影片艺术分析

本思维导图辑录了中外电影的过去与现在，主要为第七章内容，让读者了解电影是人类所创造的艺术，在它一百年的历史中，电影艺术家们历尽艰辛，进行着开拓与探索，从而为我们留下了辉煌的业绩。喜欢的小伙伴可以点个赞哦！

影片艺术分析

一、场面设计与调度

场面设计

实拍时，场面在分解为一系列镜头时更细致了

摄影机的机位、角度、拍摄方式，演员的位置、移动、交往，场景的模样、结构和关系都必须加以设计，以便得到更进一步的确定

对于导演来说，需要通过缜密的分析、考虑、构思把场面设计得近乎完美，关键的问题在于如何把握场面的基本特征和表达意图

在今天，场面设计还包含着复杂的技术问题，也包含着各职能部门的协调、配合和有效运作

场面调度

意思是：导演根据剧本所提供的内容，通过对景物设置、演员表演和摄像机运动的合理调度，拍摄出富有动态和造型效果的电影画面

目的在于完成一场戏的拍摄

导演需要思考这是一个什么样的场景空间，如何来利用这个场景空间

这又是一场怎样的戏，如何在这个场景中表现这一场戏

时间、空间与运动

二、图形的构成

构图的概念

指电影画面图形的构成方式

三个基本部分

主体：指画面图形中最主要的部分，他是画面内容的中心，通常也是画面结构的中心

陪体：与主体在画面中建立某种情结关系的对象

环境：也就是构成主体和陪体活动的那个空间

前景：具有强调意味，对画面某些必须交代的内容，以某种有代表性、有表现力的景物来显示或暗示

后景：用于烘托气氛、交代活动的空间，所以也叫背景

动态构图

把图形的构成建立在非单一、非封闭性、运动的画面上

构图观念的演变

封闭式构图：把电影画面内部看作表现内容、布局对象的唯一空间，注重于绘画式的美感，讲究配置、讲究均衡、讲究“黄金分割率”习惯于把被摄体处理在画面的几何中心并以之去结构空间，最重要的是它是以单一的图形构成作为一个思考单位的

开放式构图：图形的构成不完整、不均衡、不统一，以便留下充分的想象余地，然后通过观众建构起来的想象画面，和表象画面叠加在一起，形成新的完整、均衡和统一

三、镜头控制

距离：指镜头和被摄体之间的距离

远景：指镜头与被摄体之间距离较远的一种景别，它通过模仿观众的眼睛来作为参照系，远景镜头总产生观众站在离开观察对象较远的地方所看到的情景的效果（空镜头：只展示环境而不出现人物

全景：指镜头与被摄体之间的距离可以拉近到这样的程度-摄入人物全身、画面高度大致相当于人体高度的一种景别（密切了人物和环境之间的关系）

中景：指镜头与被摄体之间比全景更近的一种拍摄距离，在这种景别中由于距离变近了，人物在画面上不能再摄入全身，而只能超过半身（一般是在膝部以上）起到了把注意力更引向人物的作用

近景：是指人物胸部以上的镜头，由于距离的继续逼近，更多的景物以及人物身体的更多部分被排除在外了，只剩下胸部以上还保留在画面中，使得脸部逐渐占据了画面的中心，引起更强烈的注意，而且面部表情也看得更加清晰了

特写：是从距离上最贴近被摄体的一种景别，环境的因素在特写中基本上被排除出去了，他把观众的注意力引向那些关键性的细节，比如眼睛手指或其他戏用道具（缺点：它容易使观众对所处的环境茫然无知）

运动：运动镜头是由卢米埃尔摄影师发明的

推：是指摄像机通过移动逐渐接近被摄体的运动镜头（引导强化注意、构成视觉冲击的常见方式）

拉：摄像机通过移动逐渐远离被摄体的运动镜头（往往用来把被摄主体重新纳入一定的环境，提醒观众注意人物所处的环境或者人物与环境之间的关系变化）

摇：摇镜头与推镜头拉镜头不一样的地方在于摄影机本身不作移动，只是借助三脚架的活动底座，使镜头上下、左右或旋转式的摇动（摇镜头如人的目光顺着一定的方向对被摄体巡睃，所以特别明显的表现出对人眼的模仿）

移：移镜头顾名思义就是要移动摄影机，它往往要借助一定的器械，或者把摄影机扛在肩上才能完成拍摄任务，如果摄影机的拍摄方向与被摄体的方向垂直或呈一定角度移动那就是移镜头（被摄主体一般都处在画面中心，变化的总是被摄主体的背景）

跟：跟镜头同样也是一种移动镜头，同样也需要一定的器械，或者把摄影机扛在肩上才能完成拍摄任务。它与移镜头的不同之处只在于：当摄影机的拍摄方向与被摄体的运动方向一致或完全相反，且与被摄体保持等距离运动时它才被称为跟镜头（有特别强烈的穿越空间的感觉）

焦距：从镜头外射进镜头的一束平行光， 会在透镜后面聚成一点，它称为焦点， 从焦点到镜片中心的距离就叫焦距

标准焦距：40-50毫米，这种焦距的镜头接近于人眼的正常感受

长焦距：当焦距大于50毫米的时候，这种镜头便称为长焦距镜头，在长焦距镜头中，视野的宽度变窄、景深也变小，但纵深空间却被压缩，远处景物的尺度被放大，空间感知类似在望远镜看到的情况，所以也称为望远镜头

