马克思高教版艺术学概论精炼

适用于新教材艺术学概论，如其他专业，需要在艺术类型上自己补充相应的，包含艺术素养、文化素养、人生阅历、审美感知、审美体验、审美理解等。

艺术学概论

• 马工程版高教
  • 第一章 艺术观念 “艺术观念"是人们对艺术基本问题的思考的统称 第一节 艺术观念的演变 艺术观念不是恒定不变的，不同的历史时期、民族国家或文化传统中的人们提­出的艺术观念是不同的。 一、中国的艺术观念演变（ 中国的艺术观念） 中国的艺术观念，主要是由儒、道、禅三种不同又相互联系渗透的思想文化所组成的。 他们对中国独特的艺术思想形成有着重要贡献。 儒家礼乐合一的艺术观念 儒家对中国人的政治、伦理、生活、文学和艺术都产生了巨大而长久的影响。 它对作用于人的感情的艺术高度重视，与社会政治和道德伦理联系起来，强调艺术的教化功能。 文艺包含着政治、道德、伦理等内容的社会价值服务。 1、“礼乐合一” 实现仁学的重要手段，基本的美学思想与艺术观念，也将艺术与政治结合为互补支撑的体系。 2、“成于乐” “游于艺” 完善人格的重要手段，肯定艺术独立价值的可能。 3、“诗言志” 肯定文学艺术表达情感 道家自然自由的艺术观念 道家虽然然很少直接讨论美和艺术的内容 但追求自然无为、自由无限的价值观，恰恰和艺术和美的本质精神相吻合 将自然视为最高的美，认为一切人的艺术都需要遵从自然 自然无为的本质是自由，道家思想观念将自由视为人生和艺术的最高境界 提出了虚静、物化、心斋、坐忘等重要的艺术美学与艺术心理问题 禅宗艺术观念 佛教与中国固有思想相结合，形成了特有的禅宗教派 禅宗思想特别推进了中国士人的精神生活 独特的艺术观点，在文学艺术领域产生了巨大的影响。 直观与妙悟、 强调心灵在一定条件下对对象本质的直接把握，瞬间的得道，与创作中的直觉、灵感与顿悟等心灵现象相通。 韵味与境界 追求内在精神的超越， 后境界等于“意境"成为中国古典美学与艺术精神的典范代表 二、西方的艺术观念演变 模仿论 西方第一艺木理论， 艺术都被认为是对外部自然与社会现实的模仿、描摹、反映和再现。 艺术来源于对现实的模仿（艺术发生论） 艺术的价值与意义就在于对外部现实的忠实的映照（艺术价值论） 表现论， 与模仿论相反相成的是表现论， 认为艺术的本质是人的情感、内心世界、主观精神等的表现，而非对自然或社会现实的模仿 表现论将艺术的本源由外部世界拉回到创作者的内心情感，进而将艺术家主体推向了的核心地位 形式论， 主张艺术的本质不在于其所模仿的外在社会现实或者其所表现的艺术家的内在情感， 而在于艺术作品自身的形式。 只有艺术作品无可剥离的形式才是艺术真正拥有的。 形式才是艺术创造的根本成果。 艺术体制论 艺术体制是指特定时期存在的关于艺术的观念与知识系统， 以及艺术品赖以存在的生产、传播、消费、评价的完整社会机制 在一定程度上，正是某一时期的特定艺术体制决定了何为艺术，以及艺术如何被人们理解和接受。 三、马克思主义艺术观念（马克思主义关于艺术的基本观念是什么？） 马克思主义艺术观念是在继承和发扬了欧洲思想文明的基础上，结合了人类艺术发展的历史进程与实际的创作状态而提出的，体现了其历史唯物主义与辦证唯物主义的哲学思想与政治经济学思想，为当下更好地理解艺术本质及价值、艺术的生产与发展等基本问题，提供了科学的、唯物主义的思想指导。 从人的本质问题出发思考艺术与美的问题。马克思明确提出，人的本质是在现实性基础上的一切社会关系的综合，而非单个人所固有的抽象物。这一理论判断将人的审美艺术活动与经济基础和上层建筑的问题联系在一起。 艺术是社会意识形态的形式。马克思认为，人类社会由经济基础和上层建筑构成，经济基础决定上层建筑。而艺术与文学、哲学、宗教等是社会意识形态中具有特定阶级属性的意识形态的组成部分。艺术具有一定的意识形态属性，是“更高地悬浮于空中的意识形态领域”。 艺术内容与形式的辩证关系。艺术内容与形式的关系是理解艺术作品构成问题的重要范畴，主要体现在四个方面： 1、艺术是内容与形式的辩证统一。艺术作品由内容与形式组成，内容是构成艺术作品的事物、故事及其传达的思想感情，形式则是内容得以实现的方式、手法与语言符号构造系统。 2、内容决定形式，形式服从内容。总的来说，艺术作品的内容与形式反映了社会生活，形式为内容服务，由内容派生而来，只有符合内容需要，有助于内容表达的形式才是合格的、有意义的。 3、形式也具有一定的独立性。内容与形式是对立统一的矛盾关系。虽然形式取决于内容，但形式并非机械性地对应内容，而是具有一定的独立性，可以形成自身相对独立的发展脉络，在积极的探索实践中，达成与内容的多样的对立统一。 4、在特定的社会历史环境条件下，由于形式的相对独立性，在内容决定形式的同时，形式也会反作用于内容。因此，要避免形式成为一种规范和法则后，产生程式化的惰性，构成形式对内容的束缚，导致内容难以有效表达。 马克思主义艺术观念在中国的发展 毛泽东文艺思想 主张文艺为大众服务 阐明文艺与社会现实之间的辩证关系 强调文艺作品的思想内容与艺术形式的统一 主张中国文艺创造自己的“民族形式” 提出“百花齐放、百家争鸣”的艺术繁荣方针 中国特色社会主义文艺理论 明确文艺是社会主义精神文明建设的重要内容 确立文艺“为人民服务、为社会服务”的方向 坚持“双白”方针,鼓励创作自由与艺术理论自由 丰富文艺为人服务的内涵 倡导弘扬主旋律与提倡多样化相统一,促进社会主义文艺的繁荣发展 要求在批判地继承和吸收借鉴的基础上推动文化创新 ***新时代中国特色社会主义文艺表述 从新时代中国特色社会主义文化建设的新实践去定位文艺工作 从实现中华民族伟大复兴中国梦的新高度去理解文艺工作,强化文艺工作的时代革命 强调坚持以人民为中心,创作“三精”统一的文艺作品,筑就文艺高峰 坚定文化自信,传承和弘扬中华美学精神 坚持百花齐放、百家争鸣,坚持创造性转化、创新性发展 强调艺术理论及文艺评论的重要意义 第二节 艺术特性 一、马克思论“艺术掌握世界的方式” 马克思将艺术、理论，宗教实践列为四种掌握世界的方式， 提供了人识和把握世界的的途径。 不同于其他，艺术通过人的审美能力与对象世界直接沟通，而获得一种对世界的整体与细节、内容与形式、表象的本质、个性与共性的相统一的把握。“掌握世界”不仅仅是认识世界，而是人与对象世界之间更全面的关系。所谓人掌握世界，实际是人全面占有自然世界，同时也是实现自己的全面的本质。 艺术掌握世界的方式的主要方面，在于想象性、典型性、形式性 1、想象性。艺术掌握世界的方式之所以不同于理论掌握、宗教掌握和实践掌握等方式，突出的表现在他要求充分发挥艺术家的想象力的创作性作用。想象力是掌握世界的主要能力，也是艺术创作、鉴赏和批评必备的美学前提。 2、典型性。想象力作为人类用艺术掌握世界的主要能力，需要通过对塑造富于典型性的艺术形象去实现。艺术作品及其创造的艺术形象在特殊的个别中真实地再现社会发展的普遍规律时，就具有了典型性 3、形式性。艺术总是通过特定的语言形式来掌握世界。艺术掌握世界的方式，说到底需要以艺术语言的形式区实现。艺术的形式性，指艺术具有语言形式去反映社会生活的特性。 二、艺术生产与消费 艺术生产的含义（如何理解艺术生产理论？） 艺术生产理论作为马克思主义艺术理论的重要内容，为人们理解艺术的发生、发展与创造提供了科学的解释，同时，还批判了此前唯心主义美学观念中的艺术自律、 天才创造等观点，认为艺术创造是一种精神性的艺术生产，是建立在现实的物质生产基础上的。 在马克思看来，艺术生产具有两方面的含义： 艺术生产与一般的物质生产不同，是精神生产中的一种。 艺术生产属于精神生产的范畴，艺术家运用自己的头脑来加工生活素材，进而创造出艺术作品，是一种精神性的活动和劳动。 艺术作为一般意义上的劳动和生产，在资本主义条件下发展为一种“艺术生产”，从而服务于资本主义的商品经济规律，艺术家生产的劳动成果（艺术产品）被资本家窃取，进入市场实现其交换价值，为资本家换取剩余价值。 物质生产的发展与艺术发展的不平衡性 艺术作为社会意识形态的一种，由经济基础决定，受制与特定历史时代下的物质生产水平和条件。经济基础对艺术决定并非是直线的，而是存在不平衡。 1、不同的艺术种类的发展繁盛与经济基础的发展不平衡，一定的艺术种类只有在特定历史阶段上才能获得充分的发挥，即使后世经济水平提高，这种艺术形式也无法在达到顶峰。 2、艺术发展的整体水平与特定时代的经济水平不一致。但根本上，艺术仍受制于经济基础。 同时艺术生产还具有自己的特殊性。艺术发展来说，并不存在线性的、进化论式的上升逻辑，每个时代都会可能出现繁盛的、取得巨大成就的艺术种类，出现伟大的艺术家。 艺术生产与艺术消费的完整过程 1、将艺术看作一个由艺术生产到艺术产品，再到艺术消费到完整过程，将艺术看作一个与社会历史由紧密联系到系统的活动和工程，而非单独的孤立的艺术作品。 2、艺术消费将传统的艺术欣赏转化为一种物质产品相类似的经济消费行为,受到一般经济规律的制约。 首先，生产决定、引导消费。 其次，艺术消费会促进生产,为生产提供需求和方向。 同时，与物质消费的方式不同,艺术消费过程不会消灭艺术对象 三、艺术的审美特性（艺术的审美特性表现在哪些方面？） 1、艺术审美特性是人类审美经验的集中体现。 人是有意识，区别于动物，拥有改造自然世界的能力，其中也包括了种种感官能力和情感和意志能力，包括审美能力与意识，人在发挥审美意识、进行审美活动的过程中，最主要的审美对象就是艺术，艺术的审美性是人类审美经验的集中表达 2、情感性是艺术审美特性的根本。情感性指艺术作品中饱含着创作者寄予的丰厚复杂的情感，而接受者则被激发起相应的情感体验，形成共鸣。情感是创作的动力 3、形象与形式是艺术审美的特性来源。艺术审美特性的达成有赖于形象的塑造于形式的构造，艺术家在艺术再创作过程中运用自己独特的形式、语言风格，塑造出艺术作品中一个个生动的艺术形象，这种形象及形式就是艺术作品中呈现出的基本面貌。艺术审美性的来源就是艺术以适当的形式构建出鲜活的形象。 4、超越的精神内涵是艺术审美的最高价值。指艺术可以为接受者提供高于现实生活与日常情感的更加理想和集中的生活体验和情感体验，提升人的精神境界。这中超越可以表现为人对艺术世界的怡情，也可以表现为人超越了各种现实关系而达到精神的自由状态。在艺术中，人超越于有限自我而达到无限自由。 第二章 艺术的功能 第一节 艺术功能的理论回顾 一、中国的论述 先秦诸子,对艺术功能的认识不全然一致,有全否定也有全肯定。 墨子，极端的崇简善用的功利主义， 荀子，将音乐的效果与政通人和、国泰民安联系到了一起 他们都围绕着功利主义的观念,忽略了艺术的非功利的特殊意义 孔子，不是简单地肯定或否定音乐,而是有区别的,既有肯定又有否定， 主张让艺术发挥积极作用,让人认识社会与历史,增强对自然的认识,重视艺术与人内心世界的关联。 （如何理解墨子与荀子在艺术功能问题上的分歧？） 中国先秦诸子对艺术功能的认识并不一致，既有全然否定论者，也有完全肯定论者。而墨子和荀子分别是这两种论点的代表。春秋战国时期，儒墨两派都有自己的论乐体系．但是他们“论乐”并不为了“乐”本身，而是将“乐”作为自己社会政治理想的一个重要环节，其中，墨子和荀子提出了几乎相反的观点。 墨家学派的创始人墨子从政治角度（实用角度）出发，不看好音乐艺术。《墨子：非乐》上篇连用六个“为乐非也！”力陈为乐之害，同时，在其《公孟》《三辩》《费义》等诸篇章中都多有体现。在墨子看来，为乐就像建房，建房为了避晷、御寒。可音乐不管多么美妙，多么动听，都是没有用的。既不可以当衣穿，又不可以当饭吃。不能创造出社会财富不说，还劳民伤财。在当时社会本来就是战乱频繁、民不聊生的情况 下，不重视农业生产，老百姓的生活將难以为继。但是，墨子的“非乐”思想也有阶级和时代意义。学习，思智是人的天性，审美娱乐也是人的生理，需求。墨子一味从“利”的角度出发，极力想强制性地禁乐，未能得到广泛的认同。 荀子对于“乐”审美娱情和社会文化功能讨论较多，认识也较为深刻。他在《乐论》开篇提及：“夫乐者，乐也，人情之所必不免也，故人不能无乐。乐则必发于声音，行于动静，而人之道，声音、动静、性术之变尽是矣。”筍子阐明了“乐”的特性于审美主体情感之间的本质性关联。“乐”立足于“人情”，通过声音、动静达到使人娱乐的目的及协调社会关系的作用。他还认为，“乐”可以陶冶情操，加强个人修 养，促进国家和谐，邻里和睦，家庭和顺，完全肯定艺术的功能。苟子与墨子相比更能看到“乐”的存在有其固有的本质属性，他认识到了“乐”存在的自然性基础，可以用并证的思维区分“乐”内 在、本质上的东西，这种认识是具有朴素的唯物论的，在当时具有进步意义。 墨子与苟子的阶级属性不同，注定了二者之间不同的价值观和阶级视角，他们站在各自的阶级立 上都有其正确性。