导图社区 一些剪辑基础
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一些剪辑基础
这是一篇关于剪辑的思维导图，涵盖运镜技巧、机位设置、拍摄角度等前期拍摄要点，到镜头语言、构图、光线运用等剪辑基础理论；从影视预告片与宣传片的制作区别、作用及流程，到音乐在剪辑中的结构分区、剪辑方法以及音效的巧妙运用；再到剪辑中调色的技巧与声音处理的要点等方面均有涉及。
编辑于2026-02-21 22:10:06- 剪辑师
- 剪辑
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- 大纲
剪辑
基础
知识点
文件
文件打包-项目管理-收集文件并复杂到新的位置
离线媒体找回
项目窗口框选所有离线文件
右键-连接媒体-找到媒体-确定
勾选 仅显示精确名称匹配
连接错误-选中镜头
右键设为脱机
复杂序列，利用序列进行备份
Ctrl+c / Ctrl+v
音乐添加混响
1：选取一段节奏点切掉 添加嵌套
2：嵌套里添加调整图层拉长图层
3：嵌套添加 室内混响-编辑-预设（选大厅）-衰减拉到最大
剪辑基础
剪辑简史
最早的人们利用感光胶片来制造电影的影像
剪辑师剪切电影的时间以及不同镜头的衔接方式对观众所产生的影像往往会超越故事
影响剪辑选择的元素
声音与画面的单个镜头组合为一个连贯的故事。一个镜头到另一个镜头的转接位置。简而言之，一处剪辑就是一个剪辑点，即一个镜头结束以及另一个独立镜头的开始处简称“剪辑”
基本的剪辑转换
从一个镜头或视觉元素转换到另一个镜头或者视觉元素，通常有四种基本方法
切
一个镜头与下一个镜之间的瞬时转换，最后一个画幅迅速转为下一个镜头的第一个画幅
叠化
从一个镜头结束画面逐渐转换到下一个镜头的开始画面，在特殊的时间断里用一个瞬间的。一个镜头结尾的“渐隐”，下一个镜头的开始“渐显”
划变
是指以特定角度行进的一条线或图形穿过屏幕，消除刚结束的镜头图像。同时在结束处，从该线或图形的背后呈现出下一个镜头的图像
淡入淡出
逐渐从全黑屏幕转为全部可见的影像（黑色消退或淡入）
全部可见影像逐渐变成全黑屏幕（褪至黑色或淡出）
剪辑的步骤
后期制作工作流程的最基本环节
获取
获取所有视听元素
整理
将所有材料进行整理，分组或分类成简易划分的种类
回看和筛选
看和听所有材料，并将素材的最佳元素做好标记或单独放置在一起
顺片
将所选的最佳素材剪辑出故事的框架
粗剪
调整所组合的剪辑，直到整个故事更为清楚。修理掉“脂肪”，呈现出完整的故事结构
精剪
节奏紧奏：图像或声音之间没有失调之处。进行最后的调整
图像锁定
所有视觉元素已固定，不需要进一步更改。开始进行主要的音频创作和调整
1：电影剪辑过程必须遵循视觉语法中的一些基本和公认的准则 2：剪辑的镜头转换的四种基本类型为：切、叠化、划变、淡入淡出
音乐缩编
音乐结构分区
前奏+主歌A+副歌B(高潮）+间奏+主歌A+副歌B(高潮）+升华C+尾奏
前奏 · 间奏 · 尾奏-为纯音乐
升华
副歌部分重复一遍
新的曲调
断落结构用颜色加以区分，便于删减
选中镜头右键
标签-添加颜色
音乐剪接常规方法
前奏+主歌+副歌+尾奏
右键-默认过渡
恒定功率（shift+d)
网易云音乐转格式-NCM
前奏+主歌+副歌+升华+尾奏
主歌+副歌+升华+尾奏
主歌+副歌+尾奏
前奏开始任意掐断（旋律唱完）并延长尾奏
纯音乐缩编
缩短
删除重复部分
按旋律节奏删减
搭配标记点使用，按8怕去打标记点，可双8拍裁剪
节奏感强的音乐按节奏点或者重音点剪切
音频波形（鼓点：波形高峰）
波形相似表示节奏相似
对齐波形进行剪辑
拼接
重音拼接
小音效拼接
恒定功率过渡，可复制粘贴
音乐延长
找到大的音乐段落，对大段落进行复制，达到延长的目的
找到段落中的小段旋律，复制后达到延长的目的
音乐/音效
音乐
具备的能力
音乐对影片的重要性
声音永远优先于视觉
因为你屏蔽不掉声音
音乐鉴赏能力:大量听，要知道什么是合适的，好听的
音乐选曲能力：针对影片要知道该选什么样的音乐
选择音乐通过几个方面
节奏
快、慢……
情绪
悲伤、开心、欢乐、激动、深沉……
风格
动作、冒险、战争、爱情、喜剧……
乐器
钢琴、吉他……
流派
古、今、中、外、日、韩、欧美……
声音转场
声桥转场
可以理解为音乐方向的A+B搭桥
J cut/L cut，J cut下一场戏有重要信息，L cut常用
相似性转场
音乐的剪辑、衔接可采用相似性
相似的旋律、节奏、乐器、风格
高动态转场
高动态转场可以配合震撼转场
音乐断崖式停顿作为转场的断点
运用重音转场
学会音乐倒叙
高动态转场相当于声音的震撼转场
音乐结构剪辑可以参考《音乐缩编》
声音是可以讲故事的 声音是重中之重 声音涉及到三大节奏：剧情推进节奏，画面节奏、声音节奏 在有情绪的时候要起音乐，通过音乐渲染情绪 一个情绪结束了要落音乐 音乐留白--对比
影视音量标准
同期声
-6
音乐
-12至-24
音效
-12至-24
环境音
-33
白噪
-40
剪辑时如何添加音乐
宣传片、先导片、影视混剪、片头片尾MV
最好的剪辑方式是先确定一个音乐，再根据音乐的情绪，风格和节奏去添加画面
剧情片、广告片、以语言内容为主的片子
最好的剪辑方式是先剪辑出内容框架，再根据内容的情绪和节奏，添加辅助情绪的背景音乐
再剪辑过程中，还需不断的调整画面的 剪辑和音乐的剪辑， 达到画面与音乐的最佳匹配状态
音乐使用的场景
01：用音乐去匹配剪辑内容-垫乐
辑时首先要理解剪辑的内容是什么情绪，才好加匹配的音乐来突出、渲染、结合 常见的音乐情绪分类：紧张、滑稽、轻松、抒情、欢快等
02：用音乐增强、突出人物性格
综艺节目中嘉宾的性格多样，有的可爱，有的幽默，有的个性突出，真人秀的“真人”就是要突出人设，还原人物性格，音乐就能起到很好的突出人物个性的作用
03：节目内容中提到的或者涉及的歌曲可以直接延续做BGM，这样既起到强调的作用又和内容相辅相成
04：利用音乐的独特性做创意剪辑，比如快剪和鬼畜
铺垫-作为垫乐垫在内容下面，强调渲染基础情绪，是最常规的用法。（两种用法） 1：音乐突变-配乐的突然停止、进入、转变等， 2：营造节奏-这一系列的技巧通常用于强调和转变的内容，强调当下的台词、动作情绪等等。或者进入下一个段落。 前面的寂静给后面的高潮做铺垫-欲扬先抑。戛然而止。打破节奏等 音量的秘密-利用音量的高低起伏，也可以调动和强调情绪的变化，音量的突然增加可以一定程度上推动情绪。 有源声音过渡-有源声音是指在画面里有对应物体发出的声音，比如手机、录音机、唱片等，比直接怼bgm要讨巧
同情绪的两段音乐如何组接
01-用人声断开
02-用音效转接
03-用环境音转换
04-前一首音乐淡出 后一首淡入
不同音乐的各种情绪
vlog剪辑——快节奏的音乐
卡点剪辑——高燃的音乐
广告片——温情的音乐
镜头语言
景别
大全景
交代环境。环境占据大部分画幅、人物只能大致看清或者无人物一般用来交代空间、环境用于电影、电视剧、以及综艺的开篇
远景
环境占据大部分画幅、人物只能大致看清或者无人物一般用来交代空间、环境 用于电影、电视剧、以及综艺的开篇
全景
一般是人物全身镜头、人物从头到脚都在画面内用来交代人物所处的位置和环境体现人物与人物之间的关系交代小场景
中景
