奏者的任意即兴发挥，为后世独奏协奏曲确立了典范。)
        • 弦乐四重奏
          • (4)弦乐四重奏:贝多芬人生的最后一部作品是《F大调弦乐四重奏》(Op.135)，包括之前的《“拉祖莫夫斯基”四重奏》(Op.59)、《庄严四重奏》(Op.95)，Op.127、0p.131、Op.130、Op.132、0p.135以及“大赋格”Op.133，都是贝多芬弦乐四重奏的代表作品
      • 声乐创作
        • 2.声乐创作 贝多芬的声乐创作涉及歌剧、清唱剧、弥撒、康塔塔、合唱幻想曲和大量艺术歌曲，还改编了苏格兰、爱尔兰等民族的民歌。
        • 歌剧
          • (1)歌剧《费德里奥》:贝多芬唯一的歌剧作品，脚本来源于法国大革命时期的一部“拯救歌剧”《雷奥诺拉》(或《夫妻之爱》)。作于 1804-1805。这部作品表达了对革命精神的追求。情节主要叙述了女主人公雷奥诺拉女扮男装到监狱中营救自己被迫害的丈夫的故事。 贝多芬的音乐故事的英雄气概表达出来。歌剧经过三次修改，在 1814 年后才获得成功。他先后为作品创作了四部序曲，经常被单独演奏。
        • 庄严弥撒
          • (2)《庄严弥撒》:在 1819 年，贝多芬开始为自己的学生兼赞助人鲁道夫大公创作《庄严弥撒》，这部作品创作了4年，直至1823年才写完。贝多芬自己认为它是自己最好的作品,在这部作品中，能够看出亨德尔的合唱写作技术，也能看出受到了海顿弥撒音乐的影响。庄严灿烂是这部宗教作品的特征。全曲按照五段的常规格式,体现出贝多芬交响乐的创作特征。
        • 声乐套曲
          • (3)声乐套曲《致远方的爱人》:1816 年，贝多芬创作了声乐套曲《致远方的爱人》这似乎可以说是西方音乐历史上第一套声乐套曲。表达了贝多芬对理想爱人的向往，这也许是终身未婚的贝多芬对爱情的追求与理想。
        • 戏剧
          • (4)《艾格蒙特序曲》:1787年，歌德创作了戏剧《艾格蒙特》，1810年，贝多芬根据歌德作品，为其创作了序曲。奏鸣曲式写成，大致分为三大部分。(贝多芬共写作了 11部喜剧配乐和管弦乐序曲，其他代表作品有:《科里奥兰》序曲、《雅典的废墟》序曲。) 3.对奏鸣交响套曲的贡献:对奏鸣交响套曲的贡献主要体现在:(1)扩大了体裁的内涵与篇幅。(2)增加了段落间的对比和独立性。(3)将展开部作为集中对比的段落。(4)主题动机式的音乐发展手法得到发展。
      • 总结
        • (三)总结 目前的资料里形容贝多芬最俗也是最贴切的一句话就是:“集古典主义音乐之大成，开浪漫主义音乐之先河”。贝多芬的作曲技术以及创作构思在一定程度上超越了海顿、莫扎特这两位古典主义大师，他在超越前辈的同时，贝多芬也在不断超越自己。从贝多芬人生最后的创作中可以看出，他的音乐更加强调个人情感，同时也在传达自己的崇高理想与追求。贝多芬开创了西方音乐历史一个全新的时代,后来作曲家们都在为能够超越贝多芬而不断突破。
• 浪漫主义时期音乐作曲家、相关名词
  • 浪漫主义的时期划分:“浪漫主义”通常是指19 世纪到20 世纪前后这一百多年(1790-1910)的西方音乐历史，即浪漫主义作为主导潮流支配和指导着大多数作曲家的时期。它最早覆盖贝多芬晚期的音乐作品，最晚可以到勋伯格使用“十二音”之前音乐作品。与古典主义的关系:古典主义音乐主要为教会和宫廷而创作，而浪漫主义音乐则主要为家庭和公众而作。音乐创作中对作曲家的个性和情感的表现，以及民族性的强调，取代了18世纪世界主义的艺术理想。在风格上，浪漫主义和古典主义有很多共同点，19世纪包括霍夫曼在内的作家认为海顿、莫扎特、贝多芬的音乐也是浪漫主义的，因为他们都充满了幻想因素。德国音乐学家布鲁默也认为古典主义和浪漫主义是一个连续发展的时期。但是浪漫主义和古典主义之间确实存在着不同，浪漫主义出现于18世纪末，在古典主义传统和局限面前，浪漫主义是自由的，它渴望无限的发挥艺术家个人的想象力和创造力。在这一点上它是对古典主义的突破。浪漫主义是一个直觉战胜理性，想象战胜形式，心灵战胜头脑的时期。 浪漫主义音乐的特点:(1)强调个人情感表现。(2)曲式结构扩展，更加自由。(3)半音化或不协和音开始增多，更常用远关系调性。(4)器乐是传达情感的理想手段。(5)强调音乐与文学等姊妹艺术的联系，这种联系在艺术歌曲和标题音乐中体现。(6)注重音乐的民族性，促进了民族乐派的产生。(7)管弦乐队的音响得到开发。
  • 法国歌剧
    • 拯救歌剧
      • (一)拯救歌剧 拯救歌剧:是法国大革命时期(1800年前后)产生的一种歌剧体裁，歌剧内容中代表封建恶势力的阴谋终不能得逞，受迫害的一方总能在悲剧的最后一刻被拯救出来。格雷特里(André Ernest Modeste Grétry，1741-1813)的《狮心王理查》一般被认为是第一部拯救歌剧;德国音乐家贝多芬的歌剧《费德里奥》在题材选择上也受到法国拯救歌剧的影响，同样成为拯救歌剧的代表作品。其他作曲家有:凯鲁比尼。
    • 大歌剧
      • (二)大歌剧(Grand Opera) 1820年以后，随着法国中产阶级壮大，大歌剧应运而生。脚本作者斯克里布(EugeneScribe，1791-1861)和作曲家梅耶比尔(Giacomo Meverbeer，1791-1864)在19世纪30年代创立了这种体裁。大歌剧采用了吕利的歌剧创作经验，并迎合了中产阶级观众的兴趣。 大歌剧特点:①大规模戏剧构思。2宏伟壮观的戏剧场面。③出场人物众多。④紧张的戏剧 冲突。⑤乐队、舞蹈、合唱相结合。 代表性作品:梅耶比尔《胡格诺教徒》、《恶魔罗勃》、《预言者》、《非洲女》。1830年前后大歌剧重要作曲家作品还有:奥柏(FrancoisAuber，1782-1871)的《波蒂契哑女》、阿列维(JacquesHalevy，1799-1862)的《犹太女》。 罗西尼为巴黎写过一部大歌剧《威廉·退尔》，瓦格纳创作过一部大歌剧《黎恩济》。贝里尼的《清教徒》、威尔第的《阿依达》等都受到了这种体裁的影响。
    • 喜歌剧
      • (三)喜歌剧(Opera comique)（注意古典主义时期还有个喜歌剧） 法国喜歌剧是与法国大歌剧并行发展的一种歌剧形式，二者区别在于:(1)喜歌剧对白不用宣叙调。(2)规模比大歌剧小。(3)音乐简单。(4)要求演员少。(5)不用历中题材。(6)情节是喜剧性或感伤的。代表性作品:奥柏(FrancoisAuber，1782-1871)的《魔鬼兄弟》(1830)、比才(Georges Bizet，1838-1875)的《卡门》等。 比才(Bizet，1838-1875):法国歌剧作曲家。10岁开始在巴黎音乐学院学习，曾获罗马大奖。最重要的歌剧创作为:《卡门》、《采珠人》，戏剧配乐《阿莱城的姑娘》。 《卡门》:由于采用了对白而被划分为喜歌剧，更加接近 19 世纪现实主义倾向。《卡门》是根据法国批判现实主义小说家梅里美的作品改编，故事背景在西班牙，充满异国情调。特点:(1)节奏旋律活泼。(2)配器优美。(3)使用“斗牛士进行曲”“哈巴涅拉”、“塞吉迪亚”“阿拉贡舞曲”等民间音乐因素。(4)采用“悲剧动机”作为主导动机。(5)传统分曲形式。
    • 谐歌剧
      • (四)谐歌剧(Opera bouffe) 谐歌剧又称“轻歌剧”，原指“小歌剧”(规模类似于幕间剧的小型戏剧)，是从法国喜歌剧发展而来的，但它更强调“讽刺”，风格上生动活泼、通俗易懂，具有娱乐性。这种体裁在 1860 年前后在奥芬巴赫(Jacques Offenbach，1819-1880)的作品中确立，其中的代表作有《地狱里的奥菲欧》(其中的“康康舞”非常著名)、《美丽的海伦》;奥地利作曲家苏佩的《轻骑兵》、英国吉尔伯特和萨利凡的《日本天皇》:奥地利的小约翰·斯特劳斯《蝙蝠》《吉普赛男爵》;匈牙利作曲家莱哈尔的《风流寡妇》。
    • 抒情歌剧
      • (五)抒情歌剧(Lvric Opera) 抒情歌剧是介于喜歌剧和大歌剧之间的体裁形式，规模比喜歌剧大、比大歌剧小。题材主要选自浪漫戏剧或幻想文学,音乐上强调优美抒情的旋律。最著名是古诺(Charles Gounod1818-1893)的《浮士德》(浮士德格丽卿的爱情悲剧)、《罗密欧与朱丽叶》;圣-桑(CharlesCamille Saint-Saëns，1835-1921)的《参松和达丽拉》;托马斯的《迷娘》;马斯涅(善于创作女性题材，被称为“洞察女子心灵的诗人”)的《曼侬》和《维特》。 古诺:法国作曲家。其作有 12 部歌剧以及清唱剧、康塔塔、弥撒等作品。最具代表性的作品是抒情歌剧《浮士德》(根据歌德诗剧而作)和《罗密欧与朱丽叶》(根据莎士比亚的戏剧而作)。古诺的歌剧旋律优美，具有法国民间音乐和宗教音乐的特点。 (与歌德《浮十德》相关的作品:古诺抒情歌剧《浮十德》、舒伯特艺术歌曲《纺车旁的格雷卿》、李斯特的《浮士德交响曲》《梅菲斯特圆舞曲》《b小调钢琴奏鸣曲》、穆索尔斯基的《跳蚤之歌》。博依托的歌剧《梅菲斯特费勒》，瓦格纳的《浮士德序曲》。 与莎士比亚《罗密欧与朱丽叶》相关的作品:古诺抒情歌剧《罗密欧与朱丽叶》、柏辽兹戏剧交响曲、柴可夫斯基幻想序曲、普罗科菲耶夫的芭蕾舞剧。)
  • 德国歌剧
    • 韦伯
      • (一)韦伯 卡尔·玛利亚·冯·韦伯(Carl Maria von Weber，1786-1826)，德国作曲家。 1.韦伯的生平 韦伯出生在德国奥尔登堡的厄丁。因为韦伯的父母都是音乐家，他从小就跟着父母到处演出。在韦伯的音乐学习中比较重要的一个人是沃格勒(Abbe Vogler，1749-1814)神父，这位神父建议韦伯在音乐学习中应该多注重对民间音乐的收集和整理,这韦伯之后的创作提供了基础。1804年，在神父的帮助下，韦伯找到了在布勒斯劳剧院指挥的工作，韦伯在期间学习了很多音乐作品。此后的十年韦伯开始创作音乐作品，并且以钢琴家的身份到各地演出和参加各种活动，这些活动让丰伯积累了很好的资源。在1813年，27岁的韦伯当上了布拉格歌剧院的院长。1817年担任德罗斯顿宫廷剧院院长，并国王命今筹建领导“德意志歌剧院”。在 1821 年，他的力作《魔弹射手》(Freischutz，1821)在新建的柏林大剧院上演，取得了巨大的成功，很快传遍德奥地区。此后韦伯又创作了歌剧《欧丽安特》(Euryanthe1817-1821)和《奥伯龙》(Oberon，1825-1826)。1826年，韦伯为了《奥伯龙》在英国的首演奔赴伦敦，但不幸染上疾病，在这一年去世了。
      • 音乐创作
        • 2.韦伯的音乐创作 韦伯歌剧创作的代表作品:《魔弹射手》、《欧丽安特》、《奥伯龙》。在韦伯所有音乐创作中，最重要的还是歌剧《魔弹射手》，这一部歌剧一方面继承了莫扎特、贝多芬德国歌剧的创作传统，同时也明显的体现了德国浪漫主义歌剧的音乐特征，这部歌是第一部真正的德国浪漫主义歌剧，剧情来自《鬼怪小说》。《魔弹射手》特征:(1)选取的是关于超自然力量、善良、爱情的民间传说作为题材，这正是当时德国浪漫主义所迷恋的题材。(2)作品中还运用了很多民族性音乐和具有幻想性的音乐。(3)《魔弹射手》的序曲也不同于以往德国歌剧，它在主题、调性、和声、织体、音色等方面进行复杂的对比。这些特征使得音乐具有强烈的浪漫主义色彩。《魔弹射手》还运用了“音乐话剧”(melodrama)(一种把说白和背景音乐结合在一起的戏剧形式)的因素。这部作品体现了韦伯对格鲁克歌剧改革的贯彻，同时还最早提出了“整体艺术”的概念，对后来的瓦格纳的创作提供了参考。 (钢琴作品《邀舞》)
    • 瓦格纳
      • (二)瓦格纳 理查德·瓦格纳(Richard Wagner，1813-1883)，德国作曲家。瓦格纳在西方音乐历史中是一个非常有争议的人，一方面是因为他的音乐创作，还有一方面是因为他的生活。不可否认的是，他的作品在西方歌剧音乐中是有着重要的地位的。 1.瓦格纳的生平 (1)歌剧时期 瓦格纳1813年出生于德国莱比锡，爸爸在自己出生后不久就去世了，继父在瓦格纳8岁的时候也去世了。瓦格纳的音乐学习主要是通过自学，自学的专业性虽然没有那么高，但是也让瓦格纳有了充分的思考空间，不必受很多规则的限制，这也暗示了他后来的音乐创作风格。 在1833-1839年期间，瓦格纳先后在乌茨堡、里加的多个歌剧院担任合唱指导，并且还和一个女歌手结了婚。期间瓦格纳完成了歌剧《仙女》(Die Feen，1834)，这部歌剧基本是模仿德国浪漫主义歌剧风格创作的，取材于莎士比亚《一报还一报》中的《恋禁》(DasLiebesverbot，1836)。 在1839年，26岁的瓦格纳放弃工作，带着妻子来到了法国巴黎。在当时的法国巴黎，梅耶比尔等作曲家的大歌剧作品正是最火的时候,而瓦格纳的德国风格的作品基本无人问津。这让瓦格纳产生了强烈的不满。瓦格纳在遭遇了逆境之后，创作了一部法国大歌剧风格的歌剧《黎恩齐》(Rienzi，1837-1840)，在1842年首演。这部歌剧取材于英国作家布维尔(E.Bulwer)的《黎恩齐--最后的罗马护民官》，这部歌剧题材沉重，规模宏大、场面豪华，基本参照了法国大歌剧的创作模式。但可惜的是，他的创作还是没能被巴黎这些中产阶。级接受。 瓦格纳通过对《黎恩齐》的反思，最后还是决定不放弃德奥歌剧的音乐风格，于次年完成了《漂泊的荷兰人》(Der fliegende Hollander，1841-1843)，这部歌剧采用了类似于韦伯《魔弹射手》的魔幻题材，同时在音乐上保留了德奥音乐的创作风格。凭借着《黎恩齐》和《漂泊的荷兰人》两部歌剧，瓦格纳获得了德累斯顿宫廷指挥的工作。在担任这份工作期间，瓦格纳完成了《汤豪塞》(Tannhause und der Sangerkrieg auf Warburg)和《罗恩格林》(Lohengrin)。 (2)乐剧时期 瓦格纳在德累斯顿的生活非常难受，他对剧院的管理和陈旧的歌剧作品开始厌烦，这种厌烦逐渐扩大，逐渐变为对整个社会的厌烦，在1849年，瓦格纳参加了德累斯顿市民起义，瓦格纳因此被通缉了，瓦格纳不得不逃亡国外。在逃亡期间，他潜心反思这些年自己的创作，撰写了《艺术与革命》(1849)、《未来的艺术品》(1850)、《歌剧与戏剧》(1851)三部理论著作，提出了“乐剧”的概念，他认为自己的创作属于“乐剧”和德国、法国的歌剧是不同的。 从50年代到60年代初的这段时间，瓦格纳投身于乐剧的创作，完成了《特里斯坦与伊索尔德》(Tristan undIsolde，1857-1859)。在60年代，瓦格纳完成了《纽伦堡的名歌手》(Die Meistersinger von Nuernberg，1868)和《尼伯龙根的指环》(Der Ring des Nibelungen,1869)。这两部乐剧的完成标志着瓦格纳乐剧创作的成熟。在70年代，瓦格纳完成了他最后一部乐剧《帕西法尔》(Parsifal)。 在德国拜罗伊特，有一座专门上演瓦格纳歌剧的剧院--“节日剧院”。
      • 音乐创作
        • 歌剧
          • (1)歌剧作品 瓦格纳歌剧创作的代表作品:《黎恩济》、《漂泊的荷兰人》、《汤豪塞》、《罗恩格林》。 《黎恩济》:典型的法国大歌剧;《漂泊的荷兰人》:德国浪漫主义歌剧:《汤豪塞》:音乐风格还是以法国大歌剧为主，体现瓦格纳歌剧创新意识:《罗恩格林》:《罗恩格林》与《汤豪塞》同期创作完成，二者的创作思路与创作风格基本相同，是瓦格纳浪漫主义歌剧创作高峰，也是他人生歌剧创作的转折。著名的《婚礼大合唱》来自于《罗恩格林》。
        • 乐剧
          • (2)乐剧作品 瓦格纳乐剧的特点:①彻底打破了意大利歌剧的分曲编号结构，每一幕音乐都是连续不断的。②运用“主导动机”(一种与特定的角色、物体、情感或意念有联系的反复出现的音乐动机)。③采用一种“无穷尽的旋律”(“无终旋律”)，很少有终止式或明确终止。④半音化和声，持续的离调和转调，避免使用终止式，无调性倾向。⑤突出了管弦乐队的作用，覆盖全剧。⑥“主导动机”以“吟诵调”(“谈话旋律”)演唱。⑦采用神话题材。瓦格纳的乐剧创作代表作品:《特里斯坦与伊索德》、《尼伯龙根的指环》。 （出论述题适当写写）《特里斯坦与伊索尔德》:《特里斯坦与伊索尔德》在音乐上的突破是十分大胆的，在整体的布局上，作品十分强调“整体性”，每一幕之间基本没有明确的间隔，在旋律上也尽量避免终止，在调性和声上也十分模糊，音乐经常使用不协和音程和弦，甚至作品开始的“特里斯坦和弦”还成了一个典型的和声功能。故事讲的是公主伊索尔德和敌国杀父仇人特里斯坦的爱情故事，最终以特里斯坦死去为结局。这部作品一定程度上开启了“无调性”的音乐创作道路。 在《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”(如下图)，是瓦格纳创作特色的一个典型的和声功能。故事讲的是公主伊索尔德和敌国杀父仇人特里斯坦的爱情故事，最终以特里斯坦死去为结局。这部作品一定程度上开启了“无调性”的音乐创作道路。 在《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”(如下图)，是瓦格纳创作特色的一个标志，和弦外形为半减七和弦，功能上为属七和声的准备和声。47#2#5 《尼伯龙根的指环》:这部乐剧瓦格纳构思创作近30年，取材于古代斯堪的纳维亚神话《尼伯龙根之歌》，乐剧分为四个部分，瓦格纳把这四个部分命名为“莱茵的黄金”(Das Rheingold)、“女武神”(Die Walkure)、“齐格弗里德”(Siegfried)、“众神的黄昏”(Gotterdammerung)，这部乐剧的布局与构思极为宏大，意在揭露人性、社会、金钱、名誉这些事物的丑陋。乐剧四个部分环环相扣。在这一部乐剧中，音乐风格在延续了乐剧特征的同时，还强调了一个概念叫“主导动机”这个“主导动机”是一个个风格迥异的音乐主题，瓦格纳把它们安排在歌剧的各个部分，用来联系整个作品，以强调他的“整体艺术”的观念。 《纽伦堡的名歌手》:喜歌剧作品。题材来自于 16 世纪“工匠歌手”汉斯·萨克斯。 《帕西法尔》:瓦格纳最后一部乐剧，为宗教节日创作。
      • 总结
        • 3.总结 瓦格纳的音乐中充满着浓烈的浪漫主义的特征，他的乐剧在延续了德国、法国歌剧艺术创作风格的同时，又做了大胆的突破和改编，特别是“综合艺术”和“标题化”的音乐观念、以及“半音化”的和声，使得瓦格纳的乐剧具有了其独特的音乐特征，这对 19世纪浪漫主义时期音乐的发展造成了深远影响。他与李斯特的“新德意志学派”对欧洲音乐造成了深远影响。
  • 意大利歌剧
    • 古典主义时期和浪漫主义初期的歌剧，似乎德国和法国的歌剧创作风格流传更广，但从罗西尼开始，意大利歌剧开启了它全新的发展阶段。意大利在很长一段时间一直是西班牙、法国、奥地利争斗割据的对象，在18世纪末、19世纪初复杂的欧洲局势下，意大利人民开始为民族独立和国家统一而斗争，这一时期的意大利艺术创作也尤为活跃，歌剧是意大利艺术在这一时期的欧洲影响较大的艺术形式之一。
    • 罗西尼
      • (一)罗西尼 焦阿基诺·安东尼奥·罗西尼(Gioachino Antonio Rossini，1792-1868)，意大利作曲家。 1.罗西尼的生平 罗西尼出身贫困，从小随戏班的父母游迹于意大利各地的农村，后来还当过肉店和铁匠铺的学徒。在 14 岁时，罗西尼才正式进入音乐学校学习音乐，罗西尼在学习期间，因为他的嗓音条件和歌剧习作让他在学校里小有名气。罗西尼在学习作曲时大量抄写了大量海顿、莫扎特等大师的作品，积累了很多创作的基础。罗西尼在 18 岁的时候，接受了威尼斯歌剧院的9部歌剧作品的委约，其中的滑稽剧《快乐的骗局》(1812)是最为成功的一部，这部作品让罗西尼在短时间内获得了广泛的关注,也让罗西尼的音乐风格受到了大家普遍的喜爱。 此后,意大利各大剧院陆续向罗西尼发起委约,罗西尼为费拉拉歌剧院创作了宗教剧《奇罗在巴比伦》(1812)、为米兰斯卡拉剧院创作《试金石》(1812)、为威尼斯剧院创作《软梯》(1812)、《布鲁斯基诺先生》(1813)等。在1813年创作的正歌剧《唐克雷迪》和喜歌剧《意大利少女在阿尔及尔》使罗西尼爆红，甚至贝多芬作品的上演都因“罗西尼风”受到影响。 在1814-1822年期间，罗西尼在那不勒斯圣卡罗剧院担任音乐指导，这段时间内罗西尼创作了《英国女王伊丽莎白》(1815)、《塞维利亚的理发师》(1816)、《灰姑娘》(1817)《奥泰罗》(1816)、《贼鹊》(1817)、《摩西在埃及》(1818)、《湖边女郎》(1819)、《茂梅托二世》等。其中《塞维利亚的理发师》是罗西尼最成功的的作品。 从1822 年，罗西尼结婚了，此后开启了欧洲巡演。在 1824 年，32 岁的罗西尼定居在法国巴黎，担任“意大利歌剧院”院长，次年被任命为法王御前音乐总监。在1829年，罗西尼倾注心血，完成了他最后一部歌剧《威廉·退尔》。此后的近40年里，罗西尼再没写过一部歌剧，仅创作了一些其他体裁的作品。
      • 音乐创作
        • 2.罗西尼的音乐创作 罗西尼在18-30岁期间创作了 32 部歌剧，2 部清唱剧，12 首康塔塔、2 部交响曲和一些其他器乐作品，其中最重要的还是歌剧创作:
        • 正歌剧
          • (1)正歌剧创作 代表作品有:《唐克雷迪》、《奥赛罗》、《湖泊女郎》。《唐克雷迪》(Tancredi):根据伏尔泰剧作创作，其延续了意大利正歌剧的传统，也具有罗西尼的个人风格。 《奥赛罗》:以莎士比亚《奥赛罗》为题材的音乐作品还有威尔第的《奥赛罗》、德沃夏克“自然、生命、爱情”三部序曲中的《奥赛罗序曲》。 《湖泊女郎》:根据斯各特的《湖上夫人》改编。
        • 喜歌剧
          • (2)喜歌剧创作 代表作品有:《意大利少女在阿尔及尔》、《灰姑娘》、《贼鹊》、《塞维利亚的理发师》等。 《意大利少女在阿尔及尔》:罗西尼在早期创作中国最成功的的一部喜歌剧，彰显了罗 西尼的独特风格。这部作品的喜剧效果非常好，同时融入了民族情怀。这部作品在当时寻求 独立解放的意大利人们心中有很重要的影响。 《塞维利亚的理发师》:罗西尼根据法国剧作家博马舍同名喜剧创作的两幕喜歌剧，因其前辈作曲家帕伊西埃罗已经根据创作了喜歌剧,所以在作品首演时遭到了帕伊西埃罗支持的反对。剧中费加罗的《给大管家让路》(《给大忙人让路》)、罗西娜的咏叹调《我心中有个美妙的声音》是其中的代表作品。这部作品（《塞维利亚的理发师》）与莫扎特《费加罗的婚礼》和威尔第的《法尔斯塔夫》并成为意大利喜歌剧的最高成就。这部作品博马舍《费加罗三部曲》中的第一部，之前莫扎特《费加罗的婚礼》采用的是第二部。这部作品主要讲的就是理发师费加罗在精心设计下，帮助一对有情人避免了阴谋，有情人终成眷属的故事。
        • 大歌剧
          • (3)大歌剧创作 《威廉·退尔》(Guillaume Tell)是罗西尼根据德国诗人席勒同名诗剧改编的，讲的是瑞士人民反抗奥地利统治者的历史故事，反映了意大利人民对民族独立和解放的追求。这部歌剧因为创作于法国，而且观众主要是法国群体，所以罗西尼在这一部歌剧中采用了法国大歌剧的创作形式。
        • 罗西尼歌剧创作特征
          • (4)罗西尼歌剧创作特征:①旋律动听，节奏明快，织体简洁，乐句清晰。②用“场”来连接剧情。③采用乐队伴奉的“带伴奉宣叙调”，加强宣叙调的音乐性(首次在《奥赛罗》中使用)。④采用“急嘴歌”加强喜剧氛围。⑤和声风格新颖。⑥爱用与主调并置的三度调性来连接主调和属调。⑦咏叹调常由“卡瓦蒂纳”(谣唱曲)和“卡巴莱塔”组成。⑧咏叹调常与宣叙调、重唱或合唱组成场景。⑨使用“罗西尼渐强”(多次重复同一乐句，每一次重复都提高音量、增加力度)
      • 总结
        • 3.总结 罗西尼的歌剧创作一定程度上可以代表意大利歌剧的歌剧音乐特征,歌剧在本质上是歌唱艺术的最高体现，它的基本目的是用流畅音乐打动听众。罗西尼的歌剧旋律容易记忆、乐队伴奏的织体简洁、节奏很有活力、乐句划分清晰。同时他也特别注重控制歌手过分的即兴发挥，这让他的音乐风格非常轻快灵动。这种创作风格为意大利后来的歌剧作曲家提供了创作参考。
    • 贝里尼
      • (1)贝里尼的生平 温琴佐·贝里尼(Vincenzo Bellin，1801-1835)生于意大利的卡塔尼亚，祖父和父亲都是音乐家。贝里尼在18岁进入那不勒斯塞巴斯蒂阿诺音乐学院接受教育，在学习期间迷恋海顿、莫扎特的作品，同时在当时社会的影响下具有强烈的爱国情怀。贝里尼的第一部歌剧是在学校期间创作的《阿代尔松和萨尔维娜》，这部作品促使米兰的斯卡拉剧院与贝里尼签约。进入到单位后，贝里尼创作了《比安卡和费尔南多》(1826)、《海盗》(1827)。通过《海盗》，贝里尼认识了脚本作者罗玛尼(Romani)。此后，贝里尼与罗玛尼合作创作了《凯普莱特与蒙塔古》(即莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》1830)、《梦游女》(1831)、《诺尔玛》(1831)、《坦达的贝阿特丽斯》(1833)。贝里尼人生的最后一部歌剧是《清教徒》(1835)，在1835年，年仅34的贝里尼在巴黎病逝。
      • 音乐创作
        • (2)贝里尼的音乐创作 贝里尼作有 10 部歌剧，他的音乐气息悠扬，浪漫柔情，但又不失对古典主义风格的继承，由此被人称谓“意大利的夜莺”。他的题材往往来自浪漫主义文学，同时注重对人物心理的刻画。他的作品大多采用正歌剧或半正歌剧的形式,在他的作品中,最具代表性的是《梦游女》、《诺尔玛》、《清教徒》。 《梦游女》(La Sonnambula):一部具有喜剧因素的正歌剧，剧情简单朴实。 《诺尔玛》(Norma):音乐风格与《梦游女》类似，它是以古代高卢人和罗马人的政治宗教矛盾为背景展开的。代表唱段《圣洁的女神》。 《清教徒》(IPuritani):题材与《诺尔玛》类似，讲述的是英国有两个对立的党派的故事。
    • 唐尼采蒂
      • 2.唐尼采蒂 盖塔诺·唐尼采蒂(Gaetano Donizetti，1797-1848)是在贝里尼去世后，最为重要的意大利歌剧作曲家之一。 (1)唐尼采蒂的生平 唐尼采蒂出身极其贫困，从小有幸得到了作曲家迈尔的指导。在 1811年，唐尼采蒂开始创作歌剧，在 1922年的《格拉那达的佐拉伊德》让唐尼采蒂轰动意大利。他和贝里尼同时活跃与各地的歌剧院，两人都遵循意大利音乐的审美习惯进行创作。唐尼采蒂十分多产创作了近 70 部歌剧，还有一些弥撒、清唱剧、钢琴、室内乐作品。等等。在众多歌剧中，比较有代表性的有:正歌剧《玛丽·斯图亚特》(1834)、《拉美摩尔的露琪亚》(1835)、《宠姬》(1840)、《夏莫尼的琳达》(1842);喜歌剧《爱的甘醇》(1832)、《军中女郎》(1840)、《唐·帕斯夸尔》(1843)等。
      • 音乐创作
        • (2)唐尼采蒂的音乐创作 他是 19 世纪前半叶最多产的意大利歌剧作曲家之一，他的作品包括 70多部歌剧，100 多首歌曲、几首交响曲、清唱剧、康塔塔、室内乐和教堂音乐。唐尼采蒂的音乐特点:①公式化的音乐。②创作速度快，迎合观众趣味。③音乐具有冲击力，合适表达夸张的场面。④和声节奏配器简单。⑤喜歌剧创作突出。⑥擅长使用“卡伐蒂纳-卡巴莱塔”形式来创作歌剧。代表作品有:正歌剧:《安娜·博莱纳》、《拉美莫尔的露琪亚》(半正歌剧)、《宠姬》。 《拉美摩尔的露琪亚》:唐尼采蒂作品中比较有名的一部，取材于英国作家斯科特的小说，剧情来自于一个苏格兰传说。其中的“疯狂场面”对后世影响深远。 喜歌剧:《爱的甘醇》、《军中女郎》《唐·帕斯夸尔》。 《唐·帕斯夸勒》是可以与罗西尼《理发师》媲美的歌剧作品，他的创作对威尔第的创作直接造成影响。
    • 威尔第（重点）
      • (三)威尔第 威尔第是西方音乐历史上伟大的歌剧作曲家，19 世纪意大利歌剧的音乐创作经验在他这里得到总结。 1.威尔第的生平 威尔第的一生根据他的歌剧创作可分为三个时期: (1)早期(1818-1853) 朱塞佩·威尔第(Giuseppe Verdi，1813-1901)出生在巴塞托市的农村，爸爸是小饭馆老板，威尔第的音乐启蒙完全来自于去教堂听音乐和流浪艺人唱歌。在1832年，威尔第被资助去报考米兰音乐学院，但没考上，这让威尔第终身难忘。威尔第从此以自学的方式学习音乐，他大量的抄写前辈大师的作品来学习他们的作曲技术和思维，威尔第为了学习歌剧的写作，甚至将唐尼采蒂的所有歌剧背熟。 1836年威尔第完成了第一部歌剧《罗彻斯特》(未上演)，在1839年完成《圣伯尼法乔伯爵奥贝拖》(Oberto，Conte di San Bonifacio)，这部歌剧让威尔第拿到了米兰斯卡拉剧院的工作合同。在 1838-1840年，威尔第的儿子和妻子相继病故，加上诙谐剧(喜歌剧)《一日为王》(Un Giorno di Regno，1840)上演的失败，让威尔第十分沮丧。《纳布科》(Nabucco1842)的成功使威尔第重新振作起来，这部歌剧让威尔第名声大振，甚至还得到了唐尼采蒂的肯定。《纳布科》的成功似乎让威尔第找到了创作的方向，他之后的《第一次十字军中的伦巴第人》(ILombardiAlla Prima Crociata，1843)、《雷尼阿诺之战》(La Battaglia di Legnano,1849)仍然延续了《纳布科》的思路和风格，鲜明的反映出意大利民族要求独立解放的理想。同时，威尔第还探索出了一个新的创作思路，就是采用优秀的文学戏剧作为脚本进行创作。威尔第根据雨果、伏尔泰、席勒、拜伦、小仲马、莎士比亚等文学名家的作品创作了一些作品。在这一时期威尔第最成功的的三部作品是《黎哥莱托》(弄臣)(Rigoletto，1851)、《游吟诗人》(Il Trovatore，1852)、《茶花女》(La Traviata，1853)。 (2)中期(1853-1871) 在威尔第中期的歌剧创作数量不多，且大多处于探索和尝试。他尝试创作了两部大歌剧 风格的作品《西西里晚祷》(LesVe PresSiciliennes，1855)、《唐·卡罗斯》(DonCarlos，1867); 他还尝试在《假面舞会》(Un Ballo in Maschera，1859)、《命运之力》(La forza del destino, 1862)作用运用喜剧角色，并且在这两部歌剧中，威尔第还运用了“回忆动机”这一时期最能体现威尔第创作水准的是《阿伊达》(Aida，1871)。 (3)晚期(1871-1893) 1871 年，威尔第获得了官方的嘉奖，他自己创办医院、奶牛场，热衷于慈善事业，还在议会当了几年议员，这些事让威尔第有16年没有写歌剧。威尔第停笔的这一期间，正是瓦格纳的《尼伯龙根的指环》和《帕西法尔》流行的时候，威尔第针对这一时期的音乐风潮，创作了最后两部可以体现他一生歌剧最高水准的两部歌剧，《奥赛罗》和《法尔斯塔夫》。威尔第在1901年去世。