无论是对音乐消极的否定还是积极的肯定，这两种态度都属于围绕着功利主义 观念，忽略了艺术的非功利的特殊意义，同时，也都在夸大音乐的功能。 二、西方的论述 古希腊时期,毕达哥拉斯、赫拉克利特、德谟克利特、苏格拉底等哲人不同程度表达对艺术对积极的肯定性意见。 柏拉图，怀疑艺术有可能是虚假的,不能提供真理,会进行错误的引导，但也相信艺术可以滋润心灵,甚至认为音乐重要性超过了其他教育。 亚里士多德，艺术的模仿甚至可以获得高于历史的特别价值，艺术是形成幸福、完美的人格,培养理性,又不排斥感性的理想手段。 古罗马贺拉斯，“寓教于乐” 朗基努斯，提出“崇高”的审美效应 第二节 艺术的主要功能 一、审美认知功能（试以例子说明艺术的审美认识功能） 指人们通过艺术活动可以独特而又影响至深地认知人、社会，自然与历史等。 1、我们可以通过美术回溯广泛的历史， （汉代马王堆帛画，了解中国封建社会早期的文化信仰。《清明上河图》，了解宋代都市生活的风貌） 2、艺术的审美认识并不意味着只提供现实中既有的方面，还可能拉开一种更为广博的认知视野。一方面引领人们感受现实的方方面面，另一方面开放了一个与现实相关联的世界，使得想象世界有可能比现实本身更为非富多彩。伟大的艺术家甚至可以贡献出通常人所视而不见的发现。（莫奈画伦敦的雾） 马克思曾经由衷地称道希腊艺术是一种规范和高不可及的范本"，因为它让人们看到了“历史上的人类童年时代" 意大利著名学者莫雷利：要完整地了解意大利历史，就要仔细研究当时的肖像画 二、审美教育功能 指接受者通过艺术作品欣赏,领略其中展示的真善美,从而潜移默化地接近、认同甚至激赏这种真善美所汇成的价值与力量,进而得到人生观、世界观和人文精神的越迁。 艺术没有耳提面命的说教，也没有摆事实、讲道理般的论证，一切都是源自活生生的人物及其展开的内心世界，让人有所感，有所悟，获得一种经久难忘的人生启迪。 由衷、自愿，无需强迫， 艺术中所呈现的现实与理想的世界往往有可能高于平庸、琐碎的现实生活本身，从而具有更为强大的感召力和影响力。 能够间接的改变世界。 三、审美娱乐功能 指通过艺术欣赏活动，使人们的审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，使身心得到愉悦和休息 人在娱乐的情境下得到艺术的享受，因为人的本性谋求不仅是胜任劳作,还要安然享有闲暇。 通过审美的娱乐功能,可以宣泄某种情感从而达到平静，有利于恢复和保持心理健康 艺术给予人的娱乐常常与人的幸福感挂钩 艺术家引导着人们用新的方式感知世界,进而获得新的审美享受 四、审美体验功能（为什么说艺术的审美体验功能室最为重要或核心的功能？） 审美体验通常指情感的体验，因为无论是创作还是欣赏都是与“情”维系在一起， 艺术家创作需要通过自己本身复杂模糊的情感，找到跟自己内心情感相类似的语言表达 艺术接受者进入艺术家的语言形式当中，仿佛自己也经历了艺术家所体会到的那种不确定，压抑的艺术情感，再过度到“轻松自如”的“解救”的状态，寻找呼应与共鸣，与艺术家合二为一 心理学家彼得罗夫斯基、 把情感看作一种主体和对象的相互作用的累积的产物，一种以需要为轴心而发展起来的关系的反映， ①客观上形成的主体与容体的关系。②主体与客体关系的体验和反映。 主体情感体验的内容愈是丰富，其中所反映的各种现实的联系和关系愈是丰富，就愈是有更多的根据预测到这种情感将会加强，深度变得越来越大。 情感和体验是一种复杂的构成，既可能是细微的情绪波动，也可能是深不可测的海洋，蕴藏着博大精深的精神含量。以“愁”为例．它既可能是无病呻吟，也有可能是欲语还休的无可奈何。“特别的审美情感”需要文化修养的浸润与滋养，与此同时，也依然是“直接的情感的本身”• 艺术功能的实现离不开审美体验 在进行审美体验时，会展开相应的表象的再认与联想。离开了审美体验，相应的表象活动的活跃和丰富程度就会大打折扣。只有以情动人才能真正达到改变和提升人的内心世界目标，完成审美教育的功能，进而形成一种更为深刻而又持久的效应。 第三章 艺术创作 第一节 艺术创作主体（艺术创作的主体应该具备哪些基本素质？） 艺术创作的主体，范指艺术作品的创造者、生产者。 一、社会角色 艺术家作为社会角色之一，需要扮演相应的角色，需要承担相应的使命和责任 1、艺术家是优秀作品的创作者 艺术家是社会分工不断细化的产物,生产力水平发展到一定程度逐步形成的特殊群体，凭借才华，创作优秀的作品，以满足人民日益增长的精神需求和审美需要，是艺术家的天职，也是社会对艺术家这一角色的期待和定位。 没有超常的创造能力，不能称为艺术家，不能自封，也不是终身头衔，需要一直创作优秀作品。 艺术的繁荣、创新需要艺术家；人民的精神、审美需求，需要艺术家。 2、艺术家是人类灵魂的工程师 艺术诉诸人类情感，直通人类心灵：艺术具有修身养心、铸造灵魂的功能。 在塑造人类灵魂上，艺术具有不可替代性。 优秀艺术作品可以启迪思想，温润心灵，陶冶人生，扫除颓靡之风。是“人类灵魂工程师” 作为人类灵魂工程师，应该具有社会责任感，应该在作品中彰显信仰之美，崇高之美。 3、艺术家是先进文化的继承者、开创者。 每一次成功的、精彩的艺术创作，既是对艺术经典的传承，又是对前人作品的超越； 既是对先进文化的传承，也是一个不断求新、求变、求发展的过程。 不仅要做精神家园的守望者，还要做时代精神的传播者。 二、人文修养 人文修养的核心在于人文知识、人文精神、人文情怀。 1、人文知识是人文修养的基础 多接触、了解、学习、掌握人文知识是艺术家,修炼自身、提高人文修养的基础性工程， 艺术创作特别需要哲学精神指引、历史镜鉴启迪与文学力量的推动。 2、人文精神是人文修养的核心 狭义指文艺复兴时期出现的一种思潮，关心人、关注人、重视人的价值、爱理性、爱智慧、立足尘世生活、倡导身心和谐； 广义指人类各民族普遍坚持的以人为本的文化传统，高度关注人的尊严、价值、命运、追求；珍视人类历史上的文化遗产；重视人与自然、他人、内心的和谐；反对专制，独裁等。 人文精神是人类文明、先进文化的精神所在，是人文修养的核心，只有把握了人文精神，才能坚守、营造和传播正能量，才能创造出无愧于时代与民族的精品力作。 3、人文情怀是人文修养在创作中的具体体现 艺术创作离不开情感、情怀。艺术创作中所带的情感、情怀，直接关系到艺术作品的品味、品质、品格。 人文情怀是人文知识内化后形成的一种特殊的情感与胸怀，人文情怀也是对于人文精神的固守与坚持。 人文情怀应该成为艺术家人生观、世界观、价值观的有机构成。 （梅兰芳抗战时期蓄须拒演） 三、心理机制（p132） 三种方式：形象思维、抽象思维、灵感思维 多种心理机制：分析、归纳、整理、感知、联想、想象、顿悟、直觉、默会等 交替使用、互为补充 1、形象思维与艺术创作 形象思维是在对形象信息传递的客观形象体系进行感受、储存的基础上,结合主观的认识和情感进行识别，用一定的形式、手段或工具创造和描述形象，是一种基本的思维模式。 思维的各个环节——信息接受、信息储存、信息加工、信息输出都离不开具体的形象。 具象性、情感性和主观性是形象思维的显著特征，形象思维贯穿艺术创作的全过程。 2、抽象思维与艺术创作 ️一般称为为逻辑思维，人们认识过程中借助概念、判断、推理等思维形式反应客观现实的思维活动。关乎理性、逻辑,与分析、判断、归纳、整合等心里机制密不可分。 艺术创作的许多环节都需要借助理性思维（选题材、主题、架构、组织矛盾冲突，后期修改、斟酌、定稿）都需要理性分析，需要逻辑推导，需要理智的抉择。 造型艺术讲究结构，叙事艺术讲究逻辑，综合艺术讲究结构和逻辑。如果离开了理性判断、抽象思维，艺术创作中必然走向混乱。 3、灵感思维与艺术创作 灵感思维是以人的直觉为接通媒介、并能获得有社会价值的结论知识和思维活动。 特征：突发性、偶然性、独创性、模糊性 灵感思维与顿悟、自省、梦境、潜意识等心理机制关系密切（阿基米德浮力、牛顿苹果） 光靠形象思维和抽象思维不能创造，不能突破。 灵感思维与艺术创作的关系非常密切，前提是付出相应的努力。 四、创作个性 指艺术家在创作实践中形成并在艺术作品中显现的相对稳定的性格特征，是独创性的内在依据，也是不同风格形成的必要条件。 1、创作个性的形成 艺术作品的创作者，并非从来就有个性，也并非人人都有个性。 创作个性的形成，受社会环境和时代背景的影响，社会要提供自由、开阔、有助于创作个性形成的空间 创作个性的形成，是艺术家自我意识的觉醒以及个性的充分发挥为前提，艺术家创作过程中,不能丧失自我,放弃个性,人云亦云 2、创作个性与作品 艺术家的创作个性,必然会在作品中留下痕迹、印记，甚至影响风格、面貌。 不同的艺术家感受生活、理解生活、反映生活和表现生活的角度、方法、追求均不相同，于是形成了千姿百态的艺术风格，艺术也需要百花齐放。 不仅应当保护艺术家的个性，还要鼓励艺术家发展个性 3、创作个性和社会责任 艺术家是有个性的，但也需要承担相应的社会责任，在两者之间寻找平衡点 弘扬个性，不是标新立异、哗众取宠、不能为了个性而“个性”，而是要为了创作出更优秀的艺术作品，满足社会精神文化产品的需要。 第二节 创作的方式特点（艺术创作与艺术制作、个体创作和集体创作，一度创作与二度创作主要特点是什么？） 一、艺术制作和艺术创作 • 艺术创作 原创性，指世间本无这件精神产品，甚至连这件艺术作品的构成也是全新的。 基础性，相对于后期制作，前期的艺术创作更具基础性。（圈定题材,题目,内容,形式等） 纯粹性，指不计时间成本、不图经济回报、不考虑功利得失。 • 艺术制作 依附性，指需要依据艺术家前期创作的文本展开，按“图”施工，有“据”可依 工艺性，艺术家施展高超技艺的环节，需要技术的支撑与辅佐 衍生性，可以丰富艺术作品的内涵 ，提升艺术作品的境界 二、个体创作与集体创作 个体创作与集体创作在艺术创作中普遍存在，艺术创作适合传统艺术门类以及中小型艺术作品的创作；而集体创作更适合现代艺术门类以及大型、超大型艺术作品的创作。 • 个体创作 更加个性化，指艺术家的审美追求、艺术观念、个人气质在个体创作中得到充分发挥 更加风格化，指艺术家的创作个性、艺术特色、审美理想等在艺术作品中的总体表现 更加独创性，个体的创作方式，需要面对的制约因素相对较少，在更加自由的条件下，创作也更具有独创性 • 集体创作（如影视创作） 智力上的众筹性，强强联合是组建创作团队的基本原则，集体构思,团体想法,拾遗补缺,添砖加瓦 才艺上的互补性，分工合作，优势互补 追求上的磨合性，同心协力，共同打造，让步、调整或坚持，进而形成整体 三、一度创作和二度创作 一度创作与二度创作是产品规模化、精致化的产物，也是艺术创作的分工不断走向专业化、精致化的结果 • 一度创作，个体创造性，专业性 • 二度创作 呈现性，一度创作要二度创作呈现内容。 再创性，呈现的同时，二度创作有再创作的可能，在一度创作基础上取长补短。 多样性，不同的二度创作，会有差别。 第三节 艺术创作的基本过程（艺术创作的基本过程是什么？） 艺术的创作过程是人类特有的、高级的、复杂的、极富创造性的精神活动和实践活动，是艺术家在创作欲望的推动下，围绕创作意图，进行艺术思维，从而在头脑中形成比较完整的艺术意向，随即运用艺术语言和各种表现手段，把它物化为具体、可感知的艺术形象，可供鉴赏的艺术作品的全部创作活动过程。 是艺术家的情感思绪、审美意向、创作意图从混沌到清晰、从朦胧到具体的过程。 也是艺术作品的构成要素、创作方法、表现手段从杂芜到有序、从候选到确定的过程。 艺术创作的基本过程是经历动因萌发、构思谋划、物化传达三个主要阶段 一、动因 指动机和原因，艺术创作的动因，指艺术家的创作内驱力。没有动因便没有创作。 创作动因的形成的基础是艺术家对于社会生活的体验与积累。艺术家在长期积淀的生活体验和审美经验的基础上，产生深切的感受和审美发现，激起创作的欲望萌动和动机生成。它是艺术创作的准备阶段，也是艺术创作的基本前提。 积累分为被动积累（被动的受生活经历,记忆,身边的人或事影响）， 主动积累（主动投身社会生活,自觉体验,主动积累） 创作动因的萌发是指艺术家创作激情突然涌动、创作欲望突然升腾的一种心理状态。创作动因的萌发常常因人、因时、因地而异。 一个发现、一个捕获，常常会触发创作激情、创作欲望 一次感动、一次顿悟，常常会触发创作激情、创作欲望 一种需求、一种外力，常常会触发创作激情、创作欲望 二、构思 指艺术家在创作动因的驱使下，依据自我秉承的创作观念，运用不同艺术种类特有的创作方法、技法，营造审美意象，酝酿、谋划新作品的思维过程 1.圈定题材 题材是依据一定的标准对社会生活的领域加以分类，具体指作家用表现作品主题思想的题材，通常指那些经过集中、取舍、提炼而进入作品的生活事件或生活现象。 创作题材一旦圈定，意味着艺术家实现了对纷繁杂乱的社会生活的聚焦，为后续的艺术构思圈定范围、奠定基础。 2.确定话题 话题指艺术作品的最初形态，是艺术的胚胎。