短焦距：焦距小于40毫米的镜头，由于焦距比标准来得更小，拍摄的效果也随之发生变化，短焦距镜头使画面图形一方面在纵深空间上拉长，一方面在平面空间上拉宽，所以也称为广角镜头（有利于表现横向上宏伟壮观的场面，表现纵向上动体的速度）

变焦距：变焦镜头可以随便调整焦距，同时当作长焦距镜头、标准焦距镜头和短焦距镜头来使用

角度：镜头的上下活动与水平之间形成不同的夹角

平视镜头：如镜头与水平形成相同角度，由于三脚架的存在，镜头的水平高度略低于常人视线的高度，因此，所拍摄的画面效果也接近常人视线的感受（有利于观众做替代性的介入，以自己的视线感知经验去回应画面内容）

俯视镜头：如镜头形成一个低水平的夹角，镜头俯拍相当于常人站在高处往下看的情景，从视觉经验上看会产生一种压迫感，常常用来表现人物面临危险、遭遇威胁或内心不安的情况（而一旦镜头低于水平的这个夹角被不断增大，以至于完全与水平垂直，就变成镜头高悬于被摄体之上，从被摄体正上方往下拍，这就是所谓的“鸟瞰镜头”）

仰视镜头：镜头形成一个高于水平的夹角，相当于常人站在低处朝上仰望的情景（仰视镜头一般都能夸大物像的体积，常常用来表现画面上的人物高达、英武、强悍等形象）

视点：镜头的视点是指镜头所模仿的观察者， 也就是说镜头会让观众体会到某个观察者的存在， 并因为这个观察者的体认而导致观众的一种态度

客观镜头：是指摄影机镜头所模拟的是摄影师和观众的眼睛，是最常见的镜头视点（观众更容易以自我认同的态度去回应，常常使自己处于一个旁观者的位置，直接以自己的视角去观察

主观镜头：摄影机所模拟的是影片中某个人物的眼睛所看到的景象，是影片中某个人物特定的视点（会让观众主动去体验人物的立场、态度和关系，真正采取替代性的介入来加深与剧情的联系

四、美工造型

环境造型

表演区和动作支点

表演区：有利于戏剧动作在其中展开

动作支点：在场景空间里，那些与角色发生联系的物质对象

造型性设计

不仅在于形式化更在于情绪化

人物造型

服装

强调造型的形式感，以独出心裁甚至夸张的设计给观众留下深刻的印象

强调造型的戏剧性，以服装设计的外部形式或变化参与到剧情的情节之中从而概括人物的命运或结局

道具

陈设道具

诠释情景

戏用道具

直接用来参与剧情，增强情节的戏剧性

运用戏用道具来表现某种对比

把戏用道具当作贯穿线索来使用

化装：让人物形象更具有感染力，更易于介入剧情，并最终得到观众认同

五、光影与色彩

照明

布光控制

光的质量：指光线相对集中的程度

聚光灯：是一种可以产生弥漫性照明的灯具，它能射出柔和均匀的光线（柔光或软光）

回光灯：射出光亮大、光质硬、射程远的光（硬光）

光的方向：指光源的位置与被摄体形成的连线，以被摄体作为参照系便形成了不同的光的方向

前置光：直射被摄体它的效果是消除阴影，并使影像显得扁平

测光：从侧面射来所以突出被摄体的突出部分并产生清晰的阴影

背光：从被摄体背面射向镜头，大部分被其遮挡，边缘的光亮就勾勒出被摄体的轮廓

底光：从被摄体下面射来，它会在垂直方向拉长物体，造成一些不正常的阴影

顶光：从顶上射来也会产生不正常的阴影，有一种异常的效果

光的强度：指控制光源投射于被摄体的光亮

三点照明

主光

补光或辅助光

轮廓光

光效和光调

色彩的运用

从技术到艺术

色彩的运动：指的是的画面色彩在时间上所表现出的种种变化

色彩的基调和总谱

基本的色彩关系

色彩的组合和构成就是总谱

六、声音的合成

声音：新的维度

满足了观众的好奇心

拓展了电影刻画时空的能力，改变了电影的存在形式

声画关系

声画对位：声音和画面的非同步、非吻合关系

声音的三种形式

人声

人声的出现对电影的意义：表现在可能移植大量的戏剧作品，并导致戏剧美学和理论影响电影美学和理论

音响

音乐

七、演员与角色

表演的本质

三度创作

编剧在想象中把角色转化为文字的形象

导演在想象中把角色转化为视听的形象

演员通过自己的声音、表情、形体和动作把角色转化为实在的形象

表演作为艺术

表演诸要素

声音：是塑造角色形象的重要手段

表情：是考验演员表演功力的最重要的一个方面

形体：是演员塑造角色形象最主要的手段

八、剪辑技巧

后期剪辑

现场拍摄的结束只是给未来的影片提供了丰富的素材而已

导演在分镜头时是把一个完整的剧本化为一个个零碎的镜头

剪辑师在剪辑时则是把一个个零碎的镜头剪辑成一部完整的影片

剪辑：叙事的流畅

意味着两个镜头的转换不致产生明显的跳动并使观众在看一段连续动作的幻觉不致被打断

剪辑点：前后两个镜头中同样存在，形成关联性的某个画面因素

剪辑作为艺术

剪，对连续胶片做有意识的中段

辑，便是结合，解决镜头与镜头之间的连续问题

表意性和风格化

好莱坞零度剪辑风格：创作者必须把自己隐藏起来，让叙事的连贯和顺畅来吸引观众的注意