人物大腿以上的镜头，在同一个画面中，拍摄多个人物及活动体现人物与人物之间的位置以及关系客观性强
前后景
交代纵深关系
使画面更丰富
过肩关系镜头
它也属于一种前后景，只是前面人的肩膀当作前景，强调后面人物的近景
一定拿长焦拍摄的，才有穿透感
近景
正反打
人物胸部以上的镜头，适合观察人物的神态和情绪和动作主观性更强、情绪感染力强
特写
画面的下边框一般框在肩部以上，下巴以下的任意位置、取景主要集中在全脸、突出人物表情，用来描绘人物内心活动、辨别情绪。交代重要细节
景别：远取其势 近取其神 远景和全景为氛围景别 场景景别 近景和特写为表演景别 景别的判断是以主体为准
镜头类别
简单镜头
简单镜头是指镜头未移动，摄像机未移动，座架未移动，简单的拍摄对象移动
无焦距变化，无横摇和纵摇。摄影机机身没有借助移动轨道或小摇臂进行移动
复杂镜头
复杂镜头是指镜头移动，摄影机移动，无座架移动，简单的被摄对象移动
复杂镜头可能包括，横摇纵摇，镜头移动（伸缩镜头或者变焦镜头），镜头移动和横摇
一个镜头包括任何三个有效要素（镜头移动，摄影机移动或者简单的被摄对象移动）中的任何一种组合，那么这个镜头可以视为一个复杂镜头
运动镜头
运动镜头是指镜头运动，摄影机运动，座架运动，更复杂的被摄对象运动
镜头运动
两个重点要素：
视觉连贯
逻辑关系连贯（声音连贯）
固定镜头
摄像机固定不动，画框内物体运动
摄像机处于静止不动的拍摄地点，画面的取景框不动。
被摄像对象可以是静态，也可以是动态的
客观的记录视角，真实感更强。
运动镜头
推镜头：镜头前推，大景别----小景别
推动情感叙事 增强人物情感 进入内心思考 增强场景的空间感（光影构图的视觉观感被运镜提升。让叙事镜头有更强的叙事性） 建立细节线索（物体推镜头） 总结： 一 突出表达 二 放大细节 （表达出重要故事情节及线索） 三 情感共鸣
拉镜头：镜头后拉，小景别----大景别
扩大画面信息量 从场景和情景中抽离 段落即将结束时作为过渡
摇镜头：机位轴点不动，镜头围绕轴点运动
摄影机位置不变，水平或垂直摇动，像平时人眼视觉的效果，原地去观察事物。 可模拟主观镜头，对景别，构图产生影响。来表达人物位置与空间关系。 扩展画面，空间维度，获得更多信息
移镜头：机位与镜头一起运动
横向移动，展现更多场景细节，保证叙事的连贯性 现场感、主观代入感，互动感。让画面运动更加的多样化，丰富视觉效果
跟镜头：画面主体一直在画框内，机位随主角运动
紧张感/真实感 主观镜头 可作为主观视角，身临其境
延时镜头：加快时间节奏，在短时间内展现出物体/人物/时间的变化。通常用来体现大场景
升格镜头：慢镜头，拉长时间节奏，更容易让观众进入情境，镜头慢下来后可以观察画面的细节
1.表现细节：表现画面的情绪，人物细节 2.控制节奏：升格镜头搭配音效，接转场下一个画面 3.表现氛围和人物情感：通过升格镜头加深情绪，完成内心外化
空镜头：空镜头的作用，用法： 1介绍环境，时间，地点等 2过渡，转场，链接前后逻辑关系（让前后镜头不跳脱-越轴） 3渲染情绪，气氛-【注：春迟2】 4隐喻，象征等-【风起云涌】【火山爆发】
镜头组接基本逻辑·
镜头组接第一种：静接静
一般在语言类节目中常用，强调的是语言内容以及内容连续
不违背180度原则和30度原则
轴线原则：（180°原则） 轴线的设置是为了让观众清楚位置关系，在切换镜头时要保持人物方向的连续性。同时人物目光方向也需要匹配
轴线原则：（30°原则） 物理角度低于30度会呈现出相似的景别画面，组接在一起时会有跳跃感。 所以在挑选镜头时，要避免相似景别组接在一起，如果没有办法避免，中间可用反应镜头过渡。 纠正方法： 1-改变其中一个镜头的景别，用景别差弥补 2-换镜头，让两个镜头角度＞30° 3-中间用其他镜头过渡
二次构图 逻辑重音（重点信息用近景特写突出强调）
剪辑师无法决定前期拍摄的构图、如果遇到不理想的镜头画面，可以用二次构图来补充画面内容的不完美。让画面更美观，内容更明确。
后期技术手段;裁剪、缩放、旋转、位移等
镜头组接第二种：静动相接要过度
动接静： 第一个镜头是由动到静-不管是物体运动还是摄像机运动 可以是摇镜头的末端静止了，再接静止镜头
静接动： 第一个镜头是由静到动-不管是物体运动还是摄像机运动， 且第二个镜头的运动放向要一致，千万不要交错接
视觉连贯第一种：静动相接
静动相接在视觉上会显得比较突兀，因为两者是完全对立的物理状态。当静止镜头具有运动趋势时，才可以组接运动镜头，当运动镜头在动态完全停止时，才可以组接静止镜头。
静动相接方法：语言 用语言来接“开始”“出发”“冲”将下一个运动镜头的内容提前用语言表示出来。
视觉连贯第二种：动接动
通过物体运动的动作点组接
最大幅度原则：找到运动幅度最大动作趋势最大的那一个点，进行镜头组接【仅用于物体运动、不包含镜头运动】
物体运动-动作幅度最大时、动作即将出框时、前一个动作结束，下一个动作即将开始时 镜头运动-运动形式、运动方向和运动速度尽量保持一致
动势
动作所延伸出来的趋势——动势，我们使用动线来描述动势的方向和运动轨迹，而动势原则组接镜头依据就是动线，其重点在于遵守动线所描绘的方向。
和动作点的区别：动作点用来寻找剪辑点，而动势是一个大方向，方向是有逻辑性的，利用动势原则组接镜头，依据的就是动线。
保留动作完整性：一个流畅大动作从起幅-过程-落幅都完整保留 保留动作流畅性：1.选择最流畅的片段截取使用-不流畅的表演删除 2.镜头的上下承接与动作的上下承接相匹配 延展：动作剪辑可配合音乐的节奏点进行适当的曲线变速 从而让整体音乐与画面的融合度更高、节奏更好 转折点： 人物表情的转折点-表情剪辑-保留完整性 人物动作转折点-动作剪辑 人物情绪转折点-连贯剪辑
相似性剪辑：
利用颜色，形状，声音，动作等等相似性的元素来组接镜头 颜色相似，形状相似，动作相似，相似的人，相似的景别等等 总体来说还是用相似性的镜头来构成了镜头组。
镜头组接句式：
前进式：全+中+近+特（景别由大到小，开篇，层层递进，交代人物环境关系，情绪由缓到紧）
后退式：特+近+中+全（开篇，造悬念，有包袱，吸引观众，情绪递缓）
循环式：中+近+中+近+中+近+中+近（叙事最常用，两个景别or多个景别之间有规律的循环使用）
同等式：同景别（中景或近景或特写）（叙事积累，积压情绪，突出主题，全方位，多角度，压情绪）
两极式：特+全（对比大，冲击力强）高潮
分场定语： 每一趴内容都要有想要传递的中心思想！不要毫无目的
转场
技巧性转场：通过剪辑的效果来进行转场-遮罩转场、瞳孔转场
常用转场效果： 交叉溶解【叠化】：时间流逝 白场过渡：回忆，进入意识等 黑场过渡：类似于眨眼，制造眩晕等，速度不同效果不同 淡入淡出：中间停顿时间略长，可用于段落之间的衔接 渐变擦除：画面溶解效果
无技巧转场：通过镜头内容之间的衔接形成的巧妙转场-空镜、相似转场
利用剪辑做好段落之间的起承转合 1.空镜头转场 2.相似性转场-动作相似、表情相似等 3.动势匹配转场-相同的运动方向运动形式 4.声音错位转场-“J”- cut/“L”-cut 5.声音反差转场-前段大气后段戛然而止 6.遮挡转场-利用遮挡物完成转场 7.特写转场
常用的转场方式
特写过度转场
利用一个特写过度转场
转场特写一定是与下一场戏有关得
配合声音转场（声音先入 声音后置）