艺术家在长期的创作实践中已经建立了几条选择话题的原则 选择自己最熟悉的 选择群众关心的 选择某种艺术媒介最适合表述的话题 选择自己最有冲动渴望创作欲望的话题 3.完成定位 在构思谋划阶段，艺术家还需要完成一系列的定位： 如作品受众、作品类型、创作风格、价值取向的定位等等。某些情况下，还需要考虑投资规模和资金来源的定位 三、物化 指艺术家借助选定的物质材料、艺术媒介，运用艺术技巧和创作手法将构思谋划阶段形成的审美意象、艺术构想物态化的过程，使之成为可供欣赏的艺术品。本阶段重点在于：深入认知艺术媒介，熟练驾驭语言系统，灵活运用表达规范 1.深入认知艺术媒介 艺术媒介是把艺术构思落到实处进而形成艺术作品的基础物质，艺术家必须对所使用的艺术媒介有深入的认知艺术媒介的特殊性 既要传达主创希望传达的内容，又要有符合审美的要求与形式 既是传达复杂信息的载体,又是艺术作品中自然、合理的构建 既是途径、工具和手段，同时也是艺术本体的有机组成 2.熟练驾驭语言系统 要全面认知，而且要熟练掌握、自由驾驭所相关的语言系统，要努力提升理论水平,全面认识语言的特性,频繁实践,在实践中掌握相关语言技法。 如果未能熟练掌握,会造成“想到了,但是不能准确表达” 3.灵活运用表达规范 长期的艺术实践活动，艺术表达形成了很多规范。必须掌握所从事艺术的表达规范、表达程式。 前人经验的总和,逐步成了表达规范,一方面我们需要从中获取经验，模仿和借鉴，学习其中的奥秘，一方面不能死板守旧，要在此基础上突破和创新，创建当下的艺术品，如果不了解之前的规范，后面的突破就不明确了。 第四章 艺术作品 指艺术生产的成品或成果，它是艺术家运用一定的物质媒介和艺术语言，通过构思和艺术制作，将思维中形成的审美意象物态化，创造出来的主客体统一的审美鉴赏的对象 第一节 艺术作品的媒介 一、艺术媒介的类别（作品一般有哪些媒介？结合具体的艺术作品说明） 1、物质材料媒介 物质是依赖于人的主观意识而又能为人的意识所反映的客观实在，是对世界上一切自然现象与社会现象根本特性的概括，物质的唯一特性即客观实在性。因此，艺术作品也具有客观实在的物质属性，突出体现在艺术作品的物质材料媒介中。 艺术感兴的物质材料媒介 物质材料媒介在艺术作品的感兴过程中有重要的媒介作用。 艺术家在创作艺术作品时，有时会因为一定的物质材料而起兴，也会对形形色色的物质材料进行取舍，并最终形成可以感知的艺术作品。 艺术制作的物质材料媒介 物质材料在艺术作品制作过程中有重要的媒介作用。 无论何种的艺术作品的制作，都需要通过一定的物质材料媒介来实现，并且物质材料也是不断拓展的。 （如原始壁画的矿物质颜料，雕塑的媒介木质、石质或金属） 艺术传播的物质材料媒介 艺术作品在制作完成后，物质材料还需要在传播过程中起到进一步的媒介作用。 保存性物质材料媒介：岩壁、甲骨、石碑、钟鼎、竹简、帛、纸等。既可以是艺术制作的物质材料，又可以对艺术作品进行保存。 展示性物质材料媒介：在数字技术时代，电脑与手机正在成为人类社会中十分重要的艺术传播媒介 2、艺术语言媒介 语言，是人类最重要的社交工具或沟通媒介，是人们在相互交流的过程中表达思想情感的重要手段。人们不但创造了语言还创造出了特殊的语言，艺术语言。艺术语言是指在艺术作品中起到类似语言表情达意作用的一种艺术媒介。各个类型的艺术都有其独特的艺术语言： 美术：体积、面积、色彩、线条、笔触、构图等 音乐：音乐语言包括旋律、和声、节奏、复调、配器、曲式等。 电影：画面、声音、蒙太奇等 二、艺术媒介的作用 艺术媒介与艺术作品的类型区分 艺术媒介在艺术作品的类型区分方面具有明确的物质表征作用。 1.艺术物质材料媒介不同,会造成不同的审美追求差异 2.不同的艺术作品类型,需要物质材料媒介和艺术语言相互规范制约,才能区分艺术种类 艺术媒介与艺术作品的形式建构 艺术媒介在艺术作品的形式构建有显著的物质依托作用。艺术的表现离不开艺术的构型，而艺术的构型需要通过艺术媒介来实现。艺术媒介在某种意义上决定着艺术作品的形式和构建。 艺术媒介与艺术作品的内容生成 艺术媒介在艺术作品的内容生成方面具有重要的物质载体作用。艺术媒介始终影响艺术作品的内容生成，尤其是21世纪的数字技术发展，给电影，游戏等领域带来了巨大而深刻的影响。 第二节 艺术作品的形式 一、艺术形式的特质 “形式”的概念非常复杂，歧义丛生。 《西方美学概念史》的“形式” 1.形式是各部分的排列，是一种抽象的概念 2.形式是被直接给予感觉的东西，与内容相对 3.形式可以表现对象的范围或轮廓，其对立面或相关物 4.形式还可以表现对象的概念本质，与对象的偶然性特征相对应（亚里士多德） 5.形式则是心灵对感性对象的作用（康德） 前三是美学本身，后二是哲学引进 形式是艺术中的基本的因素。艺术作品的形式，是艺术作品内容的具体存在形式，形式的特征体现在与内容的对立统一。 1.相对独立性，某种意义上，艺术作品的形式跨越了内容而具有独立的审美意味，从艺术接受来考察，形式先与内容，形式决定内容。 2.必然共生性，形式与内容相统一，艺术作品的形式又具有与内容共生性的特征。内容是形式的内容，形式是内容的形式，二者都以对方的存在而存在。 二、艺术形式的多样化 艺术作品的形式是由艺术语言组合与结构两种形式所构成的。 1.艺术语言组合（外部形式） 指在具体的艺术作品中，艺术语言被整合起来，按照一定的方式进行组合或运动，则成了艺术作品的外部形式。各类型艺术有自己独特的艺术语言组合方式或艺术符号体系 2.结构（内部形式） 指的是作品中各个布局之间、各个因素之间的内在关联与组织样式。结构能够把作品中的各个分散的部分组成一个既和谐统一，又多样变化的有机体。 从艺术作品的角度来看，艺术语言组合和结构可以形成多种多样形式， （线条、色彩、构图，取舍、虚实、疏密、主次等） 通过不同的组合关系，可以使得艺术作品的形式呈现多样化的形态。 第三节 艺术作品的内容 一、艺术作品的题材与主题 艺术作品的内容首先由题材与主题两种因素构成，二者联系，又存在一定的差别。 题材往往是自然现象与自然事物的本身，而主题则是这些自然现象与自然事物所传达出来的某种含义； 艺术作品的题材来源于创作者对于日常生活素材与生活经验的加工、提炼， 而主题则是对题材的进一步升华，源于生活，高于生活。 欣赏一部作品的过程中，题材一般显而易见，因为题材是艺术作品形式的外部内容， 而主题则常常比较隐蔽，需要反复回味、琢磨， 题材 广义上指艺术作品中所描绘与展现的客观事物或主观情感，也被称为“取材范围” 狭义上指作品中具体的生活与情感形态，艺术作品中叙述与描绘的具体事件和景物。 艺术题材的形成是长期积累的过程， 从素材的积累到加工提炼，再到取舍成为题材，都体现了艺术家的审美情趣，艺术视野和艺术功力。 题材选取是进入了艺术创作的第一步，题材某种意义上决定了作品形成方向，是艺术作品是否取得成功的关键因素。 主题 指透过题材所展现出来的思想内涵，是艺术家主观思想与题材的客观价值碰撞所发出的具有某种社会、历史意义的思想概括。主题是建立在艺术家不断深入题材、理解分析的基础上，是从题材中再度提炼和升华出来的。 一幅优秀的作品需要鲜明而深刻的主题思想，同时主题思想还具有不确定性和多样性。 二、艺术作品的形象与情境 1、艺术作品的形象 艺术形象是文艺反应生活的特殊方式，艺术形象总是具体可感的， 从艺术作品的角度来看，艺术形象可以分为视觉形象、听觉形象、文学形象、综合形象。 视觉形象 指人眼能够直接感受到的艺术形象，视觉形象的构成材料都是空间性的，艺术作品的视觉形象都具有鲜明的在现性特点。视觉形象也凝聚着艺术家的思想感情。 听觉形象 指由人耳直接感受的艺术形象，听觉形象的构成方式是时间性的。音乐是最为丰富的听觉形象，通过音响在时间上有规律的变化、流动和组合，形成听觉感官感受的艺术形象。听觉形象具有抽象性和空灵性的特点 文学形象 指在诗歌、散文、小说等文学作品中，文字媒介塑造的形象。特点是间接性。 综合形象 指话剧、戏曲、电影、电视等综合艺术中的艺术形象，通过将视觉形象、听觉形象、文学形象的有机整体。 2、艺术作品的情境 情境指的是一种审美化的情景与境界，同时存在于艺术接受之中。鲜活的艺术形象需要在恰当的艺术情境相互配合、融为一体，才能实现完整的审美体验。具体的艺术作品中，典型和意境可以看作与艺术形象相结合的两种理想范畴 典型（什么是艺术作品中“典型”情境？请结合具体艺术作品说明） 又称“典型人物”“典型性格”或“典型形象”，狭义指艺术作品中所塑造出的成功人物形象，而广义指典型包括典型人物、典型事件、典型环境等。可以说，典型的核心是在特定的情境中塑造出鲜明生动的形象 艺术典型的审美特征 典型人物形象是优秀艺术作品的一个显著特征。 （《三国演义》足智多谋、料事如神的诸葛亮，狡猾奸诈的曹操。 《红楼梦》多愁善感的林黛玉） 艺术典型是普遍性与特殊性的有机统一，又是必然性与偶然性的有机统一。任何艺术典型，都是在鲜明生动的个性中体现出广泛普遍的共性，在独一无二的个别形象体现出具有普遍性的某些规律。艺术典型的个性，指作品中的人物不仅具有独特的外表、独特的行为、独特的生活习惯，而且具有独特的性格、独特的感情、独特的内心世界。 （例：奥勃洛摩夫，懒惰，还年轻，颇有教养，却整天穿着睡衣，把时间都消磨在睡觉上，甚至睡觉还在梦见睡觉，最后在床上默默的死去。这个人物是俄国19世纪批评现实主义作家们所塑造的“多余人”的形象的一个典型，他的个性，实际上是那个时代的标志，象征着旧俄国腐朽寄生的生活必然走向灭亡，从这种意义上讲，这个独一无二的个性就体现出了某种时代和阶级的共性） 艺术典型不仅在个性中体现共性，在特殊性中体现普遍性，而且在现象中体现出本质，在偶然中体现出必然。 这就是说，在具有个性的典型人物形象的塑造中，应当体现出具有一定社会内容和社会意义的必然规律。 意境（为什么说“意境”是中国传统美学中的一个重要的范畴？请结合具体的艺术作品，论述中国意境的特点） 意境，是中国古典美学传统中的一个重要范畴，是艺术中一种情景交融的境界，主客观因素的有机统一，意境中既有来自艺术家主观的“情”，又有来自客观现实升华的 “境”，“情”和“境〞是有机地融合在一起的，境中有情，情中有境。 是中华民族在长期艺术实践中所形成的一种审美上的理想情境，孕育于先秦至魏晋南北朝，正式诞生于唐代。 特点： 意境是一种若有若无的朦胧美。 在中国传统艺术境界里，更多地将其分为虛与实两个部分。虚与实可以说是中国传统美学对构成审美对象的两大要素的区分，心与物、情与景、意与象、神与形等，大体上讲，前者为虚，后者为实。 由此可以看出，意境的实的部分存在于画面、文字、乐曲及想象的意象之中；而虚的部分，即意境之重要或本质的部分存在于想象和感悟之中。中国传统艺术的最高范畴“意境”即是人通过艺术对世界本体的体悟。而世界本体在中国传统思想中是非虚非实、即虚即实的存在，只有这样去理解把握意境这一范畴，我们才能将中国哲学与中国艺术作一以贯之的理解。才能对中国古代艺术两千年的追求作贯通的把握。 （马一角，《寒江独钓》，用大片的空白突出了“寒”与“独”的意境） 意境是一种由有限到无限的超越美。中国传统艺术作品，从来就是追求一种“韵外之致”或“味外之旨”。 早在魏晋时期，玄学家王弼就曾提出“得象忘言，得意忘象"的命题， 就是力求突破言、象的有限性，追求意的无限性。以有限表现无限，从而达到“言有尽而意无穷”的境界 意境是一种不设不施的自然美。中国美学史上，历来有两种不同的美的理想，一种是“错彩镂金，雕缋满眼”的美，另一种是“初发芙蓉、自然可爱”的美。 （例：商周的青铜器、楚辞，汉赋，乃至明清的瓷器都以富丽的色彩与精通的制作面著称于世，堪称错彩镂金"之美。） 三、艺术的意蕴 指深藏在艺术作品中的内在意味或含义，具有多义性、模糊性和朦胧性，大多时候体现一种诗情、神韵或哲理，往往只可意会不可言传，需要接受者全部心灵去探究。可以说，意蕴是文艺作品具有不朽魅力的存在。 1、艺术的意蕴一定意义上来讲，就是作品中所蕴藏的文化含义和人文精神。 古今中外优秀的艺术作品，正是因为具有深到的艺术意蕴，所以才能够经久不衰，体现出各不相同的文化品格和艺术价值。 2、艺术作品中的这种深层意蕴，由于具有多义性和模糊性，不但欣赏者意见纷纷、解读不一，有时候甚至作者也难以说明。 3.艺术的意蕴不能简单等同于艺术作品的题材或则主题。比起艺术作品的题材与主题来，艺术意蕴一种更是形而上学的内容。它是一种哲理或诗情的感性表现，只可意会，难以言传。 而且在艺术作品的内容构成中，大部分作品都能够有主题、题材和形象、情境，但并不是每个作品都具有艺术的意蕴。 总体上来说，艺术作品是以物质材料和艺术语言作为媒介，语言组合和内在结构为形式，所展现出题材、主题到形象、情境，再到意蕴的艺术作品的全部内容，都应该是一个完美的整体，才能称为流传后世的优秀作品。 