      • 音乐创作
        • 早期
          • 早期 威尔第早期歌剧创作的代表作品有:《纳布科》、《黎哥莱托》(《弄臣》)、《游吟诗人》(《游吟武士》)、《茶花女》。 《纳布科》的音乐风格恢弘大气，它振奋了当时意大利人民的爱国情感。歌剧内容:纳布科是巴比伦的国王，他侵略了耶路撒冷，并赶走了犹太人，犹太人顽强抵抗。这部歌剧使人联想到意大利当时受到各国侵略的状态，激发了人们的爱国精神，其中的“飞吧，我的思想”广为流传。 《黎哥莱托》:威尔第根据雨果文学作品《国王寻欢作乐》改编的作品。 《游吟诗人》(《游吟武士》):西班牙领主残害吉普赛人,吉普赛人奋起反抗的悲剧故事。 《茶花女》取材于小仲马的《茶花女》《饮酒歌》就是《茶花女》的经典唱段。 威尔第早期歌剧特点:①大多与争取民族独立有关。②有大量合唱。如《纳布科》中的“希伯来奴隶合唱”(又名“飞吧，思想，插上金色的翅膀”，几乎成为意大利第二国歌。)
        • 中期
          • (2)中期 威尔第在这一时期的大歌剧风格的作品《西西里晚祷》、《唐·卡罗斯》。他在《假面舞会》、《命运之力》中运用了喜剧角色和“回忆动机”(一个或多个特性主题或动机在关键时刻重复出现，以便促成戏剧和音乐的统一)。这一时期最能体现威尔第创作水准的是《阿伊达》，它在创作中融合了意大利歌剧和法国大歌剧的创作特色。 中期特点:①注重对普通生活、人物内心的描绘。②歌剧结构界限逐渐模糊，开始具有连续性。
        • 晚期
          • (3)晚期 晚期的两部作品《奥萨罗》和《法尔斯塔夫》是威尔第歌剧创作的高峰。 《奥赛罗》是威尔第意大利歌剧创作的高峰，成为真正的音乐戏剧。剧本是诗人鲍依托(Arrigo Boito，1842-1918)根据莎士比亚的文学作品改编的。《奥赛罗》的音乐特点:①每一幕音乐具有连续性。②更加整体化。③保持了意大利歌剧独唱、重唱、合唱的传统布局。复制出亮下创习译·编曲文字掠除④和声、配器简洁。其中宣叙调与咏叹调融合成为歌唱性与叙述性兼备的“吟诵独白”，全 曲只有一个主导动机为“爱情动机” 《法尔斯塔夫》是继威尔第早期《一日为王》后唯一一部喜歌剧，代表了19世纪意大利喜歌剧的高峰,取材于莎士比亚的喜剧,这部歌剧的风格也可以看出瓦格纳乐剧提倡的“整体艺术”、“主导动机”的音乐创作理念。 晚期特点:①更加注重“整体艺术”②保留了意大利歌剧的艺术传统。
      • 总结
        • 3.总结 除去创作了一些声乐和弦乐四重奏以外，威尔第一生专注于歌剧的创作，一生共写了26 部歌剧，代表了意大利歌剧创作的最高水准。19 世纪是意大利人民追求民族独立解放的历史时期,威尔第恢弘大气的音乐风格和强烈深刻的爱国情怀促使他与意大利民族精神紧密的联系在一起。
  • 真实主义歌剧
    • (四)真实主义歌剧 1.真实主义歌剧 在 19 世纪下半叶，意大利出现了一些十分关注有惨痛经历的贫苦人民的作家，他们力求真实的描写人们的悲惨生活，以披露社会的黑暗面。他们接受了自然主义的想法，追求事件和情感的“真实”，人们把这一类作家的创作风格叫做“真实主义”，他们的作品被称为“真”实主义文学”。真实主义文学的代表作家是乔凡尼·维尔加(GiovanniVerga，1840-1922),他的短篇小说集《田野生活》(Vita dei Campi，1880)是真实主义文学的代表作。 真实主义歌剧在某种程度上是对瓦格纳歌剧的一种反抗，它反对歌剧采用神话题材，主张取材于现实生活，反对歌剧冗长，主张短小精悍。反对英雄主角，支持社会小人物，尤其热衷描写嫉妒和情杀，戏剧性强。真实主义文学的盛行，对意大利歌剧产生了直接影响，特别是有两位作曲家以真实主义文学的创作理念进行了歌剧的创作尝试,他们是马斯卡尼和列昂卡瓦罗。
    • 马斯卡尼
      • ①马斯卡尼的生平 彼得罗·马斯卡尼(PietroMascagni，1863-1945)出生于利沃尔诺，13岁开始学习作曲，18岁进入米兰音乐学院学习，22岁担任歌剧院的艺术指导和指挥，同时开始歌剧的创作。1889年，马斯卡尼采用维尔加《田野生活》中的《乡村骑士》改写的同名歌剧获奖，在首演后引起轰动，使马斯卡尼名声大振。在之后他又创作了一些歌剧，都没什么名气。1945年，81岁的马斯卡尼死于罗马。
      • 音乐创作
        • ②马斯卡尼的音乐创作 马斯卡尼的《乡村骑士》确立了真实主义歌剧在历史上的地位，这种体裁和真实主义文学一样，注重于反映民间穷苦人民的悲惨生活，带有血腥暴力内容，戏剧冲突大，旋律简单易懂,与民间歌舞联系紧密。这部作品在意大利出版商松佐尼奥举办的独幕歌剧比赛中获奖使得马斯卡尼成名。
    • 列昂卡瓦罗
      • 鲁杰罗·列昂卡瓦罗(RuggieroLeoncavallo，1857-1919)生于那不勒斯，他早期在音乐学院学习作曲和钢琴，后来还读了个博士。列昂卡瓦罗一生游走过许多地方，创作过十多部歌剧、一部交响诗、一部舞剧，这些作品均未成功。他人生中唯一一部成功的作品就是真实主义歌剧《丑角》，让他轰动一时。
      • 音乐创作
        • ②列昂卡瓦罗的音乐创作 列昂卡瓦罗《丑角》(Pagliacci，1890)的音乐风格与《乡村骑士》类似，题材也十分接近。《丑角》经常被当做是《乡村骑士》的姊妹篇。
  • 普契尼
    • (五)普契尼 1.普契尼的生平 贾科莫·普契尼(Giacomo Puccini，1858-1924)生于卢卡，从小和家人学习音乐，10岁到教堂当管风琴师，14岁到22岁在专科学校学习音乐，在22岁进入米兰音乐学院学习，和马斯卡尼是同学。普契尼在 1884年毕业后开始了歌剧创作，开始的两部歌剧《女鬼》(LeVilli，1884)、《埃德加》(Edgar，1889)均未成功。1893年的《玛侬·列斯科》(Manong Lescaut)终于成功，获得了在歌剧创作上的地位。此后，普契尼又陆续创作了《艺术家的生涯》(La Boheme，1896)、《托斯卡(Tosca，1900)、《蝴蝶夫人》(Madama Butterfly，1904)、《西部女郎》(Lafanciulla del West，1910)、《燕子》(Larondine，1917)、《三折画》(lTrittico1917。实际是三部作品:《外套》(ITabarro，1918)、《修女安杰丽卡》(SuorAngelica，1918)、《贾尼·斯基基》(GianniSchichi，1918))、《图兰朵》(Turandot，1926)。
    • 音乐创作
      • 2.普契尼的音乐创作 普契尼的歌剧创作在题材上十分广泛，他的音乐风格基本还是继承了罗西尼、贝里尼、唐尼采蒂、威尔第等人的创作经验，同时在他的一些作品中能看出真实主义歌剧的痕迹，比如主人公多来自社会底层、戏剧冲突激烈、有暴力场面等。普契尼的歌剧创作可以分为真实主义和浪漫主义两种风格:真实主义《托斯卡》《外套》、《艺术家的生涯》(《波希米亚人》)。 浪漫主义:《玛侬·列斯科》、《蝴蝶夫人》、《西部女郎》、《图兰朵》。 《艺术家的生涯》:描写巴黎拉丁区穷艺术家浪漫生活的。《托斯卡》:暴政下的爱情悲剧。 《蝴蝶夫人》:日本妇女与美国兵的凄惨爱情故事。 《图兰朵》:中国元代传奇宫廷爱情故事，采用了中国民歌《茉莉花》(《鲜花调》)的曲调。 其中《图兰朵》、《蝴蝶夫人》、《西部女郎》体现了普契尼对异国情调的喜爱。
  • 重要作曲家
    • 舒伯特
      • 一、舒伯特 弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert，1797-1828)，奥地利作曲家。舒伯特是早期浪漫主义音乐的代表，在他的作品中可以看出古典主义音乐和浪漫主义的融合。他因为创作了大量优秀的艺术歌曲，经常被人誉为“歌曲之王”。他还创作了一些交响曲、室内乐和钢琴作品，也十分具有浪漫主义特征。 (一)舒伯特的生平 舒伯特出生和逝世都在维也纳，舒伯特他爸是维也纳郊区小学的老师，舒伯特从小学习音乐，在11岁时，舒伯特考入维也纳皇家礼拜堂少年唱诗班。在15岁开始学习作曲，在16岁完成了自己的第一部交响曲，并且到了他爸工作的小学当音乐老师。17岁时，他完成了一部成功的艺术歌曲《坊车的玛格丽特》，同年完成的还有歌剧《魔鬼的欢乐宫》和《F大调弥撒》等作品。1815 年，舒伯特潜心创作，这一年创作了 144首艺术歌曲，其中包括《野玫瑰》《魔王》等广为流传的作品。 1816年舒伯特辞去小学音乐老师的工作，来到维也纳。到了维也纳舒伯特主要依靠作曲、教琴、组织音乐活动赚钱。舒伯特在维也纳经常和一些青年艺术家们探讨艺术，这些朋友们经常在经济上接济他，他也会写一些作品回馈给朋友们。舒伯特在这一时期完成了很多优秀的音乐作品，但这些作品在19世纪20年代贝多芬、罗西尼这些大师的作品面前，显得暗淡无光，所以舒伯特直至1828 年去世，他的作品也没能引起大家广泛关注。而在他死后人们才不断通过他的朋友们了解到他的作品，才意识到了他作品的重要地位。
      • 音乐创作
        • 在舒伯特的一生中，创作了9部交响曲、22 首钢琴奏鸣曲、35首室内乐作品、6首弥撒、17 部歌剧、600多首艺术歌曲。最能代表他艺术水准的是艺术歌曲、交响曲、钢琴作品和室内乐。
        • 艺术歌曲
          • 1.艺术歌曲 舒伯特的艺术歌曲题材十分广泛，常采用很多诗人和作家的作品。艺术歌曲可分为五种 类型:(1)分节歌。《野玫瑰》。(2)修饰分节歌。《菩提树》。(3)小型歌剧场景式歌曲。《流 浪歌》。(4)通谱体歌曲。《魔王》(根据歌德诗歌而作，一为演唱者扮演“叙述者”“父亲” “儿子”、“魔王”4个角色)(5)声乐套曲。《美丽的磨坊女》、《冬之旅》(歌词作者德国诗人威廉·缪勒)。 舒伯特艺术歌曲的音乐特征:(1)善于用旋律描述情绪和细节。(2)大调和小调之间突然转换或在二度之间游移。(3)经常通过三度关系和等音转换进行广泛转调，调性常转向降号方向。(4)常用色彩化的半音化和声。(常用减七、增六、那波利和弦)。(5)注重歌词对细节的描绘。 代表作品有:《野玫瑰》、《菩提树》、《流浪者》、《魔王》、《水上吟》、《海滨》、《幻影》、《小夜曲》、《鳟鱼》、《纺车旁的格丽卿》，声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬之旅》。
        • 交响曲
          • 2.交响曲 舒伯特的9部交响曲中，最有名的是《“悲剧”第四交响曲》、《第八交响曲》(“未完成”)， 《第九交响曲》(“伟大”)。舒伯特的交响曲虽然无法和同期的贝多芬的作品相提并论，但凭借古典主义与浪漫主义相结合的奏鸣曲结构和有声乐式的旋律,舒伯特的交响曲也可以称得上是早期浪漫派风格交响曲的代表作。
        • 钢琴作品
          • 3.钢琴作品 舒伯特的钢琴作品分为小型作品和大型作品两类。 (1)小型作品包括一些典型的浪漫主义钢琴小品，比较有代表性的有:6首《音乐瞬间》、8首《即兴曲》。 (2)大型作品 大型作品最具代表性的是舒伯特根据艺术歌曲改编的《流浪者幻想曲》，还有受到海顿、莫扎特、贝多芬等影响的奏鸣曲，舒伯特20余部钢琴奏鸣曲始终具有一种“抒情风格”，在1828年创作的最后三部奏鸣曲式他奏鸣曲创作的巅峰。
        • 室内乐作品
          • 4.室内乐作品 舒伯特的五重奉常用一些不常规的编制。舒伯特的室内乐作品主要有:《“鳟鱼”钢琴五重奏》，《“死神和少女”弦乐四重奏》、《降E大调钢琴三重奏》、《C大调弦乐五重奏》、《小提琴、钢琴幻想曲》等。这些作品都能体现舒伯特的音乐风格。
    • 柏辽兹
      • 二、柏辽兹 路易·赫克托·柏辽兹(Louis Hector Berlioz，1803-1869)，法国作曲家。法国早期浪漫主义音乐代表人物，浪漫主义标题交响曲的创立者。 (一)柏辽兹的生平 柏辽兹出生在一个医生家庭，从小自学音乐，在 12岁开始作曲，18 岁按照家庭意愿进入巴黎医科学校，但由于实在喜欢音乐，放弃了医学的学习。柏辽兹在20岁时，开始和专业作曲家学习音乐，在 23岁进入巴黎音乐学院。期间他创作了一些作品，但均为习作。1830年，27岁的柏辽兹创作了标志他个人风格的《幻想交响曲》，并于同年到罗马进修。此后，柏辽兹进入了创作的繁荣时期，创作了交响乐作品《哈罗尔德在意大利》(1834)、《罗密欧与朱丽叶》(1838-1839)(戏剧交响曲)、《葬礼与凯旋交响曲》等作品，这些作品让柏辽兹在法国及欧洲获得了巨大的名气。虽然获得了名气，但是柏辽兹的音乐创作由于个性过于鲜明，且音乐风格与当时流行的法国大歌剧音乐风格不同，使得他的作品长期得不到理解和认可。 在 1842年，柏辽兹出版了论著《配器法》，此后又创作了一些作品，有宗教作品、歌剧等。柏辽兹这一时期为了谋生和还债，为报纸撰写音乐评论，他对当时的很多音乐家和作品进行点评，为西方的音乐评论事业做出了贡献。柏辽兹在 1869 年逝世。
      • 音乐创作
        • (二)柏辽兹的音乐创作 柏辽兹一生的创作包括4部交响曲:《幻想交响曲》(Op.14，1830)、《哈罗尔德在意大利》(Op.16，1834)、《罗密欧与朱丽叶》(Op.17、1838-1839)、《葬礼与凯旋交响曲》(1840):7首管弦乐作品，如:《李尔王》(Op.4，1831)、《罗马狂欢节》(Op.9，1844)、《海盗》(Op.21,1844)等;5部歌剧，如:《本韦努托·切里尼》(1838)、《特洛伊人》(1856-1859)(根据维吉尔作品改编)、喜歌剧《比阿特丽斯和本尼迪克》(1860-1862)(根据莎士比亚作品改编)等;还有一些宗教作品，比较有代表性的有康塔塔《浮士德的责罚》等等。 在柏辽兹所有的音乐创作中，最重要的主要是交响乐，尤其是前三首作品:《幻想交响曲》、《哈罗尔德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》。柏辽兹的声乐创作也值得一提。柏辽兹是浪漫主义时期的配器大师，完成了一部理论著作《配器法》(《管弦乐法》)。
        • 标题交响乐
          • 1.标题交响曲 《幻想交响曲》(Symphonic fantastique，1830)是柏辽兹最具代表性的一部作品，它体 现了音乐、文学、戏剧之间的融合。这部作品一定程度受到了贝多芬《第六交响曲》(田园)的影响。其副标题为“一个艺术家的生活片段”，作品有5个乐章，每个乐章都有一个标题， 分别为“梦幻、热情”“舞会”“在田野”“赴刑进行曲”“妖婆的安息日夜宴之梦”。柏 辽兹曾表示，这部作品提到的“艺术家”就是自己，所以这是一部具有自传性质的交响曲。 在这部作品中，体现了3个特征:①柏辽兹提出了一个概念--“固定乐思”(“固定观念”)。 它具体其实是指一个音乐主题，这个主题会作为一个线索，穿插在全曲的不同段落中，其目的就是为了让整个作品更加具有“整体性”。“固定乐思”和瓦格纳的“主导动机”其实有着。 类似的性质。②作品在继承了贝多芬交响乐创作传统的基础上,对曲式结构框架进行了突破 ③柏辽兹还大胆挖掘了弦乐和管乐的音响，让作品有了不同的听觉感受。这些创作特征，确立了“标题交响乐”的创作模式。 《哈罗尔德在意大利》(HaroldenItalie)(1834)是柏辽兹在罗马进修时完成的作品，受帕格尼尼委托而作，这部作品取材于英国诗人拜伦的长诗《哈罗德漫游记》。在这部作品创作中，柏辽兹同样运用了标题与“固定乐思”整部作品刻画了哈罗尔德这位孤独的浪漫主义艺术家的形象。用中提琴代表哈罗尔德形象。 《罗密欧与朱丽叶》(Romeo et Juliette)(1839)被柏辽兹命名为“戏剧交响曲”，它的编制包括独唱、合唱、乐队，全曲共7个乐章，每个乐章都有标题。除了标题外，这部作品不同于前两部交响曲的是，在每个乐章标题旁，还有文字说明，这是标题交响曲中“标题”概念的延伸与发展。在这一部作品中，既有古典交响乐的音乐特征，又给人一种观看歌剧的感官体验。在这部作品的浪漫主义的特征更加明显了。其中在表现主人公爱情与死亡两个场景时，采用了无声的纯器乐语言。 (音乐会序曲:《罗马狂欢节》、《海盗》、《李尔王》、《秘密法庭的法官》、《威弗利》)
        • 声乐创作
          • 2.声乐创作 柏辽兹是第一位把法国艺术歌曲称为“Melodie”的作曲家，声乐套曲《夏夜》(7首)是他的代表作品。其他声乐作品还有:传奇剧《浮士德沉沦》(根据歌德《浮士德》情节创作);歌剧《切里尼》、《特洛伊人》。 宗教作品有:《安魂曲》、《感恩颂》(《感恩赞》)。清唱剧《基督的童年》。
    • 门德尔松
      • 三、门德尔松 费利克斯·门德尔松-巴托尔第(FelixMendelssohn-Bartholdy，1809-1847)，德国作曲家。19 世纪浪漫主义时期代表作曲家，他的浪漫主义倾向主要体现在对文学和非音乐因素的应用。 (一)门德尔松的生平 门德尔松出生在德国的一个富裕家庭，父亲是银行家。门德尔松从小就得到了很好的音乐教育。16 岁，他创作了喜歌剧《卡马丘的婚礼》(Op.10，1825)，17岁时创作出著名的管弦乐序曲《仲夏夜之梦》(Op.21，1826)。在1826-1829年期间，门德尔松到柏林大学学习，并于 1829 年，为纪念巴赫《马太受难乐》创作百年，亲自指挥了这部作品，掀开了巴赫音乐复兴的风潮。1829-1835年，门德尔松去欧洲几次旅行，领略了不同国家的特色风光，他在旅途中构思了《苏格兰交响曲》(Op.56，1830-1842)、完成了《宗教改革交响曲》(Op.107，1829-1830)、管弦序曲《赫布里德群岛》(Op.27，1830)、《意大利交响曲》(Op.90，1833)、钢琴作品集《无言歌》第一卷(Op.19，1829)、管弦乐序曲《寂静的海和幸福的航行》(Op.27,1832)等作品。1832年，23岁的门德尔松在杜塞尔多夫市担任指挥。次年，门德尔松开始到莱比锡担任格万特豪斯布业大厅担任指挥。此后，门德尔松因为他的音乐创作和音乐活动有了较为稳固的名气。在1843年，门德尔松参与筹建莱比锡音乐学院。在莱比锡期间，门德尔松创作了清唱剧《圣保罗》(Op.36，1834-1836)、《伊利亚》(Op.70，1846)，完成《苏格兰交响曲》(Op.56，1842)、管弦乐序曲《美丽的梅露辛娜》(Op.32，1833)，e小调小提琴协奏曲(Op.64，1844)，其余7卷《无词歌》(Op.30、Op.38、0p.53、0p.62、0p.67、Op.85、Op.102，1829-1845)及大量的重唱与合唱作品。门德尔松在1847年，在莱比锡去世，享年 38岁。
      • 音乐创作
        • (二)门德尔松的音乐创作 门德尔松一生创作了5部交响曲:《意大利交响曲》(1833)、《苏格兰交响曲》(1843)等。7部管弦乐序曲:《仲夏夜之梦》、《赫布里底群岛》(又名《芬加尔山洞》)、《平静的大海与幸福的航行》等，3部清唱剧:《以利亚》(1846)等，及赞美歌、诗篇、经文歌等宗教体裁作品，为钢琴做的《无言歌》8集，为钢琴、小提琴写作的数篇协奏曲，还有许多奏鸣曲及重奏的室内乐作品，其中在音乐历史中最重要的是管弦乐序曲、交响曲、钢琴作品。
        • 管弦乐序曲
          • 1.管弦乐序曲 在门德尔松的管弦乐作品中，最大的创作特色是他的“标题”，门德尔松是在管弦乐序曲中加入标题，确立了“标题性序曲”的体裁形式。序曲(overture)通常用于戏剧和歌剧的开场，在门德尔松同期的贝多芬就曾为《科里奥兰》《艾格蒙特》等戏剧创作了序曲。门德尔松的标题性序曲与普通不同的是，它可以不依附于戏剧或歌剧，可以专为音乐会独立创作和演奏。标题性序曲通常采用单乐章奏鸣曲的曲式结构,单乐章相比于交响乐多个乐章的结构更加短小。加上标题后，与文学内容产生了紧密的联系，让作品的内涵更加深刻的同时，也让作品具备了浪漫主义风格。标题性序曲的出现，让当时的人们眼前一亮。 在门德尔松7首管弦乐序曲中，最有名的是他根据莎士比亚的戏剧《仲夏夜之梦》改编的同名作品《仲夏夜之梦》(Op.21，1826)。《仲夏夜之梦》讲述的是古代雅典有两对青年贵族，经过误会和曲折，最终结为夫妻的故事，门德尔松用具有浪漫主义色彩的音乐描述了这部作品。在 1842年，门德尔松还为这部剧目创作了 12 段音乐，后来经常将它们与序曲一起演奏。 此外，《赫布里底群岛》(Op.26，1830)是受1829年苏格兰之行启发而作。《平静的海与幸福的航行》(Op.27，1832)是受歌德的两首诗歌启发。其他作品有:《美丽的梅露西娜》。
        • 交响曲
          • 2.交响曲 门德尔松从少年时期就开始创作交响曲，除去正式发表的5部以外，还有未发表的12部，他的交响曲创作中已经体现出了一些浪漫主义音乐的特征，如:(1)模糊乐章之间的联系。(2)注重情感的抒发和画面的描绘。(3)与民间音乐产生联系。等等。其中的《意大利交响曲》(Op.90，1833)、《苏格兰交响曲》(Op.56，1830-1842)是最著名的。《宗教改革交响曲》(Op.107，1829-1830)是门德尔松为纪念德国新教领袖马丁·路德的“奥格斯堡信纲”三百周年而作，它在末乐章使用了德国新教众赞歌《上帝是我们的坚固堡垒》的旋律。 《颂赞歌交响曲》是为莱比锡纪念印刷业 400 周年而作。
        • 钢琴作品
          • 3.钢琴创作 门德尔松的钢琴作品有两首协奏曲，三首奏鸣曲，几套变奏曲等等。门德尔松最著名的钢琴作品就是《无词歌》(分为八卷，每卷六首，每首都有不同标题)，他创作的8卷48首《无词歌》(Op.19、Op.30、Op.38、Op.53、Op.62、0p.67、0p.85、0p.102，1829-1845)是类似于“音乐日记”或“音乐素描”的作品。作品清新质朴，抒发了他对生活、自然、艺术的情感。其中代表作品《春之歌》、《威尼斯船歌》、《纺织歌》等。
        • 其他创作
          • 4.其他创作:艺术歌曲《乘着歌声的翅膀》。清唱剧《伊利亚》、《圣保罗》。
        • 贡献
          • 5.门德尔松的历史贡献:(1)在音乐创作上的主要贡献就是确立发展了标题性序曲这种音乐形式。(2)门德尔松指挥了巴赫的《马太受难乐》，拉开了巴赫音乐复兴的序幕。(3)基于多年的指挥经验，确立了近代指挥法的基础。(4)他在1843年参与筹建了德国的第一所莱比锡音乐院，对于德国音乐艺术教育做出了重大的贡献。
    • 舒曼
      • 四、舒曼 罗伯特·亚历山大·舒曼(Robert Alexander Schumann，1810-1856)，德国作曲家、钢琴家、音乐评论家。他强调自我表现，具有强烈抒情主义气质，强调文学与音乐之间的联系。 (一)舒曼的生平 舒曼生于德国的萨克逊州小镇的一个书商家庭，由于家庭的影响，舒曼从小就对文学有着非常的兴趣。舒曼在中学期间，作为一个音乐爱好者参与过一些作曲和演奏活动。父亲去世后，18岁的舒曼按母亲的意愿去莱比锡学习法律。舒曼在 20岁时，有机会听了当时最著名的小提琴家帕格尼尼的演奏，突然下决心，要做一个钢琴演奏家。在舒曼22岁时，由于练琴把手指练伤了，舒曼放弃了做钢琴演奉家的梦想。舒曼这一期间称自己为“耽干幻想的音乐家”，并认为:音乐即心灵的表现、感情的流露，由此他的身份开始变为一个作曲家。 1834 年，24 岁的舒曼创办《新音乐报》，其目的是想通过报刊的音乐评论，提出自己在音乐上的观点。在30年代-40年代期间，舒曼创作了一些音乐作品，这些作品体现了他赋予幻想的音乐气质。其中包括:《阿贝格主题变奏曲》(Op.1，1830)、包含一组小品的《蝴蝶》(Op.2，1829-1831)，两组《帕格尼尼随想曲主题音乐会练习曲》(Op.3，1832、Op.101833)，《大卫同盟曲集》(Op.6，1837)，《狂欢节》(Op.9，1834-1835)、《童年情景》(Op.15，1838)、《克莱斯勒偶记》(Op.16，1838)、《C大调幻想曲》(Op.17，1836)等。 1835年，25岁的舒曼和钢琴老师维克的 16岁女儿克拉拉相爱，钢琴老师坚决反对，但最后舒曼和克拉拉通过法庭诉讼获得了胜利，在1839年由法庭判定舒曼和克拉拉可以结合。 在爱情的滋润下，舒曼在 1840年创作了大量作品，进入了创作的丰收时期，其中包括:《桃金娘》(Op.25，1840)、《爱情青春之歌》(Op.37，1840),《妇女的爱情与生活》(Op.42，1840)、《诗人之恋》(Op.48，1840)、包括《两个禁卫兵》在内的4集《浪漫曲与叙事曲》(Op.45、49、53、64，1840)等140 首歌曲。1841年创作了《“春天”第一交响曲》(Op.38，1841), 1843年创作康塔塔《天堂与仙子》及四重奏等室内乐作品。同年，舒曼受到门德尔松的邀请，到莱比锡音乐学院任教。 从1844 年开始，舒曼得了精神病，他因此辞去了《新音乐报》的主编工作。1853年，43岁的舒曼认识了勃拉姆斯，并在《新音乐报》经常发表文章称赞他。1854年因病情加重入精神病院，1856年逝世。此期间的重要作品包括钢琴协奏曲(Op.54，1841、1845)、歌剧《格诺费瓦》(Op.81，1847-1848)、戏剧配乐《曼弗雷德》(Op.115，1848-1849)、《第二交响曲》(Op.61，1845-1846)、《第三交响曲》(Op.97，1850)、《第四交响曲》(Op.120,1851)等。
      • 音乐创作
        • (二)舒曼的音乐创作 虽然舒曼创作的体裁涉及广泛，包括交响曲、协奏曲、室内乐等。但最能体现舒曼的音乐水准的是他的钢琴作品和艺术歌曲，他的交响曲和音乐评论在音乐历史上也有一定价值。
        • 钢琴作品
          • 1.钢琴作品 舒曼的钢琴作品的创作特征体现在三个方面:(1)在舒曼的钢琴作品中加入“标题”,让钢琴作品与文学主题和情绪建立了联系:(2)确立了钢琴套曲的创作形式，虽然在此前历史中有“组曲”体裁也是将不同的钢琴作品连在一起演奏，但钢琴套曲相比于组曲，每个曲目之间的联系更加紧密，且有很强的逻辑性:(3)舒曼探索了具有幻想性和即兴性的调性和声功能，使音乐更加具有浪漫主义风格。最能体现舒曼钢琴创作特征的作品主要集中在他1840年创作的作品，包括:《蝴蝶》(Op.2，1829-1831)、《狂欢节》(Op.9，1834-1835)、《大卫同盟集》(Op.6，1837)、《克里斯勒偶记》(Op.16，1838)、《童年情景》(Op.15，1838)。
        • 艺术歌曲
          • 2.艺术歌曲 舒曼一生创作了 100多首艺术歌曲。他艺术歌曲的特征:(1)抒情性强。(2)和声色彩丰富。(3)富于冲动和热情。(4)重视钢琴伴奏。(5)突出对心理的描绘。最著名的作品是: 声乐套曲《妇女的爱情与生活》(Op.42，1840)和《诗人之恋》(Op.48，1840)(采用海涅的诗歌，其中代表作品:《在灿烂的五月》、《我愿把我的灵魂陶醉》)，舒曼将声乐套曲这种 体裁，在贝多芬、舒伯特之后，进一步发展完善了。 其他声乐作品:《曼弗雷德》:取材于英国诗人拜伦长诗的戏剧配乐。
        • 交响乐
          • 3.交响曲 舒曼的交响曲并没有他的钢琴作品和艺术歌曲出名，在作曲技术上也没有什么重大的突破。代表作品:《“春天”第一交响曲》(Op.38，1841)、《“莱茵”第三交响曲》、《第四交响曲》(Op.120，1851)。
        • 音乐评论
          • 4.音乐评论 舒曼利用《新音乐报》，撰写了很多音乐评论的文章，阐述自己对音乐和音乐家的观点与主张。他为了宣扬自己的言论，创造出虚拟组织“大卫同盟社”，他以不同的社员身份发表文章，来进行音乐评论。社里有三个主要人物:费罗列斯坦、埃塞比乌斯、拉罗大师，费罗列斯坦和埃塞比乌斯的观点通常是“对立”的，拉罗大师的观点则是“客观中立”的。舒曼在自己的音乐创作中，也渗透了“大卫同盟社”中各位人物的不同性格和气质。 (克拉拉·舒曼:舒曼的妻子，她把自己定位为演奏家，曾创作过钢琴协奏曲和室内乐作品。)