震撼转场
通过一个具有视觉冲击感的画面或者说冲击感的镜头，进行一个场次的转换
往往震撼转场是可以配合高动态转场（高动态属于音频转场）
相似性转场
既是两个相似的画面，相似的构图，相似的拍摄目标，相似的景别，相似的位置
同方向转场
相同的方向进行转场
动作转场
通过一个动作的延续进行转场
逻辑转场
就是给观众强加一个合理的思维
黑场转场
后期跟前期能制作的转场
特效转场
影视的没有花里胡哨的
只有两种：淡入淡出，白场过度
白场过度：调整图层--效果（色阶）
输出黑色阶（闪白）
输出白色阶（闪黑）
闪白/闪黑效果
1：辅助工具新建调整图层，效果-色阶 给到调整图层
2：输出黑色阶（闪白），输出白色阶（闪黑）
3：利用关键帧控制效果时长
4：效果时长越长代表回忆的时间很久之前
5：参数255
6：回忆原则：谁在回忆进谁的镜头，谁在回忆从谁的镜头出回忆
场景与场景之间的交换 转场是可以讲故事的 最好的转场就是让你意识不到有转场
看不见的剪辑
流程剪辑
动接动 / 静接静 / 动静相接要过度
视觉焦点的统一性
在选择画面进行镜头组接时，要考虑画面内容的焦点位置是否一致
连续多个画面视觉焦点不一致会导致观众无法连续获取画面信息
当画面焦点不一致时，可通过二次构图纠正
影调的统一性
影调指的是画面的明暗关系：亮调（高调) -明亮、阳光、温暖 暗调（低调）-压抑、神秘、硬朗、 中间调
镜头组接时要考虑相邻画面的影调是否协调，如果不一致，可简单调色整体视觉保证舒适流畅
色调的统一性
色调指的是画面的冷暖
冷色调-压抑、忧郁、悲伤、冷酷
暖色调-阳光、积极、快乐、幸福
除非是故意要做色彩卡点，不然在正常的镜头组接中，切忌一个镜头冷一个镜头暖。同样可用调色简单纠正
利用转场与镜头组接
相似性剪辑
动作连续性转场
动势匹配转场
声音错位转场
遮罩转场
跳跃剪辑
跳切
跳切是一种打破时空和动作连续性的剪辑手法可以打破30度原则（两组镜头角度小于30°）
让画面更有趣 - 相似性元素可用跳切让画面有趣 让画面更有节奏感 - 跳切卡点
抽帧
抽帧：源自于“王家卫”的电影拍摄手法制造出迷离、不连贯、梦境的效果 用“效果-色调分离时间”素材复制两层、错位1-3帧，改不透明度
动作跳切
截取动作最关键的部分镜头，组接在一起，加快节奏，让动作更干净利落，突出节奏点。
景别差
两极镜头产出视觉跳跃感，节奏感的剪辑中快速切换景别产生卡点节奏感和视觉刺激感
动接静不过渡
剪辑视觉性短片，不遵循故事连贯原则时，以视觉刺激为主的短片可用动静相接反复横跳的方法增强内容节奏感。
色调、影调跳跃
根据节奏进行节奏感的剪辑时，也可改变画面的色调和影调来制造视觉刺激，形成节奏感
运动方向对冲
改变运动方向，左进左出or右进右出制造视觉跳跃感可后期手段实现（水平翻转）
利用音乐节奏
音乐的节奏有起有落，在剪辑视觉性短片的时候可以根据音乐节奏来进行卡点剪辑，达到节奏上的统一。
快节奏 接快镜头 动势快 或者 画面切的快
慢节奏 例如 大场景之类 的慢镜头
卡点剪辑
卡点卡的就是音乐的节奏点
通过声音和画面的配合来实现音画匹配，从而形成节奏。
卡点剪辑的类型：颜色卡点，文字卡点，闪黑闪白卡点，动作卡点，音效卡点，二次构图卡点，效果卡点
如何进行卡点剪辑
理解画面节奏：不止一个类型的卡点，多样性让画面丰富
理解音乐节奏：卡音乐前分析音乐的层次，卡主鼓点之外卡第二层音乐
如何卡点
不要每一个点都卡，爆发前要积累和铺垫，用卡点来突出重点，在快之前要慢下来，以此作为对比，以慢衬快/欲扬先抑
叙事手法
目的
精剪师必备能力
向观众展示剧情的一种表达手段
精剪师表达思维的一种方式
提高影片的观赏性
向观众博取眼球的一种方式
基础方法
根据剧本的场次顺序进行剪辑
正叙
提前剧透结局的叙事手法
伪结局，设计的一种结局
但人们耳熟能详的就不能使用伪结局，可以提前剧透结局
高潮剧情开场
个人认为影片最精彩，最有个性，最代表性的作为开场，博取眼球
悬疑，惊恐，短视频
预告式剧情安排
以碎片化突然穿插在影片的某一个节点，对接下来的剧情进行预告
蒙太奇
由来：法语”montage“原为是建筑学的学术语，是组装，装接，架构
电影创作的主要叙事手段和表现手段之一，电影中不同的镜头组接在一起
大众对蒙太奇的理解
一种剪辑操作手段
平行蒙太奇
交叉蒙太奇
重复蒙太奇
连续蒙太奇
导演眼中的蒙太奇
蒙太奇等于电影本身
一部影片的整体的叙事方式==蒙太奇
一场戏的叙事方式==蒙太奇
一组镜头的叙事方式==蒙太奇
案例：玩转镜头 两组镜头： 演员A（表演）：笑 惊讶 哭 演员B（表演）：冷漠 举抢 冷笑
通过剪辑/蒙太奇的手法，不同的排接方法，来展现
通过两种不同的排列方式
演员B：冷漠 演员A：笑 演员B：举抢 演员A：惊讶 演员B：冷笑 演员A：哭
理解：演员B先冷漠的看着演员A，演员A对着演员B笑（说明演员A认为跟演员B关系好），演员B举抢，演员A惊讶，演员B冷笑，演员A哭。（个人理解：演员A个人性格偏向软弱，前面的举动好像个舔狗）
演员B：举抢 演员A：惊讶 演员B：冷笑 演员A：哭 演员B：冷漠 演员A：笑
理解：演员B举抢，演员A惊讶（有可能不是对着他 ，假设是对着演员A），演员B冷笑看着演员A，演员A哭（演员A对演员B的失望，感觉对他的不值得）演员B的表情越来越冷漠的起来，但是演员A笑的起来（说明演员A看淡了，无所谓了，打我吧）
同样的表演，同样的镜头，只是调换了镜头的剪辑顺序，所表现出来的情感就不一样了 通过不同的组建方式，表达不同的思维，这就是蒙太奇 蒙太奇是电影语言的基础（任何影片都不可能没有蒙太奇一说，只要有拼接） 蒙太奇等于目的，任何一个蒙太奇，出发点，首先第一，我们目的是什么，我们要表达什么。
蒙太奇分类
巴拉兹分类
匈牙利电影理论家 / 偏向于故事与镜头
思维蒙太奇（创造思想）
通过画面去创造，去刺激观众展现想象，联想
隐喻蒙太奇（创建对比）
诗意蒙太奇（刺激想象）
案例：农村破旧的土房中，一位老母亲在蜡光下，手里缝制着一件棉袄（能想象到”慈母手中线，游子身上衣“）
刺激我们想象，但是有一个前提，就是一定是我们耳熟能详的某句诗
寓意蒙太奇（引发联想）
通过一个故事或寓意表达出一个道理
理性蒙太奇（直观表达）
最直观的一种使用方法：明明可以利用剧情去过渡事件，但是直接把结局透了出来
节奏蒙太奇（变化节奏）
剧情节奏
镜头节奏
形态蒙太奇（视觉对立）
主观蒙太奇（第一人称）
用第一人称去讲故事
爱森斯坦分类
谢尔盖·爱森斯坦 / 俄罗斯导演，编剧，制作人，演员，作家，剪辑师，音乐人
长度蒙太奇
通过控制影片的长短或音乐的长短，来表达出不同的目的
节奏蒙太奇
音乐的节奏
音调蒙太奇
谐调蒙太奇
理性蒙太奇
剪辑师必备的基础蒙太奇
节奏蒙太奇
剧情推进节奏
要考虑的是：剧情的推进速度，事件完成的速度
镜头衔接节奏
音乐/声音节奏
通过不同的节奏，表达不同的情绪 节奏可以控制情绪 节奏可以带着观众跟着我们的情绪 快节奏 / 慢节奏 快节奏与慢节奏结合形成了强烈的对比
思维蒙太奇
隐喻
用极其隐晦的方式去表达一个思维（埋坑）
比喻
对比
相反的两个东西或事物来进行对比
叙事蒙太奇
线索蒙太奇
按正常逻辑时间线索表达(正叙)
不是普通的正叙，重点在于线索
线索中一定有一个关键性或道具来贯彻整部影片
颠倒蒙太奇