第五章 艺术接受 指在艺术传播的基础上，以艺术作品为对象、以艺术接受者为主体而展开的积极能动的审美实践活动。 第一节 艺术接受的主体 指在艺术接受活动中，针对艺术作品进行阅读、观看、聆听以及批评、研究活动的人。他们是具有独立意志、充满能动性的实践主体。依次包括艺术鉴赏者、艺术批评者和艺术研究者。又主要指艺术鉴赏者，即读者、观众、听众。 一、接受主体的主观条件（什么是接受主体的主观条件） 艺术接受是指接受主体与接受客体在建构意义关系过程中进行的一系列审美实践话动，艺术接受必须满足一定的主客观条件。 客观条件：艺术作品需要具有自身的感性魅力、理性内涵与审美价值。客观条件存在时，艺术作品才能唤起审美接受者的注意，并使艺术接受活动继续下去。 主观条件：接受主体，必须具有一定的审美鉴赏能力、艺术素养、文化修养和人生阅历。主观条件存在时，艺术接受才能主动展开并取得积极成效 1、接受主体️主观条件的构成因素 审美鉴赏力 指人们认识美、评价美的能力，包括审美感知力、判断力、想象力、创造力等。是艺术鉴赏主体顺利开展艺术鉴赏活动的主要条件，艺术接受主体的基本主观条件，缺乏审美鉴赏力，艺术鉴赏就无法展开，艺术接受也丧失了起点。 艺术素养 指人们对艺术的认知和修养，特指人们对具体艺术门类的认知和修养。素养深浅决定创作水平的高低，也决定艺术接受的层次和质量，艺术素养以艺术感受力为前提，艺术知识为内容，判断力为最终目标，要长期的艺术实践、经验的积累和知识的吸收、学习而综合而成的主体能力。 文化修养 指人们对某些学科知识体系的了解、研究和掌握而提炼出的见识和升华出的智慧，是在学习的基础上，独立思考形成自己的世界观、价值观的一种能力。文化修养包括艺术素养，但不限于艺术素养。文化修养越深厚，理解艺术作品的能力也越强。 人生阅历 指人在生命历程中获得的见闻、经验和价值判断力。与人的年龄、所接触的人群以及所涉足过的地域都有密切的联系。人生阅历的深切影响接受主体对某些艺术作品的理解 2、主观条件的能动转化 指接受主体应具备的主观条件中，审美鉴赏力最具有能动性，艺术素养、文化修养和人生阅历只有朝着审美鉴赏力转化，才能释放出能动性，对艺术接受产生积极影响。 1、发挥审美鉴赏力的前提，是形成审美态度。 2、接着需要审美鉴赏力在审美感知力和审美判断力的两个纬度上发挥作用。 3、在加入想象力， “审美无利害”形成（审美无利害是怎么形成的） 审美无利害是审美态度，在西方可追湖至柏拉图思想，在东方可追湖至老庄思想。到近代，英国经验主义哲学家、美学家夏夫兹博里最早摆脱柏拉图式形而上学的束缚，从主体自身出发阐述了审美非功利的思想。为了纠正同时代经验派们片面强调感性欲望的倾向，夏夫兹博里提出了“内在感官”说。他将情感视为道德的依据，认为审美情感是通过 “内在感官”获得的直觉的快感，因而是一种“道德感”。他的观点得到了以后英国经验主义者们的普遍认同。在经验派影响下，康德提出并系统阐释了〝审美无利害” 的思想，并将其确立为一种审美原则。直至叔本华提出 “审美静观” 说，最终形成审美态度理论 审美无利害 —康德 “审美无利害”是康德美学的基石，也被认为是近代美学之有别于传统美学的标志。康德首先区分了感官的、道德的和美的三种快感。认为感观的快感与生理欲求相联系，道德的快感与善的目的相联系，前者追求直接的满足，后者涉及目的的概念，但两者都存在相关，而美的快感是一种主观的快感，仅仅以对象的形式，而无关对象本身的存在。康德为美下定义说“美是无一切厉害关系的愉悦的对象”。也就是说，审美对象能否成为审美对象，关键在于主体能否将对象从主体的功利欲求与现实的利害关系中解脱出来。 “审美静观说”—叔本华 叔本华的观点，“审美静观”，是一种人生境界，指人挣脱其固有意志和欲望的束缚、获得暂时解脱的一种方式。审美静观涉及几个要点：一是放弃 “对事物的习惯看法”，二是超脱个人主体的意志和欲求，三是物我两忘、主客一体。 “心理距离”—布洛 该学说认为，审美快感的产生，有赖于主体与对象之间保持一种情感上或心理上适当的距离，这种距离由于消除了主体对客体的实用态度而使快感呈现为美感，因而使主体对眼前的事物产生崭新的体验。心理距离是艺术创作、艺术欣赏及一般审美活动共有的主体特征 二、接受主体的地位和作用（20世纪艺术理论有哪些新的变化） 是通过接受主体在艺术接受活动中发挥其主观能动性而到体现的 20世纪艺术理论的普遍特点是把艺术接受以过去的以作品中心转移到了以接受者为中心，重在探讨接受者对艺术作品的欣赏、理解和阐释。以及这些活动对艺术创作、艺术史建构发生的反作用。 • 接受主体对艺术接受的主导性 艺术接受是接受主体调动生理和心理因素进行的审美实践活动,接受主体占据主体地位,发挥主导作用 1、艺术作品是一个复杂的体系，需要诠释者的解答。对艺术作品的理解，取决观察者的态度。 2、接受主体的主导性,通过“期待视野”发挥影响。接受过程之前已经拥有的具有定向的心理结构，期待视野来源于接受者个人的审美情趣，接受经验，还有社会影响因素，艺术作品的特性和价值是由接受主体赋予的，而不是艺术作品自动给予的, 3、艺术接受之前就已具备较稳定的意识结构，来源于个人综合素养，知识的构成，为艺术接受者的预期视野提供了基础，影响了接受者对作品的解读，强化了接受者的主导性 • 接受主体对艺术创作的反作用 艺术起于交流的冲动，从而获得了语言的意义。接受者的立场一开始就被纳入艺术家的构思之中，对创作造成了影响。并且，纯粹为自己创作的艺术家是不存在的，艺术创作根本上是一种为“他者”而进行的活动。 • 接受主体对艺术史建构的参与性 艺术发展具有历史继承性，即上一代的艺术会影响下一代的艺术，下一代艺术也会保留并吸收前代艺术的成功。只有在保留和吸收前人艺术接受经验的基础上，后代的艺术接受者才有理解前人艺术成就的可能。另外，继承是为了创新，创新是为了继承。而当新的接受主体源源不断地加人新的艺术活动中来，就不但强化了新的审美意识，而且必然因接受主体能动性而反作用于艺术创作，从而推动艺术的发展。 第二节 艺术接受的特征 一、体验性 指艺术接受是一种审美体验活动。就是亲身经、实地领会。指人们通过自己的感官，对人或物事进行直接感受、了解和把握图景化的思维活。体验是一种具有在场性和情境性的生命历程，既能回味，又有所预感。 审美体验是艺术鉴赏过程的中心环节。指鉴赏主体在面对艺术作品时，以自身审美经验为基础，审美直觉为起点，调动和联想、情感、想象等心理活动，潜入作品所规定的情境中，获得心灵愉悦、产生审美领悟的历程。 艺术体验是一种情感活动。艺术鉴赏的审美体验，实际上就是在直接感知艺术作品的基础上，通过直觉、联想和想象达到的一种情感体验。 二、过程性 指艺术接受活动是一个循序渐进的过程。由浅入深、由外而内、由低级到高级的层层推进过程 艺术鉴赏的过程 1.审美注意 指在日常生活中，人们受自己的兴趣、喜好和特定需要的指引，去注意某些事物而去忽视其他，这心理状态就是心理注意。当人们开始鉴赏艺术作品时，心理注意就变成了审美注意，它能够把鉴赏主体从日常生活中的意识状态带领到艺术鉴赏的心理状态之中。还可以把感知、想象、联想、情感、理解长时间集中于某一特定的艺术作品中，并保持长时间的稳定性，使鉴赏者审美注意集中，持续艺术鉴赏过程。 2.审美期待 当鉴赏者通过审美注意有了相应的心理定向时，他会对艺术作品产生相应的审美期待。比审美注意更近一步的鉴赏心理状态，艺术鉴赏的驱动力。没有审美期待，就无法启动艺术鉴赏活动。 3.审美感知 有了审美期待，艺术鉴赏过程便可准备就绪，接受活动就要进人审美感知阶段，开始其初步的历程了。审美感知是以直觉的方式进行的，而直觉是作为艺术接受主体的审美判断力而发挥作用的。艺术直觉能使人刹那间暂时忘却一切，聚精会神地观赏艺术对象，全身心地沉浸审美愉悦。 4.审美体验 在艺术鉴赏过程中，有了对作品的审美感知，更深的审美体验就要接踵而至了。艺术鉴赏中的审美体验是一种情感活动，需要想象和联想的参与。借助于想象，艺术鉴赏者才能进入质的欣赏境界，才能发择出再创造性，充实作品的形象，生发作品的意义。 5.审美理解 审美理解是在审美感知和审美体验的基础上出现的鉴赏者的理性直觉。艺术作品不仅是感知的对象，也是理解的对象。在艺术鉴赏中，审美理解早在感知段，便依靠审美直觉开始进行了。审美理解广泛地伴随着想象、联想、情感等心理活动，渗透于艺术鉴赏的所有活动环节，就正如情感始终渗透于艺木鉴赏的全部进程一样。 审美注意-审美期待-审美感知-审美体验-审美理解五个阶段是彼此联系，相互渗透的整体，没有用不可逾越的界限。 三、异同性 （怎么样理解艺术接受的差异性？） 艺术接受的差异性指因主体、对象和主客观条件的变化，艺术接受呈现出差异性。 相异个体的接受差异性。指不同个体在同一作品呈现的差异性，艺术接受差异性的主要表现。接受主体在生理条件、个性气质、情感倾向、审美经验、世界观、艺术和文化素养等多方面的差异，使得他们在面对同一件艺术作品时会产生不同的接受效果。 相异群体的接受差异性。指群体接受的选择性和群体在面对同一艺术作品时所表现出的接受差异性。艺术接受的时代选择性表现为不同时代的人们可能爱好不同的艺术作品，艺术接受的时代差异性表现为不同时代的人们在面对同一件艺术作品时产生的不同体验和评价。这也同样表现在民族差异性、社会差异性、阶级和阶层差异性上。 同一主体的接受差异性。指同一主体在对待同一件艺术作品时，也可能因时间、地点和前理解结构的变化而表现出差异性。由于人是一种历史性存在，不可能一成不变。每次在进行艺术接受实践时，都会对原有期待视野进行一次扩展和修正，从而诞生新的期待视野。艺术接受的时代差异即来源于此。 四、再创造性（为什么说艺术接受是一种在创造性活动？） 指艺术接受者在艺术作品所提供的信息的基础上，结合自身的艺术修养、审美经验、生活阅历等，发挥想象，丰富或提炼艺术形象生成艺术意义的创造性活。是一种二度创造性活动，既是对艺术作品内在价值的超越，又受到艺术作品的限制 什么是接受美学？接受美学吸收了马克思主义的什么思想源泉？ 接受美学又称“接受理论""接受效果研究”，产生于20世纪六七十年代的德国，80年代中期传入中国，是指作品的教育功能和娛乐功能要在读者阅读中实现，而实现过程即是作品获得生命力和最后完成的过程的一种美学观点。 接受美学反对作者中心论和作品中心论，而把读者与作品的关系作为研究的主体，探讨读者对作品的理解、反应和接受，以及阅读过程对创作过程的积极干预。 按受美学的创始人是尧斯、伊瑟尔等人，他们提出了以读者为中心的批评模式，认为文学史就是文学的读者接受史、效果史。接受美学家们认为，读者在此过程中是主动的，是推动文学创作的动力，文学的接受活动不仅要作品的性质制约，也受读者制约。 接受美学不仅从阀释学中获取了 哲学基础和方法论，还吸收了马克思的政治经济学原理，特别是马克思关于“艺术生产”的论述。正是由于吸收了马克思的这些思想资源、尧斯和伊瑟尔才能在动态的交往关系中去考察艺术活动，才能依照生产者、产品与消费者的关系结构，建立一套作者、作品与读者的关系模式，并以此赋予了接受者在艺术接受活动中的中心地位。 什么是期待视野？ “期待视野”是由德国学者尧斯提出，是一个接受美学的概念，指接受者在进人接受过程之前业已具备的一套具有定向性的心理结构图式，是接受者对艺术作品的预先估盼。期待视野来源于接受者个人的审美趣味、接受经验等，其中既有个人经验因素，又有社会影响因素，是历史形成的一套个人思维定向与观念结构，它决定了审美期待的广度与深度。期待视野包括文体期待、意象期待、意蕴期待。分别对应于艺术作品的三个层次。尧斯认为，艺术作品的特性和价值是由接受主体赋予的，而不是由艺术作品自动给子的。 第六章 艺术类型 第一节 艺术分类的历史演变 一、历史上的艺术分类 （诗、歌、舞，绘画与音乐、悲剧与喜剧、史诗与戏剧） 二、艺术类型划分原则 1、以艺术形象的存在方式为原则，时间艺术（音乐、文学）、空间艺术（雕塑、绘画）、时空艺术（戏剧、影视） 2、以艺术形象的审美方式为原则，听觉艺术（音乐）、视觉艺术（绘画）、视听艺术（戏剧） 3、以艺术作品的物化形象为原则，动态艺术（音乐、舞蹈、戏剧、影视等）、静态艺术（绘画、雕塑、建筑、实用工艺等） 4、欧美发达国家艺术直接划分原则，视觉艺术（绘画、雕塑、摄影、建筑、工艺等）、表演艺术（音乐、舞蹈、戏剧等） 5、艺术的美学原则，实用艺术（建筑、园林、工艺美术与现代设计）、造型艺术（绘画、雕塑、摄影、书法）、表情艺术（音乐、舞蹈）、综合艺术（戏剧、戏曲、摄影、书法）、语言艺术（诗歌、散文、小说） 意义：通过揭示各门艺术自身的特性和发展规律,以及它们各自不同的物质媒介和艺术语言,从而更加深入地认识和掌握各门艺术的审美特征和美学实质 第二节 艺术的主要类型 一、音乐艺术 指在时间上通过有组织的乐音流动来诉诸听觉、传达思想感情、表现生活感受的一种表现性艺术。