    • 肖邦
      • 弗里德里克·肖邦(FryderykChopin，1810-1849)，波兰作曲家。在肖邦的音乐创作中，钢琴作品占有绝对主导的地位，所以很多人愿意称他为“钢琴诗人”或“钢琴之王”。 (一)肖邦的生平 肖邦的一生可以分为两个时期: 1.华沙时期(1810-1830) 肖邦在1810 年出生于华沙郊区，肖邦的青少年时期正处在波兰民族解放运动高涨的年代,当时的爱国主义和民族文艺观念对肖邦产生了深刻的影响。肖邦的父亲是一位法国移民、中学法语教师，早年曾参加过波兰的民族解放运动，后来创办了一所贵族子弟学校。肖邦他爸特别注重对肖邦音乐的培养,从小就让肖邦和当地的名师学习钢琴和作曲,肖邦在7岁时，就创作了他的第一部作品《g小调波罗乃兹舞曲》(KK.IIa/1，1817)。肖邦经过多年的音乐学习，考入华沙音乐学院，于 1829 年毕业。1830年，为了艺术上的追求，肖邦决定离开华沙。 这一时期肖邦的作品多是华丽风格，每一部作品都富干浪漫和幻想，体现了一位年轻作曲家的创作热情。相比于之后的作品，这些作品的还缺乏思想深度。其中比较重要的作品有:钢琴与乐队合奏的《波兰主题幻想曲》(Op.13，1828)、《波罗奈兹舞曲》(Op.71，1827-1828)及两首《钢琴协奉曲》(Op.11.21)、《玛祖卡舞曲》(Op.68，No.2，c1827:No.1、No.3，c1830:)、《夜曲》(Op.72，c1829)等。 2.巴黎时期(1810-1849) 1830年，离开华沙的肖邦在维也纳逗留期间，他得知华沙爆发了反沙俄的武装起义的消息，为之振奋不已。次年9月他得知起义失败的消息，极度痛苦。有学者认为，《“革命”练习曲》(Op.10，No.12，1832)可能是在这种情感基础上完成的。面对祖国的灾难，身在国外的肖邦在自己的音乐中迸发出一种前所未有的爱国情怀与悲剧力量。 在巴黎的19年，肖邦的音乐在巴黎时期达到了高度的成熟。特别是从1838到1845这7年，在爱情的影响下，他创作了相当多优秀的作品，其中重要的作品有:后三首《谐谑曲》(0p.31，1837;0p.39，1839;0p.54，1842-1843)、4首《叙事曲》(Op.23，c1835;0p.38，1839;Op.47，1841;Op.52，1842-1843)、2首《奏鸣曲》(Op.35，1837;Op.58，1844)、成熟的《波罗乃兹舞曲》(Op.40，1838-1839;Op.44，1841:Op.53，1842-1843)、《练习曲》(Op.25，1835-1837)、《夜曲》(Op.37，1838-1839;Op.48，1841)、《玛祖卡舞曲》(Op.33，1838;Op.41，1838-1839;0p.59，1845)、《幻想曲》(Op.49，1841)等。 巴黎时期创作的作品相比于华沙时期的创作在篇幅和体裁上要更大,音乐的内涵更深刻，更具戏剧性力量和悲剧性冲突，在作曲技术上也有很多突破。肖邦这一时期的音乐创作在19 世纪浪漫主义音乐中是独树一帜的。 肖邦的晚年，境遇凄凉。波兰在 1846年的民族起义再度失败，让肖邦备受打击。在最后的这段时间，他创作了《幻想波罗奈兹舞曲》(Op.61，1846)、《夜曲》(Op.62，1846)《玛祖卡舞曲》(Op.67，No.4，1846:0p.67，No.2.1848/1849)等作品。肖邦于1849年去世。
      • 音乐创作
        • (二)肖邦的钢琴音乐 肖邦一生的创作除了少数的室内乐作品和歌曲外，几乎全部创作都专注于钢琴音乐，其中一部分是为钢琴与乐队合奏创作的，体裁包括:2首钢琴协奏曲、回旋曲、“唐璜”主题变奏曲、波兰主题幻想曲、大型波罗乃兹舞曲;另一部分是专门为钢琴独奏创作的，涉及体裁包括:24 首前奏曲、27首练习曲、19首波罗奈兹舞曲、4首叙事曲、4首谐谑曲、21首夜曲、58 首玛祖卡舞曲、3 首奏鸣曲、17首圆舞曲，4首即兴曲、幻想曲、摇篮曲、船歌等。 这其中独奏作品更能代表肖邦钢琴钢琴音乐的艺术水准。
        • 钢琴
          • 1.玛祖卡舞曲 当邦的玛祖卡舞曲来源波兰3种三拍子舞曲:玛祖卡(重音位置名变，力度较强，速度较快)、库雅维亚克(缓慢平稳，重音多不在第一拍上)、奥别列克(重音多在两小节中第二小节末拍上，轻盈飞快)，肖邦将这三种民间舞曲高度艺术化，形成玛祖卡舞曲这种钢琴体裁。而肖邦的玛祖卡舞曲作品又可以分为两类： 其中一类具有民间风格,单纯质朴,篇幅较小,代表性的有:《bB大调玛祖卡舞曲》(Op.7, No.1，1830)、《c大调玛祖卡舞曲》(Op.24，No.2，1833)、《D大调玛祖卡舞曲》(Op.33，No.2，1838)、《c大调玛祖卡舞曲》(Op.56，No.2，1843-1844)。 另一类具有城市风格，华丽辉煌，艺术性很高，篇幅较大，代表性的有:《a小调玛祖 卡舞曲》(Op.17，No.4，1833)《bb小调玛祖卡舞曲》(Op.24，No.4，1833)、《c小调玛祖 卡舞曲》(Op.56，No.3，1843-1844)、《f小调玛祖卡舞曲》(Op.63，No.3，1846)。 2.波罗奈兹舞曲 波罗奈兹舞曲来源于历史上波兰贵族沙龙中的三拍子舞曲。肖邦把这种体裁改编为具有厚实音响、密集和弦、大三段结构的华丽辉煌的艺术体裁，在19世纪这种体裁逐渐成为一种具有爱国情感的体裁,成为波兰音乐的象征。代表性作品有:A大调波罗奈兹舞曲》(Op.40,No.1，1838)、《#f小调波罗奈兹舞曲》(Op.44，1841)、《bA大调波罗奈兹舞曲》(Op.531842-1843)。
        • 前奏曲与练习曲
          • 3.前奏曲与练习曲 前奏曲和练习曲这两种音乐体裁虽然早已存在,但肖邦的前奏曲和练习曲更加具有个人风格，它们的共同特征是技术复杂，且具有情绪化的音乐主题、展示了不同的浪漫主义的艺术气质。其中有: 气势磅礴风格的作品:《d小调前奏曲》(Op.28，No.24，1838-1839)、《bb前奏曲》(Op.28，No.16，1838-1839)、《c小调练习曲》(Op.10，No.12，1830-1832)、《b小调练习曲》(Op.25，No.10，1835-1837) 清新明快风格的作品:《F大调练习曲》(Op.10，No.8，1830-1832)、《F大调前奏曲》 (Op.28，No.23，1838-1839)、《bA大调练习曲》(Op.25，No.1，1835-1837)、《#g小调练习曲》(On 25，No.6，1835-1837) 忧郁悲凉风格的作品:《a小调前奏曲》(Op.28，No.2，1838-1839)、《c小调前奏曲》(Op.28，No.20，1838-1839)、《E大调练习曲》(Op.10，No.3，1832)、《#c小调练习曲》(Op.25，No.7，1835-1837)。
        • 夜曲
          • 4.夜曲（可能考名词解释） 最早创作夜曲的并不是肖邦，是一位叫菲尔德的英国作曲家。肖邦在菲尔德的基础上进一步将夜曲确立为具有强烈个人特色的音乐体裁。肖邦的夜曲是极具浪漫气质的体裁，它的特点是:悠长细腻，旋律中有大量装饰音、和声变化丰富，音乐织体复杂。代表性作品有: 《F大调夜曲》(Op.15，No.1，1830)、《bE大调夜曲》(Op.9，No.2，1830-1832)、《#F大调夜曲》(Op.15，No.2，1832)、《'D大调夜曲》(Op.27，No.2，1835)、《#c小调夜曲》(Op.27，No.1，1835)、《c小调夜曲》(Op.48，No.1，1841)。
        • 圆舞曲
          • 5.圆舞曲 圆舞曲又叫“华尔兹”，它是一种用干伴舞的三拍子舞曲体裁。肖邦将这种体裁进行艺术化创作，使得他的圆舞曲在体现了一种浓郁的沙龙气质的同时，又会体现出一种富丽堂皇的高雅气息。肖邦的圆舞曲多采用“自由速度”，很难配舞，被批评家亨克称为“灵魂的舞曲”，类型大致可以分为“社交化的圆舞曲”“沙龙性的即兴圆舞曲”“圆舞曲诗”。代表性作品有:《bE大调圆舞曲》(Op.18，No.1，1831)、《bE大调圆舞曲》(Op.34，No.1，1832)。 肖邦也有一些《圆舞曲》是哀愁忧伤气质的，比如:《a小调圆舞曲》(Op.34，No.2，c1834)、 《#c小调圆舞曲》(Op.64，No.2，1847)。
        • 谐谑曲
          • 6.谐谑曲 肖邦的谐谑曲通常采用相当复杂和自由的曲式结构，篇幅宏大、主题材料之间有强烈的对比和冲突。肖邦的谐谑曲已完全超越了这种体裁原有的诙谐、轻盈的性质，而成为内涵严肃、极富戏剧性的音乐形式。代表性作品有:《b小调谐谑曲》(Op.20，c1835)。
        • 叙事曲
          • 7.叙事曲 叙事曲是肖邦钢琴作品中另一类单章大型体裁,其在曲式结构上通常会采用类似于奏鸣曲的曲式结构，但这种结构比传统的奏鸣曲式要更为复杂。叙事曲与谐谑曲同样作为大型体裁，其与谐谑曲不同的是它同浪漫主义诗歌有着一定的内在联系。有学者认为，肖邦的叙事曲具有一定的标题性质。确实，在肖邦重要的叙事曲中是与诗歌有联系的，比如:《g小调叙事曲》(Op.23)是根据波兰诗人密兹凯维支的长诗《康拉德·华伦洛德》创作的:《F大调叙事曲》(Op.38)是根据密兹凯维支的诗歌《希维德什扬卡》创作的。代表作品有:《g小调叙事曲》(Op.23，c1835)、《F大调叙事曲》(Op.38，1839)。
        • 奏鸣曲
          • 8.奏鸣曲 肖邦共创作了3首奏鸣曲，其中《降b小调第二钢琴奏鸣曲》和《b小调第三钢琴奏鸣曲》是其中的代表作品。《降b小调第二钢琴奏鸣曲》在第三乐章使用了葬礼进行曲，这部作品出现在 1849年肖邦葬礼。 此外，肖邦的大型题材《f小调幻想曲》(Op.49，1841)也是十分不错的作品。
      • 总结
        • (三)总结 肖邦一生的创作,体现了浪漫主义时期作曲家在继承了古典主义音乐精华的同时突破创新的过程。肖邦在音乐上最大的特色就是十分具有民族性，这体现在他对玛祖卡、波罗乃兹等民间音乐体裁的挖掘与创新上，显示了他扎实的音乐能力的同时，也流露出肖邦的爱国情怀。结合肖邦的音乐创作来看，他将前奏曲、练习曲、夜曲、谐谑曲、叙事曲、幻想曲等音乐体裁的发展向前推进了一大步，为后来的作曲家提供了创作参考。在他的钢琴音乐中，经常有着异常新颖、细腻的织体，独具魅力的旋律、色彩丰富的和声语言以及不同以往的曲式结构，这些特征，共同组成了“肖邦风格”。整体来看，肖邦的音乐为浪漫主义音乐作出了重要贡献，特别是对钢琴音乐的发展造成了深远影响，同时也暗示了民族主义音乐的到来。
    • 李斯特
      • 六、李斯特 弗朗兹·李斯特(Ferenc Liszt，1811-1886)，匈牙利钢琴家、作曲家、指挥家、评论家、教育家、音乐会活动家，德意志学派的代表人物。他创立了交响诗的形式，在和声曲式上的突破，对西方音乐史产生了深远影响，同时暗示了 20世纪的音乐创作风格。 (一)李斯特的生平 李斯特生于匈牙利，父亲是埃斯特哈齐家族的管家，李斯特7岁开始学琴，8岁开始作曲，10岁开始和车尔尼学习钢琴，11岁首次举办音乐会，得到贝多芬的肯定和祝福。12岁时来到巴黎定居，来到巴黎后，李斯特开始了自己的钢琴演奏生涯，他凭借着高超的钢琴技术被当时的人们称为“莫扎特式”的天才。15 岁时，李斯特写下他的第一部作品，开启了他的作曲之路。随着不断的学习和演出，李斯特的钢琴演奏逐渐成熟，李斯特的“高超技术”和“即兴演奏”是他演奏的最大特点，浪漫、夸张是他的演奏风格。19岁时，李斯特认识了柏辽兹，柏辽兹的“标题交响曲”给了他很多音乐创作上的启发。从20岁开始，为了钢琴音乐会表演的需要，李斯特完成了很多改编作品，这一时期他改编了帕格尼尼、柏辽兹等人作品。1833年，22岁的李斯特与已婚贵妇玛丽·达古同居。之后的四年，李斯特与玛丽主要生活在瑞士、意大利、巴黎，也经常到爱尔兰、土耳其、葡萄牙、俄罗斯演出，期间也创作了一些作品，比如:《旅行岁月》前2卷的一些作品、《练习曲》以及一些改编曲。等等。 1842年，31岁的李斯特被任命为魏玛公爵的乐队指挥，在34岁时，李斯特在基辅开音乐会期间认识了沙皇的妹妹-卡罗林·赛因-维特根斯坦公主，李斯特的人生因为这位公主发生了改变。在卡罗琳的劝说下，35岁的李斯特停止了20多年的钢琴演奏生涯，决定回魏玛潜心指挥和作曲。此后的这一时期，李斯特创作了很多优秀作品，如:交响曲《浮士德》、《神曲》，管弦乐曲《梅菲斯特圆舞曲》、钢琴作品《b小调奏鸣曲》、《第一钢琴协奏曲》、《第一钢琴协奉曲》，前15首《匈牙利狂想曲》、12首《超级演技练习曲》等。李斯特同时还花了很大心血来指导魏玛剧院的乐队和合唱队，完成了庞大的演出计划。期间李斯特还写了一些文章，通过对瓦格纳音乐的肯定，来表达自己对“标题音乐”的支持。甚至在当时形成了以李斯特、柏辽兹、瓦格纳为代表的“新德意志学派”，这一学派的创作与观点影响了浪漫主义时期音乐的发展。 1861年，50岁的李斯特和卡罗琳的感情进一步升华，向罗马教廷提出结婚，但遭到了拒绝。李斯特在 1865年，加入教会，成为天主教神父。从此时到80年代，李斯特写作了大量宗教作品，清唱剧《伊丽莎白传奇》和《基督》，弥撒、诗篇、安魂曲等宗教性合唱，完成了《旅游岁月》第3卷，同时还创作具有匈牙利民族有关的作品:《匈牙利加冕弥撒》、《5首匈牙利民歌》及后4首《匈牙利狂想曲》等。在李斯特最后的十几年生命中，他往返于罗马、魏玛、布达佩斯进行指挥、创作、教学等工作。在 1886年，李斯特逝世。
      • 音乐创作
        • 交响诗
          • 1.交响诗 李斯特共创作了 13 首，其中 12 首是在魏玛时期创作的。交响诗是李斯特确立的音乐体裁，它有很多典型特征:(1)交响诗都有标题，标题往往来自文学名著。(2)交响诗为单乐章,它将原来交响曲多乐章的音乐结构逻辑布局融合到一个乐章,这种思维在舒伯特的《流浪者幻想曲》中有所体现，李斯特将其进一步发展。从这种逻辑中可以看出瓦格纳“整体艺术”对李斯特的影响。(3)交响诗在曲式结构上采用了奏鸣曲式作为基础，并进行发展与变化。(4)李斯特提出了“主题变形”的概念，即用一个音乐主题贯穿全曲，使作品更加具有“整体性”。这与柏辽兹的“固定乐思”和瓦格纳的“主导动机”类似。(5)交响诗十分强调音乐色彩的变化，这种变化主要通过半音化和声和不同的乐队编制来完成。代表性交响诗作品有: 文学题材:《塔索》(Wasso: Lamento eTrionfo，S.96，1849，rev1850-1851.1854)、《前 奏曲》(Les préludes，S.97，1850-1855)(取材于拉马丁作品)、《哈姆雷特》(Hamlet，S.104, 1858)(取材于莎士比亚作品)、《理想》(取材于席勒作品)。 神话题材:《奥菲欧》(Orpheus，S.98，1853-1854)、《普罗米修斯》(Prometheus，S.99,1855)。 描绘性作品:《从摇篮到坟墓》(1881-1882)是李斯特最后一部交响诗:《匈奴之战》 (取材于考尔巴赫作品) 祖国题材:《匈牙利》、《哀悼英雄》、《节庆的声音》。其他交响诗作品:《马捷帕》、《旅游岁月》。 李斯特标题音乐的思想，是企图表现一般概括性的思想而不是用音乐描绘现实。交响诗总谱的前言大多是公主或彪罗写的，经常与音乐内容不符，对李斯特来说，音乐结构比场景描绘更为重要。
        • 交响曲
          • 2.交响曲 通过李斯特对瓦格纳的肯定就可以看出，他对标题音乐的青睐。所以，李斯特的交响曲作品也是有标题的，他在作品中有一个总的标题，然后每一个乐章会有一个分标题。在他的交响乐中十分重对文学内容的表述，代表性作品有:《浮士德》(Eine Faust，R.425，1857(3个乐章:“浮士德”、“玛格丽特”、“梅菲斯特”)、《但丁》(Eine Symphonie zu Dantes,R.426，1857)(2个乐章:“地狱”、“炼狱”)。
        • 钢琴作品
          • 3.钢琴作品 李斯特的钢琴音乐的特征:(1)强调演奏要背谱。(2)注重钢琴家的形象。(3)强调即兴性。(4)重视钢琴音乐与文学的联系。(5)注重炫技。在1848年之后的一段时期，他创作了3首伟大的钢琴作品:《大音乐会独奉曲》(1849)(“三合一”曲式，对古典秦鸣曲式因素的重新安排。)、《谐谑曲与进行曲》(1851)、《b小调奏鸣曲》(1852-1853)(“主题变形”手法,“三合一”曲式)。 在李斯特的其他钢琴作品中，比较有代表性的体裁是匈牙利狂想曲、练习曲、改编曲。(1)匈牙利狂想曲《匈牙利狂想曲》(Hungarian Rhapsodies，R.106，1846-1885)是李斯特他最著名的钢琴作品，共19首。就像肖邦的玛祖卡和波罗奈兹舞曲一样，匈牙利狂想曲体现了李斯特的民族主义情节。李斯特将很多匈牙利民间舞曲元素进行艺术化创作，确立了匈牙利狂想曲这种体裁。匈牙利狂想曲的结构自由、和声织体变化丰富，对钢琴技术有着比较高的要求，每首作品都具有各自独特的气质。代表性作品有:第2号、第6号等。 (2)练习曲 12首《超级演技练习曲》(Etudes déxecution transcendante，R.2b，1851)代表了李斯特诸多练习曲的最高水准。这12首作品对技术有非常高的要求，体现了浪漫主义时期的音乐风格。代表性作品有:第4首“玛捷帕”第5首“鬼火”。李斯特还根据帕格尼尼的音乐作品改编了《帕格尼尼大练习曲》(R.3a，1838)，在技术上也十分有难度，其中的第3首“钟”是最为著名的作品。 (3)改编曲 李斯特的改编曲通常来自于其他作曲家不同体裁的作品,数目在他的钢琴作品中是占很大比重的，但由于改编曲体现的更多是其他作曲家的创作风格，李斯特本人在其中能够发挥的空间十分有限。改编曲大致分为两类:①完全忠于原作的直接改编;②对原作加入演绎的成分，或以他人作品素材写成幻想曲。
        • 其他创作
          • 4.其他创作 李斯特的清唱剧也相对突出。代表作品有:《基督》(以《圣经》为基础，分为三个部分，圣诞清唱剧，基督生活场景辑录，受难与复活)、《圣伊丽莎白传奇》。 (帕格尼尼:浪漫主义时期小提琴演泰家，作曲家。注重炫技，技术高超。)
      • 总结
        • (三)总结 李斯特是浪漫主义时期的中心人物，他的一生经历了浪漫主义的兴起到发展，他的音乐创作历程似乎成为19世纪浪漫主义音乐的一个缩影。李斯特晚年在和声上的大胆尝试将西方音乐半音化进程又向前推进了一步，暗示了印象派德彪西等人的创作。同时对交响诗的确立也影响了西方音乐的发展。
    • 勃拉姆斯
      • 七、勃拉姆斯 约翰尼斯·勃拉姆斯(Johannes Brahms，1833-1897)，德国作曲家。他反对以李斯特、瓦格纳为代表的“德意志学派”的代表，浪漫主义时期的“古典主义者”。他与巴赫、贝多芬，被称为“三B”。 (一)勃拉姆斯的生平 勃拉姆斯出生于德国。勃拉姆斯他爸是汉堡剧院的低音大提琴手，从小注重勃拉姆斯的音乐培养。1848年，15岁的勃拉姆斯首次登台公开演奉钢琴，期间勃拉姆斯开始教钢琴并经常在下层酒吧当“弹唱歌手”，写了很多歌曲。1853年，在勃拉姆斯 20岁时，他认识到了李斯特、舒曼等音乐大师，尤其得到了舒曼的认可。在舒曼1858年死后，勃拉姆斯压抑住了对其妻子克拉拉·舒曼的爱情，并与之终身保持亲密的友谊。 在1857-1859年，勃拉姆斯担任德特莫尔德宫廷的乐师，其间其认识了阿加塔·希布尔德，并与她订婚。期间勃拉姆斯完成了《第一钢琴协奏曲》(Op.15，1854-1859)，但协奏曲的失败让勃拉姆斯十分难受，消极的心态促使勃拉姆斯取消了和阿加塔的婚约，此后勃拉姆斯终身未娶。此后的一段时间内，勃拉姆斯创作包括《小夜曲》(Op.11，1857-18585Op.16，1858-1859)、弦乐六重奏(Op.18，No1、2，1859-1860)、钢琴变奏曲(Op.21，1856、1857)，《圣母颂》(Op.12，1858)、《葬礼》(Op.13，1858)、《诗篇》(Op.27，1859)等声乐作品。等等。 1860年，勃拉姆斯公开反对“新德意志学派”(以李斯特、柏辽兹、瓦格纳为首的音乐家群体),“新德意志学派”所代表的是浪漫主义时期的主流风格，提倡“标题音乐”的创作。 勃拉姆斯对他们的反对，其实是坚持古典主义音乐风格的一种体现。60年代，勃拉姆斯主要进行了很多演奏、指挥、教学、创作工作，期间创作了钢琴四重奏(Op.25，1861:Op.261861)、钢琴五重奏(Op.34，1862)等室内乐作品，用匈牙利歌曲和亨德尔及帕格尼尼主题写作钢琴变奏曲(Op.24，1861;Op.35，1862-1863)，构思并完成《德意志安魂曲》(Op.45，1855-1858)、《爱情圆舞曲》(Op.52，1868-1869)等。 19 世纪 70-80 年，勃拉姆斯连续创作了四部交响曲，通过这四部作品，他古典主义音乐的创作风格进一步确立。期间他还创作了《海顿主题变奏曲》(Op.56，1873)、两首管弦乐序曲《学院节日》(Op.80，1880)、《悲剧》(Op.81，1880)等。在这一时期，勃拉姆斯在欧洲获得了很大的声誉，他作为作曲家和指挥家游历于各地。 1896年，勃拉姆斯在克拉拉·舒曼生病时，为她写了《四首严肃的歌》(Op.121，1896)及《11首众赞歌前奏曲》(Op.122，1896)，表达了她对这位朋友的深情。1897年，勃拉姆斯逝世。
      • 音乐创作
        • (二)勃拉姆斯的音乐创作 勃拉姆斯的创作除了没有涉及歌剧，其他的音乐体裁他基本都尝试了，包括巴洛克时期的大协奏曲、安魂曲、经文歌、卡农曲、管风琴众赞歌、前奏曲等:古典主义时期的交响曲、协奏曲、奏鸣曲、变奏曲等;他还尝试了各种组合形式的室内乐，大量歌曲、重唱曲、合唱及多种体裁的钢琴作品。而在众多体裁中，最能体现勃拉姆斯的音乐创作风格的是交响曲和声乐作品、室内乐。
        • 交响曲
          • 1.交响曲 勃拉姆斯的交响曲虽然只有四部，但每一部都是勃拉姆斯的“心血之作”，特别是《第一交响曲》(Op.68，1862-1876)，勃拉姆斯创作时间非常久(14年/20年)。这部作品的音乐创作手法和风格与贝多芬的《第九交响曲》极为相似，所以人们也把这部作品称作是“贝多芬第十交响曲”。他的其他三部交响曲虽然没有第一部优秀，但同样体现了勃拉姆斯坚持的“古典主义音乐风格”。《第一交响曲》(Op.68，1855/1862-1877)、《第二交响曲》(Op.731877)、《第三交响曲》(Op.83，1881)(核心动机为F-降A一F，勃拉姆斯传记作者卡尔贝克认为是“自由而愉快”(Freilaber fron)，勃拉姆斯好友约阿希姆认为是“自由然而孤独”(Freiaber einsam))、《第四交响曲》(Op.73，1877)(采用复调音乐、教会调式，末乐章的帕萨卡利亚主题来自巴赫第 150 康塔塔)。 勃拉姆斯的交响曲创作运用了精美的变奏技术(后被勋伯格称为“展开式变奏”)，第一乐章和第四乐章规模宏大，第二乐章常为田园风格的行板，第三乐章往往是小步舞曲、谐谑曲和奥地利连德勒舞曲结合的室内乐风格的间奏曲。 其他管弦乐作品:《“学院”序曲》、《“悲剧”序曲》。
        • 声乐作品
          • 2.声乐作品 勃拉姆斯的声乐作品数目非常多，涉及的体裁也非常多，这其中有相当数量是他根据各地民歌改编的作品，而在研究这些作品时，人们很难区分这些作品到底是他写的、别人写的、还是他改编的。在他众多声乐作品中，比较能代表他声乐创作水准的作品有:《德意志安魂曲》(Op.45，1855-1858)(大型声乐套曲);《四首严肃的歌》(Vier ernste Gesänge [Four SeriousSongs]Op.121，1896)(送给克拉拉舒曼的作品)、《林中恬静》(In Waldeseinsamkeit，Op.85，No.6，1878)、《徒然的小夜曲》(Vergebliches Ständchen，Op.4，No.4，1882)、《摇篮曲》(Sapphische Ode，Op.94，No.4，1884)。
        • 室内乐
          • 3.室内乐 勃拉姆斯被称为19 世纪最杰出的室内乐作曲家之一。他在室内乐领域成就最高、准确的把握了室内乐各乐器“亲密交流”的本质。代表作品:三部弦乐四重奏、多部钢琴三重奏、四重奏、五重奏，以及单簧管五重奏等。
        • 钢琴作品
          • 4.钢琴作品 勃拉姆斯钢琴作品的钢琴小品体裁包括:叙事曲、随想曲、谐谑曲、圆舞曲、前奏曲、狂想曲、间秦曲、浪漫曲等。代表作品:《d小调第一叙事曲》根据苏格兰叙事诗《爱德华》写作，标题音乐的代表;变奏曲代表:《亨德尔主题变奏曲》、《帕格尼尼主题变奏曲》、《舒曼主题变奏曲》等。
      • 总结
        • (三)总结 勃拉姆斯在西方音乐历史中的贡献并不是因为他为西方音乐做出了多大的突破与创新，反之他音乐最大的价值是在于他对“古典主义音乐风格”(“纯音乐”)的坚守，这与他提倡的“音乐自律论”是相符的。他与汉斯克特一起，反对李斯特和瓦格纳为首的标题音乐家。 从他的作品中，我们似乎可以看到海顿、莫扎特、贝多芬这些古典音乐大师音乐风格的延续,同时也能看到勃拉姆斯深沉、幽默的个人风格。勃拉姆斯的去世，标志着“古典主义音乐时代”结束。
  • 浪漫主义时期的名族主义音乐
    • 民族主义音乐定义:19世纪30年代至20世纪初，在东欧和北欧的一些国家先后出现了一批作曲家，他们立志于发展本民族音乐，分别在各自的创作中采用与民族相关的题材和形式，反映了民族的风情和精神，人们称这些作曲家为民族主义作曲家或民族乐派作曲家，他们的音乐被称为“民族主义音乐”(“民族乐派”)。 民族主义音乐的产生原因:民族主义音乐的诞生是和东欧和北欧这些国家的历史状况有着紧密联系的，这些国家长期遭到其他强国的侵略和统治，民族受到压迫，文化被摧残。民族主义音乐的诞生是这些国家人民民族精神和反抗精神的集中体现，是时代的必然产物。 民族主义音乐的基本特点:(1)民族主义音乐的作曲家们大都具有民族进步的世界观，有强烈的爱国主义精神和民族自豪感。(2)他们继承了古典主义音乐的创作传统和借鉴了浪漫主义时期欧洲作曲家创作范式。(3)强调民族素材的使用。(4)运用民族历史故事、现实事件、风土人情、神话传说素材。(5)重视对民间音乐的吸收。(6)具有鲜明的民族风格。体现了深刻的民族情感。 民族主义音乐与浪漫主义的关系:东欧和北欧的民族主义音乐和西欧的浪漫主义音乐出现的时间十分接近，浪漫主义音乐大致出现在19世纪 10年代，而民族主义音乐出现在19世纪30年代，二者之间相互交融，共同促进了西方音乐的发展。例如在浪漫主义音乐大师肖邦、李斯特的音乐中，就流露出了民族主义精神。而在民族主义中，柴可夫斯基、德沃夏克、斯美塔那、穆索尔斯基等作曲家的音乐作品，也对浪漫主义音乐有很大的影响。（论述题）
    • 俄罗斯民族主义音乐
      • 一、俄罗斯民族主义音乐 在之前似乎从未提及俄罗斯的作曲家，这是因为在 19 世纪以前，俄罗斯地区的专业音乐的发展相对落后，并未出现十分具有水准的作曲家。在10世纪以前，俄罗斯地区的音乐主要以民间音乐为主，在10世纪开始，随着基督教进入俄罗斯地区，专业音乐开始得到发展，教会中的音乐家为了宗教需要创作了很多宗教音乐作品。在 17 世纪末、18世纪初，专业音乐逐渐走进宫廷和歌剧院，开始融入到大众的生活之中。在这一时期的俄罗斯地区歌剧院和宫廷中的绝大多数作曲家都是从意大利等地聘请的,俄罗斯比较成功的作曲家还比较少。 在18世纪末，在启蒙思潮的影响下，俄罗斯地区出现了很多本地专业作曲家，他们的创作虽然相比干同时期的维也纳古典大师有一定距离，但是仍然显示出了一定的专业水准。他们的创作特色是十分专注于对俄罗斯民间音乐素材的使用,这一批作曲家逐渐形成了一种具有民族主义倾向的创作习惯。
      • 格林卡
        • (一)格林卡 19世纪30年代，格林卡的音乐作品的出现标志着俄罗斯地区专业音乐的成熟。格林卡在音乐史上的意义在干他将俄罗斯专业音乐达到了欧洲音乐强国的水准，为俄罗斯音乐的发展奠定了基础，确立了俄罗斯音乐在世界音乐中的地位。被人称为“俄罗斯民族音乐之父”。 米哈伊尔·伊凡诺维奇·格林卡(Mikhail Glinka，1804-1857)，俄罗斯作曲家。 1.格林卡的生平 格林卡出生在斯摩连斯克省的一个农村地主家庭,从小在村里就得到了民间音乐的熏陶。10岁始，格林卡开始学习音乐，在14岁进入彼得堡贵族学校学习钢琴和音乐理论，这一时期认识了普希金等进步青年，接触到了民主思想。1830年，26岁的格林卡到德国、奥地利、意大利等地进修学习音乐，期间格林卡曾和约翰·菲尔德(克列门蒂学生，夜曲的创始者)学习。在 1834年回国，投身到音乐创作中。他创作的第一部歌剧《伊万·苏萨宁》在1836年首演，这部歌剧因为题材问题，引起很大争议。1842年，格林卡根据普希金同名诗剧改编的第二部歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》上演，再次引起轰动，这部歌剧在百姓大众中大为称赞，贵族统治者的态度却很冷漠。在1844-1847年，格林卡先后到法国和西班牙演出自己的作品，期间还创作了管弦乐序曲《阿拉贡霍塔》、《马德里之夜》等。 1847-1851年期间，格林卡往返于彼得堡和华沙，期间创作了著名的管弦乐幻想曲《卡玛林斯卡亚》。1857年，格林卡逝世。