一种打乱时间顺序，随意的颠倒打乱七的蒙太奇手法
倒叙只是颠倒蒙太奇的一种，但是倒叙不代表它就是颠倒蒙太奇
平行蒙太奇
不限人物，不限时间，不限空间，两条或多条线同时进行做强烈对比
交叉蒙太奇
两条或多条线最后汇聚到一起，不同事件，人物，地点，同时发生
重点：两条或多条线不同地点，人物，同时发生的事情最终汇聚到在一起的
缩减法
最大比缩减镜头数，缩减内容体量方式
前提合情合理的缩减镜头
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构图
对称构图
把画面一分为二，左右是对称的
人物居中：表现人物情绪
居中关系位（两人对话）
梯形构图
常见的构图
就是把人物或者拍摄物体，偏画幅的一边、主要跟光有关
纵深
对角线构图
对角
光影、人物、结构
X型构图
2边都有遮挡物，把人物或物体放在画面的居中
会有视线差，会让人感觉很有纵深感
一个镜头成败的关键
挑选出最还的镜头
熟记这些镜头的类别，组织和素材，根据项目的类型以及项目的最终目标做出判断
焦点
焦点不准是最影响镜头效果的，软焦点或者模糊的影像是在后期制作中无法改变的
人类的视觉系统总是以钝聚焦看清事情（除佩戴眼镜或者其他矫正镜片才能在眼睛中恰当地聚光）
音质
无论是双系统电影拍摄还是单系统视频拍摄的同期声，都必须拥有良好的音质，才能用于最终的混音
音质差是可以通过一些软件或者重新录制新音频使其于画面完全匹配，这种方法称为对白配音
曝光和色温
观众不适应过亮或过暗的影像
现如今越来越强大的视频编辑软件，可以修正镜头的曝光和色温问题亦非难事
取景和构图
镜头的取景介于技术问题和美学问题之间
取景和构图的美学标准没有那么多立竿见影的补救措施
要注意复杂和运动镜头中的准确焦点，还要注意良好的取景和恰当的构图
衡量一个镜头的质量特征：天头留白“头顶留白”、合适的视线空间、
银幕方向
演员或被摄对象从一个镜头的画面走出，进入另一个镜头的画面，在此过程中银幕方向必须保持一致。
180·规则/轴线运动
拍摄团队按照动作轴线或者假想线拍摄各种场景
180·规则由拍摄一个场景动作第一个摄影机确定，此镜头通常是一个展示演员和环境的远景
假想线沿着演员的视线方向，穿过场景或地点，定义画面左侧和画面右侧
演员的每个中景或者特写镜头都必须在这运动作线的同一侧或另一侧，对于观众而已演员的空间位置将从左侧跳到右侧，或者从右侧跳到左侧。从动作线的同一侧拍摄所有镜头可以保持轴线
不规则的镜头会破坏这一场景已设定的轴线，不能将一个越轴的镜头剪辑进来
30·规则
基于180·规则，30·规则要求摄影师沿着180·弧度将摄影机移动至少30·
摄影机机位的物理距离不足30·，那么两个镜头剪辑到一起时看起来过于相似，导致观众的思想产生“跳跃”
越轴的镜头通常无法使用，以为它们破坏了该场景已设定的银幕方向
匹配角度
即在拍摄每个人物时每个镜头类型中该人物的角度，在画面中的大小，面部的焦点要一致，一个人物的特写看起来于另一个人物的特写要相似但是它们位于画面的两侧
匹配视线
视线是一个假想线，连接人物的双眼于电影世界中吸引人物注意力的任何物体
当将人物的镜头于感兴趣的对象（被关注的物体）的镜头剪辑在一起世，视线必须匹配
观众必须能够沿着从双眼到感兴趣的物体的假想线，越过剪辑点，进入新的镜头，如果这条线无法正确延伸，观众会感觉某种异样
动作连贯
一个镜头中演员的动作或者演员周围的动作必须与同一个场景中以另一个角度完成的相同动作近似于完全匹配
对话连贯
注意台词，音色，台词的速度是否能匹配
表演
熟悉所有镜头片段
回顾并评估所有镜头的质量问题，并在剪辑开始时就判断其可用性，有助你“去粗取精”，或者保留你认为最好的镜头，留作顺片时使用
使你熟悉项目的所有镜头
光的运用
三点布光
主光
就是人物的高亮地方
辅光
人物阴影部分
背景环境光
强对比光
灯光接近曝光过度的光
比例：主光 3 环境光 1 辅光 0
弱对比光
主光辅光环境光之间的光对比非常低
另外的一种叫法： 小清新
自然光
太阳直射光、阴天天光、雨雪天光
亮度强、范围广、均匀
色温
数值越小画面越红、数值越大画面越蓝
AU修音
频率
低频
20-80（白噪）
中低频
100-300（风噪）
中频
1000-4000（男声）
中高频
4000-8000（女生）
高频
10000-20000（鸣叫刺耳声，警报声嗡名声）
流程
pr文件导出omf、导出参考视频（AU对音频口形防止音频错误），命名XXX修音，项目工程新建文件夹-修音文件，保存到修音文件。不要关闭pr
Au导入omf文件，同时建文件夹，连接媒体修音文件夹精剪修音，随便点一个，打开，AU会自动分类好轨道
拆条：各个轨道分类命名（同期、音乐、音效、环境音、底噪）不要删音频，相对应的音频放到合适的轨道上，双声道音频选择一模一样的删掉
框选修音部分，添加【振幅与压限】【强制限幅】（最大振幅-6、输入提升）
选择噪声，捕捉噪声样本---回到多轨道选择整个音频，【降噪与恢复】【降噪处理】
导出--导出到pr
恶魔音（变音）
AU效果-高音时间与变调-高音变档器-调整拼接频率-调整重叠
效果-时间与变调-伸缩与变调-调整音速
回忆/内心os
效果-混响-室内混响（回忆 人声混响中段）（内心os 人声混响大段） 在回忆的过程中是没有噪音的
电话音
效果-振幅与压限-多频段压缩器-预设玩具
效果-滤波与均衡-参数均衡器-预设电话音-保存预设（√更好用）
隔墙声音
效果-滤波与均衡-科学滤波器（参数：255 3）
回音
延迟时间-反馈-左右声道
调色
PR调色
1.学习PR调色的用途
学调色的好处
开拓业务能力（接一些私活可以自己独立完成）
给调色人员提供参考色（灰度模式的影片可自己调出参考色给到调色团队）
小成本制作偏多（并不是所有项目调色都要进达芬奇）
调色需要具备能力
不是色盲
对画面色彩的把控能力
审美（世界名画、电影）
在没有必须的情况下，不可改变美术组设计的颜色，调色师调的是风格和感觉
2.影视剧中常见的调色风格
常规电影色调（包括电视剧 例子爱奇艺网剧）·
青橙色调（暗部里带着淡淡的青色，亮部里带着暖色）
青橙是对比色调，亮调和暗调进行强烈的对比，使人物画面更立体
蓝红色调（韩剧 白场青橙 夜场蓝红 德鲁纳酒店）
德鲁纳酒店调色方式：夜场 暗部加蓝 亮部带一点点的红 皮肤的颜色调白 白中带一点粉
年代怀旧色调（青橙色调为基础，高光比，暖色调）
只针对中国60-90年代、你好李焕英
现在写实色调
机器拍出什么样就调成什么样（最多加对比度，调光）
小成本制作的片子、现代情景剧、电视台的综艺节目（每个镜头统一）
中国古装厚重色调
高光比、高对比、高饱和
赤壁、满城尽带黄金甲、绣春刀
3.主流调色风格介绍
美剧风格（重剧情风格）
主光（非常亮）+环境光（绝对的光比）（辅光来源于自然光）
吸血鬼日记、权力的游戏、行尸走肉、荒野猎人（没有使用灯光）
饱和度非常的高、对比度非常高（感觉人物像刀雕刻的样子）
日本小清新风格
薄弱的光比、低对比、高饱和（要求颜色上鲜艳）、低锐度
多用于MV\日本本身不会用、文艺感极强的、日本乡村照片
中国古装仙侠风
高曝光、低光比、中等对比度、高饱和、高磨皮、非常高的锐度
古装仙侠风已经被整顿、不允许再出现这种色调、模仿漫画、造成观众的审美疲劳，但是广告、企业的宣传片还在用，应甲方的要求
4.调色介绍