一般可分成声乐和器乐。具有节奏性和表现性的审美特征。 交响乐（交响乐一般有几个乐章？） 所谓交响乐，就是用管弦乐队演奏的奏鸣曲。 交响乐一般包含四个独立乐章的器乐套曲： 第一乐章，快板，演奏曲式（引子、呈示部、展开部、再现部） 第二乐章，慢板，常用抒情的民间素材，三段曲式或回旋曲式 第三乐章，快板或稍快，常用舞曲形式 第四乐章，快板或急板的终曲，回旋曲式或变奏曲式，有时也用较为自由的悲鸣曲式。 二、舞蹈艺术 指是以有韵律的人体动作为主要表现手段,运用舞蹈语言、表情和构图等多种要素，塑造出具有直观性和动态性的舞蹈形象，从而表达人们思想情感的一种艺术类型。总体上可以分为生活舞蹈与艺术舞蹈。具有表演性和形象性的审美特征。 三、戏剧艺术 指在舞台上有演员扮演角色，以对话和动作为主，主要运用多种艺术手段，为观众当场表演故事情节的一门综合艺术。在这里主要分为戏曲艺术和话剧艺术。戏剧艺术具有戏剧性、剧场性的审美特征，而戏曲艺术还具有综合性、虚拟性、程式化的相对独立的审美特征。 话剧艺术 悲剧（请结合具体的戏剧作品说明西方悲剧的主要种类） 作为戏剧艺术的主要类型之，悲剧历来被认为是戏剧之冠，具有崇高的地位。悲剧常常通过正义的段灭、英雄的牺牲或主人公苦难的命运，显示出人的巨大精神力量和伟大人格。 古希腊悲剧是西方话剧史 上最早出 现的戏剧，其题材大多来自神话传说与英雄史诗，埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯，是古希腊时期最为知名的三大悲剧家。 这一时期的悲剧通常被称为 “命运悲剧”，如索福克勒斯的《俄狄浦斯王》即是如此，表现了人因无法挣脱自然和命运的束缚，而导致悲剧的结局。在剧中，俄狄浦斯虽几经周折，但仍然无法逃脱 “弑父娶母”命运的摆布。《俄狄浦斯王》这出悲剧，深刻反映出早期人类迈人文明门槛的艰难历程。 其后，欧洲在中世纪木又出现了所谓 “性格悲剧”。这一时期的悲剧，体现了黑暗现实与人文主义理想的矛盾沖突。如莎士比亚四大悲剧之一的《哈姆雷特》，即是这一时期的代表作品，主人公哈姆雷特最终因性格上的缺陷而造成悲剧，反映出欧洲中世纪封建宗教迷信长期压制下人物灵魂深处的激烈冲突。 到了近现代社会，“社会悲剧”逐渐产生。如19世纪挪威著名戏剧家易卜生所创作的 《玩偶之家》（又名《娜拉出走》）等，就批判性地揭露了历史进程中各种不合理的社会现象，触及了资本主义时代尖锐的社会矛盾。 此外，现当代西方悲剧创作风格更加多样，如瑞士剧作家迪伦马特的 《老妇还乡》（1956年)，就是一部融合了悲剧与喜剧于一体的、具有荒诞风格的悲喜剧作品。 戏曲艺术（为什么说中国的戏曲具有程式化与虚拟性的特点？具体表现是什么？） 古典戏曲是我国传统文化的集中体现。作为长期农业社会的产物，中国戏曲深受儒家文化、民俗文化，乃至宗教文化的影响，深刻地折射出中国传统艺术精神与美学追求。中国戏曲具有相对独立的审美特征，主要表现在综合性、虚拟性、程式化三个方面。 首先，从综合性上来看，戏曲作为一种歌舞化的“剧诗”，将音乐、舞蹈、戏剧、文学融为一体，比话剧更具有综合性。这种高度的综合性，可以说，是戏曲艺术最基本的审美特征，也是中国戏曲与西方话剧最主要的区别。 其次，戏曲艺术的审美特征还包括虛拟性。虚拟性是指戏曲艺术通过 “虚实相生”“以形写神”，使演员能够更加充分地利用戏曲舞台有限的时空，集中地表达思想感情。 最后，戏曲艺术的程式化，也是戏曲艺术的重要审美特征。在戏曲舞台上，戏曲演员的角色行当、表演动作和音乐唱腔等，都具有一定的程式。 四、影视艺术 指通过画面、声音和蒙太奇等影视语言，在银幕或荧幕上创造出感性直观的形象，在现和表现生活的艺术。人们唯一知道诞生日期的两门艺术。主要分类为电影艺术和电视艺术。审美特征体现在运动着的画面、声音以及完成画面、声音组合的蒙太奇之中，还具有鲜明的民族性和时代性,。还有艺术性与娱乐性、商品性与文化性等。 五、美术艺术 是对采用造型手段塑造视觉形象的众多艺术类型的一种统称，广义来说，包括书法、绘画、雕塑、工艺美术以及设计艺术、建筑、园林、还包括摄影艺术、装置艺术等 1、书法艺术 书法是书写的艺术，是中华民族一种独特的传统艺术类型。书法艺术主要通过汉字书写过程中的笔墨、点画和章法等造型美，来构成美学境界，并从而表现出人的精神、气质和品格。书法艺术运用抽象的，“点、线、笔、画”，将本来只有实用价值的文字书写，升华到艺术的境界。 2、绘画艺术 美术中最主要的一种艺术形式，在美术类型中应用最为广泛。绘画艺术指线条、色彩和形体等造型手段，在平面空间里塑造出艺术形象的静态艺术。绘画种类繁多，范围广泛。可以从体系、题材内容、工具、形式来分类。 中国画（请结合具体的艺术作品，论述中国绘画的审美特色） 简称国画，在世界美术领域中自成体系，独具特色，成为东方绘画体系的主流，审美特点主要表现在： 工具材料 首先表现在工具材料上，往往采用中国特制的毛笔、墨或颜料，在宣纸或绢帛上作画。因此，中国画又可称之为“水墨画”或“彩墨画”。由于采用特制的毛笔来作画，使得“笔墨”成为中国画技法和理论中的重要术语，有时甚至成为中国画技法的总称。 构图方法 在构图方法上不受焦点透视的束缚，多采用散点透视法，使得视野宽广近阔，构图灵活自由，面中的物象可以随意列置，冲破了对间与空间的局限。（《韩熙载夜宴图》） 诗、书、画、印有机结合 绘画与诗文、书法、篆刻有机地结合在一起，相互补充，交相辉映，形成了中国画独特的内容美和形式美。 美学思想 从根本上讲，中图画的特点来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想。东晋顾恺之就提出“以形写神”和“迁想妙得”，强调应当以画家的主体精神与想象能力来超越对客观物象的机械描绘。尤其是以儒家、道家和禅宗为代表的中国传统美学，更是对中国画的艺术传统产生了深厚的影响，从而形成了独具特色的中国艺术精神。 西方绘画 油画是西方绘画艺术的代表，具有极高的造型能力和色彩表现力，因使用油质颜料作画而得名。 3、雕塑艺术 雕塑是一种最具有实体感的造型艺术类型。雕塑是立体的空间艺术和视觉艺术，因运用一定的物质材料制作出具有实体形象的艺术品，制作方法主要足雕刻和塑造，故被称为雕塑。 4、工艺美术 工艺美术，又可称为“ 实用工艺“，一般是指在造型和外观上具有审美价值， 与人类的日常生活相关的一类美术品的总称。工艺美术是美术所属艺术之中品种 繁多的一类，涉及日常许多方面，对美化生活有着重要的作用。 美术的审美特征 造型性，指艺术家运用一定对物质材料，塑造出欣赏者可以通过感官直接感受到对艺术形象。 视觉性，美术的造型必然是借助接受者眼睛的实在体，这是美术同其他艺术类型区分来开的重要特征。 瞬间性，客观世界中的一切事物都处于运动之中，静止只是相对的，因此美术的静态，带来瞬间性的特点。 永固性，指美术的瞬间形象一旦被创作出来，就同时被物质材料固定下来，可供多人多次欣赏，甚至可以千百年流传下去。 六、设计艺术 工业革命后兴起的一种交叉性应用学科，既区别于手工业品制作也不同于纯艺术作品创作，他是现代大工业生产基础上产生的工业产品创新的社会实践形态。几乎包括一切与人们生活紧密相关的设计。其中包括视觉设计，产品设计和环境设计。最基本的特征就是实用性与审美性相结合，满足人们物质、精神上的需要，同时还具有时代性的审美特征。 七、建筑园林 建筑和园林都是具有很高实用性价值的艺术类型，二者皆以改善和美化人类的生活于居住环境为诉求，有时候，建筑与园林还会互相成为对方的组成部分，同时又具有各自不同的特点和规律。审美特征体现在非常注重形式美，具有鲜明的时代特色，还有独特的民族性。 建筑，是建筑物和构筑物的通称，是人类用物质材料修建或构筑的居住和活动的场所 园林，指在一定的地域运用工程技术和艺术手段，通过改造地形、种植花草、营造建筑和布置园路等途径创作而成的美的自然环境。 第三节 各种艺术之间的关系 一、各种艺术的相互联系 在艺术领域，各个类型的艺术之间始终存在着相互联系与普遍的融通。 艺术的基本特征之一是形象性，任何艺术的类型都是以感性形象来反映世界。 各个艺术类型的表现方式也同样存在者相似之处，而且通常来说，某些艺术类型之间还具有密不可分的关联。 各个类型的艺术还具有相通的审美诉求。 二、艺术类型的分化与综合 指各个艺术在自身的历史发展中，不断的分化与综合的过程。分化与综合不只是“物理层面”的叠加，更是“化学层面”的融合。因为艺术各个类型以及类型中的各个形式，都是彼此开发的体系。只要具备了一定的条件，艺术类型就可能在分化和综合中呈现更多丰富的内容和形式的发展，推进艺术系统，使新的艺术学科兴起。 第七章 艺术的发展 第一节 艺术的起源 一、关于艺术起源的主要学说（历史上主要有那种关于艺术起源的理论，如何理解他们的内涵？） 模仿说 这是一种较早提出的艺术起源理论，认为艺术起源于人类对于自然或社会生活中存在的事物模仿，假定人类具有一种“模仿本能”，通过对物体或现象的模仿创作出了艺术。通过蜘蛛学会了织布和缝补，从燕子学会了造房子，从天鹅和黄莺歌词的鸟学会了唱歌。 意义：在今天看来，艺术无疑包含着模拟性因素，但又不是单纯的模仿，模仿活动之中也渗透着创作者个性的、表现性因素。这种说法只是触及了事物的表面，没有揭示事物的本质，模仿说显然是由一定局限性的。 游戏说 这种说法由18世纪德国哲学家席勒提出，认为艺术活动起源于人的游戏冲动和游戏活动。认为人在进化过程中发展出了“过剩的精力”，并运用到没有功利的活动中，就体现为一种自由的游戏，由此产生艺术。认为人只有摆脱了物质与功利的强迫，有审美的自由，艺术才会发生。 意义：游戏说抓住了艺术创作中的自由意志。游戏说本质上反映了人类进入现代社会以来的烦恼，因为现代社会的理性和功利造就了现代化的伟大成果，极大地改善和提升了人类的生活水平，但与此同时也极大地束缚人的精神自由，使人在功利性的劳碌中疲于奔命，仿佛只有放弃了功利和理性，才能得到片刻的解脱。艺术因此也有助于缓解社会压力，放松人们紧张的神经。但以此来解释艺术起源却也未免有失于片面，是现代人的观念强加于原始艺术的产物。况且，艺术本身或多或少都会染上功利的色彩，纯粹的无功利艺术活动往往只是一种理想状态。 表现说 这个观点在中西方都有着悠久的历史， 如汉代《毛诗序》中“情动于中而形于言”，19世纪克罗齐“直觉即表现”。认为艺术起源于人类表现情感的需要，因此艺术就成为艺术家表现的主观想象和内在情感的产物，因而只有表现情感的艺术才是真正的艺术。 意义：艺术确实要表现情感，艺术家确实是通过自己的作品向他人、向社会表现自己的思想和情感。但是，把艺术的起源归结为“表现”，脱离开人类的社会实践，脱离原始社会生产力低下的实际情况，仍然是把现象当作本质，把结果当作原因，同样不能科学地阐明艺术的起源问题。 巫术说 爱德华泰勒在《原始文化》一书中提出，认为原始人类的世界观 就是给一切现象凭空想象加上无所不在的人格化的神灵的任性作用。巫术说主张艺术发端于原始巫术，原始巫术是指原始人类利用幻想的超自然神奇力量来实现他们功利性目的的法术。 意义：尽管原始艺术与原始巫术存在者密切联系，但认为艺术起源于巫术，却忽略了人作为创造主体的另一种实践形式，用工具改造自然的劳动实践活动。以此来说明艺术起源，不能完全令人信服。 劳动说 劳动说在我国文艺理论界占据主导地位的理论，是认为艺术起源于生产劳动。劳动说重点突出了在艺术起源过程中劳动创造所起到的推动作用。普列汉诺夫在《没有地址的信》中，引用大量原始音乐、舞蹈、美术的资料，详细论证他的观点，并且得出了艺术发生于劳动的观点。 意义：劳动是艺术起源的内在动力，但是艺术的产生不能简单地归因于劳动。从劳动到艺术的诞生，经过了巫术礼仪，歌舞图腾等阶段，还跟其他社会生活的内容，如政治、战争、爱情，与艺术起源有必然的联系，并且是一个相当漫长的历史阶段，最后才诞生了纯粹审美意义上的艺术。 艺术起源于劳动为内在动力的人类整体文化创造实践活动，从艺术的发生和最初发展，明确可以看到一个符号的创造和赋义的文化过程，艺术起源于人的文化实践活动，换言之就是人的文化化，人的审美意识和审美原则就在人的文化塑性中产生和发展，今天这一过程仍在继续。 第二节 艺术的发展进程 一、历史上对艺术发展规律的实践活动（艺术发展规律的学说） • 时代决定说 该学说认为，艺术的发展与时代变化相辅相成，时代是主导艺术发展的核心要素。丹纳《艺术哲学》的“时代”包含了精神文化、社会制度、政治经济状况等，它们决定了时代精神和风俗习惯，形成一个时代独有的“精神的气候”,影响制约着艺术家,决定着艺术类型的起伏变化. • 观念演变说 该学说认为，艺术发展是人的思想观念变化引起并主导的。艺术发展的本质是因为作为世界本原的理念的发展变化对文艺产生了不同的作用。艺术不过是理念的感性显现，而理念在其感性的辩证过程中，依次会经历不同的阶段性演变和发展。 • 艺术自律说（2020年真题） 该学说认为，艺术发展取决于其内部各要素的不同组合变化。该观点注重从艺术作品的形式和结构上分析问题,认为艺术的发展处在一个“创立-繁荣-衰落”的自律性过程。艺术的发展总是在风格变化上呈现两种形态，既传统模式和背叛模式，如果背叛模式战胜了传统就会出现风格的变化和转型。 • 生产实践说（怎么样用发展的马克思主义理论阐释艺术发生的过程？） （马克思）该学说认为，艺术发展的根本性的动力是人类的生产劳动实践，生产劳动实践说明它阐明了艺术发展的动力机制。 • 生产劳动艺术的发展的前提 生产在艺术发生之前，艺术发生在生产之后，这是马克思唯物主义的基本观点。马克思主义认为，工具与艺术都是人的创造，艺术的创造是工具创造的逻辑发展；工具是 人类社会的起点，艺术发生的前提和条件都是在人们使用工具改造自然的基础上产生的；工具促进了形式美感的产生。人们在实践中发现，尖、薄、光滑、对称的工具更锋利、更方便、更有实用价值，这些为人们所喜爱的形式经过世代的积累逐渐与实用观念相分离，成为独立的审美形式。工具促进了技术的发展。人们在制造工具的过程中，锻炼和提高了手的灵巧，脑的才智以及手脑配合，所有这一切，导致造型艺术中技巧、技法的产生。 • 生产劳动实践水平本质上决定着艺术发展的阶段 一定的艺术发展阶段总是要与那个时代的生产劳动实践的水乎相适应。 1、在生产力低下、生产关系简单的原始社会里，艺术的发展直接由生产工具决定。 2、进入阶级社会以后，人类的生产工具以金属器具为主，大大提升了改造自然的力量，而后造型艺术、歌舞艺术都有了跨越式的发展，艺术的审美性和精神性需求日益高涨，艺术与实用性开始有了某种程度的分离倾向。 3、如今，影像技术的发展催生了影视艺术，计算机技术的发展催生了新媒体艺术。 • 与生产劳动相适应的经济基础始终制约和影响着艺术发展. 1、经济基础，是与一定的物质生产力相适应的，由社会生产关系的总和构成的现实物质基础； 2、上层建筑，是建立在经济基础之上的政治、制度及思维方式、世界观或社会意识形态的总和。 经济基础是决定和制约上层建筑的本质性的力量，而艺术的发展也要受到经济基础的制约和影响。 二、艺术发展的相关因素 艺术发展像一条流动的长河，未曾有过间断，他受政治、经济、社会、文化、观念和艺术形式等因素的深刻影响。 划分艺术发展阶段的标志性因素，有三个：政治经济因素，文化类型因素，艺术观念和艺术表现因素 政治经济因素 以王朝史和政治经济史作为艺术发展阶段划分的主要依据 （中国传统的艺术史分期主要以王朝和政治经济史为依据） 文化类型因素 以文化圈和文化精神作为艺术发展阶段划分的主要依据 （古希腊艺术，中世纪艺术，文艺复兴） 艺术观念和艺术表现的因素 以艺术思潮或艺术形式风格作为划分艺术发展阶段的主要依据 艺术思潮：可分为古典主义艺术、浪漫主义艺术、批判现实主义艺术等，在中国分为古代艺术、现代艺术、当代艺术。 艺术发展的特征 任何因素都不可能是绝对的完全的、普适的，艺术的发展是延续的，总体上呈现出层积性、复调性、多元性的特征 层积性，指艺术发展中的艺术形式和艺术思想是层层累计而不断扩展的，想树木的年轮的生长，前阶段的艺术并未彻底消亡，它的因子蕴含在后起的艺术活动中。 复调性，指艺术发展中几组因素的相互作用，反复出现。艺术发展中的某一特定时段一个主因群被另一个主因群不断取代，被取代的主因群并不从艺术体系中全然消失，它们暂时隐退到历史背景中，日后可能以另一种新的方式重新出现。 多元性，指特定时代的艺术发展往往是多元共存的格局。认识艺术史要有综合全面的眼光,既要看到主流艺术倾向，又要兼顾非主流艺术创作，可能这种非主流艺术恰恰是新时代的主流艺术。 （艺术发展的内因和外因有哪些，它们有什么样的作用？） 艺术的发展受政治、经济、社会、文化、观念和艺术形式等因素深刻的影响 外因 1、艺术的发展受政治经济的影响，不同的政治体系和经济的发展会影响艺术的发展走向。 （中国古代王朝，西方历史） 2、艺术的发展受文化类型的影响，不同的文化圈和文化精神的影响不同，会影响艺术发展的走向。 （古希腊艺术，中世纪艺术，文艺复兴） 3、艺术的发展受艺术观念和艺术表现的影响，主要体现在艺术思潮或艺术形式风格上。 （古典主义艺术、浪漫主义艺术、批判现实主义艺术） 内因（艺术发展的特征） 1、艺术发展具有层积性，指艺术的发展是层层累积而不断扩展的。 （像树木的年轮的生长，前阶段的艺术并未彻底消亡，它的因子蕴含在后起的艺术活动中。） 2、艺术发展具有复调性，指艺术的发展中几组因素相互作用，反复出现。 （艺术发展中的某一特定时段一个主因群被另一个主因群不断取代，被取代的主因群并不从艺术体系中全然消失，它们暂时隐退到历史背景中，日后可能以另一种新的方式重新出现） 3、艺术发展具有多元性，指特定时代的艺术发展往往是多元共存的格局 （同时代的艺术会有不同的表现） 外因能够直接影响艺术发展的走向，而内因主要是作为艺术发展内在的规律和特征。同时，任何因素也不是绝对完全普适的，艺术发展受到的影响是复杂的，需要综合分析各方面带来的影响。 三、艺术发展中的几个主要问题 1、艺术发展中的平衡与不平衡（如何理解和认识艺术发展中的平衡和不平衡关系？） 艺术发展中的平衡和不平衡指艺术与社会物质基础之间的关系。艺术总体上与社会物质基础基础的发展水平同步，但在某些特殊时期，二者也有可能呈现出相异的步调。 平衡： 艺术是特定时代的产物，必会受到这一时期社会生产力主导力量的制约。 不平衡： 社会物质对艺术的制约和影响作用并不是直接的，往往要经过一定社会的、制度的各种因素的中介环节起作用。艺术与社会物质基础的发展并不总是同步的，艺术的发展有慢有快，还有可能与社会物质基础呈反方向发展。正如马克思所指出的物质生产与精神生产的不平衡关系。 2、艺术发展中的继承与创新（如何充分认识艺术发展过程中继承与创新的关系？） 继承与创新之间辩证和互动关系是推动艺术自身发展的重要条件。任一时代的艺术都是继承前代艺术的基础上发展而来的，而一个时代的艺术总是对前一个时代的艺术进行反思、变革而有创新。继承与创新是艺术发展中的一对矛盾统一的基本范畴，继承与创新相互对立又相辅相成。 艺术需要继承，在艺术继示中要防止固化、停滞，不仅要继承传统，还要注重对艺w术传统的发展。但是，继承也并不意味着对传统的全面吸收而应做到去粗存精、推陈出新，因此艺术必然要在坚持继承的基础上进行创新。 继承是必然环节，创新是关键环节。在艺术发展中，继承和创新是紧密连结在一起的；没有继承，便不会有创新；没有创新，继承也失去了意义。 第八章 艺术的风格、流派与思潮 第一节 艺术风格 一、艺术风格的界定（简述艺术风格的界定） 艺术风格主要指艺术家的创作个性与艺术作品所呈现出的相对稳定和艺术风貌、特色、作风、格调和气派。风格是艺术家创造个性成熟的标志，也是作品达到较高艺术水准的标志。 风格是艺术家在创作实践中逐渐形成的，是艺术家的创作见解通过独特的艺术形式的表现，是一个艺术家在全部作品中反映出来的基本特色和创作个性。风格既包括艺术家个人风格，也包括流派风格、时代风格和民族风格等，最受重视的是艺术家的风格和作品的风格。 艺术家的风格是艺术家本人精神风貌、思想人格在作品中的具体体现。艺术风格是艺术家个人创造精神和聪明才智的结晶。艺术风格是欣赏者认识艺术家等重要依据。艺术风格还是美学理论、艺术理论的重要研究对象。 艺术风格的形成受到主观和客观的影响。主观因素包括心理功能、生活经历、思想修养和艺术修养。客观因素包括时代社会、民族因素和文化因素。 艺术风格的形成 艺术风格的形成有者复杂、多方面的原因,它受到艺术家自身的条件及社会政治、经济、文化等各方面的制约与影响，可以把这些因素归纳为主观的和客观的两个方面。 主观因素 指创作主体的艺术家的自身条件，这些条件和因素,决定了艺术家把握生活、表现生活的独特性，使在创作中体现出一定的、属于自己的特色。 1.心理功能。艺术风格的形成，与其自身的心理功能有着密切的关系，艺术家的心理功能，主要是指他的情感、气质及其他心理特质。 （情感，是人对客观对象的一种特殊的反映形式，客观对象与自身关系的一种主观性的心理反应，艺术活动中的情感因素更多的是一种审美情感） （气质，表现在人的情绪体验的快慢、强弱，表现的隐显以及动作的敏感或迟钝等方面生理素质基础上，生活实践后天形成，受人的世界观和性格制约） 2.生活经历。艺术家的个人生活经历不同,会对他的创作风格产生较大的影响.很大程度上后天的生活经历和实践会使人受到影响,都会对自己的创作风格的形成或转变产生程度不同的制约作用 3.思想修养。即世界观因素。艺术家在哲学、政治、道德、美学等方面的修养和观点,无不渗透在艺术作品中 4.艺术修养.艺术家多方面的艺术修养,如艺术的鉴赏力和艺术地感受生活的能力、艺术的表现能力等 客观因素 风格并不少艺术家主观随意的表现,而是在艺术家的主观特性与对客观现实的真实反映结合中表现出来的 1.时代及社会因素.艺术家生活的外部时代条件和社会环境会对他们的风格的形成和变化产生较大的影响,不管个人的个性如何独特,都会深深留下一定的历史时代和社会生活变革的印记,也都会影响创作倾向和风格. 2.民族因素.艺术家从属于一定的民族,在一定的民族区域生活中,民族特定的社会生活、文化传统、心理素质、精神状态、风土人情、审美理想就会反映到创作中来 3.文化因素,在一定的区域和环境中的文化状况、文化氛围及艺术的形式因素等,与时代和民族因素相关,但不完全等同.与特定的文化状况、文化氛围有着十分直接的关系。人们的审美需求状况、文化消费的倾向、社会生活的基本水准、社会文化心理等,都影响者艺术家风格的创作 总结：不能过分强调某一方面因素的作用而忽略其他 二、艺术风格的类别 1.依据艺术风格的表现主体及载体来划分，艺术风格可以分为艺术家风格、艺术流派风格和艺术作品风格。 艺术家风格，指在艺术家的审美精神、创造和艺术特色等方面体现出的特点。 艺术流派风格，指由那些获得社会共识的艺术流派所拥有的共同艺术特色。 艺术作品风格，指作品在内容与形式的和谐统一中展现出总的思想倾向和艺术特色,集中体现在主体的提炼、题材的选择、形象的塑造、体载的驾驭、艺术语言和艺术手法的运用等方面. 2.依据艺术作品呈现出的美学特性来划分，可以产生多种划分方式，将艺术风格分为多种类别。 西方美学，优美、崇高、悲剧、喜剧、滑稽、荒诞等。 中国传统美学，豪放、沉郁、悲慨、俊爽、冲淡等。 3.依据艺术活动及其作品在社会历史进程中呈现的特色来划分，可以将艺术风格分为时代风格、民族风格和地域风格。 时代风格，指特定时期所形成的具有浓郁时代风貌和人文内涵的艺术风格。 民族风格，指在每个民族发展进程中所呈现出的艺术风格。 地域风格，指在一定的地域和环境中呈现出艺术活动及其艺术作品的风格。 三、艺术风格的基本特点及其意义 1、继承性与独创性 风格具有继承性，无论何人都不能无视前人艺术成就的客观存在，对前人风格的继承是艺术活动延续的必要条件，在继承的基础上,还需要在前人的艺术上杨弃，有益的为我所用，与自身的艺术特色相融合，形成鲜明的独创性。 意义：在继承的基础上，将前人艺术中有益的因素为我所用，并加以改造，与自身的艺术特色相融合，以形成独具一格、不落俗套、较为稳定的风格特色，才是优秀艺术家追求的目标 2.稳定性和变异性 指艺术家特定的风格一旦形成，就会贯穿创作各个阶段，表现出一定的连续性和稳定性。艺术风格形成之后，仍会不断发展、变化。 意义：艺术风格的相对稳定性为人们认识艺术家提供了有效的帮助，人们可以从这种相对稳定的风格中寻觅到属于艺术家本人的特色，并沿着这种特色形成的轨迹，考察艺术家的创作历程和艺术成果的价值。 任何艺术家的风格都不会永久停留在一个点上，稳定是相对的，变动则是绝对的。风格的变化受到主观和客观的影响导致变异。 意义：有的风格会日渐成熟，更具有民族特色、时代特色以及个性色彩，艺术魅力的价值更高。有的则可能会逐渐滋生消极的情绪。 3.多样性与同一性（试述提倡艺术多样性的意义） 风格的多样性是艺术风格的必然特征。任何一个艺术门类，我们都可以从中发现多种多样的艺术风格，任何意味出色的艺术家，都能发现他的与众不同，具有个性的艺术风格。 同一性是多样性的同一。就独立的艺术家而言，指他的风格尽管多样，但总是会保持自己一贯的、稳定的主导风格，艺术家的风格尽管多样，但不能脱离和超出时代、民族的风格而独立存在。 意义： 倡导艺术风格的丰富性和多样性，是繁荣艺术创作的必由之路。 艺术风格的多样化可以带来艺术繁荣。社会主义时代的之下，坚持“二为”方向、“双百”方针的指引下，鼓励发展不同的艺术创作特色，倡导艺术风格的多样性，这样，才能持续地为人民大众提供更多更丰富的艺术产品，满足人民大众不断增长的审美文化的需求。 倡导艺术风格的丰富性和多样性，是驱动创新的根本途径。 