        • 音乐创作
          • 2.格林卡的音乐创作 格林卡一生创作的作品虽然不多，但是他的每一部作品都十分有分量。他的音乐有三个最重要的特征:(1)取材于俄罗斯民间音乐。(2)展示了俄国的文化面貌。(3)吸收了古典主义音乐和浪漫主义音乐的创作技术和风格。这三方面的结合，确立了俄罗斯音乐的成熟风格。格林卡的创作涉及歌剧、管弦乐、室内乐、声乐作品等体裁，其中最重要的是歌剧和管弦乐。
          • 歌剧
            • (1)歌剧 格林卡的歌剧开拓了俄罗斯爱国主义题材歌剧和民间神话题材歌剧的创作模式,这是很有历史意义的。 《伊万·苏萨宁》(又名《为沙皇献身》)(lvan Susanin，1834)这部作品是格林卡的第 一部歌剧，十分具有民族情怀。 《鲁斯兰与柳德米拉》(Russlan and Ludmilla，1842)是格林卡根据普希金同名的作品改编的。
          • 管弦乐作品
            • (2)管弦乐作品 管弦乐幻想曲《卡马琳斯卡亚》(Kamarinskava，1848)是格林卡管弦乐作品最成功、最著名的一部,这一部作品充分体现了他交响乐创作的个人风格。这部作品采用了《从山上，从高高的山上》、《卡玛林斯卡亚》两首俄罗斯民歌作为素材，创作了一部双主题变奏曲。这部作品探索了俄罗斯交响乐创作的创作形式。其他作品有:《西班牙随想曲》、《马德里之夜》、《阿拉贡霍达》等。
        • 总结
          • 3.总结 格林卡具有民族气质的音乐创作，为后来的强力集团、柴可夫斯基的音乐创作提供了很多参考与借鉴。
      • 强力集团
        • (二)“强力集团” “强力集团”是继格林卡之后，比较能代表俄罗斯民族音乐创作的作曲家群体。“强力集团”的名称来自干俄罗斯著名艺术评论家符·瓦·斯塔索夫(1824-1906)的文意《巴拉基列夫先生的斯拉夫音乐会》，在这篇文章中作者称以巴拉基列夫为首的作曲家小组为“强有力的小团体”后略称“强力集团”(或“五人团”)。他们自己则称自己为“新俄罗斯乐派” “强力集团”的形成过程:在1855年，格林卡与巴拉基列夫和斯塔索夫认识，他们在艺术上很聊得来。在 1857年，格林卡逝世后，巴拉基列夫、居伊、穆索尔斯基在一个叫达尔戈梅日斯基的音乐家家里聚餐，一起探讨发扬格林卡坚持的俄罗斯音乐事业，后来里姆斯基-科萨科夫和鲍罗丁陆续加入，在1861年组成了“强力集团”。 因为他们除了巴拉基列夫以外，其他4个人并不是音乐科班出身，所以这个团体的整体十分排挤与他们创作风格不同的“学院派”。 “强力集团”定义:活跃于19 世纪-20 世纪的俄罗斯作曲家群体，民族主义音乐的代表人物。其名称最早来自于斯塔索夫的文章。主要成员包括巴拉基列夫、居伊、穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫、鲍罗丁。5位作曲家的创作体裁十分广泛，对西方音乐历史的发展造成了深远影响。
        • 巴拉基列夫
          • 1.巴拉基列夫 米利·阿列克谢耶维奇·巴拉基列夫(Balakirev，Mily(Alekseyevich)，1837-1910),俄罗斯作曲家、钢琴家、指挥家、音乐活动家、“强力集团”的发起人和领导者。代表作品如《用三首俄罗斯民歌主题素材的序曲》(1857，1881)、交响诗《塔玛拉》(1882)、钢琴独奏曲《伊斯拉美》(1869)等。巴拉基列夫还十分注重对俄罗斯民族音乐的收集和整理，出版了两部民歌声乐作品集。
        • 居伊
          • 2.居伊 策扎尔·安东诺维奇·居伊(Cesar Antonovich Cui，1835-1918)，俄罗斯作曲家，音乐评论家。他早期和波兰作曲家莫纽什科学过作曲，他写过一些歌剧，如《高加索的俘虏》《上尉的女儿》、《威廉·拉特克利夫》、《海盗》等，也写过一些儿童歌剧《雪勇士》、《小红帽》等。在他的音乐创作中，俄罗斯音乐风格并不是很强。他在“强力集团”中最大的价值其实在于他的音乐评论，他持续了27年的音乐评论活动，通过大量的文章宣传和介绍了“强力集团”的音乐作品和音乐创作理念。
        • 穆索尔斯基
          • 3.穆索尔斯基 莫杰斯特·彼得罗维奇·穆索尔斯基(MussorgskyModest Petrovich，1839-1881)，俄罗斯作曲家。 (1)穆索尔斯基的生平 穆索尔斯基出生在普斯科夫省的农村地主家庭，在10岁时到了彼得堡去读书，12岁进入了军官学校学习，同时自己找老师学习音乐，在 17岁时，军校毕业后到部队服役。此时穆索尔斯基认识了“强力集团”这几个人，并且还和巴拉基列夫学了一阵作曲。此后，他就 开启了他的音乐创作之路。他的音乐创作可以分为两个阶段: 第一阶段:在50年代末到60年代初。这一时期他主要写了一些声乐作品，比如《卡里斯特拉》(涅克拉索夫词，1863)、《老乞丐之歌》(歌德词，1864)等。这阶段的作品还比较稚嫩，属于创作的摸索阶段; 第二阶段:在60年代中期到70年代末。这一时期穆索尔斯基的作曲技术和创作观念完全成熟,创作了很多他的代表作。他这一时期创作了5部歌剧，其中影响最大的是《包里斯·戈杜诺夫》(1868-1871，rev.1872)和《霍万斯基之乱》(1872开始创作，在1881年死后由里姆斯基-科萨科夫将基本完成的创作续完。)另外3部在穆索尔斯基生前未能完成,分别为： 《萨拉姆博》(1863-1866，未完成)《结婚》(1868，未完成，伊波利托夫-伊凡续完)、《索罗钦斯克集市》(1874-1880，未完成，居伊续完)。此外，穆索尔斯基还创作了两部著名的器乐作品交响音画《荒山之夜》(1867)和钢琴套曲《图画展览会》(1874)。1881年，穆索尔斯基逝世。
          • 音乐创作
            • (2)穆索尔斯基的音乐创作 在穆索尔斯基的创作中，体现出了民族主义思想的影响。其中最重要的就是歌剧、声乐作品、器乐曲。
            • 歌剧
              • ①歌剧 正如上文中所述，《包里斯·戈杜诺夫》和《霍万斯基之乱》基本是穆索尔斯基是自己亲自创作比较完整的两部歌剧，也是最著名的两部歌剧，这两部作品都反映了俄罗斯的历史与文化，继格林卡的《伊万·苏萨宁》之后，将俄罗斯历史题材歌剧推向了高峰。 《包里斯·戈杜诺夫》是根据普希金的同名剧本创作的作品，在创作形式上，借鉴了法国大歌剧的创作模式。音乐特点:1)独特的声乐旋律。2)同音朗诵性的音调。3)不对称的乐句。4)非和声性段落。 《霍万斯基之乱》(1872开始创作，在1881年死后由里姆斯基-科萨科夫将基本完成的创作续完。)这部歌剧是根据历史事件“霍万斯基之乱”改编的。
            • 声乐作品
              • ②声乐作品 穆索尔斯基的声乐作品十分重视对民间元素的使用,这可能和巴拉基列夫的引导有一定的关系，代表性作品有:反映农民生活的《戈帕克》(舍甫琴柯词，1866)、《孤儿》(自己作词，1868);揭露社会陋习的《神学院学生》(自己作词，1866)、《跳蚤之歌》(歌德词，1879); 描写儿童的《儿歌》(7首，自己作词，1868-1876);表现孤独和绝望的声乐套曲《没有阳光》和《死之歌舞》(卡列尼谢夫-库图佐夫词，1874，1877)等。
            • 器乐作品
              • ③器乐作品 交响音画《荒山之夜》:穆索尔斯基根据自己的创作意愿创新的一种体裁形式，这种体裁在鲍罗丁和里姆斯基-科萨科夫的创作中也有，这种体裁的创作形式是俄罗斯民间音乐素材进行自由变奏的管弦乐作品。其强调“音画”是因为穆索尔斯基想要通过音乐来对画面进行描述。 钢琴套曲《图画展览会》:钢琴套曲在舒曼的创作中十分常见，穆索尔斯基将钢琴套曲这种体裁加入了“画面感”，他强调作品中的每一个作品都是一幅画，你在听这部作品时仿佛就好像在看一个“图画展览会”一样。套曲由10首作品组成，分别为《侏儒》《古保》《杜勒里宫》、《牛车》、《未出壳的鸟雏的芭蕾舞》、《两个犹太人》、《里摩日市场》、《墓穴》、《鸡脚上的小屋》、《基辅大门》，全曲由一个“漫步”主题作为引子和连接，将10部作品连接为一个整体。之后不少作曲家将其改编为管弦乐版本，其中以拉威尔的改编最为著名。
        • 鲍罗丁
          • 4.鲍罗丁 亚历山大·波尔菲里耶维奇·鲍罗丁(Alexander Porphyrievitch Borodin，1833-1887)，医学院士，作曲家。鲍罗丁是“强力集团”中年龄最大、学历最高、最晚加入的成员。 (1)鲍罗丁的生平 鲍罗丁生于彼得堡，从小喜欢音乐和化学。在 23岁时从医学外科学校毕业。1858年，25岁获得医学博士学位。毕业后开始医学教学和科研活动，31岁被评为教授，44岁当选院士。1887年逝世。鲍罗丁是在 50年代开始，自己出于兴趣爱好，创作了一些小型的作品。在1862年，结识了巴拉基列夫，成为“强力集团”成员。他的创作很少，但每一部可谓之精品，比如:歌剧《伊戈尔大公》(1869-1887，死后由里姆斯基-科萨科夫续完)、《第二“勇士”交响曲》(1871-1877)、交响音画《在中亚细亚的草原上》(1880)、声乐作品《睡公主》(自己作词，1868)、《为了遥远祖国的海岸》(普希金词，1881)等。
          • 音乐创作
            • 歌剧
              • (2)鲍罗丁的音乐创作 鲍罗丁的代表作基本就是上述作品，具有代表性的是歌剧和交响乐。①歌剧《伊戈尔大公》(1869-1887)，取材于 12 丗纪末的古代俄罗斯史诗《伊戈尔远征记》因为鲍罗丁平时忙于医学科研，这部歌剧创作了整整 18年，还没写完，最后是里姆斯基.科萨科夫根据他的创作续完的。这部作品延续了格林卡《鲁斯林与柳德米拉》神话史诗题材的歌剧创作风格。
            • 交响乐
              • ②交响乐 《第二“勇士”交响曲》，因为“强力集团”的作曲家写交响曲的并不多，所以他这部作品确立了俄罗斯史诗性交响乐体裁的创作模式。 《在中亚细亚的草原上》同样是一部交响音画，作品中有两个主题，描绘的是古代俄罗斯商队在中亚细亚长途跋涉的画面。
        • 里姆斯基-科萨科夫
          • 5.里姆斯基-科萨科夫 尼古拉·安德列耶维奇·里姆斯基-科萨科夫(Rimsky-Korsakov，Nikolav Andrevevich 1844-1908)，俄罗斯作曲家，他是强力集团中最年轻，创作最多的一位。 (1)里姆斯基-科萨科夫的生平 里姆斯基-科萨科夫出生在贵族家庭，在12岁到彼得保海军士官学校学习。1861年，17岁的里姆斯基-科萨科夫认识了“强力集团”的巴拉基列夫等人后，下定决心从事音乐行业。在18岁，里姆斯基-科萨科夫毕业后，他被派到船上服役，期间巡航了南美洲和北美洲开拓了眼界。在1865年回到圣彼得堡,在巴拉基列夫的指导下,完成了《第一交响曲》(1865)此后又写了《第二“安塔尔”交响曲》(1868，1897改为交响组曲)和交响音画《萨德科》(1867，1892修订)、歌剧《普斯科夫姑娘》(1872)。 从70 年代开始，里姆斯基-科萨科夫身兼数职，如教师、校长、指挥、乐团总监、编审等等。)从70年代末开始，他的创作迎来了高峰时期，先后创作了 14 部歌剧，包括:《五月之夜》(1878)、《雪姑娘》(1881)、《萨德科》(1896)、《沙皇未婚妻》(1898)、《萨日王的故事》(1900)、《不死的卡谢》(1902)、《隐城基捷日与费芙罗尼亚姑娘的传奇》(1905)、《金鸡》(1908)等;交响乐作品包括:《西班牙随想曲》(1887)、交响组曲《舍赫拉查达》(1888):还有一些管弦乐序曲、钢琴协奏曲、室内器乐重奉、康塔塔、合唱、声乐浪漫曲等。在此期间，他完成了《和声学实用教材》(1886)、《管弦乐法原理》(1913)、自传《我的音乐生活》(1909)菩作。1908 年，里姆斯基_科萨科去逝世。
          • 音乐创作
            • (2)里姆斯基-科萨科夫的音乐创作 在里姆斯基-科萨科夫的创作特征:①题材多取自历史、文学和民间传说。②音乐以俄罗斯民歌为基础，同时吸收了东方音乐的音调。③具有独特鲜明的俄罗斯民族特征，又散发着异国风味。④他的旋律和配器十分生动，对画面的描述更加形象。他的主要以歌剧和交响乐最为重要。
            • 歌剧
              • ①歌剧 他先后创作了 14 部歌剧，其中比较有代表性的有:《雪姑娘》(1881)是取材于童话故事:《萨旦王的故事》(1900)是根据普希金原著改编的，说的是对昏庸腐败的君王的戏弄。 著名的《野蜂飞舞》就是来自于这部歌剧:《金鸡》(1907)是对沙皇荒唐行为的讽刺。其他 作品有:《五月之夜》、《萨德科》等。
            • 交响乐
              • ②交响乐 交响组曲《舍赫拉查达》(1888)是里姆斯基-科萨科夫在阅读完阿拉伯民间传说《一千零一夜》后创作的，有四个乐章，分别为“大海与辛巴德的船”“卡连德神奇的故事”“王子与公主”“巴格达节日和撞毁于青铜骑士礁石的船”。从他的交响乐作品的题材中可以看出，他对外国文化的青睐，这与他早期的航海生活是有着一定联系的。
            • 其他
              • ③其他 里姆斯基-科萨科夫有三点值得一提:1)在19世纪80年代穆索尔斯基和鲍罗丁去世后，里姆斯基-科萨科夫对他们的遗作进行了整理修订，重写或续写了一些未完成作品。2)里姆斯基-科萨科夫在彼得堡音乐学院教学30余年，教出了很多作曲家，比如格拉祖诺夫、普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基等。其对印象派作曲家也有一定影响。3)其著有《和声学实用教程》和《管弦乐法原理》。
        • 总结
          • 6.“强力集团”的总结 “强力集团”在创立之初5位作曲家相互配合协调，创作出许多非常经典的具有俄罗斯音乐风格的音乐作品，“强力集团”在存在了10多年后，因为内部冲突，解散了。虽然有些遗憾，但不能否认的是这5位作曲家为俄罗斯音乐的发展做出了重要的贡献。。
      • 柴可夫斯基
        • (三)柴科夫斯基 彼得·伊里奇·柴科夫斯基(PyotrIlyich Tchaikovsky，1840-1893)，俄罗斯作曲家。柴科夫斯基是与“强力集团”同时期的作曲家，但他的音乐创作风格更加“学院派”。 1.柴科夫斯基的生平 柴科夫斯基生于乌拉尔，父亲是工程师兼工厂厂长。1850年，10岁的柴科夫斯基进入彼得堡法律学校学习，19 岁毕业。在 1859-1862年，柴科夫斯基在司法部工作，同时学习音乐，并尝试作曲。在 1862年，柴科夫斯基考入彼得堡音乐学院，成为音乐学院首届学生。 次年，23岁的柴科夫斯基辞去工作，开始音乐学院的学习，于 1865年毕业。1866年，他到刚成立的莫斯科音乐学院任教。 60年代中期到70年代中期，是柴科夫斯基创作的第一个时期，在此期间柴科夫斯基主要在学校担任教学、演出等工作。这个时期的代表作有:第一交响曲《冬日的梦幻》(1866)、幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》(1869初稿)、交响幻想曲《里米尼的弗朗切斯卡》(1876)、《第一钢琴协奏曲》(1875)、大提琴与乐队的《洛可可主题变奏曲》(1876)，舞剧《天鹅湖》(1876)、《第一弦乐四重奏(1871)、钢琴小品集《四季》(1876)等。 从1876年开始，柴科夫斯基接受了俄国富孀梅克夫人长达14年的资助，他在1877年辞去工作后，直至80年代后期，都在家里或国外全心从事创作和演出工作，这一时期是他的第二个创作时期。柴科夫斯基在这一阶段创作的作品更加成熟，在题材和形式上也有了新的突破，作品的内涵更加深刻。这一时期代表作有:《第四交响曲》(1877)、歌剧《叶甫根尼·奥涅金》(1878)、《小提琴协奏曲》(1878)、《意大利随想曲》(1880)、庄严序曲《1812》(1880)、钢琴三重奏《悼念一位伟大的艺术家》(1882)、歌剧《奥尔良的少女》(1881)、《马捷帕》(1884)、歌剧《女巫》(1887)等。 在80年代末到90年代初，是柴科夫斯基创作的第三个时期，这一时期的作品进入了顶峰阶段,他最成功的最伟大的作品都在这一时期创作完成。代表作有:《第五交响曲》(1888)、《第六“悲怆”交响曲》(1893)、歌剧《黑桃皇后》(1890)、《约兰塔》(1891)、舞剧《睡美人》(1887)、《胡桃夹子》(1892)等。在这期间柴科夫斯基还会见了勃拉姆斯、德沃夏克、格里格等作曲家。1892年接受了剑桥大学名誉音乐博士学位。 《第六“悲怆”交响曲》是柴科夫斯基最后一部作品，在作品 10月28日首演完，柴科夫斯基在 11月6日就去世了。至于死因，有人认为是死于霍乱，有人认为是因同性恋事件暴露而自杀。
        • 音乐创作
          • 2.柴科夫斯基的音乐创作 在柴科夫斯基众多音乐作品中，最能体现柴科夫斯基创作水准和思想内涵的是交响乐、歌剧、舞剧。
          • 交响乐
            • (1)交响乐①交响曲 在柴科夫斯基的交响乐中，他的交响曲最能代表他的创作变化与艺术水准。他一生写了6 部交响曲，分别为《第一交响曲》(Winter Davdreams，Op.13，1866;ver.1:1866;ver.2:1874)、《第二交响曲》(LittleRussian，Op.17，ver.1:1872;ver.2:1880)、《第三交响曲》(Polish,Op.29，1875)、《第四交响曲》(Op.36，1877-1878)、《第五交响曲》(Op.64，1888)、《“悲怆”第六交响曲》(Pathétique，Op.74，1893)。 柴科夫斯基的前三部交响曲创作于他的第一个创作时期,这三部作品延续了格林卡的创作传统，近似“强力集团”的创作，以民间音乐为基础，具有浓烈的俄罗斯音乐风格的同时，也有一定标题音乐的性质。 第四、五、六交响曲创作于柴科夫斯基的第二和第三个创作时期，这三部作品的情感更加浓烈，戏剧冲突加大，突破了民族音乐风格的限制，吸收了城市音乐及西欧浪漫主义音乐的创作风格。这三部交响乐中，第六部更为重要。 《“悲怆”第六交响曲》，是他一生音乐的总结，他自己说过:“在这部交响曲里我倾注了自己的全部心血”。“悲怆”这个名字，是他弟弟建议的。作品内容可以概括为对美好人生理想和残酷黑暗现实之间矛盾的描写，冲突不断加大，最后造成悲剧。四个乐章的布局是，第一乐章表达的是主人公生活中的痛苦与追求的幸福之间的对比:第二乐章是避开烦恼，到个人的幻想中寻求安慰:第三乐章是在逆境中拼搏抵抗;第四乐章希望的破灭，带着遗憾告别世界。 柴科夫斯基的标题交响曲《曼弗雷德》(Op.58，1885)在交响乐中也十分具有代表性。 第四、五、六交响曲以及《曼弗雷德》均采用了“命运主题”贯穿全曲，并以圆舞曲代替谐谑曲。
          • 单乐章交响乐作品
            • ②单乐章交响乐作品 在柴科夫斯基单乐章交响乐作品中，体现了他的深沉和思考，代表作作品有:幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》(Op.77，1868;ver.1:1869;ver.2:1870;ver.3:1880)(根据莎士比亚作品创作)、交响幻想曲《里米尼的弗朗切斯卡》(Op.32，1876)(根据但丁作品创作)、庄严序曲《1812》(Op.49，1880)。其他作品有;交响幻想曲《暴风雨》、大提琴与乐队《洛可可主题变奏曲》。
          • 歌剧
            • (2)歌剧 柴科夫斯基一生写了 10 部歌剧，它们的地位在柴科夫斯基的音乐创作中，和交响乐一样重要。这10部歌剧包括:《督军》(1868)、《水妖》(1869)、《禁卫兵》(1872)、《铁匠瓦库拉》(1874)、《叶甫根尼·奥涅金》(1878)、《奥尔良少女》(1879)、《马捷帕》(1883)、《女巫》(1887)、《黑桃皇后》(1890)、《约兰塔》(1891)。其中影响最大、艺术价值最大的是《叶甫根尼·奥涅金》和《黑桃皇后》。 《叶甫根尼·奥涅金》(YevgenyOnegin，Op.24，1878)是柴科夫斯基根据普希金的长篇小说改编而成的，共三幕，这部作品重点刻画了每个人物的内心活动，所以柴科夫斯基称这部歌剧为“抒情歌剧”。剧情讲述的是一个自私的英雄因为傲慢而拒绝了少女的求爱，因为草率激怒好友，在与好友的决斗中杀死了他，最后抱憾终生的故事。 《黑桃皇后》(Pikovava dama，Op.68，1890)同样是柴科夫斯基根据普希金同名小说改编的作品，这部作品是柴科夫斯基一生歌剧创作的总结。
          • 舞剧
            • (3)舞剧 柴科夫斯基的舞剧在音乐历史上是有开创意义的,因为在之前几乎很少有作曲家创作过这一体裁，他的三部舞剧:《天鹅湖》(1876)(四幕，取材于民间传说)、《睡美人》(1887)、《胡桃夹子(1892)成为古典芭蕾舞剧的经典作品。柴科夫斯基将音乐融入舞蹈之中，加强了舞蹈的戏剧性和音乐性，使得舞剧音乐可以与舞蹈融合，也可以单独为了音乐会演奏。
          • 其他作品
            • (4)其他作品 《降b小调第一钢琴协奉曲》:俄罗斯作曲家柴可夫斯基最著名的钢琴协奉曲，原本标题是给莫斯科音乐学院院长尼古拉·鲁宾斯坦。被拒绝后，将此协奏曲转赠给德国钢琴家、作曲家汉斯·冯·比洛。作品三个乐章。 艺术歌曲:《遗忘的真快》、《只有孤独的心》。
        • 总结
          • 3.总结 整体来看，柴科夫斯基音乐最大的特征体现在两方面;一是深刻的抒情性，二是强烈的戏剧性，其中“悲剧性”是他作品中最常用的情绪。柴科夫斯基虽然与“强力集团”在创作风格上有所不同，但他与“强力集团”的相同之外在干，他们都认可民族音乐在俄罗斯音乐中的重要性，同时也都认为应该继承和发扬由格林卡确立的俄国专业创作的优良传统。但在具体的音乐作品上，“强力集团”的作曲家们似乎更加专注于歌剧和交响乐，同时对民族性有着某种执着，同时也在一些作品中看出作曲家们对异国音乐的兴趣。而柴科夫斯基的音乐题材、形式更加广泛，音乐作品更加具有“国际性”。
      • 其他作曲家
        • (四)其他作曲家 达尔戈梅斯基(Dargomizsky，1813-1869):俄国作曲家。是格林卡风格的直接继承者。代表作品有个歌剧《水仙女》、《石客》、《小蛆虫》、《老伍长》等。 谢洛夫(A.Serow，1820-1871):俄国作曲家。主要活动领域为理论研究和音乐评论。鲁宾斯坦(A.Rubinstrin，1829-1894):俄国钢琴家、作曲家。代表作品有:钢琴小品《船歌》、《夜曲》、《旋律》等。其风格主要为对西欧作曲家的模仿。其为俄国钢琴学派的奠基人之一。 格拉祖诺夫(A.Glazunov，1865-1936):俄国作曲家。他的创作重心主要体现在交响乐，其中包括:交响诗《斯捷潘·拉辛》、《两首希腊序曲》;3首与芬兰有关的《芬兰幻想曲》、《芬兰素描》、《卡列里亚传说》;3部舞剧:《雷蒙达》、《小姐一丫环》、《四季》等。
    • 捷克民族主义音乐
      • 二、捷克民族主义音乐 捷克是一个多难的民族，长期受到奥地利哈布斯堡王朝的统治和奴役。19 世纪，随着欧洲民主运动高涨，捷克人民开始了争取民族独立解放和复兴民族文化的运动，在这样的时代背景下，捷克的音乐文化体现出强烈的民族性，形成捷克民族主义音乐。在19世纪，捷克民族主义音乐的代表人物是斯美塔那和德沃夏克。
      • 斯美塔那
        • (一)斯美塔那。 贝德里赫·斯美塔那(Bedrich Smetana，1824-1884)，捷克作曲家。捷克民族主义音乐奠基人。有人称其为“捷克民族音乐之父” 1.斯美塔那的生平 斯美塔那出生在捷克，4岁开始学习小提琴，6岁开始作曲，19岁中学毕业时，斯美塔那已经成为当时最优秀的肖邦作品演奏者之一，但即便是如此优秀，斯美塔那也只能靠在贵族家里教音乐维持生活。1848年，24岁的斯美塔那毅然参加了布拉格的武装起义，斯美塔那参与街头战斗、守卫桥头、搬运弹药，非常强力。这一期间斯美塔那创作了合唱《自由之歌》和三首管弦乐作品《大学生兵团进行曲》、《国民近卫军进行曲》、《庄严序曲》。可惜的是，最后起义失败了。起义失败后，斯美塔那开始意志消沉。25 岁，斯美塔那在李斯特的鼓励下，创办了自己的音乐学校，在创办学校的这7年中，斯美塔那的三个女儿接连夭折，妻子病故，斯美塔那的人生再一次走向低谷。32岁的斯美塔那选择到瑞典生活，37 岁才重返捷克。这期间斯美塔那积极从事教学、演奏、指挥和创作，受李斯特影响创作了三部交响诗《理查三世》、《华伦斯坦阵营》《领主哈孔》。回到捷克后斯美塔那致力于捷克民族文化事业，创办了民族歌剧院。重返捷克的斯美塔那开始重视民族音乐,开始创作一些具有捷克风格的歌剧,比如:《勃兰登堡人在捷克》(1863)、《被出卖的新嫁娘》(1866)、《达利博尔》(1867)、《李布舍》(1872)等。 正当斯美塔那的音乐事业风生水起时，斯美塔那双耳失聪了，50岁的斯美塔那放弃了一切，潜心创作。在斯美塔那人生的最后阶段，创作了斯美塔那一生最为杰出的作品交响诗套曲《我的祖国》(MaVlast，1874-1879)。1884年，60岁的斯美塔那逝世。
        • 音乐创作
          • 2.斯美塔那的音乐创作 在斯美塔那的歌剧和交响乐中体现了民族主义风格，而在这两种体裁的创作中，歌剧似平所表现的民族精神更加内敛，而交响乐的民族情感相比下更为浓列，目创作水平也更高一些。在斯美塔那的交响乐作品中，凝练了最多民族情结、最能代表他艺术水准的作品是《我的祖国》。 《我的祖国》(MaVlast，1874-1879)的体裁是交响诗套曲，这是将多部交响诗组合到一起的体裁，每一部作品之间相互关联，构成一个整体。采用交响诗的这种体裁，是斯美塔那受到了李斯特的影响。《我的祖国》一共有六首作品，每首作品都是对捷克山河美景的描绘，分别为:《维谢赫拉德城堡》(Vvsehrad)、《伏尔塔瓦河》(VItava)、《萨尔卡》(Sarka)、《波希米亚的森林与草原》(Zceskvch luhuvahaiuv)、《塔波尔小镇》(Tabor)、《布拉尼克山》(Blanik)。在《我的祖国》中采用了捷克民间音乐元素，抒发了对捷克民族的深刻情感。 其他作品有:喜歌剧《被出卖的新嫁娘》《第一弦乐四重奏“我的生活”》。
      • 德沃夏克
        • (二)德沃夏克 安托宁·德沃夏克(Antonin Dvorak，1841-1904)，捷克作曲家。捷克民族主义音乐代表人物。 1.德沃夏克的生平 德沃夏克生于捷克，他爸是屠夫兼小饭店老板。德沃夏克小时候在教堂学习了小提琴、中提琴和管风琴。12岁，德沃夏克当了两年的屠宰学徒，后因音乐天赋被一位音乐教师发现，被送到布拉格风琴学校学习。1859年毕业后，德沃夏克在科姆扎克唱诗班拉中提琴。三年后转入斯美塔那组建的“临时剧院”任中提琴手，在此工作长达11年，在这一时期德沃夏克学习了很多古典主义时期和浪漫主义时期的经典作品，同时得到了斯美塔那的指导。期间他创作了一些作品，体裁涉及交响乐、歌剧、大合唱、室内乐和歌曲等，最成功的的是用捷克诗人哈勒克的叙事诗谱写的合唱与乐队的赞歌《白山的子孙》，这部作品大获成功，让德沃夏克获得了一些名气。但是该作品艺术上还不够成熟，音乐尚不具备民族特征。 自 1873年起，德沃夏克辞去歌剧院乐队工作，全身心投入创作，这一时期的德沃夏克开始更加关注民族主义音乐风格，创作了一些相对优秀的作品，比如:《摩拉维亚二重唱集》(共23首，1875-1877)、《斯拉夫舞曲》第一集(Op.46，8首，1878)、《斯拉夫狂想曲》(1878)、《交响变奏曲》(1877)、《圣母哀悼歌》(1877)等。 80 年代，德沃夏克的创作更加成熟，在国内外获得一些声誉，期间代表作品有:《第六交响曲》(1880)、《第七交响曲》(1885)、《第八交响曲》(1889),《胡斯序曲》(1883),《斯拉夫舞曲》第二集(Op.72，8首，1887)、歌剧《德米特里》(1882)和《雅各宾党人》(1888)等。 90时代，是德沃夏克创作的最后一个时期，在这期间他受邀到美国纽约音乐学院担任院长。这一时期他的音乐创作达到了巅峰，代表作有:《狂欢节》序曲(1891)、《“自新大陆”(或“自新世界”)第九交响曲》(1893)、《F大调弦乐四重奏》(1893)、《大提琴协奏曲》(1895)、 交响诗《金纺车》(1896)、歌剧《水仙女》(1990)等。
        • 音乐创作