调色需要在调整图层上面调 而不是在原始素材
套LUT
白平衡
左变冷 右变暖
色彩
绿和洋红（比如说需要粉色 可加一点洋红）
曝光
所谓的曝光就是现场灯光的亮度
对比度
就是整个画面所有元素之间进行对比
光之间的对比
色彩之间的对比
颜色之间的对比（视频中红色的亮度与红色的暗部之间的对比）
范围图
不能曝光、不能死黑
高光
灯光打在人脸上最亮的那个位置就是高光、高光就是亮部
阴影
阴影就是暗部
白色
画面中白色部分
黑色
画面中黑色部分
饱和度
提高饱和、颜色会鲜艳（物体上自带颜色的饱和）
5.创意
各种风格look
淡化胶片
左打提高浓度 右打降低浓度
锐化
左打模糊 右打使线条更明显
自然饱和
环境来提供的颜色，环境来提供的饱和度
6.曲线
调光（横坐标由暗到亮、纵坐标就是暗部的亮度）
后面的红绿蓝（可以用来调局部的颜色）
7.色轮
阴影 中间值 高光（用来调风格）
8.色相与饱和、色相、亮度
吸管吸中颜色后 会在线条上形成点 然后调整饱和、色相、亮度（调整的都是吸管吸中的颜色）
9.调色规则（调色需要一点点调）
分析场景
白夜室内外
灯光
调光比
调对比（对比度是使画面变得更清晰、最佳手段）
注意曝光和死黑（调阴影和高光）
饱和度看导演的喜好
再调风格
好剪辑的六要素
信息
新的镜头应该给观众呈现新的信息 例：一个新角色登场，一个不同的地点展现，一个扑朔迷离的事件上演等等
也可以表现为视听信息 例：旁白，马蹄声，讲话声等等
剪辑师承担的诸多任务之一就是调动观众的情绪和思维
我们必须清楚一点，被剪切的这个镜头中是否还存在新的信息，这个镜头为什么被剪切，还有没有更好的选择，同一个场景还有没有另外一个镜头可以提供新的信息并能够满足剧情的需要
动机
剪切的新镜头应为观众提供新的信息，但是切出的镜头，应有动机，这种动机可以是视觉动机，也可以是听觉动机
动机因素通常是当前镜头中由主体或客体发出的一种动作，大到汽车跨越河流，也可以简单到面部的一个细微动作，或者是特写镜头中一个角色眼睛稍微地向左移动，好像看向屏幕外的某个东西。剪辑的逻辑解释切出之前的特写，并迅速切入角色感兴趣的客体。
把声音作为一个动机因素，就需要再靠近转场的地方更加精确地处理画面和声道的剪辑
用声音作为转场动机，这种设计更为概念化。剪辑师在利用这种方法时要打造一个所谓的“声桥”。一种由观众看不到，不为观众所知的东西产生的声音出现在的第一个镜头中，这种声音推动该镜头切入第二个镜头，在这里揭开了这种声音神秘的面纱
镜头构图
剪辑师无法控制镜头中视觉元素，但能选择在转场时将哪两个镜头放在一起剪切，如果正确的镜头构图存在于视觉素材中，那么剪辑师可以使这些画面更加生动，让观众身临其境
可以以最简单的形式从一个构图，声音完美的镜头开始剪辑所有镜头----简单的、复杂的或运动
挑出两个基本但却构图合理的镜头后将其逐步切入。精美的、多层次的镜头构图在屏幕上效果极佳，但同时也要考虑到如何切入、切出镜头，以及观众如何在更加复杂的视觉环境中捕捉到重要新信息
摄影机角度
回顾所有镜头并注意从180度动作弧线周围不足30度距离的两个机位拍摄的镜头，这是镜头的关键要素之一，有助于确定该镜头是否要紧接着另一个镜头，对“恰到好处”地剪辑在一起的两个镜头而言，拍摄时摄影机角度必定存在合理的差异
如果相似的画面用两个角度很近的机位来拍摄两个镜头，那么随后产生的影像会看起来非常相似，即便有些不同，在观影时发现这种情况后，观众会误以为剪辑点处的影像出来了干扰或跳切现象
术语“跳切”通常在分析电影剪辑时使用，放映的影像产生一种跳动和干扰，或极短时间的中断或变化
连贯
使转场保持平稳流畅，天衣无缝的连贯，是避免观众注意到剪辑的重要法宝
内容的连贯：
从一个镜头切入另一个镜头时，演员的动作必须匹配连贯
切出就是一种可恰到好处地分散注意力并填补时间空白的短小镜头，以调整事物的连贯性逻辑，让观众弥补了这一空缺
动作的连贯
银幕方向是指演员或物体向画面右侧或左侧的运动。从一个镜头切到下一个镜头时，如果下一个镜头中仍然出现演员或物体同样的动作，这时必须保持方向一致
如果没有这么做，同时接下来想继续延续人物动作镜头和已经建立的银幕方向。这时就要插入一个逻辑镜头，用来继续影片的叙事并打破演员动作在视觉上的不连贯。这个符合叙事流程的插入镜头，为观众提供了一个短暂的视觉休憩
位置的连贯
影片空间具有方向性，同时还必须具有空间感
影片空间内人、物体的位置和镜头的构图应在剪辑点交叉时保持一致
声音的连贯
声音和视角的连贯极为重要
在同一剪辑的场景中，语音和物体的声音级别应保持一致,在电影空间内，物体和摄影机之间距离发生变化时，应注意镜头中混音音量的变化
根据银幕上展现的环境不同，应用的声音级别也不同。 分为：环境声音、氛围声音、自然声
声音
声音除了起到动机之源的作用外，还不失为电影说明或传达信息的一种好方式
声音衔接（又称为：J cut & L cut）， 是在声音层面， （包括：对话；解说；音乐；音效等声音元素） 将众多的镜头组装成一部完整影片的技术 通过声音把前后镜头融合在一起的技术，这也是剪辑师最常用的技巧之一。
J所谓J Cut，就是声音先进，视频后进。于是声音的那个片段和视频的那个片段组合在一起，就成了一个J的形状。叫J Cut L所谓L Cut。并不代表视频先入。而是声音还没有结束的时候，视频切到了别的地方去。于是声音上面的第一个视频片段和声音形成一个L的形状。
1：剪辑不仅仅是一堆镜头一个挨一个的排列组合，它更需要创造性地排列各种影像和声音元素，以达到向观众传递信息，吸引观众兴趣和启迪观众的效果 2：不同的电影类型和电视节目类型需要不同的剪辑方法 3：不同的内容和目标创受众是选择剪辑风格，剪辑技术，剪辑效果等前提 4：剪辑的基本语法，不同的剪辑工作需要不同的剪辑技巧，尽管此言不虚，但大多数剪辑类型还是存在一些共同特点 5:了解观众，明确自己的剪辑工作针对他们以及他们的观影体验 6：转场的每个镜头都能为观众提供新的信息，推动影片“故事”情节的发展 7：每次转场都由即将切出的镜头中的某些视觉或听觉要素作为推动 8：从一个镜头切入另一个镜头时，使用不同的或有趣的构图引导观众的视线，观众能够积极参与其中 9：在一个设定的场景或片断中将镜头以不同摄影机角度呈现给观众，从而避免跳切 10：最大限度地保证转场符合内容、动作。位置和声音连贯的原则 11：无论声音和画面是否匹配，它都是提升或降低故事内涵的利器，甚至会让你的观众置身不同的感官层面
影视
影视剪辑流程
合板
把不同机位（多机位）拍摄的素材按时间和画面整合堆在时间轴上，按场次分类。 对画面，音频容错不能超过3帧，否则听起来有回声的感觉
粗剪
粗剪就是电影、预告片或广告的粗略剪辑版本
一定要读剧本，由于粗剪是单场戏，一场一场跳着剪，我们要明白这单场戏是讲了些什么，都讲了哪些点，然后根据这些关键点去寻找素材，然后将它按照剧本的顺序排放，剪出单场戏承担的戏剧任务，并尽可能剪出导演拍摄的全部细节。
粗剪阶段，核心任务就是剪出个剧本版的影片，不改变剧本本身结构
精剪
把单场戏放到全片去审量，这时候你可以通过删戏，删点，换顺序，或改变剧本的叙事结构，重新给影片建立一个新的叙事方式，这个就是精剪需要做的
音频制作（音频修音、同期声）
配合已有镜头以及画面所需表达的效果来找到相对应的音乐,从而提高视频作品的视听效果,让人们能够在观影过程中,有更强烈的代入感