艺术风格的多样化发展，符合艺术创作的基本要求，是对艺术本质规律的深化和自觉遵循。艺术的不断创新，要求艺术家基于自身的审美意趣和创作特点，努力张扬具有特别意味的风格和特色。没有风格的多样性呈现，势必造成艺术创作的呆滞、千篇一律，缺乏生命力，不利于艺术创作的不断深化与创新。 倡导艺术风格的丰富性和多样性，是中国艺术走向世界的重要举措。 文化的悠久厚重与博大精深，同时又应当以缤纷多彩的艺术特色和当代气派，显现出强大的市场竞争力和社会影响力，只有这样，才能在弘扬中国传统文化、增强中国文化软实力中做出积极的贡献。 第二节 艺术流派 一、艺术流派的形成 艺术流派的含义：指一批思想倾向、审美理念、艺术趣味、创作风格相近或近似的一些艺术家所组成的艺术派别。 形成的基本依据 1.具有相对稳定的艺术创作群体，包括具有卓越能力的创始人和一定数量的代表人物。 2.具有传承性。 3.具有鲜明的艺术观念、创作宗旨以及代表艺术作品。 4.同一流派的人们有着相近的艺术表现风格。 5.有较稳定的受众群体。 原因 1、社会发展（政治、经济） 2、艺术自身发展 特征 艺术流派的产生具有十分浓郁的地域文化的特征 地域独立性和差异性 地域文化具有稳定性和延续性 地域文化具有长期性和动态性 形成方式（类型） 1.自觉组成的艺术社团。一些志同道合的艺术家群体在长期的创作中有意倡导、自觉组织起来的艺术组织。 2.不自觉的情况下自然形成的艺术流派。此类艺术家艺术创作的题材、技巧、理论主张比较相近 3.他人或后人认定的艺术流派。有的艺术家提出和实践某种艺术主张或艺术原则，逐渐得到一些其他的艺术家赞同和效仿,形成风气，并得到社会认同，但未必真正有实质性的联络和形成结社性群体，而是得到他人或后世人们的认可。 二、艺术流派的流变 艺术在发展进程中，社会情况的复杂性和影响力，艺术活动内部规律的驱使和衍变的复杂性和多样性，会使艺术家或时代、民族的风格均呈现出独特的特点，使艺术创作与作品呈现独特的特点，催生着艺术流派的生成和流变 艺术流派的形成与流变，需要适宜的土壤。具有大体相同的审美倾向和艺术风格的艺术家会促成某一流派的形成，同时也离不开社会政治经济文化等因素的促动和影响。 艺术流派的流变和发展，更重要的是艺术活动内部众多艺术家、艺术群体之间的相互碰撞、融合与影响，特别是某些组织者的出现，具有关键性的作用。流派的形成，除了要有产生人才的土壤外，还要有人为组织的推动。 同一流派的某些艺术家，可能会表现出不尽相同的审美倾向和艺术风格。这种同中有异现象正是艺术风格丰富性和多样性的体现。 有的艺术流派可以持续较长的时期，体现出一定的继承性和延续性，也有一些艺术流派只存在一个较短的时期，经历了短暂的活跃后便走向衰微。 三、艺术流派的影响（谈谈艺术流派的含义及其影响） （艺术流派的含义：指一批思想倾向、审美理念、艺术趣味、创作风格相近或近似的一些艺术家所组成的艺术派别。） 影响： 有助于激活艺术领域内部的创新活力。风格构成了艺术流派与众不同且独立于世的特性，是该艺术流派艺术家集聚能量，激发更大创新、创造能力的重要因素。 有助于不同特色艺术群体之间的相互交流与共同发展。不同流派、不同艺术群体及艺术家之间，必须要有密切的交流，也要有观点之间的碰撞与交锋，才能形成艺术观念的融合与提升，不断推进艺术创作的进步。 有助于繁荣艺术创作、激活艺术生产，为社会和大众提供丰富和优质的艺术产品，都具有重要作用。不同艺术流派之间可能产生观点之间的论证和竞争，可以折射出当时社会政治以及意识形态的发展特点。这些论证是艺术领域内部充满活力以及艺术繁荣的表现，艺术活动的基本之一，不断推动艺术创新的发展。 第三节 艺术思潮 艺术思潮是指在一定社会历史条件下、特别是在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，艺术领域所发生的具有广泛影响的思想潮流和创作倾向。是倡导某种文艺思想的几个或多个艺术流派所形成的一种艺术思潮。 一、产生的条件（论述艺术思潮的含义和产生条件） 1、社会条件。 艺术思潮是特定历史和时代的产物，是在特有的社会思潮与哲学思潮的影响下出现的现象。通常与一定的社会思潮密切相关。 2、哲学基础。 艺术思潮的本质以一定的哲学思潮为基础，蕴含着深刻的哲学内涵。艺术思潮得以形成潮流以及产生积极影响的基础是哲学思潮及其美学思潮。 3、艺术思潮的内在因素。 艺术思潮的出现主要源于艺术内在规律的驱动，这是一定的社会和历史时期艺术活动与发展的结果，是艺术内部各种因素的积聚、演变和矛盾，是多种内部力量对抗与碰撞的结果。这是艺术思潮产生的内在因素 二、艺术思潮的类型 1.以思想解放和社会变革为目标的艺术思潮。此类艺术思潮与社会和时代的进程紧紧相连，将人的思想解放与社会变革作为艺术探索的根本目标 2.以文化创新为宗旨的艺术思潮。以鲜明的文化创新及其艺术精神的深化作为基本宗旨，历史上艺术思潮较多的一种。 3.以艺术形式创新为主旨的艺术思潮。重在突出在艺术的形式语言和方式方法的研究与探索，努力使各类艺术在其形式上有较大的创新和突破。 三、艺术思潮的评述 1、艺术思潮可以影响和推进艺术创新的重大突破和迅速进展。 2、艺术思潮具有突出的流动性和交叉性。 流动性：艺术思潮在某地兴起后，就会以极快的速度蔓延，或波及不同的地区、城市甚至国家,，是波及更多艺术领域。 交叉性：特定的时期,一定的艺术思潮在其允许与蔓延的过程中，会与其他的思潮会和交融，甚至出现多样性艺术思潮的重新组合。 3、艺术思潮有时也可能参与和影响社会及时代的变革，作用于社会的发展。在一定时期可能对社会的发展起积极的推动作用。 4、艺术思潮并非全部是积极的，有时可能会出现不够积极甚至消极的形态，与社会及文化发展相游离，甚至相背反。 第九章 艺术批评 第一节 艺术批评的含义与性质、原则和意义 含义：（什么是艺术批评？） 艺术批评是艺术接受的最高形态，是艺术鉴赏的深化和学理化，可以指导艺术鉴赏和艺术消费，同时指导着艺术创作，是艺术理论的实践及艺术史的有机组成，也是艺术生产和艺术创造的重要环节。 性质： 艺术批评是艺术学理论的重要组成部分。 艺术批评是一门人文社会科学。 客观性 原则：（艺术批评应该遵循的重要原则有？） 恩格斯主张的美学的观点和历史的观点，即美学标准和历史标准的结合。既要从美学的角度，还要以发展的历史的眼光来看艺术作品 。将作品置于历史的范围来考察，辩证分析其历史继承性和创新性，不能否定、无视历史。 形式与内容相符合的原则。（“真”“善”“美”统一的标准,） “真”，即对作品的真实性的要求。 “善”，即对艺术作品要符合社会主义核心价值观的要求。 “美”，即对艺术作品美学艺术方面的要求。 毛泽东在 《在延安文艺座谈会上的讲话》 中提出的“政治标准”“艺术标准”相结合的原则； ***《在中国文联十大、中国作协九大开幕式讲话》 中提出的文艺作品“艺术性”“思想性”“价值取向”相统一的原则，也是重要的关于艺术批评原则的恩想，是马克思主义文艺观的中国化、时代化的重要成果。 意义：（艺术批评与艺术创作是什么关系） 艺术批评是依据一定的思想立场和美学原则，对艺术作品、艺术现象、艺术家等理性分析和科学评价的艺术活动。艺术批评与艺术创作密切联系，不可分割。不自觉的、广义的艺术批评的历史与艺术创作的历史几乎一样长；自觉的艺术批评随着社会文明与艺术实践的不断发展，基于人们的需要，而总结艺术创作的成败得失和经验教训之后才得以形成和发展。 功能或意义 1、通过阐释、解读及批评的信息反馈给艺术家,影响并指导、提升艺术家的创作。艺术创作作为一种复杂的精神生产活动，艺术家在进行创作时需要得到受众、专家的批评反馈，才能进一步加深对自己创作的认识。 2、通过对作品的分析和阐释，评判其美学特性、艺术价值，介入艺术接受活动，从而影响并引导接受者的艺术接受活动，帮助受众更好的鉴赏艺术作品，从而引导艺术市场及受众艺术消费等方面起到一定作用。还能规避不良艺术作品可能产生的负面影响。 3、艺术批评更具有重要的文化传播与文化建设的意义，它通过对艺术创作实践和艺术交流活动的积极介入、发言和引导，成为艺术传播的有机一环。艺术批评是艺术传播的重要环节。他能够影响艺术传播的速度、广度和方向、效果，也可以协调艺术于社会意识形态之间的关系，参与艺术市场的调节和文化建设。 第二节 艺术批评的主体与主体构成 一、艺术批评的主体 艺术批评活动是由艺术批评工作者进行的，需要具备一定的专业素质和批评能力。艺术批评的主体就是艺术批评家或者从事艺术批评的艺术工作者。艺术批评是由艺术批评者主体进行的感性与理性相结合的实践活动 主体的能力 1、具备较敏锐的艺术感受力，能对艺术作品、艺术形象的艺术特质，美或丑，和谐或破碎，形式与内容等有准确的把握，有独具慧眼的发现，且不是观念先行，主观臆断。 2、具备深厚的哲学、美学修养、知识，以及开阔的文化视野，尤其应该要有深厚的传统文化素养，以及充分的文化自信。 3、具有艺术史、艺术理论的专业知识，要懂得艺术语言，最好还要有一定的艺术实践，在此基础上将会具有更好的理性思考和理论概括、提升的能力。 4、还应有良好的符合社会要求的伦理道德素养，特别是要具有独立的品格，不迎合世俗，献媚强权。 二、艺术批评的主体构成（谈谈艺术批评的主体构成） 1、专业批评家。受过专业批评的训练,有扎实的艺术素养以及哲学、美学、艺术学的理论素养。现代专业批评家集中在大学、研究机构、协会等。 2、艺术家批评家。主要身份是艺术家,偶尔从事艺术批评、阐发自己的艺术观、创作思想,解释自己的艺术作品等。这些艺术家等批评可能偏向与感性、印象，篇幅不大，常有真知灼见。 3、媒体批评家。主要指新闻媒体进行的新闻性艺术报道的记者式的批评者，现在还有网络新媒体记者。 4、非职业性的、凭自己的兴趣进行批评的群众、网民批评者群体。与长期以来等学院派、专业和职业等批评家为主体队伍等构成不同，在一定程度上与“审美日常生活化”美学潮流相应。 第三节 艺术批评的维度与方法（谈谈艺术批评可以从哪些角度进行） 一、艺术批评的维度或角度 1、世界或现实纬度。这一角度的艺术批评是社会文化系统的批评,重点关注艺术表现世界与现实世界对象的关系。可以是一种道德批评，也可以是是意识形态的批评。文化批评也可以归入这一纬度 2、创作主体纬度：艺术创作或生产系统。这一角度可以对艺术家主体创作或生产的各个环节进行批评，还可以对艺术创作主体的研究，也可以对创作主体进行创作心理学的研究 3、语言与形式纬度:艺术本体系统。这一角度的艺术批评，是一种注重艺术语言本体、侧重形式的文本批评。即视艺术作品为表意的表述体，进而分析研究这一表述题的内在系统构成和表意方式。 4、心理接受纬度:受众系统。这一角度的艺术批评，重点在于研究受众接受、窥视、文化认同等心理，研究艺术对受众心理的自觉或不自觉的投合。也常从常人欣赏文艺的心理进行研究，了解世界第一流典型文艺特点和构造。 总结：从任何角度切入，都会牺牲其他角度的丰富性。为此，在实践过程中，应该是多种角度的融会贯通。 二、艺术批评的方法（举例谈谈艺术批评的主要方法） 艺术批评的方法，是指对艺术作品及一切艺术活动、艺术现象给予理性的分析、评价和判断的方法。 1.偏重艺术作品的表现对象即世界本体的批评方法。也被称为“社会历史批评”种批评从社会、历史的角度来分析艺术作品，研究艺术与社会、历史、 人生的关系。它主张艺术与社会、历史、人生有着密切的，近乎反映和再现的关系，重视艺术的社会功能和社会作用。 2.偏重艺术创作主体的批评方法。即主体批评。艺术家的主体性非常的强大，在艺术中是一个独立、自主的存在。这一批评方法认为艺术是艺术家心灵世界的表现，是艺术家情感的自然流露,，因而主张艺术的本源来自艺术家心灵状态，创作是一种“灵感”的闪现。 3.偏重与作品本身的批评方法。20世纪崛起的形式主义批评潮流表现出明显的重形式轻内容的形式论倾向，认为艺术有形式内容之区分，但内容不属于艺术理论研究之例，艺术理论研究的是进入作品的形式内容，从而把内容看作外在与“文学性”的东西，切断了艺术与社会生活的关系，且以形式完全统摄并涵盖论内容。 4.偏重于接受、受众心理的批评方法。任何艺术都有一个接受的问题，缺少艺术接受这一环节，艺术是不完整，也不存在的。 5.其他具有一定的综合性、多维度特征的批评方法。除了上面四个，还有跨越多个要素或纬度的批评方法如： （1）、神话原型批评方法。认为许多优秀作品感人的深层动因在于叙事结构或人物命运所蕴含着的原型，正是原型引发观众的共鸣。 （2）、意识形态的批评方法。“意识形态” 是马克思主义文艺观的一个核心概念。以唯物史观为哲学基础，解决了意识与存在关系的最基本的哲学问题，是马克思主义以科学世界观与方法论对文艺问题的深刻闸释的哲学基础。 （艺术批评与艺术理论和艺术史的关系如何？） 艺术批评与艺术理论和艺术史的关系主要有： 艺术批评、艺术理论、艺术史之间的区分是相对的，具有辩证的、互相渗透与互相作用的关系。 