          • 2.德沃夏克的音乐创作 相比于斯美塔那，德沃夏克的音乐创作体裁更加丰富，数目更多。在音乐创作风格上，德沃夏克的民族主义音乐作品相比于斯美塔更加具有“综合性”，这种“综合性”体现在他对其他地区民族音乐的吸收。整体来看，德沃夏克的民族主义音乐作品似乎更加成熟一些。 德沃夏克十分善于采用波尔卡、富利安特等捷克民间音乐体裁，以及波罗乃兹、索塞卡、玛祖卡其他地区民间音乐体裁。 但客观的说，虽然德沃夏克基于对斯美塔那的民族主义风格完成了很多作品，达到了19世纪捷克专业音乐创作的最高水准，但德沃夏克与同期的柴可夫斯基的创作水准仍是有一定的差距的。 在西方音乐历史中，更加强调对德沃夏克民族主义音乐创作的民族性，比较能体现德沃夏克民族主义创作风格的是他的交响乐，其中的代表作作品有《斯拉夫舞曲》(Op.46，8首，1878;Op.72，8首，1887)和《“自新大陆”(或“自新世界”)第九交响曲》。 《斯拉夫舞曲》(Op.46，8首，1878;Op.72，8首，1887)共16首作品，原来是钢琴四手联弹，后改为管弦乐作品。这套作品的音乐素材主要来自斯拉夫民族的民间音乐，反映了民族风格和特征。在这里可以看出，德沃夏克的音乐创作素材已经不局限于捷克，而是将视野放到了整个斯拉夫民族之中，这是民族主义音乐的内在发展。 《“自新大陆”(或“自新世界”)第九交响》(Op.95，1893)是德沃夏克在美国当音乐学院院长期间创作的作品。这部作品抒发的是德沃夏克深处异地对捷克故乡的思念。在这一部作品中，既吸收了美国城市音乐的素材，同时也展示了捷克民族音乐的特征，彰显了德沃夏克“兼容性”的民族主义创作风格。 其他代表作品有:歌剧《水仙女》:交响序曲《大自然》、《狂欢节》、《奥赛罗》(“三合一序曲”);《胡斯序曲》:交响诗《水妖》、《野鸽》《午时女巫》、《金纺车》(根据捷克诗人爱尔本民间叙事诗集《花束集》创作);管弦乐曲:两套《斯拉夫舞曲集》、《捷克组曲》;协奏曲:《b小调大提琴协奏曲》:艺术歌曲:《吉普赛歌曲》(第四首《母亲教我的歌》):钢琴三重奏《杜姆卡》:钢琴独奏《幽默曲》:合唱《圣母悼歌》、《安魂曲》。
    • 匈牙利民族主义音乐与艾凯尔
      • 三、匈牙利民族主义音乐与艾凯尔 匈牙利民族的祖先可以追溯到东方的“匈奴”部落，在公元1世纪，匈奴部落移居欧洲平原。在 4-5 世纪，建立国家，在 9一16 世纪，匈牙利是独立的王国。在 16 世纪开始，先后被土耳其和奥地利占领。17世纪末，奥地利战胜土耳其，匈牙利成为奥地利哈布斯王朝的附属国。 19世纪开始，随着启蒙运动的时代浪潮，1848年匈牙利爆发了争取独立自主的革命运动，匈牙利人民的斗争精神高涨，在此时期匈牙利民族主义音乐兴起，出现了一些代表性作曲家，其中最重要的是艾凯尔。
      • 艾凯尔
        • 艾凯尔·费伦茨(Erkel Ferencz，1810-1893)，匈牙利作曲家。艾凯尔生于匈牙利， 从小学习钢琴，20岁开始靠演奉钢琴谋生，在艾凯尔20岁到27岁期间，他在特兰西瓦尼从事演奏、指挥和教学活动。在1838年，28岁的艾凯尔担任民族歌剧院歌剧团指挥家和作曲家，此后他陆续创作了几部具有民族风格的歌剧，比如:《巴托里·玛里亚》(1840)、《拉斯洛·洪亚迪》(1844)、《上帝保佑匈牙利》(1845)、《邦克督军》(1852)等。此外，他也创作一些其他体裁的作品。1875年，在李斯特的资助下，成立匈牙利音乐学院，李斯特任名誉院长，艾凯尔任第一任院长。他在担任院长的 14年中，为匈牙利音乐教育做出了突出贡献。 艾凯尔的音乐创作集中在歌剧创作，他的歌剧有三个特征:(1)他的歌剧大多采用爱国主义历史体裁;(2)通过历史题材来借古喻今是他最常用的表达方式;(3)吸收了匈牙利民间音乐和西欧浪漫主义音乐风格。在他的歌剧中，最有影响力的有《拉斯洛·洪亚迪》和《邦克督军》。艾凯尔开拓了匈牙利民族歌剧的创作道路。
    • 波兰民族主义音乐与莫纽什科
      • 四、波兰民族主义音乐与莫纽什科 波兰在10世纪建立波兰王国，在16世纪与立陶宛大公国合并为波兰立陶宛联邦，成为欧洲强国之一。因为其国力逐渐衰退，很多国家开始欺负波兰。在18世纪在波兰的领土上曾发生过多国战争，此后波兰被多国多次爪分。在19世纪30年代和60年代，波兰人民发起了两次民族起义，均以失败告终。在民族起义运动的影响下，出现了一些具有民族抗争精神的艺术家们，而在音乐领域里，最著名的是莫纽什科。虽然肖邦的音乐创作中也体现了很强烈的爱国精神和民族气质，但因为他的音乐创作活动主要在以巴黎为主的西欧地区，所以肖邦通常被划分为浪漫主义音乐风格。无论如何，肖邦与莫纽什科都为 19 世纪波兰民族主义音乐的发展做出了重要贡献。
      • 莫纽什科
        • 斯坦尼斯拉夫·莫纽什科(Stanislaw Moniuszko，1819-1872)，波兰作曲家。莫纽什科出生在波兰贵族地主家庭，从小和母亲学习音乐，在成长期间接受了进步爱国主义思想，先后一些名师学习钢琴和作曲。1840年，21岁的莫纽什科在维尔纽斯担任管风琴师和剧院指挥，同时教钢琴和音乐理论。 40年代开始，莫纽什科开始潜心创作，创作了歌剧《理想》(1840)、《抽彩》(1840)、歌舞剧《夜宿阿彭尼纳赫山》等作品，这一时期莫纽什科最著名的作品是歌剧《哈尔卡》(Halka1847)。 50年代，莫纽什科的创作进一步提高，创作了喜歌剧《森林伐木工》(1858)、《伯爵夫人》(1859)、《迷惑人的承包》(1865)、康塔塔《幽灵》等作品。1856年起，莫纽什科担任维尔基剧院首席指挥。1864年在音乐专科学校任教。在1872年逝世。 莫纽什科是19世纪波兰杰出的作曲家，他比肖邦小9岁，他的名气在波兰仅次于肖邦。与肖邦不同的是，他的音乐创作和音乐活动主要集中在波兰，因此在他的创作中凝结了更加深刻的波兰民族精神，草细什科的音乐创作成就主要售中在他的歌剧创作，他奠定了波兰民民族主义歌剧的创作道路。在莫纽什科的歌剧创作中，最著名的作品是《哈尔卡》。 《哈尔卡》(Halka，1847)是莫纽什科根据进步诗人沃尔斯基(Wolski，1825-1882 同名剧作创作的歌剧作品。剧情讲的是:一位漂亮的农村女孩因为爱上了一个城市公子哥，最后自杀的悲剧故事。
    • 挪威民族主义与格里格
      • 五、挪威民族主义音乐与格里格 挪威地处北欧，在 9-14世纪曾是独立国家。从 14世纪开始直至20世纪，挪威先后被丹麦和瑞典统治，在长期异国统治下，本民族的经济和文化的发展受到了很大的阻碍。随着19 世纪民族主义精神的兴起，挪威民族民主运动日益活跃。在此背景下，有人提出了“复兴民族文化”的口号，由此这一时期的艺术家们开始注重对民族民间艺术作品的收集和整理，志在保护和弘扬挪威本民族文化。在这样的文化思潮下，挪威出现了易卜生(Ibsen，1828-1906)等文学名家。在音乐艺术领域，出现了很多具有爱国主义精神的音乐家，其中比较著名的是格里格。 爱德华·格里格(Edvard Grieg，1843-1907)，挪威作曲家。
      • 格里格
        • (一)格里格的生平 格里格生于卑尔根。格里格从小和母亲学习钢琴。1858年，15岁的格里格进入德国莱比锡音乐学院学习，于1862年毕业。在1862-1866年，格里格主要在挪威和丹麦活动，期间受到了同辈作曲家诺尔德拉克的影响，立志于挪威民族主义音乐的创作，期间创作了一些具有探索性质的作品，如《e小调钢琴奏鸣曲》(1865)、《F大调第一小提琴奏鸣曲》(1865)等。 1866-1885 年，在挪威克里斯蒂安尼亚定居，期间往返于德、英、法等国家活动，这一时期格里格的创作达到了成熟时期，民族音乐风格和个人特征鲜明突出，代表作品有:《a小调第二小提琴奏鸣曲》(1867)、《a小调钢琴协奏曲》(1868)，配乐《培尔·金特》(1875)、《钢琴叙事曲》(1875)、《钢琴抒情小品集》(第1-3集，1867;1883;1884),《g小调弦乐四重奏》(1878)等。 1885-1907年，格里格在乡间别墅专心创作，创作了《钢琴抒情小品集》(第4--10集1886-1904)、《c小调第三小提琴奏鸣曲》(1886)、弦乐合奏《两首旋律》(1890)、弦乐合奏《两首挪威旋律》(1895)、《交响舞曲》(1898)等。 (格里格创办了“挪威音乐协会”)
        • 音乐创作
          • (二)格里格的音乐创作 格里格一生的创作基本都在挪威完成，小巧精炼，风格鲜明是他音乐创作的整体特征，他的绝大多数作品基本都是小型作品，没有写过歌剧、交响乐、合唱等大型体裁。格里格创作中连续的平行五、八度进行，持续音的使用，对印象派音乐有着重要的影响。而在他的音乐创作中，最能代表他创作特征的是他的《钢琴抒情小品集》和配乐《培尔·金特》。 《钢琴抒情小品集》(第 1-3集，1867;1883;1884;第4-10集，1886-1904)体现了格里格对民族主义小型作品创作的尝试,集中根据很多挪威民间音乐进行了大量的音乐创作，不乏很多精品之作。其中代表作品:《蝴蝶》、《特罗尔豪根的婚礼日》、《致春天》等: 其他钢琴作品有:《e小调钢琴奉鸣曲》、《g小调叙事曲》。 配乐《培尔·金特》(1875)是格里格最出名的音乐作品,《培尔·金特》是挪威文学家易卜生创作的话剧作品，格里格根据这部作品完成了配乐。配乐《培尔·金特》取材于挪威民间传说，包括《晨景》、《阿尼特拉之舞》、《索尔维格之歌》等。配乐中的《索尔维格之歌》之最著名的一首，被誉为“挪威第二国歌” 《霍尔堡组曲》:作曲家格里格为纪念 17世纪丹麦民族戏剧奠基人霍尔堡诞生200周年而作的作品，采用了巴洛克音乐风格写作。
    • 芬兰民族主义音乐与西贝柳斯
      • 六、芬兰民族主义音乐与西贝柳斯 芬兰在10世纪，主要由古老民族部落居住。在12世纪-18世纪，芬兰地区被瑞典占领，18 世纪-19 世纪，又陆续被俄国占领，成为沙皇统治下的附属国。相比于其他欧洲小国的民族起义和民族文化复兴运动，19 世纪中下叶的芬兰并没有出现大规模民族解放运动，直至1917年俄国十月革命后，芬兰才宣告独立。相比之下，芬兰的民族主义文化氛围没有其他国家浓郁。但即便如此，还是出现了一些对民族音乐有追求的音乐家，其中最著名的就是西贝柳斯。 野安·西贝柳斯(Jean Sibelius，1865-1957)，芬兰作曲家。
      • 西贝柳斯
        • (一)西贝柳斯的生平 西贝柳斯生于芬兰，西贝柳斯从小学习小提琴、钢琴、作曲。在中学毕业后，进入赫尔辛基大学学习法律，同时在音乐学院学习小提琴和音乐理论，后放弃法律，专攻音乐。在1889年，24岁的西贝柳斯先后赴德国、维也纳深造，于1891年回国。回国后受聘在赫尔辛基音乐学院任教，任教期间创作了一些作品。在1905年，西贝柳斯到近郊别墅生活，潜心创作，完成了很多优秀作品。在 1926年，西贝柳斯基本不再创作。1957年，逝世。
        • 音乐创作
          • (二)西贝柳斯的音乐创作 西贝柳斯的创作大致分为三个时期: 第一时期:1890-1899年。这一时期西贝柳斯刚开始关注民族音乐文化，代表作有:歌剧《卡勒瓦拉》、交响诗《库勒沃》(男声合唱与乐队。1892)等: 第二时期:1899-1915年。这一时期西贝柳斯的作品主要关注社会生活，同时也体现出了爱国主义倾向，代表作有《雅典人之歌》(1899)、音诗《芬兰颂》(1899)、《第一交响曲》(1899)、《第二交响曲》(1902)、《第三交响曲》(1907)、《第四交响曲》(1911)等; 第三时期:1915-1926年。这一期间西贝柳斯将前两个时期的创作风格进行了综合，同时关注现实和神话题材，代表作有:《第五交响曲》(1915)、《第六交响曲》(1923)、《第七交响曲》(1924)、交响诗《塔皮奥拉》(1926)等。 因为芬兰社会历史氛围不同于其他地区,所以从西贝柳斯的创作中可以看出他的民族主义特征并不是十分明显,最多可以算是一种基于德奥浪漫主义音乐的风格的民族主义创作倾向。西贝柳斯共创作了7部交响曲，均为无标题的“纯音乐”形式。在他的作品中，最能代表他民族主义风格的作品就是交响乐《芬兰颂》。 《芬兰颂》(1899)是为大型活报剧《历史场景》的配乐，后来作为独立交响乐作品广为流传。在芬兰被俄国统治时，这部作品用《即兴曲》命名，真正等到芬兰宣布独立后，才改名为《芬兰颂》，整部作品的情感主要抒发的就是对芬兰人民的歌颂。这部作品中并未吸收民间音乐元素，更多体现的是专业音乐创作的思维。 其他代表作品有: 《d小调小提琴协奏曲》(Op.47，1903):是西贝柳斯另一首著名的曲目，至今仍尤其受到小提琴家们的青睐。这部作品在末乐章运用了民间歌舞的节奏，体现了一些芬兰民族主义风格。 交响诗《塔皮奥拉》:交响诗组曲《列明凯能》(包括著名的《图翁内拉的天鹅》) 西贝柳斯根据芬兰民族史诗《卡勒瓦拉》写作的标题音乐作品有:《列明凯宁在图奥涅拉》、《库勒沃》、《塔皮奥拉》、《列明凯宁的归来》、《图奥涅拉的天鹅》、《波约拉的女儿》。
    • 法国民族主义音乐
      • 七、法国民族乐派 19 世纪下半叶，法国作曲家弗兰克、圣-桑等倡导创立了“法国民族音乐协会”，通过定期举行音乐会来促进器乐音乐的创作。其他作曲家有福雷、日第、拉罗、杜卡斯、夏布里埃等。
      • 重要作曲家及其作品
        • (一)弗兰克 弗兰克(Franck，1822-1890)，代表作品:《d小调交响曲》、《A大调小提琴奏鸣曲》(采用“循环曲式”、《风神》、《遭诅咒的猎人》;清唱剧《赎罪》、交响诗《风神》。 (二)夏布里埃 浪漫主义时期法国作曲家。代表作品:歌剧《格温多琳》、《星》、《缺乏教养》、《国王失态》、《快乐进行曲》等。 (三)丹第 浪漫主义时期法国作曲家。代表作品:《法国山歌交响曲》、交响诗《山中夏日》、交响组曲《海滨之诗》、歌剧《费法尔》、《外乡人》、交响变奏曲《伊斯塔尔》等。创作继承了弗兰克的“循环曲式”。 (四)圣-桑 浪漫主义时期法国作曲家，儿时被称为“神童”，成年后是一位百科全书人物。曾参与发起“法国民族音乐协会”，创作音乐作品众多，涉及体裁浪漫主义几乎所有体裁。代表作品:歌剧《参孙与达莉拉》、《第三“管风琴”交响曲》、交响诗《骷髅之舞》、乐队组曲《动物狂欢节》、小提琴与乐队《引子与随想回旋曲》、《c小调第三“管风琴”交响曲》(“循环曲式”)。 (五)福雷 浪漫主义时期的法国作曲家，曾跟随圣桑学习作曲。创作体裁以艺术歌曲和钢琴小品为主。他是写《船歌》数量最多的作曲家。福雷最著名的大型作品是梅特林克的戏剧《佩利亚斯与梅丽桑德》所做的配乐和悼念双亲的《安魂曲》。(以《佩利亚斯与梅丽桑德》为题材的作品还有:德彪西的歌剧、西贝柳斯的配乐、勋伯格的交响诗。) (以《罗密欧与朱丽叶》为题材创作过作品:柏辽兹、古诺、柴可夫斯基。)(普希金同名文学作品的歌剧作品:《伊万·苏萨宁》、《鲁斯兰与柳德米拉》、《鲍里斯戈杜诺夫》、《石客》、《叶甫根尼·奥涅金》、《黑桃皇后》。)(写过《安魂曲》的作曲家:莫扎特、勃拉姆斯、威尔第、德沃夏克、柏辽兹、福雷。)
  • 晚期浪漫主义音乐与印象主义音乐
    • 一、晚期浪漫主义音乐 在19 世纪的普法战争中，奥地利战败后与匈牙利合并为奥匈帝国，战争的失败导致国家经济和文化发展缓慢。而德国作为战胜国，各方面欣欣向荣，为艺术的发展提供了良好的氛围。 “晚期浪漫主义”主要指在19世纪下半叶至20世纪初，以德奥地区音乐家群体为主的音乐创作风格。晚期浪漫主义主要延续了西欧浪漫主义音乐的创作传统，同时也加入了一些新的创作因素。
    • 约翰·施特劳斯
      • (一)约翰·施特劳斯 约翰·施特劳斯(Johann Strauss，1825-1899)是奥地利作曲家、小提琴家、指挥家。出生在著名音乐家族--施特劳斯家族,父亲老约翰 施特劳斯(Johann Strauss,1804-1849)被称为“圆舞曲之父”其最代表性的作品《拉德斯基进行曲》。而约翰·施特劳斯被称为是“圆舞曲之王”。 约翰·施特劳斯一生创作了 400多首圆舞曲、117 首波尔卡舞曲、其他舞曲、进行曲和16 部歌剧。其中的代表作品有:圆舞曲:《蓝色多瑙河》、《维也纳森林的故事》、《春之声》、《南国玫瑰》、《艺术家的生涯》、《皇帝圆舞曲》等;波尔卡:《闲聊波尔卡》、《拨弦波尔卡》《雷电波尔卡》:轻歌剧:《蝙蝠》、《吉普赛男爵》。约翰·施特劳斯推动了圆舞曲体裁的发展，同时对轻歌剧的创作也体现出了个人的音乐风格。 (圆舞曲:圆舞曲又名“华尔兹”，是奥地利民间舞曲，在18世纪后半叶用干社交舞会19 世纪开始流行于欧洲。其常采用 3/4 拍，节奏明快，强调第一拍重音，每小节大多用一个和弦，多为舞者伴舞。) (波尔卡:波尔卡舞曲产生于19 世纪的捷克，是一种二拍子快速舞曲，节奏欢快。)
    • 布鲁克纳
      • (二)布鲁克纳 安东·布鲁克纳(AntonBruckner，1824-1896)，奥地利作曲家。 1.布鲁克纳的生平 布鲁克纳出生于奥地利农村，他在青少年时期学习过一些音乐，在24岁开始在林茨附近的修道院当管风琴师，同时作曲。在 1865年，41岁的布鲁克纳在慕尼黑听了瓦格纳的乐剧《特里斯坦与伊索尔德》，此后十分欣赏瓦格纳的音乐，在与瓦格纳见过一面后，他开始极力模仿瓦格纳的创作风格，特别模仿“半音化”和声的使用。在 1868年定居维也纳，在维也纳音乐、舞台艺术学院从事教学和创作工作。1891年，布鲁克纳荣获博士学位。1896年逝世。
      • 音乐创作
        • 2.布鲁克纳的音乐创作 布鲁克纳的音乐创作中有两件事值得关注，第一是他是一个虔诚的天主教徒，他继承了巴赫的复调复调作曲技术创作了很多“巴洛克”风格的宗教作品;第二就是他对瓦格纳的崇拜，导致他经常模仿瓦格纳的创作风格。布鲁克纳一生的创作涉及交响曲、宗教音乐、管风琴、室内乐，其中写的最好的是他的交响乐。 布鲁克纳一共创作了12 部交响曲，分别是:《f小调交响曲》(WAB.99，1863);《第一交响曲》(WAB.101，ver.1:1865-1866;rev.1877、1884、1889。ver.2:1890-1891);《d小调交响曲》(WAB.100，1869);《bB大调交响曲》(WAB.142.1869);《第二交响曲》(WAB.102,ver.1:1871-1872;rev.1873、1876。ver.2:1877;rev.1892);《第三交响曲》(WAB.103,ver.1:1872-1873，1876;rev.1874。ver.2:1876-1877，rev.1877-1878;rev.1878-1879。ver3:1877-1889);《“浪漫”第四交响曲》(WAB.104，ver.1:1874，1878。ver2:1878-1880rev.1881,1886。ver.3:1888);《第五交响曲》(WAB.105，1875-1876;rev.1877-1878);《第六交响曲》(WAB.106，1879-1881);《第七交响曲》(WAB.107，1881-1883);《第八交响曲》(WAB.108，ver.1:1884-1887。ver.2:1887-1890);《第九交响曲》(WAB.109，1894，1895-1896，unfinished)。 在 19 世纪下半叶，以李斯特、瓦格纳为代表的的“新德意志学派”因为创作形式比较新颖，很多人开始接受不了，所以就导致他们经常被大家批评。布鲁克纳因为模仿瓦格纳的音乐风格，也变成了被大家批评的对象。与其他人不同的是，布鲁克纳十分善于接受别人的意见，经常将作品改至有较少批评为止，这就使得他的很多作品都有好多版本。在布鲁克纳的交响作品中，比较有代表性的作品有:布鲁克纳献给瓦格纳的《D大调第三交响曲》，和加了标题的《“浪漫”第四交响曲》。这两部作品都能看出瓦格纳对他的影响，也能看出一些他的个人想法。
      • 总结
        • 3.总结 布鲁克纳的创作是将晚期浪漫主义和古典主义音乐的结构相结合,注入了宗教情感的同时，又抒发了强烈的情感。布鲁卡纳得到社会认可是在《第七交响曲》之后。他的创作对后来的马勒等人造成了影响。
    • 马勒
      • (三)马勒 古斯塔夫·马勒(GustavMahler，1860-1911)，奥地利指挥家、作曲家，晚期浪漫主义音乐的代表人物之一。 1.马勒的生平 马勒出生在奥匈帝国的波西米亚地区(捷克)的犹太人家庭，家里有 14个孩子，他排老二。因为实在太穷，很多兄弟姐妹都夭折了。马勒在6岁开始学习钢琴，10岁开过音乐会，15岁进入维也纳音乐学院，进入音乐学院后的马勒十分喜欢瓦格纳的歌剧和布鲁克纳的交响乐，后有幸和同在维也纳的布鲁克纳学习作曲。 从1880年开始，马勒开始从事指挥活动，在多个城市歌剧院任职。期间他创作了一些作品，如声乐套曲《流浪徒工之歌》(Lieder Eines Fahrenden Gesellen，1884)、康塔塔《悲叹之歌》(Das Klagende Lied，1880，1888第二稿)、《第一交响曲》(1888)、《第二交响曲》(1894)、《第三交响曲》(1896)和《少年神奇的号角》。 在1897年-1907年，马勒担任维也纳宫廷歌剧院总监，这是他指挥生涯的最高峰，使歌剧的演出达到了欧洲歌剧的最高水准。马勒在1902年，42岁才结婚，婚后5年内2个女儿先后夭折，使马勒非常难受。即便是这样，马勒仍然没有停止指挥和创作，此后创作了《第四交响曲》(1900)、《第五交响曲》(1902)、《第六交响曲》(1905)、《第七交响曲》(1905)、《第八交响曲》(“《千人交响曲》”1907)、用吕克特诗谱写的《五首歌曲》(5 Lieder nach Riickert1901-1902)和声乐套曲《亡儿之歌》(Kindertotenlieder，1901-1904)等。在1907年，马勒因身体原因加上同事排挤，辞去了在维也纳歌剧院的职务。 在1907-1911年马勒先后担任纽约大都会歌剧院和纽约爱乐交响乐团指挥，同时创作了声乐交响曲《大地之歌》(Das Lied Von der Erde，1909)、《第九交响曲》(1910)、《第十交响曲》(未完成，1910)。
      • 音乐创作
        • 2.马勒的音乐创作 从马勒的人生经历来看，他的一生充满悲剧色彩。马勒曾引用一位俄国作家的话来表达自己的心境:“当大地上还有别的生灵在受苦遭难时，我又怎能感到幸福呢?”他还因为自己的出身不好而感慨:“我是一个三重无家可归的人。在奥地利作为一个波希米亚人，在日耳曼作为一个奥地利人，而在世界上作为一个犹太人，到处我都是一个陌生人，永远不受欢迎。”这一切让马勒的音乐创作在吸收了德奥创作传统的同时，出现了“悲剧性”色彩。 在作曲理念上，马勒似乎借鉴了瓦格纳“整体艺术”的观念，只不过马勒不是在歌剧中运用这种观念。他似乎将声乐和器乐作为一种“整体艺术”进行创作。在他的交响乐中，经常用他自己的声乐作品中的旋律，而他的声乐旋律也经常作为交响乐的伴奏。我们可以在他的交响乐作品与声乐作品中找到相互对应的关系。比如: 交响乐《第一交响曲》--声乐套曲《流浪徒工之歌》 交响乐《第二交响曲》、《第三交响曲》、《第四交响曲》--歌曲集《少年神奇的号角》 交响乐《第五交响曲》、《第六交响曲》、《第七交响曲》--声乐套曲《亡儿之歌》至于声乐交响曲《第八交响乐》、纯器乐的《第九交响曲》和声乐交响曲《大地之歌》具有一定的综合和总结性质。在音乐主题上的互相使用，仿佛也能看出瓦格纳“主导动机”的痕迹。 马勒在创作技术上，很有个性，不受束缚，比如:他作品的乐章数很不固定，最少可以两个乐章，最多六个:乐队编制不固定，甚至在《第八交响曲》中，需要 1000个人来演奏: 经常运用了复杂的复调技术;经常采用自然调式;使用半音化和声。 在马勒一生的创作中，最能体现他创作水准和风格特征的的是交响乐和声乐作品(1)交响乐马勒共有10部交响曲和1部交响声乐套曲《大地之歌》。马勒发展了贝多芬声乐交响曲的形式，在他的第 2、3、4、8交响曲中使用了合唱和独唱;如上所述，他的交响曲与他同时期创作的艺术歌曲有着紧密联系。其中的代表作品有，《第八交响曲》(1907)，也称《千人交响曲》。这部作品的编制需要一千个人，所以叫“千人交响曲”，这部作品除了需要庞大的交响乐编制外，需要两个混声合唱队、一个童声合唱队、七个独唱演员。马勒曾表示希望能通过这种“大编制”来表达“宇宙的声音”。在第一乐章，马勒采用了拉丁文圣咏《降临吧!造物主的圣灵》作为歌词，第二乐章，是将歌德《浮士德》最后一幕作为歌词。 《第九交响曲》(1910)，是马勒一生最后一部交响乐，是他一生晚期浪漫主音乐风格的总结作品。 《大地之歌》(Das Lied Von der Erde，1909)以中国李白《悲歌行》、《采莲曲》、王维的《送别》，以及孟浩然等人的7首诗作为歌词，体现了马勒音乐创作中对外国文学的追求与探索。 声乐作品 声乐套曲：《儿童奇异号角》、《流浪徒工之歌》、《亡儿之歌》。
    • 沃尔夫
      • 胡戈·沃尔夫(Hugo Wolf，1860-1903)，奥地利作曲家，马勒的同学。 1.沃尔夫的生平 沃尔夫自幼和父亲学习音乐，1875 年，15岁的沃尔夫进入维也纳音乐学院学习，因与校方冲突，2年后离校。此后全靠自学学习作曲。他十分迷恋瓦格纳的作品。1881-1882年沃尔夫担任萨尔斯堡市的剧院艺术指导。在1884-1887年与《维也纳沙龙花絮报》合作，摆写音乐评论文章，歌颂瓦格纳，贬低勃拉姆斯。1887-1897 他创作了六本歌集。1897年患神经病，1903年逝世。 2.沃尔夫的音乐创作 沃尔夫的音乐创作中心主要在艺术歌曲心，他一生写了270余首歌曲，代表作品集有: 《莫里克歌曲集》、《海涅诗歌歌曲集》、《歌德诗歌歌曲集》《西班牙歌曲集》、《意大利歌曲 集》等。此外还有一些作品如喜歌剧《县长》、交响诗《彭特西勒阿》、弦乐合奏《意大利小 夜曲》等。在沃尔夫的音乐创作中，更是体现了瓦格纳的音乐风格。
    • 理查德·施特劳斯
      • (五)理查德·施特劳斯 理查德·施特劳斯(Richard Strauss，1864-1949)，德国作曲家。晚期浪漫主义音乐的代表人物之一。理查德·施特劳斯的创作时期相比于布鲁克纳和马勒要更晚一些，他是晚期浪漫主义作曲家中最有影响力的作曲家之一。 1.理查德·施特劳斯的生平 理查德·旆特劳斯生干慕尼黑，父亲是宫廷歌剧乐队的圆号手。理查德·施特劳斯从小学习钢琴、小提琴、作曲，在成长期间曾经有过指挥的经验。长大了也没上音乐学院，是在慕尼黑大学读的哲学和历史。刚上大学的理查德·施特劳斯十分喜欢古典主义时期和浪漫主义初期的音乐，但是后来因为认识了瓦格纳的女婿，开始喜欢瓦格纳的“标题音乐” 从80年代开始，理查德·施特劳斯积极参与创作和指挥活动，先后担任过多地的交响乐团和歌剧院乐队职务，这一时期获得很多赞誉。在1901年-1909年，理查德·施特劳斯担任全德音乐协会主席。此后，理查德·施特劳斯开始到欧美各地进行教学和演出活动，期间还获得了牛津大学名誉博士称号(1914)、维也纳艺术科学院荣誉成员称号(1909，1944)。1949年，理查德·施特劳斯逝世。
      • 音乐创作
        • 2.理查德·施特劳斯的音乐创作 理查德·施特劳斯音乐创作可以分为三个时期: 第一时期:1885-1900年。因为喜欢瓦格纳，所以这一时期的理查德·施特劳斯除了写过一部歌剧《贡特拉姆》)1892 外，主要创作的都是标题音乐，体裁主要集中在交响乐代表作品包括:交响幻想曲《意大利》(1886)、交响诗《麦克白》(1888，1890修订)、《唐·璜》(1889)、《死与净化》(1890)、《梯尔的恶作剧》(1895)、《查拉图斯特拉如是说》(1896)、《唐·吉诃德》(1898)、《英雄生涯》(1899)等。 第二时期:1900-1914 年。理查德·施特劳斯的创作重心转向歌剧，同时也创作交响乐，代表作有:歌剧《莎乐美》(Salome，1905)、《埃莱克特拉》(Elektra，1908)、《玫瑰骑士》(Rosenkavalier，1910)，交响曲《家庭交响曲》(1903)、《阿尔卑斯山交响曲》(1915)等。 第三时期:1914-1949年。这一时期理查德·施特劳斯的创作中心还是在歌剧上，代表作有:《阿里阿德涅在那克索斯》(1912)、《没有影子的女人》(1919)、《埃及的海伦》(1928)、《沉默的女人》(1935)、《达芙妮》(1938)、《达尼埃的爱情》(1944)等。此外，这一时期还创作了一些歌曲、合唱、舞剧等。整体来说，这一时期的作品不如第二时期，基本没有什么作品流传下来。
        • 歌剧
          • (1)歌剧 在理查德·施特劳斯一生的创作中，他的创作重心在歌剧。他的歌剧创作可以说是在浪漫主义晚期音乐中最优秀的，特别是在第二时期的歌剧《莎乐美》(Salome，1905)、《埃莱克特拉》(Elektra，1908)《玫瑰骑士》(Rosenkavalier，1910)是同时代作品中最突出的三部歌剧，在继承了瓦格纳创作风格的同时，又彰显了理查德·施特劳斯的个人构思。 《莎乐美》:独幕歌剧，脚本海德维希·拉赫曼是根据王尔德同名剧本改编的。《莎乐美》的故事最早记载于《圣经·新约》中的《马太福音》。音乐特点:①运用不协和音。②新奇的节奏。③色彩配器。 《埃莱克特拉》:由霍夫曼斯塔尔根据索福克勒斯作品撰写的脚本。这部歌剧讲述的是希腊、特洛伊战争后的故事，其中涉及仇杀、弑母、乱伦、同性恋等话题。音乐特征:①不协和音。②主导动机。③调性与角色场景关联。 《玫瑰骑十》:这部作品体现了理查德·斯特劳斯歌剧中的古典主义倾向，同时将浪漫主义音乐与剧情融合的十分恰当，甚至有人认为《玫瑰骑士》是另一个版本的《费加罗的婚礼》。①自然音主题。②旋律化的咏叹调和重唱。③圆舞曲节奏。 其他歌剧作品有:《没有影子的女人》、《贡特拉姆》、《阿里阿德涅在纳克索斯》、《随想曲》等。