音频合片
调色
特效包装
审片修改
宣发
上线交片
交集工种： 场记、DIT、跟组剪辑（粗剪）、精剪师、导演自己剪、音频制造团体、拟声团队、调试团队、包装团队 工程管理：素材、工程、音乐、音效、辅助 Pr文件管理：视频素材（包括原始素材，筛选视频素材）、 音频素材（包括原始同期声音频素材，筛选同期声音频素材）、 合板序列（需要按照每一场线制作工程序列） 辅助工具（电影上下横幅、调整图层等等） 电影屏3840 *1640
剧本
优秀的剪辑师具备
强大的剧情理解能力
完整的剧情梳理能力
强大的剧情二次创作能力
立意、线索、人物和情节点 不同剧本的主题和叙事方式，决定不同的剪辑手法 把握电影剧本的立意和叙事风格，把握其中人物的心理和相互间的关系，把握关键走向的情节点，以及这一个情节点和下一个情节点之间的情感导向(人物之间的关系、情绪)是正向的(合)还是反向的(分)
电影剧本的感念
什么是剧本
概念： 以代言体方式为主、表现故事情节的文学样式，戏剧演出的文字依据。在文学领域里，它是文学作品的⼀种特殊体裁，在戏剧实践领域里，它是戏剧活动的基础和起点
内容： 剧本主要由剧中人物的对话、独白、旁包和舞台指示组成。对话、 独白、旁白都采⽤代⾔体，在戏曲、歌剧中则常⽤唱词来表现。剧本中的舞台指示是以剧作者的口气来写的叙述性的文字说明，包括对剧情发生的时间、地点的交代，对剧中人物的形象特征、形体动作及内⼼活动的描述，对场景、气氛的说明，以及对布景、灯光、⾳响效果等方面的要求。
通过影像、对话和描述来讲故事，并把这个故事放置在一个戏剧性的结构环境中
剧本：日/夜 内/外 场地 环境调度、演员调度、表演调度（用符合△表示） 台词 OS（内心独白）
剧本不能呈现影视画面就是失败的，剧本服务于影视
剧本三大元素
三幕式：
建置
故事环境（年代）、人物关系（主人公、配角、周边人物）、周边活动（主角活动、配角活动）
对峙（对抗）
人物所期望赢得、获取、达到的目的时，需要设置障碍，越过阻碍的过程
解决
解决等于结局，结局不意味着结尾（结尾让人意想不到，反转），结局意味着解决
情节点
偶然的故事、情节、大事件。 一系列互为关联的偶然故事、情节、大事件，按照线性安排，最后导致一个故事的结局
三幕式是以情节点关联起来：互为关联
剧本创作流程
故事核（主题）
故事核
中心思想
中心句
就是我们的故事核心、通俗易懂
故事核
动作（发生了什么事）
人物（发生事件的主人公）
在电影中我们统称这个什么事情是动作，这是一场戏，一个调子
剧本一定一定一定，不能脱离故事核心，不能脱离想表达的思想 什么人到哪做了什么
主题的创作
主题可以来自生活
主题可以来自忽然间的一个灵感
或他人讲述的故事
其他渠道（报纸、新闻、书籍、网络媒体）
主题拓展
集中于主人公
拓展故事线
突出细节
主题规划
动作（事件）
人物明确的需求：主人公想要什么，是什么驱使主人公走向结局 动作既是人物：人物一个行为，表明他是什么样的人
人物
需求
例：我要成为什么样的人
动作
例：我要成为这样的人做的事情
有形的动作：有具体表象的动作（战争、比赛、格斗、恋爱）真实发生的事件，刻画人物变化 情绪的：人物的内心
梗概（故事简介）
人物创造（人设，人物背景）
人物的定义
剧本中的人物:主人公,剧本的内在基石，影片的心脏、灵魂、神经系统
动作即是人物:一个人如何，在于他做什么，而不是说什么(刻画人物)
人物的创造
内在的：从出生到现在
外在的：从电影开始到现在
之间关联：物质生活--展示人物 【确定其需求动作即是人物：职业生活（工作）、个人生活（人际关系）、私生活（独处是最能刻画一个的）】
构建人物
人物传记
人设：人物的表象 性别、年龄、职业、身份
人特：人物的特征 性格、做事方式、三观、体魄
周边：人物身处环境、年代、人物关系
构建人物四要素
1.人物要有一个强有力且清晰的戏剧性需求
2.有独特的个人观点：看待事情的方式（如：生活是不公平的、我命由我不由天）
3.有特定的态度：一种方式或者主张（正确与错误、积极与消极、愤怒与快乐）
展现人物个人见解的一种行动或者感情的方式 区别与观点，理智的判断
4.经历过某种改变或转变：是否改变，什么导致的改变
人物的改变最好的积极的主动的 是人物导致事件发生，而不是被动改变
剧本大纲
简化的剧本
基本的人物调度
人物走动
基本台词
主要内部人员讨论时 基本看的懂的大纲
剧本分场
细则的走向
完成剧本
总结：电影即是行为，动作即是人物，人物即是动作 一个人的行为而不是言谈，表明是什么样的人
拍摄工具
电影相机
FS7
这个级别的拍摄的设备，可以称为电影机，
微电影，网络电影，广告，宣传片
二代SF7可以拍摄6倍以上，可以拍真正的灰度模式，是可以进入达芬奇调色的
它的色彩宽容度比较高，整体画面看着相对比较柔，基本上可以挂蔡司镜头（蔡司镜头就是电影级别镜头，通过蔡司镜头可以提高画面的一些质量，包括柔和度）
硬伤： 可以拍摄50帧或100帧每秒。但是拍摄100帧每秒就拍摄不了4K画面，只能拍摄2K 特别吃光，当光线不足的情况下，会产生噪点
RED
更适合拍摄广告，因为颜色相对艳一点，也相对柔一点
可以拍真正的灰度模式
拍摄东西会锐点点
ARRI（阿莱摄影机）
最高档的机器是：艾丽莎
它对色彩宽容度、光、柔、锐特别强、没有噪点
姐妹款 阿莱mm
单反相机
1635镜头 拍广角镜头、全景
24-70变焦镜头
70-200变焦镜头
50定焦头
85定焦头
100定焦头（百威）
定焦头一般拍摄单独的人物 焦段：就是物体与物体之间的距离 定焦头：不能改变物体与物体距离。定焦头拍摄人像比较好尤其是光圈（除非移动相机） 变焦头：可以利用镜头伸缩物体与物体之间的距离 光圈数值越小、背景越模糊 光圈数值越大、背景越清晰
手机拍摄
可以拍摄4K画面
有电影模式
自带防抖功能
租机市场价： FS7跟RED裸机 500 阿莱 1000-1200 艾丽莎 3000 单反相机 200-300 单反镜头 80左右
辅助工具 / 运镜
脚架
固定机器
它有一个轴心点，对各个角度可以旋转，上下左右 但是它的轴心点是不能改变的，只能上下左右
涉及到一个运镜:那就是摇、通过轴心点上下摇 左右摇
轨道
电影机一般往往都是用定焦头，它不能改变焦段，所有就需要用到轨道进行前后推拉
轨道分两种，一种直轨、一种弯轨（一般6个为半圆，一般剧组配12个弯口，6个直口）
涉及到一个运镜:移动拍摄（推拉）
需要有人在那推轨道车，而且推的速度如果不稳定就需要重拍
Panser
它是电动轨道车
它的速度是可以通过遥控来控制的，甚至可以设置速度
一天租金 3000 护理费费用非常高 需要6个大汉才能抬得动
它可以推拉移，还可以升降
摇臂
分大摇臂、小摇臂
可以做一些简单得升降、各种摇晃
一般用于是大场面，高机位俯拍、拉起来得镜头
缺点：一般拆卸在1到3个小时
航拍
通过飞机可以模拟出摇臂得镜头，高机位
缺点：飞机太吵了，录不了音，只能后期再去配
斯坦尼康
跟拍专用，相对比较稳定
跟拍，涉及到 主观视角（第一人称）、客观视角（第三人称）
可以主观视角变化成客观视角、可以来回切换
跟拍最难的是摄像跟演员的步伐难一致
如影稳定器
大概像是六边形的一个圈，然后机器稳定在中间（配件一起大概20-30斤）