艺术批评是艺术理论在具体艺术现象或作品中的应用，艺术史是艺术理论在艺术的历史研究上的应用。 具体来说，艺术批评立足于艺术史的视野，以艺术理论为方法与手段；另外，艺术批评本身既是艺术史的一部分，又肩负着实践、检验、拓展艺术理论的使命。因此，艺术批评应该同时兼顾艺术理论和艺术史。在叙述艺术史时，不但要吸收艺术批评的新成果，而且要融汇并探讨艺术理论的学理性和学科体系性。 总的来说，艺术批评和艺术理论的历史是艺术史的有机组成。 艺术批评在互联网时代有些什么新变化？ 在互联网急遽发展的当下，艺术受众已经不再是传统媒体时代“沉默的大多数”，而是“众声喧哗的大多数”，几乎人人都能发出自己批评意见，网络批评崛起。在互联网时代，艺术批评的公共空间呈现的新特点有： 公共话语空间的跨媒介扩展、全媒介延伸。 艺术批评的传播和公共空间的打造不仅出现在报纸杂志、出版印刷等纸媒介，而是借助于网络等多媒体全方位展开、多元化建构，是全媒介时代的“众声喧哗”。 艺术批评如今不仅只是少数专业批评家的工作，也可以成为一种国民素养，青年人、网民、普通大众都有可能进行批评活动。 第十章 艺术的当代嬗变 第一节 经济全球化背景下的艺术盛况 一、艺术中的多样化与本土化 当代艺术世界发生变化的一个重要特征是艺术的多样化与本土化。世界各国政治、经济、科技、文化、信息日益紧密的相互联系和彼此交融，使艺术成为人类社会科学中一门高度学科化的知识体系。来自不同地区的艺术作品在世界范围内快速传播，相互影响。 （结合具体案例，谈谈中国艺术的多样化和本土化） 艺术的多元化与本士化是1900年代后期以来中国艺术学中的关键词，现如今，中国艺术的多元化与本士化是其发展过程中的重要特征。 艺术的全球化促进了艺术观念与形态的多元化，加深了艺术的本士化 当代艺术世界正在发生重要变化，世界经济、政治、科技、文化等联系日益密切的同时，带来了各国艺术之间的加速传播与相互影响。例如，卢浮宫、故宫博物院等世界性的艺术馆藏吸引了来自全球各地的观众，世界性的艺术博览会、电影节等也加速了艺术之间的频繁交流与传播，促成了艺术的对话、创新与发展。在此背景下，中国艺术的艺术观念与形态更多元，也加深了对本土艺术个性的理解。 当代中国艺术呈现出加速国际化的态势 随着中国经济与文化软实力的提高，中国艺术受到国际瞩目。比如近年来涌现的中国动漫，如《大圣归来》《哪吒》等，除了在中国引起了很大的反响，在国外也受到了很多人的喜爱。中国的文化开始不断向世界各国输出，正在掀起一股“汉学热”。 当代艺术的中外国际交流十分活跃。如今，中外联合创作、制作异常活跃，能有出国展演或入境展演。比如电影《功夫熊貓》，由国外制作，其内容以中国国宝为主角，蕴含了深刻的道家哲学思想，也向世界宣传了中国功夫这一门独特神秘的中国艺术。类似的例子还有电影 《花木兰》 等。除此以外，许多中国艺术家也不断同各国联合，创造国际化、多样化的艺术品。 多样化与本土化的艺术博弈中需注意的问题 1、多样化时代，中国(各国)艺术出现了明显的国际化现象，需注意文化民族自觉及国际艺术话语权力体系问题。 2、艺术的本士化在国家和民族文化建设中的地位与作用不断加强。应不断提高国家和人民的文化认同感，组织动员文化资源，实施文化遗产保护、国家软实力建设，强化本民族或国家形象认同和集体归属感的需要。 3、本士化并不是民族国家文化的简单符号化。创造艺术现象的根本语境是个体文化背景和集体文化特性。艺术家避免刻意强调艺术家的地域性和民族特性，应真诚自然地在创作中传承本土文化基因，珍惜和尊重所生长环境和历史积淀。 4、避免将本土化作为简单复活国粹或传统的一种形式。应当重视全球化时代文化多样性的研究。 5、艺术的话语权和参照体系建构需要对艺术理论问题开展丰富、深入和成体系的研究。 6、坚守和保护本土化艺术的传统并不仅仅对本国民族有利，而是对人类总体文明的巨大贡献，是保持艺术生态和文化多样性的重要基础。 第二节 高雅艺术和大众艺术（怎么样看待艺术重点雅和俗？） 高雅艺术，是高端、精致、典雅的艺术。在现代指经典艺术，其特点是艺术品质高超，主题思想高尚，具备保存和流传的经典性。典型的高雅艺术形态有京剧 、昆曲、话剧、交响乐、歌剧、芭蕾舞等。通过欣赏与传播经典艺术，可以起到陶冶情操、提升人文审美素养的良好作用。 “俗”的本意指日常习俗、风俗，是社会上流行的生活习惯，往后发展为指称档次不高的情趣与品味。在艺术上，“俗”多形容庸俗且带有感官和功利色彩的“粗糙的”的艺术 在人类芝术史上，雅俗观念是对文化存在状态的两极性区分，是一对极具东方民族文化特色的美学范畴，这对范畴的出现，意在标示层次有别的艺术趣味与格调。如古人服早以“雅乐”来褒扬宫廷音乐乐，以“郑声”来贬低民间音乐。艺术品位的高低之分，雅俗之别常被现代人文学者批评为人为制造的障碍，无形中成为制造等级意识和社会身份编码的工具。实际上，人们谈论艺术的雅俗话题，并无高低、尊卑之意，是指两种不同的艺不风格与品格。雅俗共赏也是不少优秀艺术作品的特征。雅与俗的区分必要却不绝对，其内涵会随者时代、文化、经济的变迁而变化。艺术中的雅与俗具有时空性，在不同的历史链条中具有不同的性质和意义。 大众艺术 大众艺术是服务于群众，群众喜闻乐见的艺术，被社会人口大多数的民众接受、参与、欣赏、消费的艺术。特征是通俗易懂和具有消费性。 第二节 创意产业和艺术市场 一、文化创意产业发展现状 文化创意产业是社会主义市场经济条件下满足人民多样化的精神文化需求的重要途径。文化产业是在艺术全球化背景下，根据社会政治和社会经济的发展需要，以创意和创造力作为核心经济生产要素而发展起来的新兴产业形式。 英国首先提出“创意产业”概念，这一概念随后被欧美及亚洲等国家和地区迅速采纳。 文化创意的特点 1、通常由国家和地区政府利用文化制度和资源管理，配套以法律、资金等扶持手段，提高本国和地区文化的经济的国际竞争力。 2、经济全球化和文化本土化是文化创意产业发展的重要基础。 3、新技术和新媒介对文化创意产业的发展起着极为重要的作用。 4、文化创意产业具有典型的城市化特点。 5、具有鲜明的产业链特征。文化产品的价值产生具有鲜明的阶段属性。 6、跨界合作成为文化创意产业的常态及趋势。 （如何认识政府推进文化创意产业发展中的角色和作用？） 发展和推进文化创意产业是社会主义市场经济条件下满足人民多样化精神文化需求的重要途径。通常由政府与资本合作，通过政策指引、市场服务、技术支持、社会协调等一系列分工协作，并辅以美学等非生产要素，以带动特定地域或社会领域的文化属性产品生产及产业发展。 政府在文化创意产业中扮演着支持者的角色，推动、扶持文化创意产业发展。政府通过立法、理念推广、文化体制改革，以及适当的税收调节或财政补贴机制等一系列措施来推进文化创意产业。美国、德国、英国、西班牙等艺术大国都在法律保障的市场机制下，形成了一套相对完善和独具特色的资助体系，值得学习和借鉴。 除了政策及资金扶持之外，政府还需营造城市创意文化和产业环境。城市管理者可通过设立文化创意产业园区来加强区域文化产业的竞争力，产生良好的聚合效应。引入可以产生化合作用的优质文化业生态群，避免创意园区变成一般房地产项目，可以促进就业和可持续发展。 二、艺术市场与营销 艺术市场是艺术品交易和交换的领域和场所，广义指整个社会有关艺术作品交换、流通、消费的供求服务关系体系，包括艺术品版权和各种法律、法规、制度及相关的软硬件条件，狭义指艺术品交易服务的具体场所。 艺术市场的主体由参与交换的个人或组织以法人的身份组成。 艺术营销是以获取效益为目的，围绕交换进行的一系列市场策略行为，最终目的是有一系列市场性活动产生出一定的经济收益或其他利益， 艺术市场进行交换的基础是艺术商品，艺术市场和营销与其他类型的商品市场和市场营销不同。 1、艺术商品具有文化与商业的双重属性。一方面可以满足人们对精神、心理及感官体验的需求如审美、娱乐、装饰、教育等。又能在特定情况下，具有身份、地位、民族、宗教等社会符号和意识形态的功能。 2、艺术商品有特殊的定价、评估机制。判断一件艺术商品价值，不全是按照艺术品物质与时间投入，也不全是生产工具的复杂性和难度。 3、艺术市场具有鲜明的层级特征。不同体验类型的艺术品消费形态，差别也是巨大的。 4、价格能否代表艺术作品的价值是一个有争议的话题。价格仅仅反映作品的市场价值，不能表示艺术的审美和精神价值。 第三节 数字技术条件下的艺术（数字技术对当代艺术各门类有哪些积极的影响？应当避免哪些问题？） 媒介技术及相关艺术技巧在创作表达中的使用是艺术的基本特点之一。在互联网迅速发展的当下，数字技术迅速发展，在此条件下的嬗变，其重要特征就是创作、复制、传播、互动等方面媒体属性的彰显。 一、数字技术条件下的美术 1、由像素组成的数字图像，改变了获得图像和输出图像的方式及“眼见为实”的信念。从而消除来艺术创作和欣赏中真实与虚幻、现实和想象之间的界限。 2、改变了绘画程序和造型方法，画家能便利的收集素材，还能利用软件随意拼贴、调整和虚构图像。 3、绘画边界得到了拓展，不在限于静态，出现了各种数字实验绘画。 4、数字网络技术传播可以改变了公众欣赏和获取美术作品的方式。 二、数字技术条件下的音乐艺术 数字技术极大的改变来音乐艺术的形式、内容、生产、营销与传播方式，完全改变来传统音乐的产业形态。同时，形成了数字时代的大众音乐狂欢，让音乐迈入跨界应用时代。 三、数字条件下的舞台艺术 舞台艺术的表演主体具有多元性和虚拟性，表演过程有了事件性，从而带来了表演效果的奇观性、表演形式的跨界性和表演传播的广泛性与全球性。数字技术将虛拟形象充分运用在表演过程中，加强了观众的参与性，使其更加积极地进入到戏剧想象和情感冲突的故事中，增强了表演场景的视觉效果。与此同时，数字技术融合了肢体表演、数字音效、视觉传达等不同领域的最新成果，借助互联网等突破了剧场空问的局限，带来了全新互联的沟通方式。另外，数字技术在保护表演形态文化艺术上有着重要作用，可对本土文化遗产和艺术资源进行挖掘与保护。 四、数字条件下的综合艺术 数字技术条件下的影视综合艺术使得艺术界定与边缘的综合性、模糊性不断增强，同时还可以介入艺术创作中，带来感官奇景，也对影视艺术的产业形态产生重要影响，从而带来了影视文化传播的巨大变化。 总结： 总的来说，数宇技术为当代各门类艺术带来了许多积极影响，但在实际发展过程中，应注意的问题有很多，如：应完善法律监管与执行手段，避免数字音乐复制与传播的便捷带来的音乐原创版权到纷和争议；当代舞合艺术创新发展时应避免“滥用”数字技术；数字复制时代应加强版权保护，避免过于浅显和快餐式的艺术体验，加强艺米创作与欣災的深刻性：需加强网络监管与相关立法，清洁网络环境，保护未成年人，营造良好的数字艺术氛围。 第三节 当代媒介与艺术传播 一、纸质媒介与艺术传播 主要解决了视觉信息保存的时间和空间难题。四大发明的造纸术在人类文明的发展和艺术传播中起到了巨大促进作用。 1、绘画是纸媒介作为艺术传播介质中最重要的表现形态。 2、对艺术传播还表现在书写材料对文字字形的影响上。 由于纸媒介需要依托实体物质作为媒材,受到生产制作难度高、空间效率差和传播时间满等诸多限定。 电子媒介与艺术传播 电子媒介解决了传播的速度和效率难题,实现了声音和影像的实时传递。 1、媒体类型从自然和手工媒体向机械与电子媒体的转化。 2、在机械和化学控制下可以大量复制的摄影术深刻地影响了手工绘画的形式和观念。 3、无线电广播和电影媒介创造了一个不断流动、播映、变化着的体验性时空,打破了传统的静止性艺术时空的感觉。 4、一对多传播、记录和实时报道功能的广播、电视改变了一对一或一对少的印刷传播形态 尽管电子媒介有惊人的传播效率和视听优势,却由于受众参与程度低,代入感弱,难以让大众真正享受到参与和分享的体验 网络媒介与艺术传播 解决了电子媒介无法达到的传播互动性、海量性和虚拟仿真特性，创造了沉浸式体验条件，是数字时代最为重要的艺术传播方式。数字媒介构建的虚拟时空比电子媒介更加令人震撼,具有强大的交互性。 1、网络时代的艺术传播具有交互、非线性叙事、虚拟性、多元时空、亲身体验等新的媒介属性，同时兼具功能、情感、语境的多重意义。 2、随着网络移动端和社交媒体网络的发展，互联网对艺术的领域影响越来越大，将产生更多名家杰作。 3、互联网艺术、微艺术、微拍等社会媒体和自媒体的迅速发展，给年轻艺术家创造了更多的展示平台。 网络媒介对艺术传播对影响说明，传播技术进步对艺术影响并非可有可无。 网络媒介与电子媒介相比 1、实现了传播的多对多，而电子媒介只是一对多。 2、具有强大的交互性，电子媒介主要是单向传播。 3、具有沉浸体验优势，电子媒介的视听感受相对单一。 4、促进多屏媒介的大规模发展，而非电子媒介的单屏性。 5、网络媒介具有多媒体、跨媒体以及融媒体的特征，和传统电子媒体的单一性有巨大区别