        • 交响乐
          • (2)交响乐 虽然歌剧是理查德·施特劳斯的创作重心，但他的交响乐作品在晚期浪漫在主义音乐中也是有一定地位的。在理查德·施特劳斯的交响乐创作中，体现了对浪漫主义音乐交响乐创作的传统的继承，甚至似乎还能看到古典主义时期音乐的痕迹。 理查德·施特劳斯进一步将交响诗这一体裁进行了发展，他共创作了8首交响诗，他称之为“音诗”。他在交响诗中运用了李斯特的主题变形手法和瓦格纳的主导动机手法，加上出色的配器，细致的人物和场景描绘，构成了他交响诗创作的特征。作品有: 文学题材:《唐·璜》、《麦克白》。 传说题材:《梯尔的恶作剧》。 哲学题材:《死与净化》、《查拉图斯特拉如是说》。 自然题材:《自意大利》。 人物题材:《英雄的生涯》。 理查德·施特劳斯将交响诗在李斯特之后，进行了进一步发展。
      • 总结
        • 3.总结 理查德·施特劳斯是斯处于19世纪和20世纪之交的作曲家，以理查德·旆特劳斯为代表的这一批作曲家其实是十分迷茫的,他们掌握了整个时代最高水准的歌剧和交响乐创作技术，但是在作品的内涵和思想上却始终无法超越前辈，他们始终活在大师的阴影下，无法突破。这是这个时期作曲家都在面临的问题，在理查德·施特劳斯的创作中体现的尤为明显。 这种局面暗示了后来的勋伯格等人的创作“十二音”作曲技术的出现。
    • 印象主义音乐
      • 二、印象主义音乐 与德奥地区的晚期浪漫主义音乐同时发展的还有法国的“印象主义音乐”。在印象主义音乐之前的 19 世纪法国音乐作曲家中，更出名的似乎主要还是梅耶比尔、比才、奥芬巴赫、古诺等歌剧作曲家，19 世纪的法国器乐音乐虽然整体没有歌剧成功，但还是出现了一些相对优秀的作曲家，如:西扎尔·弗兰克(CesarFranck，1822-1890)、爱德华·拉洛(Edouard Lalo，1823-1892)、夏尔·卡米尔·圣-桑(Charles Camnille Saint-Saens，1835-1921)、樊尚·丹第(VincentDIndy，1851-1931)、加布里埃尔·福雷(Gabriel Faure，1845-1924)等。这些作曲家基本是延续了法国古典时期音乐和浪漫主义音乐的创作传统进行创作，完成了不少经典作品。此后真正开创了法国音乐全新创作风尚的，是印象主义音乐。 “印象主义”是诞生于法国美术中的一种创作流派，其源于莫奈的一幅画《印象:日出》。它十分强调一瞬间的感受，作者一般可以通过者一刹那的体会去创作，“描绘性”在印象主义的创作中并不重要。法国的德彪西和拉威尔在接受了印象主义美术和象征主义诗歌的创作理念后，共同确立并发展了“印象主义音乐。”有学者认为德彪西的交响组曲《春天》的诞生标志着印象主义音乐的开端。 印象主义音乐的特征:(1)以画面为题材，注重瞬间印象和感受。(2)强调“半音化”的色彩和声。
      • 德彪西
        • 德彪西生于巴黎近郊的圣热尔门安勒，德彪西 11岁进入巴黎音乐学院学习，接受了专业的钢琴、管风琴、作曲训练。80年代初，德彪西到梅克夫人(资助过柴可夫斯基)家里当音乐家教，期间随梅克夫人到欧洲各地旅游，期间接触了威尔第、瓦格纳、柴可夫斯基、穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等作曲家的作品。1884年，德彪西作品《浪子》获“罗马大奖”，在 1885-1887 年赴意大利深造。80年代末返回巴黎，后结识了一些法国印象派画家和象征派诗人，并接受了他们的创作观念。在1889年德彪西在巴黎举办的世界博览会上首次听到来自东方的音乐，深受启发。此后，是德彪西创作的多产时期，他潜心创作，完成了很多具有印象主义风格的音乐作品。
        • 音乐创作
          • 2.德彪西的音乐创作 德彪西的创作特征代表了印象主义音乐的创作特征:(1)德彪西十分擅长用简短的主题。(2)半音化的和声。(3)多变的交响。(4)细腻的配器。(5)通过对自然景色、生活风俗、神话幻想的描述，来强调主观的瞬间感受和直接印象。(6)音乐具有朦胧、虚幻、缥缈的风格。这些创作特征与印象主义绘画的创作特征相吻合，所以德彪西的音乐被人们成为印象主义音乐。在德彪西的音乐还体现出了对东方音乐的兴趣。特别是在调式上，德彪西更加强调色彩性而不是和声性，其试图摆脱大小调体系的束缚，转向使用教会调式和五声音乐，全音音阶。 德彪西一生的创作体裁涉及钢琴音乐、管弦乐、室内乐、艺术歌曲和歌剧，在其中最重要的体裁是钢琴音乐和管弦乐，他的唯心歌剧也是他非常著名的作品。
          • 歌剧
            • 德彪西只写过一部歌剧《佩里阿斯与梅丽桑德》(Pelleas et Melisande，1902)，这部作品取材于比利时印象主义诗人剧作家梅特林克(Maeterlinck，1862-1949)同名话剧。这部歌剧没有像德国瓦格纳乐剧那种情感的宣泄，也没有法国比才歌剧中对现实的描述，这部作品属于一个非常独立的风格，体现了德彪西的标新立异。(采用此体裁创作的还有勋伯格和福雷。)
          • 钢琴音乐
            • (1)钢琴音乐 德彪西钢琴音乐的体裁和数目很多、包括前奏曲集、练习曲集、组曲、套曲，这其中绝大多数的作品属于标题性小品，代表作品有:《阿拉伯风格曲》(Arabesque，No.1，1888)、《阿拉伯风格曲》(Arabesque，No.2，1888)、《贝加马斯克组曲》(Suite Bergamasque，1890 -1895)、《版画》(Estampes，共3首作品，1903)、《快乐岛》(L’IleJoveuse，1904)、《意象》第1集、第2集(ImagesI、Ⅱ，各3首乐曲，1905.1907)、《儿童园地》(Children’sCorner，1908)、《前奏曲》第1集、第2集(各12首，1910，1913)、《练习曲集》(12首，1913)、双钢琴曲《白与黑》(En Blanc et noir，1915)等。 钢琴曲《月光》(选自《贝加马斯克组曲》)是德彪西钢琴作品中最著名的作品，其融合了浪漫主义和印象主义的音乐风格。作品与法国诗人吉罗的诗作《月下的皮埃罗》有一定联系。 钢琴曲《水中倒影》(选自《意象》第1集)中，德彪西运用了综合的五声音阶、全音阶、半音阶，同时使用二度、三度、四度、五度音程的叠置，加上五段体的结构，让音乐具有了独特的印象。 《亚麻色头发的少女》(选自《前奏曲》第1集，第8首)描绘的是一位亚麻色头发的少女，这部作品据说是根据印象派画家雷阿诺(Pierre-Auguste Renoir)的《小艾琳》所做的，而这幅画据说是为了一位银行家女儿画的。 《前奏曲集》(上、下)是德彪西的钢琴独奏作品集，由 24首带有标题的作品构成，体现了德彪西对生活的观察。代表作品有:《亚麻色头发的少女》、《沉没的教堂》、《飘荡在晚风中的空气与香味》、《月色满庭台》。
          • 管弦乐作品
            • (2)管弦乐作品 德彪西的管弦乐作品虽然不多，但是非常有特色，确立了印象主义风格标题性管弦乐作品的创作范式。代表作品有:管弦乐前奏曲《牧神午后》(L’Apres Midi d'un Faune，1892)(根据马拉美诗歌创作)、交响三折画《夜曲》(Nocturnes，1899)(“云”、“节日”、“海妖”)、交响素描《海》(La Mer，1905)。 在这些体裁中，出现了“交响三折画”“交响素描”等体裁，这都是作曲家根据自己的创作特征命名的，其目的在于表达自己主观对作品的创作动机与期待，这些体裁上虽然在曲式结构和作曲技法上会有一些不同，但均属于管弦交响乐范畴。
          • 合唱作品
            • (4)合唱作品:《浪子》、《被选中的姑娘》、《圣塞巴斯蒂安之殉难》。
        • 总结
          • 3.总结 整体来说，德彪西音乐创作特征体现在以下三方面:(1)“半音化”的色彩和声。(2)突出木管乐器。(3)风格朦胧。
      • 拉威尔
        • (二)拉威尔 莫里斯·拉威尔(Maurice Ravel，1875-1937)，法国作曲家，印象主义音乐代表人物之一。 1.拉威尔的生平 拉威尔生于邻近西班牙的西布尔城，7岁开始学习钢琴，12岁开始学习作曲，14岁考入巴黎音乐学院学习，师从法国作曲家福列(GabrielFaure)。90年代，拉威尔在音乐学院学习时，接触到了德彪西创作的作品，开始崇拜他在艺术上的创作技巧和风格。期间创作了一些具有明显印象主义风格的作品，如:《帕凡舞曲》(1899)、《水的游戏》(1901)、《小奏鸣曲》(1905)等。 1905 年，30岁的拉威尔从音乐学院毕业，此后进入他的创作成熟时期，重要作品有: 钢琴套曲《镜子》(1905)、《夜之幽灵》(1908)、管弦乐组曲《西班牙狂想曲》(1907)、歌 剧《西班牙时辰》(1907)、舞剧《达芙妮与克罗埃》(1912)等。 1914年，第一次世界大战爆发，拉威尔自愿参军上前线，当医疗兵和卡车司机。在 1917年复员后,开始专心作曲,此后陆续创作的代表性作品包括:钢琴组曲《库普兰之墓》(1917)、舞蹈诗《华尔兹》(1920)、小提琴幻想曲《茨冈女》(1924)、歌剧《孩子与魔法》(1925)、管弦乐改编曲《图画展览会》(改编自穆索尔斯基钢琴套曲《图画展览会》)、管弦乐《包列罗》(1928)、《左手协奏曲》(1931)等。拉威尔于 1937年去世。
        • 音乐创作
          • 2.拉威尔的音乐创作 在拉威尔的音乐创作中，基本延续了德彪西的印象主义音乐的创作风格，但相比于德彪西，拉威尔与之不同的是他的创作更加注重对法国和西班牙音乐素材的使用，同时也非常强调法国浪漫主义创作风格的使用，这与他所生活的环境和福列的教导有着一定的联系。在拉威尔的创作中最重要的体裁也是钢琴音乐和管弦乐作品。
          • 钢琴音乐
            • (1)钢琴音乐 在拉威尔的钢琴作品中，最著名的有:钢琴曲《帕凡舞曲》(《悼念公主的帕凡舞曲》)(1899)、钢琴曲《水之嬉戏》(《水的游戏》)(1901)、钢琴套曲《镜子》(1905)。其他作品有:《小奏鸣曲》、《在库普兰墓前》。
          • 管弦乐作品
            • (2)管弦乐作品 在管弦乐作品中，最著名的是他根据自己为舞剧《达芙妮与克罗埃》的配乐整理的《达夫尼斯与克罗埃》第二组曲和改编穆索尔斯基同名钢琴套曲的《图画展览会》。其他作品有: 《西班牙狂想曲》、《波莱罗》《圆舞曲》、《鹅妈妈组曲》。 (3)其他作品:歌剧:《西班牙时光》。
        • 总结
          • 三)结语 “强调个人情感的抒发”是浪漫主义时期音乐的特征之一，这一点在印象主义音乐中发展到极致，作曲家可以以自己瞬间的体验作为创作的主要来源，不需要再对具体的音乐有特别仔细的“描述”。印象主义音乐为20世纪音乐的发展打开了一条全新的道路，与德彪西和拉威尔同期的马勒、理查德·施特老师所面临的的创作瓶颈，在印象主义之及20世纪的作曲家们的创作中得到解决。从此，作曲家们不再有所顾虑，开始大胆尝试不同以往的音乐创作道路。
• 20世纪音乐
  • 第 10 期:20 世纪音乐(上) 与19世纪的联系:在浪漫主义晚期作曲家们的音乐创作中不难看出，他们即便是拥有了成熟的作曲技术理论，也很难再超越前辈作曲家，这一点在德奥地区晚期浪漫主义作曲家的创作中体现的尤为明显。从印象主义音乐开始，西方音乐开始朝着新的方向发展，作曲家们不再受到传统作曲技术的限制，尤其注重对新颖作曲技术和作曲理念的探索，从勋伯格的无调性作品开始，20 世纪音乐开启了全新的发展道路。 时代特点:20世纪先后经历了两次世界大战，经济危机，法西斯独裁等，国际社会的动荡不安，引发了人们在心理上的变化。科学技术在20世纪迅猛发展，这为作曲家们在音乐创作上提供了新的可能。 两次高潮:整体来看，20 世纪音乐有过两次发展高潮。 第一次高潮。第一次高潮发生在 1945年以前。这次高潮可以从1909年勋伯格的无调性作品开始算起。此后，相继出现了韦伯恩的《六首管弦乐曲》、斯特拉文斯基的《春之祭》、鲁索洛的“噪音联播”音乐会等音乐内容，这些音乐内容在当时引起很大争议。在20年代，出现了勋伯格的十二音体系，瓦雷兹的实验作品还有哈巴德微分音乐等。在30、40年代新古典主义音乐成为主流，同时也出现了“实用音乐”。当然，在此时期仍然一些作曲家沿着浪漫主义时期音乐风格继续创作，如巴托克、柯达伊等民族主义音乐作曲家等。 第二次高潮。第二次高潮发生在1945年以后，勋伯格的无调性音乐和十二音体系在此时期已经被普遍接受，以斯特拉文斯基为代表的的新古典主义音乐也出现了新的创作特征。 各种实验音乐陆续出现，比如序列音乐、偶然音乐、电子音乐、采用新音色的音乐、简约派音乐、新浪漫主义、第三潮流、后现代音乐、拼贴等。 20世纪音乐发展至今，其音乐创作基本已完全脱离浪漫主义时期传统的作曲传统，演变为多种多样的的音乐创作风尚。不同国家的作曲家们都在努力通过新颖的作曲技术、创作观念、作品形态方面来实现自己创作的价值，这就导致“音乐性”在当今的音乐创作中已不再重要。 三个阶段:20 世纪音乐大致可以分为三个阶段。 第一阶段:表现主义、新古典主义、民族主义。 第二阶段(先锋派):序列音乐、偶然音乐、电子音乐、新音色。 第三阶段(先锋派以后):简约派、第三潮流、新浪漫主义、拼贴。
  • 表现主义音乐
    • 一、表现主义音乐 “表现主义”是在20世纪初出现的现代流派，它最早出现在绘画、文学等领域，后来扩展到音乐领域。表现主义可以与印象主义形成对立，印象主义强调的是外在事物给个人的瞬间体验和感受，而表现主义则更加强调个人内在的体验和感受，这两种思维模式就导致相对应的音乐有着不同的音乐特征。 “表现主义音乐”其实在瓦格纳和理查德·施特劳斯的歌剧中就已经有了一定暗示，他们的歌剧中十分突出人物情绪和感受的刻画，在和声上也出现了半音化的特征的同时，在结构上也更加模糊，这些都为表现主义音乐的发展提供了前提。表现主义音乐继续向前发展。取消了调式调性的限制，让十二个音处于平等关系，真正让音乐“没有调性”，这是表现主义音乐最大的特征。在表现主义音乐中也时常会出现一些其他的特征，比如:夸张的跳进进行、力度的巨大变化、极度不协和的和弦、不对称的节拍、不清晰的结构等。表现主义音乐因为要强调个人内在的情绪，所以通常用紧张、恐惧、绝望等比较有戏剧张力的情绪融入到作品之中。印象派虽然也是强调主观体验，但是至少还有一些精巧的旋律和典雅的音响，但在表现主义音乐中，一切都被“打乱了”。 表现主义音乐的代表人物是勋伯格和他的两个学生贝尔格和韦伯恩,他们三个都出生在维也纳，所以也有人称他们三个为“新维也纳乐派”。
    • 勋伯格
      • 1.勋伯格的生平 勋伯格8岁学习小提琴，因父亲早亡，家庭贫困，在 16 岁时到银行当职员谋生。同时，自学作曲和大提琴。20岁时，跟比他大两岁的作曲家曾林斯基(AlexanderZemlinsky，1872-1942)学习了几个月的复调，这是他唯一接受过的专业音乐训练。1901年，27岁的勋伯格到剧院任担任乐队指挥，两年后回到维也纳从事教学，贝尔格和韦伯恩就是他在这一时期的学生。勋伯格在教学时，基本主要教授传统作曲技法，并不传授给学生“现代音乐”。 在1909年，勋伯格创作了第一首无调性作品《钢琴三重奏》(Op.11，1909)。1911年，37岁的勋伯格为了生计来到柏林教书。在第一次世界大战期间，勋伯格应召入伍。战后继续回到维也纳和柏林两地的教学中。1918年，因为他的演出频频遭到观众反对，他成立“私人演出协会"，只邀请一些喜欢自己的人来看。在希特勒上台后，因为他犹太人的身份，他的演出和教学都被终止了。在1933年，勋伯格来到美国，先后在多所大学教学。在1941年加入美国籍，1951年去世。
      • 音乐创作
        • 2.勋伯格音乐创作 勋伯格的创作可以分为三个时期: (1)晚期浪漫主义时期 这一时期勋伯格的创作基本延续了瓦格纳、理查德·施特劳斯的创作特征，体现了德奥晚期浪漫主义音乐的音乐风格。代表性作品有:弦乐六重奏《净化之夜》(1899，1917年改编为弦乐乐队)、交响诗《佩里阿斯与梅丽桑德》(1902，与德彪西歌剧同名)、合唱作品《古列之歌》(1900-1911)。 (2)无调性时期 勋伯格在这一时期的创作中,取消了调性的概念,作品中的十二个音不再构成任何关系,处于完全平等的状态。勋伯格的第一首无调性作品是1909年创作的《钢琴曲三首》(Op.11，1909)，第一部无调性管弦乐作品是《五首管弦乐曲》(1909)。 在《五首管弦乐曲》中的第三乐章“夏晨的湖边，色彩”中，勋伯格提出了“音色旋律”的概念:勋伯格认为，即便是同一个音，在不同的乐器上是可以发出不同的音高的，这些音高连到一起便可组成旋律。 在其他无调性作品中，最著名的是独唱套曲《月迷彼埃罗》(共21首，1912)。《月迷彼埃罗》套曲共有 21首歌曲，歌词作者是比利时象征主义诗人A·吉罗，音乐是无调性的，人声采用“念唱”手法。代表曲目《夜》是其中的第8首。表达的是主人公是一个精神错乱的人，勋伯格通过一部部作品，表达了主人公的不同情绪。 (3)十二音时期 （名词解释） 从1923年开始，勋伯格在创作中采用“十二音”作曲技术。十二音音乐是无调性音乐的进一步发展。之前无调性的音乐创作，一般只适用于小型作品。而在大型作品中，需要更复杂的构思和技术来组织整个作品，十二音解决了这个问题。 十二音体系的创作方法其实很简单，作曲家开始可以按任意顺序将一个八度内的12个半音进行排列，形成一个音阶序列(或称音阶)，这个音阶我们可以称之为“原形序列”。在一部十二音作品中，需要将这个“原形序列”以原形、逆形、倒影、倒影逆形的形式在作品中依次出现。在每一次进行中，十二个音全部出现以前，不得重复其中任何一个音，每个音出现的位置、高度、声部不受约束。十二个音可以相继出现，也可以以音程或和弦的形式同时出现。十二音只对音高有要求，对节奏、力度、音色没有任何限制。 勋伯格第一部用十二音体系创作的作品是《钢琴组曲》(Op.25，1923)。其他十二音代表性作品有:《第三弦乐四重奏》(1926)、《乐队变奏曲》(1927-1928)、《第四弦乐四重奏》(1936)、《小提琴协奏曲》(1936)、《钢琴协奏曲》(1942)、《一个华沙的幸存者》(1947)、歌剧《摩西与阿伦》(1951)等。其中《一个华沙的幸存者》最为著名。 《一个华沙的幸存者》(Op.46，1947)为朗诵、男声合唱和乐队演出而作，勋伯格自己作词。叙述了德国法西斯在二战期间杀害犹太人的事件，表达了勋伯格内心的情绪与激动。 值得注意的是，勋伯格在这一时期不止用十二音体系进行创作，也创作了很多有调性的作品。十二音体系这种作曲技术，开始只流传于勋伯格和他的学生之间，后来斯特拉文斯基等作曲家也开始采用了这种作曲方法。我们应该注意一个问题，即“十二音”并非表现主义。音乐的最大特征，无调性才是。 十二音体系的出现，在当时引起了很大的争议，因为从严格意义上来讲，这种创作手段似乎已经超出了传统音乐创作的认知范畴。这种创作方式是在具有一定规则下的随机性创作，从音响角度来看，已经开始脱离西方音乐历史中对“音乐”的认知。但不能否认的是，勋伯格的包括十二音在内的音乐创作，对20世纪音乐的发展造成了深远的影响。
    • 贝尔格与韦伯恩
      • (二)贝尔格与韦伯恩 表现主义音乐除了勋伯格以外，另外两位代表人物是勋伯格的学生贝尔格和韦伯恩。 1.贝尔格 阿尔本·贝尔格(Alban Berg，1885-1935)，奥地利作曲家，表现主义音乐代表人物之一。 贝尔格生于维也纳，在19岁开始和勋伯格学习作曲，在与勋伯格学习之前，贝尔格已创作了一些作品，均属晚期浪漫主义音乐风格。在与勋伯格学习后，贝尔格的作品中开始有了自己的特点，特别是从他的第4号作品开始，他先后采用了勋伯格的无调性和十二音的作曲技术创作了一些作品，这些作品具备表现主义音乐特征的同时，也体现出晚期浪漫主义音乐的特征。 1914年，贝尔格根据19世纪德国剧作家奥尔格·毕希纳(GeorgBuchner，1813-1837)的话剧《沃采克》开始构思同名歌剧，于1921年完成作品。这部歌剧是他最著名的作品，中代表了他的创作风格与水准。这部歌剧十分有进步意义，通过对比的手法表达出一种悲剧性的力量。歌剧的音乐一部分是无调性的，一部分音乐是十二音的，一部分是有调性的。在歌剧中，贝尔格采用了瓦格纳的主导动机的手法，也结合了勋伯格的“念唱”的声乐表现方式。 歌剧是用了传统的曲式结构，并参照了瓦格纳“整体艺术”的观念，将整个歌剧视作一个整体。 此后的 10年，贝尔格主要从事作曲和教学工作，期间创作了他的第一部十二音作品弦乐四重奏《抒情组曲》(1925-1926)。1929年开始，他开始创作他另一部重要的歌剧《露露》，这是一部揭露现实的歌剧。 希特勒上台以后，以勋伯格为代表表现主义音乐全部禁演。在此期间，贝尔格宠爱的一个小女孩(马勒遗孀改嫁后所生的女儿)去世了，他用十二音技术为这个女孩创作了《“天使的回忆”小提琴协奏曲》，这部作品成为20世纪最具有影响力的小提琴作品之一。1935年，贝尔格去世。留下《露露》没有完成。 贝尔格在表现主义音乐中的特殊贡献在于他在十二音作品中，融入了更多的情感，这使得贝尔格的作品更加容易让人接受。 2.韦伯恩 安东·韦伯恩(Anton von Webern，1883-1945)，奥地利作曲家，表现主义音乐代表人物之一。 韦伯恩生于维也纳，与贝尔格一样，在 1904-1910 期间与勋伯格学习作曲。韦伯恩早期的作曲是有调性的，在1908年，他随着勋伯格开始采用无调性语言创作了一些作品，比如:《六首管弦乐曲》(Op.6，1910)、《五首管弦乐曲》(Op.10，1913)。 在1924年起，跟随勋伯格一起采用十二音技术进行作曲，代表作品有:《三首宗教民歌》第1首(Op.17，1924)、《三首宗教民歌》第2首(Op.17，1924)、《三首宗教民歌》第3首(Op.17，1924)、《交响曲》(Op.21，1928)、《钢琴变奏曲》第1乐章(Op.27，1936)在纳粹统治期间，韦伯恩跟勋伯格和贝尔格一样，作品遭到禁演。在1945年德国投降后不久，韦伯恩一天在屋外散步，不明原因被一名美国哨兵枪杀。 韦伯恩的作品并不是很多，共31首(17首声乐曲、14首器乐曲)。韦伯恩虽然与贝尔格都是遵循勋伯格的音乐风格进行创作的，但二者是有区别的。贝尔格的作品中，似乎更加注重对情感的抒发和描写，具有晚期浪漫主义音乐倾向。而韦伯恩则与之相反,更加“超前”他将勋伯格的十二音技术运用的更加夸张，在他的十二音作品中，旋律主题十分短小，乐队的编制很小，曲式结构也十分简单。韦伯恩的音乐要更加强调十二音的“个体”，而不是“整体”。概括来说，韦伯恩的音乐特点:①作品非常短小。②材料极为浓缩。③室内乐风格。④旋律线常分配给不同的乐器(又称“点描主义”)。⑤常用卡农式的模仿复调。⑥没有调性暗示。⑦力度标记精确。⑧爱用不寻常配器。韦伯恩的创作特征，暗示了 20世纪后来作曲家的创作趋势。 在第二次世界大战结束后，很多作曲家继续使用十二音作曲法，在达姆施塔特的“国际新音乐暑期班”里，年轻一代的作曲家们重新发现了韦伯恩，他们推崇他，从他的作品中找到他们追求的东西，逐渐形成了“整体序列主义”等流派，因此也有人把20世纪50年代先锋派进行探索的时代称为“后韦伯恩时代”。
  • 民族主义音乐
    • 二、民族主义音乐 20世纪的民族主义音乐是19世纪民族主义音乐的延续，在20世纪新的社会、历史背景下，各国的民族主义音乐出现了新的特征。20 世纪的民族主义音乐相比于19 世纪，和国家的民主运动没有太大关系，作曲家们更多是处于自身对民族民间音乐的兴趣进行创作，作品的爱国主义精神和思想深度减弱的同时，也融入了 20世纪音乐的风格特征。
    • 俄罗斯民族主义音乐
      • (一)俄罗斯民族主义音乐 俄罗斯在1917年爆发了“十月革命”，推翻了沙皇君主专制和资产阶级反动政权，迎来了社会主义社会。随之而来的社会变革对这一时期的音乐创作形成了一定的影响。20世纪俄罗斯民族主义音乐的代表人物是斯克里亚宾和拉赫玛尼诺夫。
      • 斯克里亚宾
        • 1.斯克里亚宾 亚历山大·尼古拉耶维奇·斯克里亚宾(Alexander Nikolayevitch Scriabin，1972-1915),俄罗斯钢琴家、作曲家。 (1)斯克里亚宾的生平 斯克里亚宾生干莫斯科，父亲是外交官，母亲是钢琴家。斯克里亚宾5岁可以在钢琴上即兴演奏，8岁创作了一部歌剧，11岁开过钢琴音乐会，16岁进入莫斯科音乐学院，主修钢琴和作曲，20岁毕业。但因他与作曲老师不和，毕业时只有钢琴学位，没有作曲学位。 1898年，26岁的斯科里亚宾进入莫斯科音乐学院教钢琴。在1904年以后，斯克里亚宾主要在国外生活，从事演奏和创作活动。
        • 音乐创作
          • (2)斯克里亚宾的音乐创作 斯克里亚宾的创作可以分为三个时期: 第一时期，1888-1900年。这一时期斯克里亚宾的创作主要体现的是对欧洲浪漫主义音乐的继承，无论是体裁还是风格，都跟肖邦十分类似。代表作品有:10首《玛祖卡》(1988-1900)、12首《练习曲》(1849-1895)、24首《前奏曲》(1888-1896)、三首《奏鸣曲》(1892，1897，1897)、《#f小调钢琴协奏曲》(1898)、9首《玛祖卡》(1899)、管弦乐前奏曲《理想》(1898)等。 第二时期，1900-1905年。由于俄国当时社会的动荡和文化思潮的影响等原因，斯克里亚宾在这一时期开始信奉“神秘主义”,他认为“物质世界终将毁灭,精神世界必将永生!”。 他甚至基于自己的生日是12月 25日，认为自己是“上帝”，认为自己是来“拯救世界”的。在这一时期观念的影响下，他不再局限于小型体裁，他主要创作交响曲用来“拯救世界”，代表作品有:《第一交响曲》(6个乐章，1899-1900)、《第二交响曲》(1901)、《“神之歌”第三交响曲》(包括三个标题乐章:《斗争》、《享乐》、《神的游戏》，1904)等。 第三时期，1905-1915 年。这一期间俄国爆发了多次革命，期间斯克里亚宾认识了俄国革命家普列汉诺夫，普列汉在听了斯克里亚宾的神秘主义观点后，马上就指出斯克里亚宾是“无可救药的唯心神秘主者”。斯克里亚宾其实是在当时俄国社会中的一类人的代表，这一类人因为俄国革命事业频频失败，他们开始消沉、颓废、涣散，甚至有一些人开始追求唯心的哲学思想观念，斯克里亚宾就是其中一个。在这一时期斯克里亚宾的音乐创作更加具有神秘色彩。代表作品有:交响诗《狂喜之诗》(1905-1908)、《普罗米修斯》(又名《火之诗人》，1908-1910)、第5-10《钢琴奏鸣曲》(1907，1912，1912，1913，1913，1913)斯克里亚宾一生的创作风格是非常丰富的，早期是浪漫主义时期的肖邦风格，中期是类似于瓦格纳和德彪西的风格，晚期形成了自己具有“神秘主义”倾向的音乐风格。 “神秘和弦”是斯克里亚宾独创的和弦，较常出现在他晚期的创作中。“神秘和弦”是用增四度、减四度、纯四度叠置构成的和弦，斯克里亚宾将这个和弦作为作品的调性中心。使得作品具有了无调性的状态。这个和弦是其“神秘主义”思想的体现。 斯克里亚宾的创作十分具有时代感，他在探索了一种新的音乐风格的同时，在他的身上也能看到俄罗斯年轻人在那个混乱年代的困惑与迷茫。
      • 拉赫玛尼诺夫
        • 2.拉赫玛尼诺夫 谢尔盖·瓦西利耶维奇·拉赫玛尼诺夫(Sergei Vassilievitch Rachmaninoff,1873-1943),俄罗斯钢琴家、作曲家。 (1)拉赫玛尼诺夫的生平 拉赫玛尼诺去比斯克里亚宾小1岁，1873年出生于奥洋格贵族家庭。拉赫玛尼诺夫4岁开始随母亲学习钢琴，9进入彼得堡音乐学院，12岁进入莫斯科音乐学院，先后师从多位大师学习钢琴和作曲。在学校期间拉赫玛尼诺夫十分迷恋柴可夫斯基的音乐，所以在拉赫玛尼诺夫后来的音乐中，我们经常可以看到类似柴可夫斯基风格的作品。1891年和1892年拉赫玛尼诺夫分别在两个学校毕业，获得钢琴和作曲学位。此后开启了他的创作生涯。
        • 音乐创作