需要搭配一套手臂机架，这样力可以用机架来承担（大概20斤左右）
拍打戏常用
什么是运镜，就是通过拍摄工具，经过不同的拍摄手法，拍摄手段而产生出来的就叫做运镜 运镜不是一成不变的，它可以是几个几个相结合来使用的
机位
综艺的机位跟影视的机位不同
综艺的机位分两种
棚综
外拍
如跑男、一般2个机位跟拍1个演员
影视
一般考虑能不能双机位，这两台机器会不会穿帮
影视里面的所有机位都是要经过严格的设计的
设计镜头的时候，永远要考虑一个问题，防越轴
拍摄角度
俯拍
从上往下扣着拍
高机位俯视，显得阴暗渺小无助
平拍
仰拍
低机位仰视，主观的使对象更加伟岸神圣
侧角度拍摄
从侧角度拍摄
破水平拍摄
人物静止的情况下，使用破水平拍摄的方式，它其实给观众有一种感觉，人在动，人下一秒就会动
拍近景的时候，使用破水平拍摄时，会给人一种往后仰的感觉，看着比较慵懒
影视粗剪的规矩
根据剧本内容，将镜头合理的进行初步剪辑，按台词动作切换镜头（一句词。一个动作、一个眼神，切镜头）
注意：主观镜头，而不客观镜头
动接动剪辑
动作衔接、动势衔接
静接静剪辑
反复的强调气氛
静止的画面跟静止的画面衔接
动静结合剪辑
往往动跟静衔接，会觉得跳。但有一种情况是静是第三人称
注意事项
同角度剪辑
低于30度剪辑，会跳，会感觉瞬间放大缩小的感觉
轴线
演员A与演员B在对话，以他们两个的鼻子为中心点
如需衔接越轴线需
设计一个跨栏镜头骑在轴线来过渡
大特写镜头
表演的理解
表演不代表只是一个台词，有时是一个眼神，或者一个呼吸
电影预告片
前期制作流程
第1步：制片厂宣传部门选择预告片公司，相当于竞标
第2步：制片厂宣传团队陈述宣传方案
第3步： 预告片制作团队出创意，包括影片喜迎观众的地方，演员的表演，故事本身，台词等
第4步：根据创意点制作预告片
第5步：根据市场调研结果向预告片公司提出修改意见
第6步：重复修改、评估、反馈，达到制片厂满意为止
电影与综艺预告片区别
电影
影片故事的压缩，故事核心的完整与吸引力
综艺
精彩的内容的集锦，追求的是镜头节奏和亮点
什么是电影预告片
一种电影展示的载体，用最短的时长讲述故事的视频，一部电影的压缩版
片花花絮预告：3-5分钟
定版终极预告片三个版本
1分30秒-2分钟（终极预告）
主要将影片的精华片段，经过特意剪辑安排，重新整合成一部短片。一些电影的正式版预告也会分为多版本，可以从不同国家、主线（动作、感情）、人物分版本。一般持续 2 分钟左右。
45秒（先行预告））
时间短并且只告知演员、导演、改编小说或续集说明，通常以影片中的某一段情节作为先导，时长一般在一分钟以内
30秒（LED）
正规要求1分29秒24帧
越短的视频越难剪
国内预告片分类
先行预告片
作用与时间
非正式预告片，电影上映前3至4个月甚至一年以上发行
表达电影主题、让观众有认知
内容与尺数
时间短并且只告知演员、导演、改编小说或续集说明，通常以影片中的某一段情节作为先导，时长一般在一分钟以内。
正式预告片
作用与时间
正式的预告片，通常发布于影片上映前1到2个月
内容与尺数
主要将影片的精华片段，经过特意剪辑安排，重新整合成一部短片
一些电影的正式版预告也会分为多版本，可以从不同国家、主线（动作、感情）、人物分版本。一般持续 2 分钟左右
终极预告片
作用与时间
类似于加长版。更具有悬念性。主要会在电影上映前1月左右推出
内容与尺数
在原本的正式预告片加入更多情节，细节更丰富，冲突更强烈，一般比正式预告片尺数更长
作用
超前性
广而告之让观众提前了解影片吸引受众群体
宣发
预热推广
平台
网络媒体-微博/知乎……
短视频平台-抖音……
影院开场广告-影院外大屏……
电视平台-CCTV6……
视频平台-B站/西瓜……
LED大屏-地铁/广场……
目的
预告片属于电影的广告，是营销电影的一种手段
好的电影预告片一般需要达到以下三个需求
1、让观众对电影产期待
2、以独特的形式娱乐观众
3、告诉观众演员阵容造型上映日期等信息
电影预告片五大要素
故事
音乐
节奏
故事节奏
音乐节奏
台词节奏
风格
卖点、主题
预告片的剪辑流程
电影预告片准备工作
电影原片
高清晰电影原片素材：《https://z2py.com/》 《电影天堂》
下载《DDP5.1》是有音频分轨的素材《mkv格式》
mkv格式的素材可以利用《小丸工具箱》转码
观影
第一次观看：对剧情进行初步了解
第二次观看
整理一句话分场
故事、精彩点、断落性（三幕式）
起：故事的主要起因 承：主人公解决过程时，遇到的不同困难 转：影片中所有主人公需要抉择的事件 合：故事的最终结果(不能局透)
承与转中的每一件事情都要详细记录，帮助你熟悉影片故事结构和表达
归纳总结一句话分场
文档记录每一场戏的时间码，总结此场戏的内容及重点
方便剪辑找镜头、对剧情更深入的了解
方便构思预告片思路，总结预告片梗概
构思故事线框架
影片的中心思想
通过整理的一句话分场加两次观影归纳出影片的多条故事线
精选总结影片的故事核心内容作为预告片的重点故事内容
编辑预告片梗概
不能拖离故事核中心思想
总结故事内容
定义预告片思路、框架、结构、节奏
第一幕：序幕– 介绍人物、构建人物关系、制造悬念
第二幕：开端– 交待故事的起因
第三幕：发展– 深化冲突、构建悬念
第四幕：高潮– 不同地点、不同人物的强烈外部冲突
第五幕：尾声– 高潮之后再次加深影片的印象
建立剪辑工程导入影片
每一幕的情绪是呈进阶推进的走向
注意
可以在每一幕中提出问题，但未必要交代答案
预告片的主线不要偏离影片本身的主线和表达
故事架构
结构
第一幕：序幕– 介绍人物、构建人物关系、制造悬念
第二幕：开端– 交待故事的起因
第三幕：发展– 深化冲突、构建悬念
第四幕：高潮– 不同地点、不同人物的强烈外部冲突
第五幕：尾声– 高潮之后再次加深影片的印象
1、可以在每一幕中提出问题，但未必要交代答案 2、预告片的主线不要偏离影片本身的主线和表达
音乐
节奏定位
渲染预告片情绪
给预告片定一个节奏
通过音乐来讲故事，给观众听觉上的刺激
音乐选曲
情绪方向
提前想好阶段性段落预告片的情绪，针对性选曲
节奏方向
判断一个阶段预告片的节奏，争对性选曲
流畅方向
提前判断音乐段落与段落之间是否能够完美拼接在一起、针对性选曲
音乐剪辑
建立音频序列通过节拍截取片段进行拼接
音乐留白、要有一个衔接点
根据旋律变化剪辑，根据截屏变化剪辑、关键性台词起点当音乐节奏
选曲类别
影视原音
电影原片中出现过的音乐，找到纯净版的BGM。慎用，不是所有原声都适合做
罐头音乐
网络下载不涉及版权的常用影视BGM
自我创造编曲
大成本电影预告片都有编曲人员编撰音乐
根据预告片梗概挑选音乐
台词
挑选台词
1.序幕
思路一：介绍人物
适用于：个人英雄主义电影，或者主角较单一
挑选：以主角第一人称介绍或以第三人称介绍
思路二：构建人物关系
适用于：主角较多的电影，例如：复仇者联盟、速度与激情、极速车王等
挑选：两组或者多组人物之间的对白
思路三：制造悬念
挑选影片中悬念性较强的台词（通常是问句）
注意：挑台词的时候，可以将画面保留下来
2.开端
思路一
主要事件的起因
适用于：个人英雄主义电影，或者主角较单一
挑选：以旁白的形式诉说故事的起因
思路二
构建人物关系+主要事件的起因
适用于：主角较多的电影
挑选：两组或者多组人物之间的对白
3.发展
思路一：个人困难