          • (2)拉赫玛尼诺夫的音乐创作 拉赫玛尼诺夫的音乐创作同样可以分为三个时期: 第一个时期，1891-1900年。拉赫玛尼诺夫在这一时期主要从事钢琴演奏和作曲活动，这一时期创作了《第一钢琴协奏曲》(1891，1917)、独幕歌剧《阿列科》(根据普希金长诗《茨冈》改编，1892)、《第一交响曲》(1895)、钢琴、小提琴和大提琴的《悲歌三重奏》(1893)、钢琴小品《#c小调前奏曲》、声乐作品《别唱吧，美女》、《春潮》等作品。这一时期拉赫玛尼诺夫的作品相对比较稚嫩，还处于风格的探索阶段。他这一时期最著名的作品是独幕歌剧《阿列克》，拉赫玛尼诺夫因在纪念普希金诞辰一百周年的活动上指挥这部歌剧而获得了很高的声誉。 第二个时期，1900-1917年。拉赫玛尼诺夫在这时期进入成熟阶段，完成了他一生最具有代表性的作品，如:《第二钢琴协奏曲》(1901)、《第三钢琴协奏曲》(1907)、康塔塔《春天》(1902)、歌剧《里米尼的弗朗切斯科》、《吝啬骑士》(1904)、《第二交响曲》(1907)、交响诗《死亡岛》(1909)、《钢琴前奏曲集》(Op.23，10 首，1902;0p.32，13首，1919)、《音画练习曲集》(Op.33，9首，1911:Op.39，9首，1917)、声乐交响诗《钟声》(1913)、无伴奏宗教合唱《约翰·兹拉托乌斯特礼仪》(Op.31，1910)和《通宵祈祷》(Op.37，1915)以及大量声乐作品。 第三个时期，1917-1943年。1917年爆发了俄罗斯历史上最重要的两次革命“二月革命”和“十月革命”，拉赫玛尼诺夫作为一个贵族子弟，对两次革命有着不同的态度，在“一月革命”期间，拉赫玛尼诺夫极力支持，甚至将自己音乐会的所有收入捐给军队。但在“十月革命”后，拉赫玛尼诺夫却十分茫然，这是当时俄国贵族阶层和知识分子阶层的普遍反映。十分耐人寻味。拉赫玛尼诺夫在 1917年 11 月离开了俄罗斯，最后去了美国，并在那里度过余生。这一时期他的创作很少，且整体艺术水准不高，代表作品有:为合唱与乐队而作的《三首俄罗斯歌曲》、钢琴《科列利主题变秦曲》(1931)、为钢琴与乐队而作的《帕格尼尼主题狂想曲》(1934)、《第三交响曲》(1936)、《交响舞曲》(1940)。这一时期的作品虽然质量没有之前高，但体现出了拉赫玛尼诺夫对俄罗斯故土的情感和对人生内涵的思考。 整体来看，拉赫玛尼诺夫的音乐创作基本上保持了西欧浪漫主义音乐和俄罗斯民族乐派的创作风格，并没有受到当时的瓦格纳、德彪西、勋伯格等人音乐风格的影响。
    • 匈牙利民族主义音乐
      • 巴托克
        • (二)匈牙利民族主义音乐 1.巴托克 贝拉·巴托克(Bela Bartok，1881-1945)，匈牙利作曲家，民族音乐学家。(1)巴托克的生平巴托克生于匈牙利，他在 17岁进入布达佩斯音乐学院学习，在学校上学期间，他有机会接触到了匈牙利民族独立运动，这对他一生的音乐创作和音乐活动产生了重要的影响。 1904年，23岁的巴托克开始记录匈牙利民间音乐。在24岁时，巴托克认识了柯达伊(KodalvZoltan，1882-1967，匈牙利作曲家，音乐教育家，创立了柯达伊音乐教育体系)，从此两 人开始合作，对匈牙利民间音乐进行系统的调查。二者一起创立了“新匈牙利音乐协会”致力于匈牙利、罗马尼亚等东欧民间音乐的采集、整理、研究工作。这期间巴托克结合调查。二者一起创立了“新匈牙利音乐协会”致力于匈牙利、罗马尼亚等东欧民间音乐的采集、整理、研究工作。这期间巴托克结合调查结果发表了一些学术理论成果，这个行为在作曲家中是非常少见的。1907年，26岁的巴托克受聘于布达佩斯音乐学院，教授钢琴，期间创作了钢琴教材《小宇宙》(Mikrokosmos)(共6 册，153 首)。 在30年代纳粹党掌权后，巴托克的反纳粹行为让他被迫离开祖国，前往美国。在美国期间，他曾在哥伦比亚大学教学，同时整理民间音乐。来到美国后他的作品受到冷落，演出也比较少。在 1945 年逝世。
        • 音乐创作
          • (2)巴托克的音乐创作 巴托克的创作可分为四个时期: 第一时期，1889-1907年。巴托克这一时期的音乐创作先后受到了贝多芬、理查德·施特劳斯、李斯特音乐的影响，具有浪漫主义音乐的特征。虽然在作曲技术上十分成熟，但缺乏创新。代表作有描写 1848年匈牙利起义的交响曲《阿树特》(1903)(民族主义音乐奠基之作)等。 第二时期，1908-1924 年。巴托克在这一时期根据自己收集的民间音乐素材，创作了不少具有民族音乐风格的作品，代表作有:管弦乐曲《两幅肖像》(1908)、《第一弦乐四重奏》(1908)、《第二弦乐四重奏》(1915-1917)、钢琴曲《粗野的快板》(1911)、歌剧《蓝胡子公爵的城堡》(1911)、舞剧《木雕王子》(1916)和《神奇的满大人》(1919)、管弦乐曲《舞蹈组曲》(1923)等。有的作品直接采用了民间的曲调，如《15首匈牙利农民歌曲》(1915)等。 第三时期，1926-1940年。这一时期巴托克的作品有了一些“新古典主义音乐”的倾向，同时也创作了一些实验性的作品。代表性作品有:《第一钢琴协奏曲》(1926)、《第三弦乐四重奏》(1927)、《第四弦乐四重奏》(1928)、《第五弦乐四重奏》(1934)、《第六弦乐四重奏》(1939)、《世俗大合唱》(1930)、《为弦乐、打击乐和钢片琴而写的音乐》(1936)、《两架钢琴与打击乐的奏鸣曲》(1937)等。 第四时期，1940-1945年。在美国的巴托克创作了一些重要作品，如《管弦乐协奏曲》(1943)、《第三钢琴协奏曲》(1945)，这些作品具有一定民族特色的同时也可以看出浪漫主义气息。 全时期代表作品: 奠基之作:《阿树特》:钢琴作品:《野蛮的快板》、《小宇宙》、《献给孩子们》《在户外》、 三部钢琴协奏曲:舞台作品:芭蕾舞剧《木雕王子》、歌剧《蓝胡子的城堡》、带有表现主义 风格的《神奇的满大人》;乐队作品:《乐队协奏曲》、《小提琴协奏曲》、《弦乐、打击乐与钢片琴的音乐》、《中提琴协奏曲》:室内乐:六部弦乐四重奏、无伴奏小提琴奏鸣曲。 巴托克的整体音乐特点:①民间音乐风格。②不规则节拍。③和弦来自五声音阶或全音阶或其他传统音阶。④通常有一个基本调性。⑤多调性的段落。 (3)结语 虽然巴托克作为民族主义音乐作曲家，对匈牙利民族音乐的发展做出了卓越贡献，但他对西方音乐历史来说，他的价值并不体现在他的音乐创作，他对历史的价值主要体现在他对，民间音乐的收集和研究工作。他作为一个作曲家，能够深入到民间，对民间音乐进行关注，这为后来的民族主义音乐的作曲家起到了一个很好的表率。基于此，甚至有一些学者认为，巴托克是20世纪最成功的的民族主义音乐作曲家。
      • 柯达伊
        • 2.柯达伊 柯达伊(Kodály，1882-1967)是 20 世纪匈牙利作曲家、音乐教育家、民族音乐学家。与巴托克一起致力于对民族音乐的采集、整理、研究。他还创立了柯达伊教学法。代表作品:《匈牙利诗篇》、管弦乐《孔雀变奏曲》、《加兰特舞曲》、《马罗切克舞曲》、管弦乐组曲《哈利·雅诺什》等。
    • 波兰民族主义音乐与希曼诺夫斯基
      • (三)波兰民族主义音乐与席曼诺夫斯基 卡罗尔·席曼诺夫斯基(KarolSzvmanowski，1882-1937)，波兰作曲家。 席曼诺夫斯基于1882年出生于一个富裕家庭，他从小学习钢琴和作曲，在19岁时到华沙学习作曲。从1905年开始，随着波兰民族意识的不断高涨，以席曼诺夫斯基为中心成立了“青年波兰”的创作小组，这一小组创作了一些具有波兰民族特色的音乐作品。这一时期，他经常到欧洲各国进行交流学习，广泛的接受了德奥音乐的创作风格，并在维也纳定居。在1919年，席曼诺夫斯基回到波兰华沙，后在1926年出任华沙音乐学院院长，三年后因改革受阻辞职。此后的席曼诺夫斯基经济拮据，相关音乐创作和社会活动减少。1937年，55岁的席曼诺夫斯基逝世。 席曼诺夫斯基的创作体裁涉及广泛，包括交响曲、小提琴协奏曲、钢琴协奏曲、歌剧、舞剧、宗教作品;钢琴作品有奏鸣曲、前奏曲、练习曲、波兰舞曲、玛祖卡舞曲;此外还有弦乐四重奏、小提琴乐曲、改编民歌、艺术歌曲等。 席曼诺夫斯基的创作可以分为三个时期: 第一时期，1901-1914年。这一时期席曼诺夫斯基的创作体现出德奥浪漫主义音乐的风格倾向，也可以从作品中看出肖邦和斯克里亚宾作品的影响。代表作品有《波兰民歌主题变奏曲》、《第一钢琴奏鸣曲》、《第二钢琴奏鸣曲》、《第二交响曲》等。 第二时期，1914-1925年。席曼诺夫斯基在这一时期开始专注于对德彪西和斯特拉文斯基音乐的学习研究，在创作风格上也有开始出现印象主义音乐和新古典主义音乐的倾向。代表作品有:小提琴钢琴音诗《神话》、《第一小提琴协奉曲》、《第一弦乐四重奉》、《第三交响曲》等。 第三时期，1925-1937 年。席曼诺夫斯基在这一时期结实了一些波兰民族音乐学家，他这一时期将兴趣集中到对波兰民间音乐的收集和整体，并在通过学习和研究后，依据民间曲调进行音乐创作。这一时期的代表作品有:大型作品《圣母哀悼乐》、《玛祖卡舞曲》、舞剧《山盗》、《第二小提琴协奏曲》、《钢琴协奏曲》等。 席曼诺去斯基一生的音乐创作之路曲折多变，在经历了浪漫主义、印象主义、新古典主义后，最终确立了民族主义音乐的创作倾向。其对祖国浓烈的情感使得他的音乐有着与众不同的气质。
    • 捷克民族主义音乐
      • 亚那切克
        • (四)捷克民族主义音乐与亚那切克 莱奥什·亚那切克(LeosJanacek，1854-1929)，捷克作曲家。 1.亚那切克的生平 亚那切克1854年出生于莫拉维亚,在11岁时亚那切克进入布鲁诺一个修道院的唱诗班，后进入布鲁诺师范学校学习音乐，18 岁毕业后留校。20岁进入布拉格风琴学校接受更专业的教育。学成后继续回到布鲁诺师范学校任教，同时在布鲁诺中学作教师，兼任教堂唱诗班指挥。曾在1879-1880年期间奔赴莱比锡和维也纳音乐学院进修作曲。1881年，亚那切克创办了管风琴学校，担任校长直至 1919 年。这一期间，他进行了一些音乐创作，代表作品有:歌剧《莎尔卡》(1888)、《她的养女》(《耶奴发》)(1903);合唱《阿玛鲁斯》(1897);管弦乐曲《卖艺人的孩子》(1912);钢琴曲集《草木丛生的小径》(1908)、《钢琴奏鸣曲“1905年10月1日”》(1912)以及一些民歌改编歌曲等。1919年，歌剧《耶奴发》在布拉格上演获得巨大成功，亚那切克成为享誉欧洲的作曲家。1918年捷克斯洛伐克宣布独立，已经 64岁的亚那切克潜心创作，创作了不少重要的作品，比如:歌剧《卡佳·卡巴诺娃》((1921)、《玛克洛普罗斯事件》(1925)，合唱曲《赫拉特扎尼之歌》(1916)，声乐套曲《一个失踪者的日记》(1919)，管弦乐曲《塔拉斯·布尔巴》(1918)、《布拉尼克叙事曲》(1920)、《小交响曲》(1926)，室内乐《第一弦乐四重奏》(1923),以及为西里西亚和莫拉维亚地区民歌改编的两部民歌集(1918，1922)等。这期间，亚那切克主要投身于教学和社会活动，先后获得了很多荣誉。1928年去世。
        • 音乐创作
          • 2.音乐创作 I 亚那切克一生的创作体裁涉及广泛，最能代表他艺术水准的体裁是歌剧、管弦乐、钢琴作品。 (1)歌剧 亚那切克创作歌剧的最大特征就是十分擅长对捷克民间音乐的使用。他一生创作了9部歌剧，其中最著名的是三幕歌剧《耶奴发》。这部歌剧是亚那切克根据捷克女作家普雷索瓦(G.Preissova，1862-1946)的戏剧编写的脚本，这部歌剧讲述的是一个复杂的农村多角恋，通过一个被抛弃的怀孕少女对爱情和生活的追逐，揭示了人性中的善与恶。 其他歌剧作品有:《死屋手记》、《狡猾的小狐狸》等。 (2)管弦乐 在亚那切克的管弦乐作品中，最有名的是狂想曲《塔拉斯·布尔巴》(1910)和《小交响曲》(1926)。 管弦乐狂想曲《塔拉斯·布尔巴》是一部标题性作品，取材于俄国作家果戈里的同名小说。内容描述的是俄国一位著名将军英勇善战为国捐躯的故事。 《小交响曲》是亚那切克唯一一部交响曲，这部作品最初是为了捷克第八节体育节创作 的军乐曲，后来写成了一个5乐章的交响曲。这部作品篇幅不大，整个作品透漏出明快清新的气质。 (3)钢琴作品 亚那切克的钢琴作品不是很突出，但有一部钢琴作品十分特别。《奏鸣曲“1905年10月1日”》(1905)是亚那切克专门为一个政治事件创作的。在1905年捷克还处干奥地利政府的统治的时期，捷克的布鲁克诺地区的百姓要求在街区建一所捷克人的大学，遭到当地奥地利人的反对，于是当地的捷克人和奥地利人在1905年10月1日发生了冲突，奥地利派军队镇乐，一名捷克工人被奥地利军警杀害，这引起了捷克民族主义人十的强列抗议。亚那切克为此做了一部作品，十分值得尊敬。 其他作品有:钢琴曲《摩拉维亚民间舞曲》三册等。
        • 总结
          • 3.总结 亚那切克在音乐上取得的种种成就，让他成为20世纪捷克民族主义音乐的代表。他在斯美塔那和德沃夏克的基础上，将捷克民族主音乐进一步向前推进。值得注意的是，亚那切克同时是一位民族音乐学家，与匈牙利的巴托克一样，十分注重对民族民间音乐的收集整理和研究，这是十分难得的，为捷克民族音乐的发展有重要价值和意义。
    • 英国民族主义音乐
      • (五)英国民族主义音乐与沃安·威廉斯 在西方音乐历史中，英国音乐自从亨德尔之后就很少被提及，直至 19 世纪末，英国在艺术界发起一场民歌运动，这使得很多作曲家投身到对英国民间、古代音乐的收集和编创之中。在这场运动中，产生了很多具有英国民族特色的音乐作品，促使了一些民族主义音乐作曲家的诞生，其中最著名的是20世纪上半叶的沃安·威廉斯。 拉尔夫·沃安·威廉斯(Ralph Vaughan Williams，1872-1958)，英国作曲家,“民歌学派作曲家”。
      • 沃安·威廉斯
        • 沃安·威廉斯在1872年生于英国格罗斯特郡，18岁进入皇家音乐学院学习，2年后转中到剑桥三一学院学习，3年后又回到皇家音乐学院学习。1901年，沃安·威廉斯获剑桥音乐博士学位。1909 年，37岁的沃安·威廉斯去法国拜访了拉威尔，并拜其为师。1903年开始，沃安·威廉斯加入到英国民歌学者夏普(Cecil Sharp，1859-1924)主持的民歌收集工作之中，这对他的音乐创作有很大的影响。期间他深入到民间，对英国民歌进行了收集和整理。 1914年，战争爆发，42岁的沃安·威廉斯应征到炮兵部队服役。在1919年复员后，担任皇家音乐学院教授。此后沃安·威廉斯主要从事教学和创作活动，期间也担任了一些社会职位。在 1957 年，沃安·威廉斯逝世，享年 85岁。
        • 音乐创作
          • 2.沃安·威廉斯的音乐创作 沃安·威廉斯一生经历了晚期浪漫主义、印象主义、表现主义、新古典主义、十二音音乐、名调性、爵十音乐等音乐风格。其中对他影响最大的是浪漫主义音乐和印象主义音乐的风格，在沃安·威廉斯的创作中对英国民歌十分重视。沃安·威廉斯涉及的体裁十分广泛，包括歌剧、交响乐、合唱、室内乐等，最能代表他创作风格和水准的是交响乐和歌剧。 (1)交响乐 他的交响曲有9首，其中最具特色的是第二首《伦敦交响曲》(1913)、第三首《“田园”交响曲》(1921)、这两部作品根据英国民间音乐描绘了英格兰的景色，抒发了沃安·威廉斯的个人情感。此外还有《大海交响曲》(1906)、《南极交响曲》(1949-1952)等。 此外，管弦乐曲《诺福克狂想曲》(1905-1906)，为弦乐四重奏和双弦乐队写的《塔利斯主题幻想曲》(1910)和小提琴与乐队浪漫曲《云雀高飞》(The Lark Ascending，1914)也是著名的管弦乐作品。 其他作品:《绿袖子幻想曲》 (2)歌剧沃安·威廉斯的歌剧广泛的采用了英国诗人的作品，需要用英语演唱，这就让作品具有了独特的气质。代表作品有《牲口贩休》(Hugh the Drover，1914)《恋爱中的约翰爵士》(SiJohn in love，1928)、《骑马下海人》(Riders to the Sea，1932)等。 这一时期，其他英国作曲家有:埃尔加:《谜语变奉曲》:霍尔斯特:《行星组曲》:戴留斯被称为“英国德彪西”。
    • 美国民族主义音乐
      • (六)美国民族主义音乐 20世纪，美国音乐文化发展迅猛，一方面是其相对相对稳定的政治社会环境为艺术家们提供了良好的创作氛围，另一方面是由于欧洲的政治历史原因，促使很多优秀的欧洲音乐家来到美国，极大的丰富了美国的多元性音乐内涵。从20 世纪开始，美国的音乐家们开始意识到民族音乐的重要性，很多作曲家开始尝试对具有美国风格的音乐作品进行创作，其中最具有代表性的作曲家是科普兰和格什温。
      • 科普兰
        • 1.科普兰 艾伦·科普兰(AaronCopland，1900-1990)，美国作曲家。(1)科普兰生平科普兰生于纽约，父母都是移民。科普兰从小学习钢琴，17岁开始学习作曲。21岁时到巴黎的一所音乐学院学习作曲，在学习中了解到了 20世纪“现代音乐”的音乐风格，特别是他的指导老师布朗热所熟悉的“新古典主义音乐”风格。1924年，科普兰回到美国，由此开始了他的音乐人生，他一生积极参与各种社会活动，也十分热衷于教学和创作，先后在多所学校任教，撰写了很多音乐学术成果的同时，也完成了不少音乐作品。 (2)科普兰的音乐创作 整体来看，科普兰的创作可以分为三个时期: 第一时期，1990-1930年。这一时期科普兰的创作风格主要受到了他老师布朗热的影响，具有“新古典主义音乐”的风格特征，《管风琴与乐队交响曲》(1924,1928年改名为《第一交响曲》)是科普兰在这一时期十分成功的一部作品，在当时得到了很高的评价。 第二时期，1930-1950年。随着30 世纪美国经济、政治危机和工人运动的发展，科普兰在这一时期开始注重对美国音乐和文化的关注，创作了一些结合了美国元素的音乐作品，代表性作品有:用用了墨西哥民间歌曲素材的管弦乐作品《墨西哥沙龙》(1933-1936)、采用了西部牛仔歌曲的舞剧《小伙子比利》(1938)、根据美国乡村音乐描述宾夕法尼亚农村生活的舞剧《阿帕拉契亚的春天》(1944)、为朗诵和乐队而作的《林肯肖像》(1942)等。 第三时期，1950-1990年。科普兰在50年代后接受了勋伯格的十二音作曲方法，创作了《内涵》(Connotations，1962)、《内在特性》(Inscane，1967)等。这一时期的作品已经不再使用民间材料，开始追求一种抽象的音乐风格。 整体来看,科普兰在西方音乐历史中最具有价值的还是他第一个时期关于美国音乐的一些创作，他采用十二音技术创作的作品虽然加入了具有个人特色的和声，但影响不是很大。
      • 格什温
        • 2.格什温 乔治·格什温(George Gershwin，1898-1937)，美国作曲家。格什温1898年生于纽约布鲁克林俄国犹太移民家庭，从小喜欢爵士音乐。12岁开始学习钢琴，16岁进入唱片公司当歌曲推销员，期间他创作了一些流行歌曲。1917年，格什温进入百老汇剧院担任作曲，此后他创作了很多成功的流行音乐和音乐剧，比如:音乐喜剧《露西尔》(1919)、《女人，要温顺》(1924)、《疯狂的姑娘》(1930)、《我为你歌唱》(1931)等。在此期间，他尝试过写专业音乐作品，但由于没有受过专业的训练，心有余而力不足。后来，他和很多专业作曲家学习了作曲技术，这使他在作曲技术上得到了巨大的提高， 格什温开始在专业音乐上进行了尝试。格什温在 1924年创作的《蓝色狂想曲》是他最成功 的作品之一，在《蓝色狂想曲》中，格什温将爵士乐和专业音乐相结合，形成了一种新的“爵士交响乐”的体裁，虽然在之前的斯特拉文斯基、米约等作曲家的创作中也加入了爵士乐，但相比于对爵士乐更加熟悉的格什温的创作来说还是相对稚嫩的。此后的《F大调钢琴与乐队协奏曲》(1925)、管弦乐曲《一个美国人在巴黎》(1928)延续了《蓝色狂想曲》的风格。 在当时也获得了观众的喜欢。 歌剧《波吉与贝丝》(海沃德(Dubose Hevward)根据自己小说改编剧本，格什温哥哥Ira Gershwin作词) 取材干美国黑人的生活，是格什温一生创作的顶点。为了完成这部作品。 1934年格什温专门到故事发生地呆了几个星期，观察他们的生活的同时，也采集了很多当地的民歌。这部作品不同于格什温以往的音乐剧作品那样轻松幽默，而是采用了一种严肃的创作思维将黑人音乐、民族音乐、专业音乐巧妙的融合到了一起。因为格什温歌剧的风格相比于其他作曲家的歌剧要更加轻松简明，所以有人将格什温创作的歌剧称为“轻歌剧”。十分不幸的是，正值事业巅峰的格什温在1937年逝世了，享年39岁。
        • 总结
          • 3.结语 科普兰和格什温是20世纪美国民族主义音乐发展的两个方向，科普兰的音乐创作在经 历了晚期浪漫主义、新古典主义音乐、民族主义音乐之后走进入十二音音乐的创作，这是专 业音乐发展的主流方向。而格什温则放弃了对主流严肃音乐风格的追求，反而在将专业音乐 与民间音乐、爵士音乐的融合创作道路上越走越远。
    • 西班牙民族主义音乐
      • 七)西班牙民族主义音乐 1.法雅 法雅(Falla，1876-1946)，20世纪上半叶西班牙作曲家，其创作风格主要是建立在20世纪音乐以及西班牙民间音乐的基础上完成的。代表作品有:钢琴与乐队《西班牙花园之夜》、芭蕾舞剧《魔法师之恋》、《三角帽》以及歌曲《七首西班牙民歌》。 2.其他作曲家:阿尔贝尼斯和格拉纳多斯(钢琴组曲《戈雅之画》)。
  • 新古典主义音乐
    • 三、新古典主义音乐 新古典主义(Necoclassicism)是20世纪上半叶出现在两次世界大战之间的音乐流派，它力图复兴古典主义或古典主义以前时期的音乐风格和特征。新古典主义音乐诞生的标志性作品是斯特拉文斯基的舞剧《浦契涅拉》(Pulcinella，1919-1920)。在“新古典主义”中的“古典”的概念并不是十分明确，它通常指 19世纪浪漫主义时期作曲家们放弃或不重视的任何东西。在音乐美学标准上，新古典主义音乐要求艺术的整体要均衡、完美、稳定。在情感的抒发上要理性、节制。在结构上，可以采用浪漫主义之前的任何曲式和和声。同时，新古典主义音乐要求作品要有相对明确的调性和旋律，不需要标题。 新古典主义音乐的出现是与当时的社会环境有着很密切的联系的，在战争的影响下，社会变得动荡，秩序遭到了破坏。而新古典主义音乐正是当时的人们对于“重建社会规则”追求的一种体现。在新古典主义音乐中，最著名的是斯特拉文斯基、兴德米特、“六人团”。
    • 斯特拉文斯基
      • (一)斯特拉文斯基 伊戈尔·菲奥多罗维奇·斯特拉文斯基(lgor Feodorovich Stravinsky，1882-1971)，俄罗斯作曲家，新古典主义音乐代表人物之一。 1.斯特拉文斯基的生平 斯特拉文斯基生于俄罗斯奥拉宁鲍姆，父亲是歌剧院歌手。斯特拉文斯基9岁开始学习钢琴。中学毕业后到彼得堡大学攻读法律，1905年毕业。1903-1906年，斯特拉文斯基和里姆斯基-科萨科夫学习作曲，由此进入专业作曲的道路。斯特拉文斯基在早期创作的《焰火》(1908)引起了音乐界的重视，之后相继完成了委约作品《火鸟》(1909-1910)、《彼得鲁是卡》(1910-1911)、《春之祭》(1911-1913)，这三部作品逐渐让他在西方音乐中确立了自己的地位。 第一次世界大战期间，斯特拉文斯基避居瑞士。俄国“十月革命”后，斯特拉文斯基的音乐受到了社会的排斥。1920年，斯特拉文斯基定居法国(1934年入法国籍)。此后，他的创作发生改变，音乐创作开始出现了新古曲主义的风格倾向。1939年，斯特拉文斯基到美国参加活动，因第二次世界大战爆发，斯特拉文斯基从此留在美国，1945年成为美国公民。 在50年代以后，斯特拉文斯基开始用十二音创作作品，完成了很多整体序列音乐作品。 1962 年，斯特拉文斯基应邀访问俄国，这位过去一直受到苏联批判的作曲家，受到热烈欢迎。1971年，斯特拉文斯基逝世。
      • 音乐创作
        • 2.斯特拉文斯基的音乐创作 斯特拉文斯一生的创作可大致分为三个时期。（四个作品一定记住） (1)俄罗斯民族主义时期(1882-1920)斯特拉文斯基在这一时期创作的作品因受到里姆斯基-科萨科夫的影响，主要是俄罗斯民族主义风格时期，代表作品主要是三部舞剧:《火鸟》(1909-1910)、《彼得鲁什卡》(1910-1911)、《春之祭》(1911-1913)、《士兵的故事》(1918)。 《火鸟》(Zhar'-ptitsa，1909-1910)取材于俄罗斯民间神话故事，剧情讲的是一个叫伊凡的王子借助一只火鸟的力量，击败了魔王救出公主的故事。这部作品可以看出俄罗斯民族乐派的传统，特别是里姆斯基-科萨科夫的影响。 《彼得鲁什卡》(Petrushka，1910-1911:rev.1946)在俄罗斯民主主义风格中，体现出了一些斯特拉文斯基的个性。其中运用了“彼得鲁什卡和弦”。 《春之祭》(Vesna svyashchennaya(The Rite of Spring)，1911-1913)是斯特拉文斯这一时期最著名的舞剧作品。这部作品描述的是俄国古代民族在春天祭献大地的仪式。舞剧的场面十分狂野粗暴，甚至有演员需要披着粗麻袋。在作品的音乐中，斯特拉文斯基有很多创新，它突破了强弱规则交替的限制，使节奉变得多样、复杂。这样的音乐创作让当时的观众很难接受。但是在一年后，当《春之祭》以音乐会形式公演时却受到了欢迎。作品分为《对大地的崇拜》和《祭礼》两部分。这部作品对节奏的解放是20世纪音乐发展中的重要标志。 《士兵的故事》(Histoire du soldat，1918)是斯特拉文斯基在第一次世界大战之后创作的作品。这部作品取材干一个俄国民间故事。这部作品中运用了爵十音乐的元素，十分具有新意。 (2)新古典主义时期(1920-1951) 从1918年斯特拉文斯基定居法国之后，他的音乐创作风格发生了根本性的改变，开始注重对古典主义音乐素材，他1919年-1920年潜心创作舞剧《浦契涅拉》(《普钦涅拉》),在1920年《浦契涅拉》的上演标志着斯特拉文斯基新的创作风格确立，同时也标志着“新古典主义音乐”的诞生。其实，斯特拉文斯基试图突破俄罗斯民族主义的倾向在他的《春之祭》和《士兵的故事》中已经有所体现。从《浦契涅拉》开始，直到 1951年的歌剧《浪子生涯》，他的新古典主义创作持续30年之久，期间创作了很多具有新古典主义音乐风格的作品。 《浦契涅拉》(Pulcinella，1919-1920)的情节来自于18世纪浦契涅拉的传说，音乐来自于18 世纪佩格莱西的音乐（女仆作夫人）。这部作品在西方音乐历史中的作用在于他标志着新古典主义音乐的确立。同时他在创作这部作品后，提出了“返回巴赫”的口号。 这一期间的作品代表作品还有:受海顿、莫扎特音乐影响的《C调交响曲》(1940):采用法国歌剧作曲家吕利音乐的《阿波罗》(Apollon musagète)(1928);根据柴可夫斯基作品创作的《魔女之吻》(1928);歌词选自拉丁文《圣经》，根据巴洛克复调音乐创作的《诗篇交响曲》(1930)、根据英国18世纪同名版画创作的歌剧《浪子生涯》(1947-1951)(“分曲”歌剧)等。 新古典主义音乐与斯特拉文斯基的这一时期的音乐观念有直接关系,他认为音乐并不能表达任何东西，“音乐”就是“音乐”，不需要情感，在这种创作思维下，浪漫主义时期以前的音乐素材必然更容易得到斯特拉文斯基的青睐。 (3)十二音时期(1952-1971) 从 1952 年起，斯特拉文斯基开始转向十二音音乐的创作。1956年，开始创作整体序列作品。他放弃了新古典主义音乐，接受了勋伯格的作曲体系，尤其是对韦伯恩的作品表示出浓厚兴趣。他的十二音作品仍然保留了一些个人风格。代表作品有:舞剧《阿贡》(1957),合唱《哀歌》(1958)、《安魂赞美诗》(1966)等。这一时期的音乐作品缺乏创新，在整体的创作水准和影响力上，都不如前两个时期的作品。在西方音乐中，人们似乎更加能够记住斯特拉文斯基的新古典主义音乐作品。 3.结语 整体来看,斯特拉文斯基的音乐创作是基于在俄罗斯民族主义音乐进一步在社会时代影响下的产物，从中能看出当时欧洲作曲家对音乐创作的迷茫，同时也体现了那个时代作曲家们的伟大创造力。无论如何，斯特拉文斯基的新古典主义音乐将 20世纪音乐与古典主义音乐建立起了联系，这为同时期的其他作曲家开拓出一条不同的音乐创作道路，对20世纪音乐造成了深远的影响。
    • 兴德米特
      • (二)兴德米特 保罗·兴德米特(Paul Hindemith，1895-1963)，德国作曲家。 1.兴德米特的生平 兴德米特生于德国，6岁开始学习小提琴，11 岁公开演奏。14 岁开始进入雷克音乐学院学习小提琴和作曲。19岁时已成为著名的小提琴和中提琴演奉家。在音乐学院学习期间他创作了一些具有个人风格的作品，但相对稚嫩。20年代初，兴德米特的《第二弦乐四重奏》(1921)和《室内乐队曲》第1号(1922)奠定了在欧洲音乐界的地位。20年代中期，他积极倡导“实用音乐”(gebruchsmusik)，即一种能为业余的音乐爱好者在家里或非正式场合自己演奏用的音乐。1927-1937年，兴德米特任柏林大学教授。纳粹党执政后，由于他的作品与政治精神不符，遭到禁演。1938 年，兴德米特移居瑞十，1940年移居美国。在美国期间主要在耶鲁大学任教，教学期间撰写了一些作曲理论论著。1951年，兴德米特兼职在苏黎世大学任教。1953 年，兴德米特定居瑞士。1955年起，主要从事指挥和演出工作，不再教学。兴德米特反对“为艺术而艺术”，强调作曲家应该知道自己创作的目的。他完成了一部著作《作曲技法》。
      • 音乐创作