适用于：个人英雄主义电影，或者主角较单一
挑选：以个人为主要挑选条件，针对个人在影片中遇到的各种困难挑选
思路二：多角困难
适用于：主角较多的电影
挑选：不同人物身上的各种困难
思路三：对话冲突
适用于：视觉冲突不强烈的电影
挑选：主人公与他人的对话冲突，例如主人公和小伙伴观念不同
思路四：以反派的口吻构建悬念
适用于：反派单一，台词较多
挑选：反派挑衅主人公的话语，放大反派的实力
将人物行动过程中不同的困难集聚到一起，形成强烈冲突，为高潮做铺垫
4.高潮
思路一
不上台词，主要依靠画面和音乐的冲击力创造节奏
思路二
不构成叙事性的语气台词
挑选：正派人物表明决心的台词，不交代结果
相对其他部分，这部分的台词较少 以动作，科幻。一般都是以画面为主要的
5.尾声
思路一
突出主人公的形象
挑选：彰显主人公形象的一句话语
思路二
加深悬念
挑选：一句话的问题 或者 一句话的回答（话说一半）
思路三
诙谐搞笑
挑选：挑选影片中轻松诙谐的话语
台词通常就一句话
根据预告片梗概挑选关键性台词镜头
重新整理台词顺序、故事线 预告片的逻辑主要体现在台词的搭建 台词包含：对白、旁白、独白
我们需要先确定要用到的台词，根据台词确定镜头。选取的台词需要有逻辑性，可以连成一条故事线
对镜头与台词进行重新排列组合，创造出叙事
将台词镜头与音乐结合
关键性台词是能讲故事的 如果影片没有关键性台词、可以移花接木（拼出来一个关键性台词）
拿声音讲故事 台词等于旁白
预告片镜头筛选
挑选镜头
1.序幕
思路一
介绍人物
镜头侧重点：介绍时代背景、主人公亮相（需要符合影片中人物设定）
思路二
构建人物关系
镜头侧重点：介绍时代背景、主要人物与次要人物的关系镜头（对话、动作）
思路三
制造悬念
镜头侧重点：介绍时代背景、一些标志性特写镜头、营造悬念的镜头（动作、爆炸）
2.开端
思路一
主要事件的起因
镜头侧重点：主要事件的环境背景（区域性的环境）、解释故事起因的镜头
主要出现群演、反派及其他人物
思路二
构建人物关系+主要事件的起因
镜头侧重点：主要人物与次要人物的关系镜头（对话、动作）、主要事件的环境背景（区域性的环境）、解释故事起因的镜头
主要出现主人公与配角人物
3.发展
思路一
个人困难
镜头侧重点：个人遭遇的困难镜头
思路二
多角困难
镜头侧重点：不同地点、不同人物遇到的困难镜头
思路三
对话冲突
镜头侧重点：主角和不同人物之间的对话镜头、主角遇到的不同困难镜头
思路四
以反派的口吻构建悬念
镜头侧重点：反派人物形象、反派人物压制正派人物的镜头
4.高潮
冲突元素1
主人公与反派的动作冲突
极具视觉冲击力的镜头、主人公与反派冲突的场面
Ps：如果正反派冲突戏较多，那么选择出来之后可以再按照场地去分组。
冲突元素2
重要配角和反派的动作冲突
极具视觉冲击力的镜头、配角反应镜头、配角与反派激烈争斗镜头
冲突元素3
男主与女主冲突
男主和女主的柔情戏
5.尾声
思路一
突出主人公的形象
挑选：视觉呈现震撼的主角精彩镜头
思路二
加深悬念
挑选：根据悬念性的台词，多选取人物或者事物的特写镜头，因为特写可以制造悬念
思路三
诙谐搞笑
挑选：人物对白镜头
注意： 1.镜头的内容需要参考已经挑好的台词去挑。 分为两种：1.电影中台词对应的镜头 2.电影中可以解释相应台词的镜头 2.预告片是一个单独的成片，我们需要打破电影中的原有组接方式，对台词与镜头进行重新排列组合，创造出预告片的主线与逻辑，但是不能脱离原有的叙事结构 3.每一幕中的镜头都需要从电影全片中挑选，而非单从某一个阶段中挑选 再次浏览剩余部分，从中选出一些未挑的精彩镜头，例如： 1.主角的反应镜头 2.带有标志性的道具特写镜头 2.极具冲击力的大场面镜头 3.重要参演人物的反应镜头（脸部特写镜头、动作幅度较大的镜头） 4.人物动作幅度大的镜头（举枪、砸东西、跳起）
针对性
根据预告片梗概有针对性的脑模拟影片结构
镜头的内容需要参考已经挑好的台词去挑
电影中台词对应的镜头
电影中可以解释相应台词的镜头
预告片是一个单独的成片，我们需要打破电影中的原有组接方式，对台词与镜头进行重新排列组合，创造出预告片的主线与逻辑，但是不能脱离原有的叙事结构。
每一幕中的镜头都需要从电影全片中挑选，而非单从某一个阶段中挑选。
粗剪
最大化加入镜头画面
镜头筛选
根据预告片梗概、筛选所需的精彩镜头
根据故事内容、梗概、关键性台词、预告片结构码镜头
相似性内容镜头集中表现剪辑
多退少不补
精剪-调节奏
调节画面剪辑节奏
根据情绪剪辑剪辑
不同的情绪，镜头剪辑的节奏不同，剪辑的编辑点也不同
根据节奏删减镜头
音乐节奏剪辑
根据旋律变化剪辑
根据节拍变化剪辑
卡点剪辑
关键性台词第一个字的起点也可以当作节奏来用
相似性集中化、相似性色温
拿画面讲故事
转场
开场
大气开场：宏观大气磅礴的大全景镜头
环境开场：交代影片主要环境的沉浸式空镜作为开场镜头
主题开场：关键性镜头剧情前置做开场效果
线索开场：关键性道具特写镜头开场
主人公开场：主演标志性镜头开场
结尾
结局式收尾（伪结局）
开放式收尾
关键镜头收尾
关键台词收尾（声音、镜头。最有仪式感）
常用转场方式
可看第二个月《转场》那一节
音频
修音降噪
特殊声音处理
包括音效
人声音乐分离
RX8导入音频-音乐再平衡-Vocal-人声-数值为0是保留
留人声-人声数值调到0-其他调最底-处理-file导出
留伴奏-人声调最底-其他调到0-处理-file导出
音量调整(音乐标准、可看第二个月《音乐》那一节)
调整构图
根据上下遮幅及画面需要二次构图
字幕需要加在遮幅上
隔断制作
什么是隔断
预告片中的文字展示版面
精剪时已经提前把隔断预留好
隔断的作用
上一段故事连接下一段故事的桥梁
讲故事-用隔断的方式讲故事，并突出影片主题及特点
承上启下-对段落剧情承上启下，结束上一段内容，开启下一段内容
影片定调-对影片的调性做一个提前的展示
编辑制作预告片中的说明隔断
隔断要配合音乐、画面，服务于我们的故事
添加转场效果
淡入淡出、闪白、黑场（淡入淡出切忌连续使用）
片尾制作
重点在于Logo的设计
字幕
不可有错别字，错别字超过3个为播出事故
中文不能超过14个字
中文不可有标点符号
不能有语气助词：啊、呵、嘿、呀、啦
资料角标
甲方提供
预告片音乐为王 画面是对于声音作为辅助的 微调打磨
宣传片
定义
通过电视电影的拍摄手法、对品牌有重点、有针对、有秩序的拍摄完成
通过后期合成、最终成片的视频作品
用途
品牌性
宣传片中讲的主要事物就是品牌：国家、城市、公司、产品。个人
广告性
类似于广告的广告又区别与广告的表现形式
级短的时间里对品牌的推广
时长限制少、播放平台广、对品牌描述的更详细
展示性
宣传片是一种品牌对外展示的载体
传播性
宣传片适合低成本行业内传播、不同于广告需要更高额的传播费用
主题性
宣传片的主题非常明确，对品牌的定义很明确的表现给观看者
品牌方向
地理、企业、产品、公益、形象、活动
区别
宣传片-品牌
预告片-故事
思维方式
宣传片思维
所有思维以产品为主针对性级强
最大化夸大渲染
预告片思维
一切为了讲故事服务让观众提前对影片进行了解
与预告片的相似性
功能相似
广告与宣传
表现形式相似
都是音乐与画面结合的视频表现形式
都需要很好的节奏：内容、音乐、画面节奏
碎片化的镜头画面剪辑而成