        • 2.兴德米特的音乐创作 他的作品数量很多，不仅有歌剧、舞剧、交响曲、协奏曲、室内乐、独唱、合唱等，还有为常用的独泰乐器(如长笛、双簧管、单簧管、小提琴、中提琴、管风琴)及乐器(如圆号、小号、英国管、低音提琴等)所写的用于教学的大量乐曲。此外，还有为儿童游戏、学校集会、电台广播等用的“实用音乐”作品。 他的创作可以分为三个时期; (1)探索时期(1918-1923) 兴德米特从开始创作就没有经历过浪漫主义阶段，是直接采用各种现代流派的手法，在众多现代音乐流派中，兴德米特广泛的吸收当时作曲家的创作风格，为确立自己的音乐风格而不断尝试。比如:受勋伯格影响，创作了《第二弦乐四重奏》(1921);受巴托克影响，创作了《第三弦乐四重奏》(1922);受斯特拉文斯基和米约影响，创作了《室内乐队曲》(1922);受爵士乐影响，写了钢琴《1922年组曲》(1922)。 (2)新古典主义时期(1924-1933) 兴德米特受到斯特拉文斯基提出的“回到巴赫”运动影响，开始进行新古典主义音乐的创作，在具体的创作中。兴德米特与其他新古典主义音乐作曲家不同的是，他十分青睐于从巴罗克时期的音乐中汲取素材，作品中的变化音较多，和声织体复杂。代表作品有:受巴赫的《勃兰登堡协奏曲》启发，为各种独奉乐器和乐队创作的《室内乐队曲》(第2-7号，1924-1927)。兴德米特提倡的“实用音乐”也多创作于这个时期，代表作品有:为机械风琴而作的《雄猫费利克斯在马戏团时》(1926)、为长笛、双簧管和弦乐而作的《演奏用的乐曲》(1927)等。 (3)综合风格时期(1933-1963) 兴德米特在这一时期不再受到风格和条件的限制，创作了很多具有综合风格的作品，这让他的音乐更加具有“国际性”。这一时期持续的最长，作品也最多，这一时期兴德米特的作品很难明确的区分出是属于什么风格。越往后期发展，兴德米特的作品越抽象。这一时期的代表性作品有:歌剧《画家马蒂斯》(1934-1935，脚本根据宗教改革时期德国画家马蒂斯部分真实经历加以虚构而成，1934年改编为同名交响曲)、《小提琴协奏曲》(1939)、交响曲《世界的和谐》(1951)(描写文艺复兴时期天文学家开普勒的故事)、钢琴作品《调性游戏》。
    • 六人团
      • (三)六人团 “六人团”是20世纪法国的一个音乐创作小组，由六个人组成。在1920年年初，法国记者科莱在《喜剧》杂志上发表了一篇文章:《俄国五人团、法国六人团和萨蒂》,“六人团”的名称由此诞生。这六位作曲家是奥涅格(ArthurHonegger，1892-1955)、米约(Darius Mihaud，1892-1974)、普朗克(Trancis Poulenc，1899-1963)、奥里克(GeorgesAu-ric，1899-1983)、杜列(LouisDurey，1888-1979)泰费尔(CermaineTallfere，1892-1983)。“六人团”的成立，是因为他们6个人都反对以瓦格纳为代表的音乐和印象主义音乐，提倡质朴清新的创作风格。但是随着时间的推移，6个人的想法开始不同。在“六人团”成立后的两三年后，便很少再在一起活动了。他们与强力集团不同的是，他们并没有共同的创作纲领，仅是出于友情在一起创作。 “六人团”的创作并不完全是新古典主义，他们很少采用古典主义音乐的曲式结构和音乐素材，他们的新古典主义音乐创作倾向主要体现在他们清新质朴的音乐风格上。在“六人团”中，最著名且在创作上水准更高的是奥涅格、米约、普朗克。
      • 奥涅格
        • 1.奥涅格 阿瑟·奥涅格(Arthur Honegger，1892-1955)，法国作曲家,“六人团”成员之一。奥涅格生于法国勒阿弗尔，他早期在苏黎世音乐学院学习，接受德国音乐教育。19岁入巴黎音乐学院，受到了印象派影响。1914-1915年到瑞士服兵役，战后返回巴黎，成为“六人团”成员，此后主要潜心作曲。奥涅格的音乐更加具有德奥浪漫主音乐的风格特点,也在一些作品中可以看出印象主义音乐风格。奥涅格创作了大约 200 部作品，体裁涉及十分广泛，其中代表性作品有: 歌剧《大卫王》(1921)是奥涅格的成名作，是根据圣经故事完成的一部作品，后来经常用音乐会的形式演出。管弦乐曲《太平洋231号》(1923)使用不协和和声、快速变换的节拍节奉模仿了火车头启动、运行、停止的全过程，这部作品对后来的音乐具有一定的影响。 奥涅格共写了5部交响曲，其中比较有代表性的是《第二交响曲》(1941)、《第三交响曲》(1946)、《第五交响曲》(1950)。其他作品有:清唱剧《火刑堆上的贞德》。
      • 米约
        • 达赖厄斯·米约(Darius Milhaud，1892-1974)，法国作曲家。 米约生于法国普罗旺斯的犹太家庭，7岁开始学习小提琴和作曲。1909 年，17岁的米约进入巴黎音乐学院学习。1916年出任驻巴西公使秘书。1918年回到巴黎后，于1919年成为“六人团”成员。第二次世界大战时，米约移居美国。1947年，同时在巴黎音乐学院和美国加利福尼亚米尔斯学院和科罗拉多阿斯彭音乐学院教授作曲。 米约经常被人称为“本世纪最勤奋的作曲家之一”，他一生创作了 400多部作品，包括歌剧、舞剧、清唱剧、儿童剧、戏剧配乐、电影音乐、交响曲、协奏曲、弦乐四重奏、钢琴曲、合唱、独唱歌曲等。这是在20世纪十分少见的情况。米约的音乐创作是十分感性的，他通常是在生活中获得了什么体验，他紧接着就会为此创作一部作品，或许这也是为什么他这么多产。 米约一生的创作没有明确的时期划分，他在不同阶段的创作风格基本一致。他音乐的主要特点是多调性，注重旋律，这也是为什么他的音乐被认为有古曲主义音乐倾向的原因。在20世纪能够保持调性音乐的创作其实是一件不容易的事。米约的代表性作品有:为家乡普罗旺斯创作的管弦乐《普罗旺斯组曲》(1937)、采用巴西民间音乐创作的钢琴组曲《巴西回忆》(《忆巴西》(1921)、双钢琴作品《丑角》(1937)、芭蕾《屋顶上的公牛》《世界的创造》、歌剧《大卫》。
      • 普朗克
        • 3.普朗克 普朗克(Francis Poulenc，1899-1963)，法国作曲家，“六人团”成员。他十分注重对巴黎街头音乐的吸收，音乐以自然音体系为主。代表作品:《帽章》、歌剧《加尔默罗的修女》(描写法国大革命事件)、苗蕾舞《母鹿》、《圣母悼歌》。
  • “折中主义作曲家”
    • 第 11 期:20 世纪音乐(下) 四、“折中主义作曲家” 在 20 世纪，表现主义音乐、新古典主义音乐、民族主义音乐是大多数作曲家选择的创作风格，但仍然有一部作曲家，不受时代所影响，不坚持特定的流派和风格，根据自身创作的需要，吸收不同的作曲技术，保持以极具个人性格的音乐风格进行创作，这些作曲家通常在音乐历史中无法被归为某一类。有些学术成果中将这些作曲家称之为“折中主义的作曲家” 其中比较有代表性的是俄罗斯地区的肖斯塔科维奇和普罗科菲耶去、英国的布里顿和蒂皮特。
    • 肖斯塔科维奇
      • (一)肖斯塔科维奇 德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇(Dmitriv Dmitrivevich Shostakovich, 1906-1976)俄罗斯地区作曲家。 1.肖斯塔科维奇的生平 肖斯塔科维奇生于彼得格勒，9岁开始学习钢琴。13岁考入彼得格勒音乐学院，学习钢琴和作曲，于1925年毕业。肖斯塔科维奇《第一交响曲》(1925)是他的毕业作品，这部作品让他在当时获得了赞誉的同时，也开启了他专业作曲家的创作道路。肖斯塔科维奇在这一时期的创作始终想要将俄罗斯传统古典音乐风格和现代音乐风格想结合,这个相法在通过创作《第二交响曲》(1927)、《第三交响曲》(1929)、《24首钢琴前奏曲》(1932-1933)、《大提琴奏鸣曲》(1934)等作品的探索与尝试后，最终在歌剧《姆钦斯克县的马克白夫人》(1932，脚本根据19世纪俄罗斯作家列斯科夫的小说改编而成)和《第四交响曲》(1935-1936)中得以实现。肖斯塔科维奇的歌剧《姆钦斯克县的马克白夫人》得到了巨大的反响，各地频繁上演，得到了广泛的喜爱。但由于这部作品与当时官方音乐审美相悖，这部歌剧遭到了官方批评。由此，《第四交响曲》在当时也没能上演。 1937年，肖斯塔科维奇的《第五交响曲》(1937)首演后再次获得普遍好评，重新确立了他在俄罗斯音乐中的地位。1941年，德国入侵苏联，列宁格勒遭到围困，期间肖斯塔科 维奇创作了《第七交响曲》(1941)。次年，这部作品在苏联演出，引起巨大反响，他的这部 作品成为了“反抗纳粹的象征”。1948年，苏联官方再次点名批评肖斯塔科维奇的音乐创作， 指出他的音乐中有“错误的、反人民的形式主义倾向”。此后，主要从事两方面的创作，一 方面创作形式简单、通俗易懂的作品，如:清唱剧《森林之歌》(1949)、康塔塔《阳光照耀 着我们祖国》(1952);另一方面，创作符合自己创作追求的技术复杂、抽象深刻的作品，如: 《第一小提琴协奏曲》(1948)、《第四弦乐四重奏》(1349)等作品(这些作品主要是在斯大林去世后上演的)。 在1953年，斯大林去世，结束了斯大林个人崇拜的时代，肖斯塔科维奇在8年没有接触交响乐体裁后，在这一年创作并演出了《第十交响曲》(1953)，这部作品再次引起争议。 但并没有得到官方的批评。1957年，肖斯塔科维奇获列宁奖章。1958年，官方发表决议， 纠正了1948年对当斯塔科维奇等作曲家的批评。1957年，肖斯塔科维奇为纪念“十月革命 40周年”创作了《第十一交响曲》(1957)，为纪念列宁创作了《第十二交响曲》(1961)。1961年，肖斯塔科维奇根据苏联诗人叶夫图的诗作创作了《第十三交响曲》(1961)，但因 被认为触犯当局而遭禁演多年。1966年，国家授予肖斯塔科维奇“社会主义劳动英雄”称 号。作于1969年的《第十四交响曲》(1969)共11个乐章，有歌词的，内容都与死亡有关， 实际上是对所处时代的一种隐性的抗议。《第十五交响曲》(1971)交响曲也是他十分优秀的作品，是肖斯塔科维奇对一生交响乐的总结。 他的晚期作品中在音乐风格方面，探索了无调性的语言，如《小提琴奏鸣曲》(1968)、 《第十二弦乐四重奏》(1968)都有一个十二音的主题。但无调性和调性在他的作品中经常 是并置在一起的，而且最后总要回到调性。
      • 音乐创作
        • 2.肖斯塔科维奇的音乐创作 肖斯塔科维奇的创作体裁涉及各种门类，如歌剧、舞剧、大合唱、为各种乐器而写的协奏曲、钢琴与弦乐室内乐、弦乐四重奏、钢琴独奏、电影配乐(36部)、戏剧配乐(11 部)、各种声乐曲等，不过，他主要还是作为20世纪少有的交响乐作曲家闻名干世。代表作品有: 交响曲(15部):《第七“列宁格勒”交响曲》(第一乐章的“侵犯插部”)、《第十一“1905”交响曲》:歌剧:《姆钦斯克县的麦克白夫人》、《鼻子》:清唱剧:《森林之歌》;钢琴独奏:《24 首前奏曲与赋格》等。
    • 普罗科菲耶夫
      • (二)普罗科菲耶夫 谢尔盖·谢尔盖耶维奇·普罗科菲耶夫(Sergei Sergeyevich Prokofiev，1891-1953)俄罗斯地区作曲家。 普罗科菲耶夫生于乌克兰，3岁时和母亲学习钢琴，5岁半开始作曲，9岁时完成了一部歌剧。11岁和作曲家格里埃尔(Reinhold Clere，1875-1956)学习。13岁，进入彼得堡音乐学院，入学后主要和里姆斯基-科萨科夫和和李亚多夫学习作曲技术理论。1909年修毕作曲学业后，继续学习钢琴和指挥，于1914年毕业。在校期间，普罗科菲耶夫在学习传统作曲技术的同时，也广泛接触现代音乐。在他早期的创作中，体现出了他的探索与突破，他色彩化的和声和粗狂的节拍节奉是他这一时期作品最大的特色，代表作品有:《第一钢琴协奏曲》(1911)、《第二钢琴协奏曲》(1912-1913，1923年修订)、《第二钢琴奏鸣曲》(1912)等。 从1916 年开始，普罗科菲耶夫开始酝酿《古典交响曲》(1916-1917)，作品于1918年首演后获得巨大成功。作品采用的是古典主义时期音乐的语言，平衡、清新、优雅。这部作品暗示了20年代的新古典主义的发展。1918年，普罗科菲耶去离开俄罗斯，来到美国来到美国后，普罗科菲耶夫的创作和演出受到冷落。期间普罗科菲耶夫创作了《第三钢琴协 奏曲》(1917-1921)。 1923 年，他从美国来到巴黎，作为钢琴家、作曲家兼指挥家到欧洲进行音乐活动。在 法国期间，普罗科菲耶夫创作的比较有代表性的作品是《第二交响曲》(1925)，这部作品与 《古典交响曲》的风格截然相反，采用了极度不协和的音程和和弦。1934年，普罗科菲耶 夫回到俄罗斯，受到苏联政府和人民的欢迎。 在回国后，普罗科菲耶夫进入到了多产时期，创作了许多重要的作品。这一时期，普罗 科菲耶夫在重视简朴、抒情、旋律性的音乐创作风格的同时，也保持了他早期怪诞的音乐创作特征。电影配乐《基热中尉》(1934，后改编成交响组曲)是他回国后的第一部作品。此后创作了不少代表性作品，比如:舞剧《罗密欧与朱丽叶》(1936)、《灰姑娘》(1944)，交 响童话《彼得与狼》(1936)，《第二小提琴协奏曲》(1935)，《第五交响曲》(1944)、《第七 交响曲》(1952)等等，都受到好评。1943年，凭借《第七钢琴奏鸣曲》(1943)获斯大林 奖。 整体时期代表作品:歌剧:《谢苗·柯特科》、《战争与和平》、《三桔之爱》:舞剧:《罗密欧与朱丽叶》、《灰姑娘》:交响童话:《彼得与狼》:交响曲(7部):《第一“古典”交响曲》;康塔塔:《亚历山大·涅夫斯基》;钢琴奏鸣曲(9部):《第六、七、八战争奏鸣曲》;电影配乐:《基日中尉》、《黑桃皇后》。 普罗科菲耶夫成了爱好古典形式的但具有浪漫主义倾向的作曲家。他的音乐通俗易解，同时又有精湛的作曲技巧，既能为爱好音乐的广大听众所欢迎，又受到专业行家们的赞赏。跳进的旋律，粗狂的节奏始终是他的最大特征。
    • 布里斯
      • (三)布里顿 本杰明·布里顿(Bernjamin Britn，1913-1976)，英国作曲家。布里顿生于英国，7岁时可以阅读交响乐和歌剧总谱，14 岁时已创作了很多作品。1930年，17岁的布里顿进入皇家音乐学院学习。毕业后，为电视、话剧、广播创作了大量音乐。积累丰富的创作经验。1939年，布里顿来到美国，二战爆发后，布里顿决定回国。1942 年，布里顿回到英国后，积极投身于创作和演奏活动中。布里顿的音乐创作主要集中在歌剧和管弦乐。 歌剧作品:他在1945年创作的歌剧《彼得·格兰姆斯》(1945)表现了个人与社会的矛盾与冲突,最终酿成悲剧的故事,成为20世纪最成功的歌剧之一。其他的歌剧还有:《比利·巴德》(1951)、《螺丝的转动》(1954)、《命终威尼斯》等。 管弦乐作品:布里顿比较重要的管弦乐作品有:《布里奇主题变奏曲》(1937，他早期的成名作)、《青少年管弦乐队指南》(1945)、《春天交响曲》(1949)、大型声乐器乐曲《战争安魂曲》(1962)等。 整体来看，布里顿的音乐以传统作曲技法为基础，广泛采用各种现代手法进行创作。他较少采用结构复杂的曲式，偏爱变奏手法。其音乐基本上是抒情性的，质朴且有现代气息。
    • 蒂皮特
      • (四)蒂皮特 迈克尔·蒂皮特(MichaelTipet，1905-1998)，英国作曲家。蒂皮特生于伦敦，1923年，18岁的蒂皮特进入皇家音乐学院学习，1928年毕业。毕业后的蒂皮特在创作上一直没什么起色，直到34岁时创作的才创作出了比较成功的作品《双弦乐队协奏曲》(1939，1940年首演)。 同期创作的清唱剧《我们时代的孩子》(1939-1941，作曲家自撰脚本)是他最著名的作品。作品主要讲的是一位犹太少年与纳粹军队之间的矛盾冲突，在首演后获得巨大反响。 此后，蒂皮特还创作了《第二交响曲》(1957)、歌剧《普里阿摩斯国王》(King Priam,1958-1961)、歌剧《坚冰消融》(Thelce Break，1977)、《第四交响曲》(1977)等。 蒂皮特的音乐创作十分关注社会性题材，在他早期的作品中十分注重对情感的抒发，而从《第二交响曲》开始，他的创作似乎更加注重对作曲技术的探索。
  • 微分音音乐与噪音音乐
    • 五、微分音乐与噪音音乐 (一)微分音音乐 小于半音的音程被称作“微分音”(microtone)，用微分音作成的曲子被称作“微分音音乐”。微分音音乐出现于20世纪 20年代，其中的代表人物是作曲家哈巴。 奥斯·哈巴(Alois Haba，1893-1973)，捷克作曲家。哈巴早期毕业于布拉格音乐学院。他最早使用微分音的成熟作品是《第三弦乐四重奏》(1922)，值得一提的是，微分音音乐需要特制的乐器进行演奏，在20 世纪的乐器工艺技术，已经达到了可以演奏微分音的水准。布里顿将微分音作曲技术广泛应用于不同体裁的创作中，其中最著名的作品是歌剧《母亲》。 歌剧共十场，取材于捷克民间生活，表达了对母爱的歌颂，采用四分之一音体系进行创作。哈巴于1924年在布拉格音乐学院创建了微分音音乐系。 微分音音乐的创作突破在于乐器的构造和调音的方法,但这些突破和改变在后来的电子音乐中很容易出现，所以微分音音乐在音乐历史中的影响不大。 二)噪音音乐 噪音音乐(musicofnoise)由噪音所组成，没有固定音高，音的振动是不规则的。噪音音乐是未来主义思潮在音乐上的主要表现。未来主义是20世纪初在意大利兴起的文艺运动它否定传统，宜传未来艺术的新思想，强调表现现代机械文明等，开始主要反映在绘画领域，后来拓展到音乐之中。 未来主义在音乐上的主要代表人物是意大利发明家、画家、作曲家鲁索洛(Luigi Rusolo147)885-19。他十分提倡把噪音加人首乐之中，他把噪音分成六类，即: 1.轰隆声，霹雳声，爆炸声，哗啦声，飞溅声，咆哮声; 2.吹哨声，嘶嘶声，喷气声; 3.飒飒声，淙淙声，咕噜声，忙乱声，潺潺声; 4.尖锐声，呼啸声，沙沙声，吵闹声，癖嘛啪啪声，摩擦声; 5.金属、木头、陶瓦的敲击声; 6.动物和人的声音:呼喊，尖叫，呻吟，大哭，大笑，喘息，呜咽。 利用噪音音乐观念创作了《汽车与飞机的集会》(1913-1914)等作品，但后来因为社会对这种音乐的普遍排斥，鲁索洛停止了噪音音乐的创作。 在这一时期，法国作曲家瓦雷兹虽然不搞噪音音乐，但在他的一些作品中会使用不同的打击乐来丰富作品的音色，这使他的创作具有潜在的噪音音乐特质。 埃德加·瓦雷兹(Edgar Varese，1883-1956)，法国作曲家。瓦雷兹生于法国，1907年去德国。他广泛了解当时的音乐流派，最后形成了自己的音乐创作观念。他认为音乐需要依靠节奏和音响来组织，而不是旋律与和声。所以，他根据不同的打击乐器创作了不少作品，第一首大型乐队作品《美洲》(1921)，用了20件打击乐器。其他作品有:《电离》(loniation,1929-1931)、《比重21.5》(1936)等。 《电离》(1933)为13名打击乐演奏者而作，用了 40件打击乐和两个警报器，是瓦雷兹最著名的一部作品。它没有旋律、没有和声，只有不同的打击乐音色。瓦雷兹此类作品不多，多数作于20世纪 20、30年代，但在当时因为演出和指挥难度大，很少有演出。50年代，开始他的作品开始逐渐受到重视，同时随着电子设备的出现，瓦雷兹也利用电子设备，创作了如《沙漠》(1954)、《电子音诗》(1957)等电子音乐作品。
  • 先锋派
    • 六、先锋派 在第二次世界大战之后，西方音乐迎来了音乐发展的第二次高潮，这一时期的音乐更加具有“先锋风格”，作曲家们的创作普遍更加大胆，一些极端性、探索性、实验性的音乐频繁出现，西方音乐进入到了一个新的时期。在20世纪 50、60年代，陆续出现了整体序列音乐、偶然音乐、电子音乐等。这些不同的音乐流派是基于西方作曲家们对作曲技术的追求而产生的，为当代音乐的创作奠定了基础。
    • 整体序列音乐
      • (一)整体序列音乐 在勋伯格的十一音体系中,“序列”一般只应用于音高，而将十二音的作曲手法不只用于音高，同时还应用于时值、音色、织体、和力度等方面的音乐，就叫做“整体序列音乐”。 美国作曲家巴比特(Milton Babbitt，1916-2011)首次在《三首钢琴作品》(1947)中在音高和时值中运用序列。整体序列音乐最重要的代表人物是法国作曲家奥利弗·梅西安(Olivier Messiaen，1908-1922)。一般认为第一部“整体序列主义音乐”或“全面序列主义音乐”的作品是梅西安的《时值与力度的模式》。 1.梅西安 梅西安生干法国，11岁进入法国巴黎音乐学院学习，23 岁年毕业。1939年，梅西安入伍，不久被俘，被俘期间他创作了《世界末日四重奏》(1941)。1942年，被释放的梅西安成为巴黎音乐学院教授。从1948年开始，梅西安开始探索序列音乐技术。于1949年 ，他采用整体序列手法创作了钢琴曲《时值与力度的模式》(1949)，并指导学生在布列兹(PierreBoulez，1925-2016)完成了整体序列音乐《结构》。 在1953年开始，梅西安开始将创作重心转为带鸟叫的音乐，他采集了各种鸟的叫声。并依此进行创作，代表作品有:大型钢琴套曲《鸟鸣集》(1956-1958)、钢琴和乐队曲《百鸟苏醒》(1953)、《异国鸟》(1955-1956)，大型乐队曲《时值色彩》(Chronochronie，1960)等。 2.布列兹 布列兹(Pierre Boulez)，法国作曲家。梅西安的学生，序列音乐的代表人物。其主要作品:《第二钢琴奏鸣曲》、《没有主人的锤子》、《结构I》、《结构Ⅱ》等。
    • 偶然音乐
      • (二)偶然音乐 如果说整体序列音乐代表了极度克制的音乐创作风格,那偶然音乐就代表了极度自由的创作风格。偶然音乐是指对作品的创作和表演不加控制，凭借偶然、随机、不确定因素进行创作的音乐。 偶然音乐的代表人物是著名的美国作曲家约翰·凯奇(JohnCage，1912-1992)。凯奇在1935年与勋伯格学习过作曲技术,在40年年代末进入哥伦比亚大学学习东方哲学与佛教禅学。从此，他开始了偶然音乐的创作。他根据《易经》创作了第一部偶然音乐作品《变化的音乐》(1951)、凯奇在作品中靠扔硬币和查八卦来决定音乐的音高、时值等因素，所以缺乏“可听性”。50年代起，凯奇开始用偶然方法与“混合媒体”(mixedmedia)结合起来，形成“即兴混合媒体”(happening)，他用这种创作方式创作了《水的音乐》(1952)，这部作品为钢琴而作，但是钢琴家也在台上做些动作，如从罐子里倒水、在水里吹口哨、摆弄收音机和扑克牌等，企图使观众除了在听觉上，也在视觉上得到乐趣。 凯奇在偶然音乐作品中,最极端的例子是《4'33"》(1952)。它是一首“无声作品”(silencepiece)，钢琴家上台以后并不弹奏，只是在三个乐章(分别为1'40"、2'23"和0'30")开始时做出关上和打开琴盖的动作。10年以后的《0'00"》(1962)，也称《4'33"第二号》沿续这一创作模式，凯奇在表演时在台上切菜，把菜放在搅拌器里，喝菜汁等。各种动作的声响都通过扩音器在大厅里播放。 凯奇的音乐其实折射出他的一种个人思想，即:“生活就是音乐，音乐就是生活。 其他参与过偶然音乐创作的作曲家:、费尔德曼、布朗、沃尔夫、鲁托斯瓦夫斯基、泽纳基斯、斯托克豪森、布列兹。
    • 电子音乐
      • (三)电子音乐 电子音乐是指一切用电子手段产生的音响制作而成的音乐。(一般来说，电声乐器演奏的音乐不算是电子音乐)。电子音乐的发展主要经历了三个阶段: 第一阶段:录音带音乐 利用录音带操作技术制成的电子音乐作品可统称为录音带音乐(Tape music)，包括具体音乐和电子音乐两类。具体音乐是把自然界或日常生活中的具体音响录下来，加以变化处理，组成作品的音乐，由法国作曲家谢菲尔(Pierre Schaeffer，1910-1995)发明。电子音乐是指采用电子设备本身发出的音响为原材料制作的音乐,创立者是艾默特(HerbertEimert,1897-1972)。 在这一时期的代表人物是德国作曲家卡尔海因茨·施托克豪森(Karlheinz Stockhausen, 1928-2007)，代表作品《青年之歌》运用了“具体音乐”和“电子音乐”手段进行创作，还在作品中提出了“空间运动”的概念。(有学者认为他是“空间音乐”的实践者，后来的作品还有《音群》)。 其他代表作品有:意大利作曲家贝里奥的《主题》、美国作曲家乌萨切夫斯基的《木管与铜管》、瓦雷兹的《电子音诗》、巴比特的《菲洛梅尔》(《夜莺》)。 第二阶段:合成器音乐 1955年出现了RCA的电子合成器，1959年改进为RCAMark Ⅱ合成器。但直到1964年电平控制合成器问世,合成器音乐才得到广泛使用。代表作品:美国作曲家苏博尼克的《月亮上的银苹果》。 第三阶段:计算机音乐 计算机音乐指那些不仅利用计算机作曲而且其音响材料也出自计算机的电子音乐作品。代表作品:法国作曲家里塞的《突变 1》等。 施托克豪森 施托克豪森(KarlheinzStockhausen，1928-2007)，德国作曲家。他的创作涉及广泛，包括序列音乐、电子音乐、偶然音乐、空间音乐、图表音乐、世界音乐、直觉音乐、混合媒体等等。代表作品《青年之歌》运用了“具体音乐”和“电子音乐”手段进行创作，还在作品中提出了“空间运动”的概念。(有学者认为他是“空间音乐”的实践者，后来的作品还有《音群》)，其他作品有:《接触》、《圣歌》、《瞬间》、《一所房子的音乐》、《远距离音乐》、《崇拜》等。
    • 新音色
      • (四)新音色 在这一时期，很多作曲家不再受到传统乐器音色的限制，开始追求“新音色”，在20世纪初瓦雷兹的《电离》(为13位打击乐演奏者、铁钻和报警器而作，1933)和《电子音诗》(为磁带而作，1958)已经体现了对新音色的追求。 在新音色的探索中，主要可以分为以下几类， 1.使用新的乐器或新的发声手段:电子音乐最明显，此不赘述。 2.发觉传统乐器的新表现力。 (1)通过新的创作手法，主要是“音块”的使用。音块(有时也被称为“音群”)是由一群临近的音同时发声而形成的，它不突出个别的音的重要性，而强调一群音的整体效果。 (2)通过新的演唱演奏技法。 关于新音色的探索，代表性作曲家作品有:波兰作曲家彭德雷茨基(K.Penderecki，1933 -2020)的《广岛殉难者的悼歌》(1960)(使用“音块”)、奥籍匈牙利作曲家利盖蒂(GyorgyLigeti，1923-2006)的《大气》(1960)(使用“音块”)、克拉姆(GeorgeCrumb，1929-)的《远古童声》(1970)、戴维斯(Peter Maxwell Davies，1934-1962)的《疯王之歌八首》等。其他作品有:希纳基斯的《概率的作用》、诺诺的三首合唱作品(使用“”音块)《被打断的歌》、《大地与伙伴》、《迪多的合唱》。 关于新音色音乐创作的作曲家: 希纳基斯:法籍罗马尼亚作曲家，代表作品:管弦乐曲《变形》、《阿霍里普西斯》、《泰雷特克托》、《埃翁塔》等。 彭德雷茨基:波兰作曲家，代表作品:《广岛殉难者的悼歌》、《路加受难乐》、《劳登的魔鬼》、《失乐园》、古钢琴与室内乐队曲《帕蒂塔》、《小提琴协奏曲》等。 利盖蒂:出生于匈牙利的奥地利作曲家。代表作品:《大气》、《旋律》,《远方》、《分叉》、 《探险》、《安魂曲》、两套《钢琴练习曲》等。
  • 先锋派以后
    • 简约派
      • (一)简约派 20世纪60年代，在纽约的一些视觉艺术家设计出了由简单因素组成循环和重复的作品结构，被称为“简约派艺术”，这可能对音乐造成了影响。简约派音乐是指不断重复简单音乐材料的音乐，在不断重复的过程中，音乐的旋律、节奏、和声和配器等方面会发生细微的变化。 代表性作品有斯蒂夫·赖克(SteveReich)的《钢琴相位》(1967)、菲利普·格拉斯(Philip Glass)的《沙滩上的爱因斯坦》(1976)、《真理之力》(1980)、《阿肯那顿》，约翰·亚当斯(JohnAdams)的《尼克松在中国》(1987)等。
    • 新浪漫主义（后现代风格）
      • (二)新浪漫主义(后现代风格) 后现代风格是在建筑中的一种风格，指可以在一个建筑中可以运用所有时期的风格。这种观念逐渐被应用于音乐。在音乐上，一些作曲家将不同时期的音乐素材融入到作品之中，同时加入个人的音乐风格，这一类作品通常被成为“后现代风格”音乐。因为由于这些作曲家十分青睐于吸收浪漫主义时期的音乐，所以他们的创作风格也被成为“新浪漫主义”。 具体来讲，新浪漫主义(neo romanticism)是诞生于20世纪 70、80年代的音乐流派。 一般来说，它要求音乐要以传统和声为基础，注重情感的抒发，同时经常运用19世纪浪漫主义时期作曲家的音乐材料，但它又经常在音乐中出现一些现代音乐元素。整体来说，新浪漫主义可以说是浪漫主义时期音乐与现代音乐的结合。 代表性作品有:彭德雷茨基的《雅可布之梦》、《小提琴协奏曲》、《第二交响曲》、《波兰 安魂曲》，亨策的《特里斯坦》，谢德林的舞剧《安娜·卡列尼娜》，克拉姆的《时间与河流的回声》，贝里奥(LucianoBerio，1925-2003)的《交响曲》(引用了马勒的《第二交响曲》的材料，1968)等。
    • 第三潮流
      • (三)第三潮流 “第三潮流”是指欧洲专业音乐创作中将艺术音乐与爵士乐相结合的音乐，由美国作曲家冈瑟·舒勒(Gunther Schuller)在20世纪50年代提出的概念。其实在之前的斯特拉文斯基、米约、奥涅格、格什温等作曲家的创作中已经将专业音乐与爵士乐结合，而舒勒在此基础上进一步将这种创作模式进行推进和发展。 第三潮流的代表性作品有:冈瑟·舒勒的《变形》(1956)等。
    • 拼贴
      • (四)拼贴 “拼贴”(collage)的概念最早用于视觉艺术，指把各种不一样的材料拼贴在一起。这种观念逐渐进入到音乐领域。“拼贴”音乐通常指把几种出乎意料的、不协调的音乐素材结合在一起，这些素材通常来自西方音乐其他作品。这种创作手法并不是20世纪才出现，其实早在中世纪法国的经文歌里就已经有类似的创作手法了，只不过在20世纪这种手法作为一种音乐流派被提出。“拼贴”音乐的代表性作品有:贝里奥(Luciano Berio，1925-2003)的《交响曲》、克拉姆的《远古童声》、戴维斯(Peter Maxwell Davies，1934-)的《疯王之歌8首》(1969)等。
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